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Eduardo Tancredi es un reconocido pianista y compositor uruguayo, especializado en Jazz Latino

29 julio, 2025 by Augusto Felibertt

Eduardo fue destacado alumno del Berklee College of Music en Boston.

Estilo Musical: Su música fusiona una gran variedad de ritmos afro-latinos (como el candombe uruguayo, la samba brasileña, el son cubano, el landó peruano y el joropo venezolano) con las armonías y melodías del jazz moderno.

Reconocimientos: Ha grabado varios CDs con temas propios y ha recibido premios por su destacada actuación en la escena del jazz latino. Su disco «Ongoing Dreams» fue elegido como el mejor álbum en su categoría en 2002 por «The Boston Globe».

Experiencia Docente: Durante su estancia en Estados Unidos, fue profesor de piano y armonía en el Berklee College of Music. Desde 2003, reside en Barcelona y es profesor en la ESMUC (Escola Superior de Música de Catalunya).

Colaboraciones: Ha colaborado con numerosos grupos musicales como pianista y es una figura importante en la escena del jazz en España.

Eduardo Tancredi es una figura destacada en el Jazz Latino, conocido por su habilidad para integrar diversas influencias rítmicas latinoamericanas con la sofisticación armónica del jazz moderno.

Los acentos latinos demoraron un tiempo en establecerse en la música de jazz.

Muy pocos compositores incursionaron en ese género en las primeras décadas del siglo pasado, apunto que sus tímidos intentos fueron considerados exóticos y baladíes.

En el principio se recuerdan compases del “St. Louis Blues” de William C. Handy, algunos ragtimes de Scott Joplin, las referencias de Jelly Roll Morton al “spanish tinge” (el matiz español) o, poco después, los temas que ejecutaba la orquesta de Duke Ellington.

Fue en los años cuarenta que el toque latino adquirió relevancia.

El cubano Mario Bauzá, que había tocado trompeta en las orquestas de Chick Webb y Cab Calloway, impulsó el éxito de la banda de Machito y logró que Dizzy Gillespie contratara al bongocero Chano Pozo.

La influencia afrocubana se hizo poderosa en las décadas siguientes a través de los sones, las charangas, la rumba, el mambo y la salsa.

Nombres como Chico O’Farrill, Tito Puente, Mongo Santamaría, Ray Barretto y Chucho Valdés se volvieron muy apreciados y sus obras inspiraron a una legión de jazzistas.

Eduardo Tancredi es un reconocido pianista y compositor uruguayo, especializado en Jazz Latino

El jazz latino tiene hoy una fuerte presencia en la música popular y el uruguayo Eduardo“Edú”Tancredi es un brillante exponente de ese estilo.

Fue un destacado alumno del Berklee College of Music en Boston, donde ha obtenido premios como el Quincy Jones Award y el Outstanding Latin Act Award.

Después de su elogiado “Ongoing dreams”, de 2002, llega ahora este CD “Venimos tumbando”, grabado en 2007, con diez formidables composiciones y arreglos propios.

Sus antecedentes con el folclore latinoamericano más sus estudios jazzísticos han logrado una espléndida confluencia que se disfruta de principio a fin en este disco.

Su versatilidad como compositor se aprecia en candombes (“La mama vieja” y “Montevideo”), un baião (“Baialona”), un chorinho (“El germen”), una zamba (“Zamba del aire”) y las obvias referencias a los ritmos afrocaribeños que unen sus excitantes cadencias a los elementos del jazz.

Las obras de Edú son incisivas, estimulantes, poseen un swing desbordante y es fácil imaginar el placer de los músicos durante su ejecución.

Los arreglos contrastan las distintas secciones orquestales, destacando sus diferentes texturas sonoras, las sugestivas armonizaciones y realzando las dinámicas y los enardecidos instrumentos de percusión.

Tres saxófonos, piano, guitarra, bajo y batería) se alternan otros diez músicos invitados (voz, saxo, armónica, dos bajos, dos baterías y tres percusiones), generando una turbina sonora que atrapa al oyente desde la primera nota.

No quiere decir esto que todos los temas proponen un ritmo avasallante. Hay pasajes de hermoso lirismo, como en las dos versiones que canta Ana Finger, o en la placentera armónica de Antonio Serrano, o en el piano del director en “Como un blues”.

Los solistas rayan a gran altura, con especial destaque del saxo alto de Miguel Zenón, un improvisador de ideas frescas, límpida musicalidad y mucha inspiración y fervor.

Son atendibles también las intervenciones del guitarrista Alejandro Luzardo, el trompetista Matthew Simon, el saxo tenor Eladio Reinón y el barítono de Xavi Figuerola.

“Venimos tumbando” es la confirmación del talento de Tancredi como compositor y pianista y de su destreza como director de orquesta.

Aptitudes que demostró generosamente durante su aplaudida actuación en el Teatro Solís en diciembre del año pasado.Thomas Werner

Edu Tancredi & Bandon 33 – Venimos Tumbando (2007)
Temas:
01. El Subibaja
02. Hocus Pocus
03. Montevideo
04. El Germen
05. La Mama Vieja
06. Baialona
07. Mapa Del Mundo
08. Venimos Tumbando
09. Como Un Blues
10. Zamba Del Aire

Músicos:
Edu Tancredi (Piano)
Ana Finger (Voz)
Antonio Serrano (Armónica)
Mathew Simón (Trompeta)
Pere Grau (Saso soprano, saxo alto)
Miguel Zenón (Saxo alto)
Eladio Reinòn (Saxo tenor)
Juajo Arrom (Trombón)
Xavi Figuerola (Saxo barítono)
Alejandro Luzardo (Guitarra)
Matìas Migues, Paco Weht, Javier Gòmez (Contrabajo)
Santiago Blanco, Salvador Toscano (Batería)
Carlos Reyes «Compota», Alejandro Luzardo, Santiago Blanco, Alexis Liden, Sandro Lustosa, Salvador Toscano (Percusión)

Información Por:

Ostia Latín Jazz

Dj, Augusto Felibertt

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Historia de superación del compositor y pianista nicaragüense Donald Vega

16 diciembre, 2024 by Karina Garcia

La historia del personaje del que vamos a hablar hoy es sumamente fascinante, ya que los desafíos que ha debido atravesar no fueron impedimento para convertirse en el gran músico que ha llegado a ser. Hablamos de Donald Vega y la inspiración que puede representar para quienes vean imposibles sus sueños y metas por cumplir.

Donald y su piano — Compositor y pianista nicaragüence Donald Vega y su piano

Donald Vega y su interesante historia

Donald Vega es un compositor y pianista de jazz nacido en Masaya, Nicaragua, cuya familia ha tenido músicos desde varias generaciones. Su abuelo, Don Alberto Gutiérrez Laguna era compositor y multiinstrumentista y tenía un amor por la música que fue heredado a sus hijos a medida que fueron creciendo. Así fue el caso de su tío, Tránsito Gutiérrez, quien fue homenajeado en el año 2022 en el Teatro Nacional Rubén Dario por su gran trayectoria artística.

Tránsito fue una de las grandes inspiraciones para que su sobrino empezara a interesarse en la música y tocar. piano a la tierra edad de tres años guiándose únicamente por su oido. Su abuelo Alberto, al ver esto, quiso enseñarle a su nieto Donald a leer música y a irlo preparando lo mejor posible para el futuro. Coo parte de esa preparación, asistió al conservatorio para estudiar a los mayores exponentes de la música clásica como Beethoven, Chopin o Mozart.

Por desgracia, sus padres entendieron rápidamente que el país no era seguro para que su hijo persiguiera sus sueños allí.

Desafíos de la adolescencia

En esa época, los jóvenes de 15 y 16 años estaban obligados a ingresar al ejército nicaragüense, por lo que su madre salió del país centroamericano a buscar la forma de sacarlo a él y a sus hermanos y darles un mejor futuro lejos de conflictos armados. Algo que le impactó de esa época es que había muchos velorios en su vecindario en los que el cuerpo nisiquiera estaba presente, sino algunas partes del uniforme militar como el casco o las botas. Esto llevó a su madre a querer sacar a su hijo del país, así que le consiguió una visa para ir a México y poder cruzar la frontera terrestre hacia Estados Unidos junto a su madrina.

Donald y Poncho — Donald Vega cuando tocó junto a Poncho Sanchez hace algunos años

Su primera parada fue Los Ángeles, donde se juntó con su madre solicitó asilo político. En ese momento, no tenía ningún recurso para comprar instrumentos, pero logró obtener una beca en un conservatorio donde lo apoyaron mucho para formarse correctamente a pesar de la falta de dinero en ese momento.

Estando en la escuela, una profesora de música lo escuchó tocar piano y lo invitó a participar en una competencia nacional de música en Los Ángeles en la que ganó el primer lugar y, como obsequio, le dieron 5000 dolares y un piano. Se puede decir que este fue su inicio oficial en el mundo de la música, así que agradece de todo corazón haber participado en el concurso.

Tiempo después, recibió una beca para estudiar en el Manhattan School of Music en Nueva York y el Juilliard School of Music, del cual hoy en día es profesor de música.

Golden Striker Trio

La oportunidad de pertenecer al Golden Striker Trio es descrita por Donald como increíble, ya que ha sido una experiencia muy fascinante con un comienzo interesante.

Todo empezó cuando un alumno de Ron Carter en Juilliard, con quien Donald realizó una grabación en conjunto en Nueva Orleans para ser mostrada al profesor Carter a fin de determinar qué aspectos debían mejorarse. Carter quedó tan fascinado con Donald que pidió conocerlo y conversar con él para saber más de su trabajo.

Cuando se conocen, el profesor le propone al artista ir a verlo a una de sus presentaciones, Luego de verlo en vivo, lo citó en su casa y le dijo que le daba la oportunidad de participar en su Golden Striker Trio como pianista, ya que el anterior quería dedicarse más a su propio grupo. Ya Donald tiene más de 15 años trabajando con Carter y su agrupación, con la que está muy agradecido por lo logrado y lo aprendido.

Donald, Ron y Russell — Donald Vega, maestro Ron Carter y el guitarrista Russell Malone del Golder Striker Trio

Backcountry Jazz

Backcountry es una organización sin fines de lucro que busca apoyar a jóvenes talentos de escasos recursos para lograr sus sueños dentro de la música. Donald ha pasado a formar parte de esta noble inictaiva motivado a las enseñanzas de sus padres, quienes siempre le han dicho que debe ser generoso y dar de su tiempo a los demás. Por esa misma razón es que también se dedica a impartir clases en el Juilliard School of Music, ya que compartir de su tiempo y conocimientos con los demás le da una satisfacción increíble.

Debido a la situación que él mismo vivió con la falta de dinero e instrumentos para poder salir adelante en su pasión, entiende perfectamente como se sienten los niños y jóvenes que no cuentan con los recursos para poder salir adelante en la música, así que busca poderles dar una mano a través de esta organización y sus mentorías.

Nominación a los Grammys por As I Travel

Donald habla de ‘‘As I Travel’’ como una descripción de todo el camino por el que tuvo que pasar para convertirse en el músico que hoy en día es. También se inspiró en su recorrido por los más de 44 países que ha visitado junto a diferentes músicos entre los que, por supuesto, se incluye Ron Carter.

Todo el disco estsá inspirado en sus experiencias. Un ejemplo de eso es ‘‘¡Baila! Dance Like No One’s Watching’’, la cual es inspirada en la felicidad de quienes le rodean, especialmente de su hijo, su mayor inspiración para escribir el tema. Es una celebración a la vida, la familia y sus paisanos en Nicaragua.

Donald y Ruben — Rubén Blades y Donald Vega posando para la cámara

Otro ejemplo digno de mencionar es ‘‘I Know I can Fly’’, cuya inspiración fue la serie de desafíos que tuvo que enfrentar al momento de llegar a Estados Unidos y todo el proceso de adaptarse al país, el estilo de vida, el clima y el idioma. También se inspiró es su determinación de triunfar a pesar de todos los retos que se le presentaron en el camino.

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Pianista cubano Daniel Amat alcanza sus sueños fuera de su país

26 noviembre, 2024 by Karina Garcia

Desde siempre, Cuba ha sido una gran cuna de talentos y lo sigue demostrando hasta el sol de hoy. A través de nuestro gran amigo, el tresero cubano Iván Camblor, hemos podido hacer contacto con el talentoso pianista Daniel Amat, quien nos ha revelado algunos de los datos más interesantes en relación con su vida y carrera tanto dentro de su país natal como fuera del mismo.

Pianista cubano Daniel Amat, quien amablemente habló con nosotros para International Salsa Magazine

Cómo Daniel se inicia en la música

Daniel tuvo la fortuna de haber nacido en el seno de una familia musical, empezando por su señor padre a quien se le conocía como ‘‘El Pancho Amat’’ y tenía un gran talento con el tres cubano. Por el lado de su madre, también había varios músicos, por lo que de niño Daniel siempre tuvo contacto con este fascinante mundo, al cual pertenecería unos cuantos años después.

Al aprender a tocar, empezó por la percusión, pero poco a poco, experimentaba con la trompeta y terminó con el piano a partir de los 13 años de edad, ya que lo vió como una mezcla entre el mundo sonoro de la trompeta y el mundo rítmico de la percusión. Este es el instrumento que finalmente lo engancharía y por el cual luego se haría conocido.

Escuela Nacional de Música de La Habana

Daniel era oriundo de un pueblito del campo, donde se podía estudiar música a un nivel básico. Sin embargo, quien quisiera alcanzar un nivel medio tenía que ir La Habana quisiera o no, pero antes había unas pruebas de acceso que los interesados debían tomar una prueba especial para estudiar en la mencionada ciudad.

‘’Una vez que tú pasabas esas pruebas era que asistías a la Escuela Nacional de Arte (ENA), la cual era especialmente para la gente de las provincias de Cuba. Para los habaneros, había una escuela de música exclusiva para ellos. En la ENA, conocí gente de todas partes del país que tocaban todo tipo de géneros, lo cual me ayudó mucho. Estudié con Ulises Hernández, que era un excelente profesor y uno de los mejores concertistas de Cuba’’ dijo Daniel sobre el tema.

Daniel tocando — Daniel Amat tocando su piano en vivo

También nos comentó que la escuela lo preparó para muchísimas cosas, aunque asegura que la enseñanza nunca es completa, ya que un profesional de cualquier área siempre debe buscar un complemento que añadir a esos conocimientos, el cual viene dado por las experiencias profesionales prácticas. Con la música ocurre lo mismo y el es un gran ejemplo de ello.

Del mismo modo, señaló que lo que aprendió en el conservatorio no lo hubiera podido aprender en la calle y lo que aprendió en la calle no lo hubiera aprendido en el conservatorio, así que el estudio y la práctica se complementan y no son excluyentes el uno del otro.

Inicios profesional de Daniel en Cuba

A la par de sus estudios en el conservatorio en Cuba, también fue ejerciendo la música de forma mucho más profesional tocando en el hotel nacional con charanga y danzones. Asegura que esta experiencia fue muy enriquecedora, ya que tuvo la oportunidad de aprender todo lo que pudo de músicos mayores con una trayectoria inmensa.

De esa época, Daniel destaca su enorme sed de saberlo todo, así que siempre prestaba mucha atención a las anécdotas e historias que sus colegas se contaban. Adicional a eso, le daban muchos consejos sobre cómo tocar y cómo no hacerlo, por lo que es mucho lo que aprendió por aquellos años.

También estuvo con algunas orquestas de música popular cubana y danzón hasta que encontró su propio estilo y lanzó su primer álbum ‘‘El Piano Que Llevo Dentro’’ en el año 2003, que es cuando se puede decir que inicia formalmente su carrera como solista. Es desde entonces que el piano empezó a ser una parte fundamental de su repertorio, aunque nunca abandonó del todo el danzón, el son y el changüi. También añade a sus temas un poco de jazz latino, que siempre fue de su agrado y se basó en lo que hacía Chucho Valdez junto a Iraquere para encontrar el estilo que quería seguir.

Álbum de Daniel — Portada del álbum »El Piano Que Llevo Dentro» de Daniel Amat

Mudanza de Cuba

Cuando Daniel cumple los 24 años de edad es que decide mudarse de Cuba y buscar oportunidades en otras latitudes luego de contraer matrimonio con su actual esposa. Es ahí donde su carrera obviamente toma un nuevo rumbo y aparecen muchas más oportunidades de crecimiento para el joven artista.

Estando ya muy lejos de su tierra natal, empezó a hacer colaboraciones con big bands y sinfónicas, pero siempre tocando y experimentando con los géneros cubanos con los que inició su carrera en primer lugar.

En vista de que ya había viajado con su padre a otros países en años anteriores debido a su trabajo, cosechó muchas amistadoes y creó contactos con mucha gente fuera de Cuba, así que pudo ponerse a trabajar en lo suyo rápidamente y sin muchas dilaciones. Esto hizo que prontamente comenzaran a llamarlo para presentarse en festivales y eventos en Estados Unidos, España y otras partes de Europa.

Gracias a lo anterior, Daniel ha tenido la fortuna de poder laborar siempre en el ramo musical sin necesidad de trabajar en otros oficios complementarios como ha sido el caso de muchos otros músicos cuando emigran de sus respectivos países. Esto le ha permitido enfocarse al cien por ciento en sus proyectos musicales y empezar a impartir clases de música en jazz, jazz latino, fraseo y muchas otras áreas.

Proyectos actuales de Daniel

El pianista se encuentra muy contento ya que pronto va a lanzar una recopilación de sus dos primeros álbumes que se llamará ‘‘Una Parte de Mi’’ en formato vinilo. Para el mismo, contó con la colaboración de su padre ‘‘Pancho’’ Amat, el músico Orlando Valle ‘‘Maraca’’, el maestro Chucho Valdéz, Sixto Llorente ‘‘El Indio’’, su profesor de piano Ulises Hernández, el percusionista Changuito y muchos más.

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Chick Corea Pianista, compositor, arreglista, productor, maestro. Acústico y Eléctrico

30 septiembre, 2024 by Augusto Felibertt

Rodeado de música desde pequeño, Armando Anthony Corea transitó un camino en el que brilló como pocos, acompañado por músicos que conforman una enciclopedia del jazz.

Pianista, compositor, arreglista, productor, maestro. Acústico y eléctrico. Chick Corea fue uno de los músicos más influyentes de ese amplio universo que es el jazz y seguramente una de las figuras más importantes de la música global de este tiempo. Además de fecundo artísticamente fue comercialmente exitoso. También por eso sería imposible explicar la música de este tiempo sin el ejemplo de Chick Corea.

Chick Corea Pianista, compositor, arreglista, productor, maestro. Acústico y Eléctrico

Armando Anthony “Chick” Corea nació Chelsea, en Massachusetts, el 12 de junio de 1941, en una familia de origen calabrés. A los cuatro años comenzó a tocar el piano, estimulado por su padre, trompetista de jazz que dirigió una banda de Dixieland en Boston en las décadas del ’30 y ’40. Rodeado de música, el pequeño Armando conoció enseguida a los héroes del bebop.

La música de Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Bud Powell, Horace Silver, Lester Young, dejarían una marca notable en su formación. A los ocho años, comenzó a estudiar piano clásico con Salvatore Sullo, un concertista de origen italiano que además del amor por Mozart la abrió el universo de la composición.

Siempre ligada a una confusa línea temporal, la primera grabación publicada de la configuración original de Return to Forever fue en realidad su segunda sesión.

Una fecha inicial de estudio del sello ECM realizada en febrero de 1972 no se publicó hasta después de que la banda hubiera cambiado en 1975.

La grabación de Polydor/Verve de octubre de 1972 es en realidad esta edición de 1973, en la que aparece la misma banda con Chick Corea, Stanley Clarke, Airto Moreira, Joe Farrell y Flora Purim. No hay por qué hacer distinciones, ya que ambos son álbumes de cinco estrellas, que muestran muchas de las composiciones del teclista, duraderas, inmediatamente reconocibles y muy melódicas.

La alegre flauta de Farrell, las voces sin palabras de Purim, la electrizante percusión de Airto y las hábiles líneas de bajo eléctrico de Clarke se envuelven en un guiso de samba brasileña y el piano eléctrico Fender Rhodes de Corea, y sin duda marcan la pauta y el listón más alto para la música de los grupos que vendrán después. «Captain Marvel» la semilla de la banda sin Farrell y Purim que se expandió en un álbum conceptual completo con Stan Getz está aquí como una vaporosa samba de fusión con Corea bailando en las teclas.

A estas alturas, la hermosa «500 Miles High» se ha convertido en la canción emblemática de Purim con la letra de Neville Potter y los acordes punzantes de Corea, y desgraciadamente se convirtió en un himno hippie contra las drogas.

Quizás la canción definitiva de Corea de todos los tiempos, y versionada ad infinitum por bandas profesionales y escolares, «Spain» conserva la extravagante melodía, el interludio de palmas, la dinámica de arriba abajo, la emocionante sección de improvisación y la variación en el tiempo, el tempo y las coloraciones que siempre despiertan interés a pesar de una duración cercana a los diez minutos.

«You’re Everything» es un clásico romántico que seguramente se ha escuchado en muchas bodas, con otra letra de Potter cantada en el cielo por Purim, mientras que la canción que da título al disco es la letra de Purim en un marco musical más suelto, con la gráfica de Clarke fusionándose con Corea y el punzante trabajo de flauta de Farrell.

Chick Corea - John Patitucci - Dave Weckl — Chick Corea – John Patitucci – Dave Weckl

Por mucho que los otros se hayan convertido en iconos, el extraordinario sonido de Farrell en esta cita nunca debería trivializarse ni subestimarse.

El tema final, «Children’s Song», fue un trampolín para varios de los proyectos de álbumes completos de Corea, y se escucha aquí por primera vez en formato de trío con un motivo lento y natalicio.

La versión ampliada de esta grabación incluye muchas tomas alternativas de cuatro de estas selecciones, pero también incluye «Matrix», que no estaba en ningún álbum de RTF, y hay cuatro versiones de «What Game Shall We Play Today?», que sólo estaba disponible en el lanzamiento de ECM.

Desde una perspectiva histórica, éste es el trabajo más importante de la carrera de Corea, muy diferente de sus anteriores esfuerzos progresivos o de improvisación, y el comienzo fundamental de su carrera como el teclista de jazz contemporáneo más popular de la historia. Michael G. Nasto.

Chick Corea And Return To Forever – Light As A Feather (1973

Temas:

You’re Everything
Light As A Feather
Captain Marvel
500 Miles High
Children’s Song
Spain

Músicos:

Chick Corea (Fender Rhodes, piano eléctrico)

Stanley Clarke (Contrabajo)

Joe Farrell (Saxo tenor, saxo soprano, flauta)

Flora Purim (Voz, percusión)

Airto Moreira (Batería)

Chick Corea And Return To Forever - Light As A Feather (1973) — Chick Corea And Return To Forever – Light As A Feather (1973)

Información realizada (21 de febrero de 2009)

Fuentes:

L’Òstia Latin Jazz

Santiago Giordano: Es músico, docente y crítico musical.

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Samuel del Real fue un excelente pianista, director de orquesta, arreglista y educador

30 agosto, 2024 by Augusto Felibertt

Nació el 22 de agosto de 1953 en Barranquilla, Colombia, fue un conocido pianista, director de orquesta, arreglista y educador.

Samuel del Real fue un excelente pianista, director de orquesta, arreglista y educador

Hizo parte de reconocidas orquestas como la de Pacho Galán, La Dimensión Latina y El Trabuco Venezolano y participó en una serie de producciones discográficas en Caracas, Venezuela.

En 1983 grabó su primer disco con su propia banda. Su primer éxito «Ella No Baila Sola» se convirtió en la canción del tema en cada club nocturno de Colombia, Venezuela, Perú, Panamá, EE.UU. entre otros países.

En 1985, Samuel se trasladó a Chicago, Estados Unidos, donde formó rápidamente su orquesta con miembros de diferentes nacionalidades dando como resultado un sonido mezclado para su música.

Desde entonces Samuel del Real y su orquesta participó en muchos festivales, conciertos, eventos privados en ciudades como Chicago, Londres, Nueva York, Minneapolis, St. Paul, Detroit, Indianápolis, Miami y más. «Piano Caliente», » Piano Jamboree » y «Piano Navideño» son los discos más recientes que incluyen selecciones de su extenso repertorio de jazz latino, así como nuevas interpretaciones de clásicos Afro cubanos de su álbum titulado Piano Caliente.

Samuel En 1985, Samuel se trasladó a Chicago, Estados Unidos

Samuel incursionó no sólo en el género de la salsa, sino también en el jazz latino que sorprende incluso a aquellos que no lo conocen.

No se necesita mucho para darse cuenta de que Samuel fue «El Maestro del Buen Ritmo» y que su música está aquí para quedarse.

Samuel del Real: el artista barranquillero que triunfó en Estados Unidos.

Se formó musical y académicamente, abierto a la idea de expandir sus horizontes artísticos.

“Comencé mis estudios musicales en Bellas Artes, entre mis profesores recuerdo a Günther Renz.

En Venezuela asistí a los conservatorios Juan José Landaeta, y al de la Filarmónica de Caracas con el pianista Paul Rosenbloo.

Estudié armonía y contrapunto. Con el maestro Antonio Lauro, compositor y guitarrista, completé mi formación académica”.

A los 15 años empezó carrera profesional como pianista en la Orquesta de Pacho Galán. Allí aprendió los trucos de la música popular bailable del Caribe colombiano, y se le abrieron las posibilidades de compartir con músicos nacionales.

DiegoDel Real, mi primer piano teacher, mi consejero, mi socio en producir, arreglar y grabar música

“A los 15 años comencé a tocar con Pacho Galán, fui pianista de su orquesta, ahí arrancó mi carrera musical. Recuerdo a Armando Galán, trompetista, arreglista y gran maestro.

Con él aprendí la rutina de la música del Caribe, tuvo una actitud muy positiva hacia mí. Me citaba antes de los ensayos para enseñarme como tocar, cogía la partitura y se sentaba conmigo en el piano: ‘Toca así’, me decía, y ‘toca de esta forma los acordes, este es el tumbao, este el fraseo’, todo con mucha paciencia”, contó.

“Estaba Pichirilo en el bajo, Jorge Pérez en el timbal y la batería; y Joaquín Pérez en las congas. Chicho Sarmiento, hijo de Clímaco Sarmiento, tocaba el saxofón alto; Pacho Aragón el saxofón tenor. En las trompetas Armando Galán, Raúl Lastra y el Chino Acosta.

En el trombón Rosendo. El Maestro Pacho Galán llegaba a dirigir el primer set y luego se iba, Armando quedaba a cargo de la orquesta. Allí empezó mi inquietud con el folclor del Caribe.

No grabé con la orquesta de Pacho porque no grababa en ese periodo, pero toqué mucha música suya y la sigo tocando en Latín jazz.

“Para mí fue una gran escuela”, indicó”.

Aunque ha vivido fuera del país muchos años, cuando regresa a Barranquilla es como si no hubiera salido nunca.

Se le nota en la confianza de caminar las calles, de visitar lugares, de llamar a los amigos, de intercambiar anécdotas con gente que apenas conoce.

Es un hombre que vive para la música, a la que ha dedicado un entusiasmo contagioso. Por eso cuando viene, da gusto repasar su carrera.

“Vengo a tomar un poco de temperatura caliente y a traer mis últimos discos para que el público local los conozca”, dijo.

En 1975 formó en Venezuela una orquesta con la que trabajó en el Hotel Tamanaco Internacional, al tiempo que era pianista, administrador y productor de diversos proyectos musicales en la industria discográfica de ese país.

En 1979 se unió a la Dimensión Latina, agrupación con la que grabó Dimensión desconocida (1979), el número uno con la número uno (1980), Para siempre (1980), Combinación latina Nº 4 (1980), y Cuerda para rato (1981).

“En Dimensión Latina estuve tres años con Andy Montañez, Argenis Carruyo y Gustavo Carmona, luego inicié el proyecto de la orquesta con mi nombre.

También grabé con Andy Montañez como solista, e hice arreglos en grabaciones para Velvet de Venezuela”.

Samuel participó también en el extraordinario Trabuco Venezolano, conducido por el baterista Alberto Naranjo.

“Con el Trabuco Venezolano participé en muchos conciertos en Venezuela.

Con ellos grabé Irakere y Trabuco, en una presentación en vivo en el Poliedro de Caracas. Grabé también Imágenes latinas.

La Flor y Nata, temas: No me engañes, Rosa de la Noche, Brujería, Almas Blues, Desilusión, (ahí hago un solo de piano que lo han elogiado mucho), a pesar de Usted, Orquesta de moda, No quiero Confusión. Retrospectiva del Trabuco Venezolano Vol. 2 (1977- 1984)”.

El Trabuco Venezolano – La Flor y Nata 1984

En 1983 grabó su primer álbum con su orquesta, el éxito fue el tema Ella no baila sola, que se convirtió en su carta dpresentación.

En 1984 graba su segundo álbum, repite éxito con el tema Cara de Domingo, del flautista niuyorrican Lou Pérez.

El tercer disco con su orquesta lo produjo en 1987, cuando ya residía en Chicago.

“Al salir de Dimensión Latina, Gustavo Cardona, bajista de Oscar D’León, me impulsó a hacer mi orquesta.

Uno de los números era Ella no baila sola, y cuando sonaba la gente se paraba a bailar. Por eso decidimos grabar ese tema.

Me traje a Frankie Paz, un muchacho de Maracaibo que le habíamos hecho audición con Dimensión Latina en reemplazo de Argenis Carruyo, pero no le gustó a César Monje.

Le dije al muchacho, voy a tener pronto mi orquesta y te voy a traer conmigo».

Al referirse a sus influencias pianísticas Samuel recuerda a Noro Morales, Eddie y Charlie Palmieri, Richie Ray y Lino Frías.

Otros como Bud Powell, Thelonious Monk y Oscar Peterson, determinaron su visión.

“Me gustaba mucho Noro Morales tenía un solo disco de él, ‘Maria Cervantes’, que me llamaba la atención desde niño. Un día decidí hacerle arreglo un poco diferente. Todavía lo toco en mis conciertos de latin jazz”.

Del Real fijó su residencia en Chicago en 1985. Allí ha continuado su trabajo moviéndose entre la música bailable latina y el jazz latino.

Tengo 32 años viviendo allí, tengo mi orquesta, doy conciertos de jazz latino, también trabajó para otras organizaciones en otras ciudades como Minneapolis y Cleveland.

Hacemos salsa y diferentes ritmos latinoamericanos. El negocio de la música ha cambiado es una inversión grande hacer un disco, y hay que proyectarlo hacia el cantante, limitando la posibilidad de moverte.

Por eso decidí hacer instrumentales de jazz latino caribeños; con eso expongo mi música sin necesidad de escribir diez arreglos para un cantante con el que corres el riesgo de que se vaya”.

En sus recientes grabaciones figuran la serie Pianos del Caribe, que incluye los discos Piano caliente, Piano jamboree y Piano navideño.

“El primer disco de la serie, Piano Caliente, trae temas de los 50 como Mata Siguaraya, El que siembre su maíz, Besitos de coco… Puse los temas un poco más progresivos con el jazz, pero conservando su esencia.

Cambié sutilmente las estructuras armónicas, sin desvirtuarlas. Allí el cantante es el piano.

Después vino Piano Jamboree, con algunos temas míos. Hago cositas más complejas tratando de penetrar el latín jazz, buscando un espacio para mi identidad musical.

Es un trabajo interesante que me gustaría que los melómanos barranquilleros escuchen.

El tercer disco también en la misma serie se titula Piano Navideño, tomé de referencia los temas de Navidad. La Navidad para mí es muy importante. Soy amante de esa celebración.

Tomé varios temas del repertorio internacional navideño y los puse en latinjazz”.

Nadie duda de que el Barranquijazz o el Carnaval Internacional de las Artes serían el marco perfecto para su trabajo. Además, sería una vuelta a casa por todo lo alto.

“Creo que sería una gran oportunidad de exponer mi música en mi ciudad. Me siento contento de que en Barranquilla estén creando espacios como el Carnaval de las Artes y el Parque Cultural del Caribe, para que la gente tenga acceso a esa parte de la cultura que es la música”.

Falleció a los 67 años el 10 de diciembre del 2020

Samuel del Real, quien padecía diabetes, falleció en Chicago, Estados Unidos donde se había radicado hace 35 años.

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Fuente y Colabocion Por: Marino de Jesus (15889 de Historia Salsera

Republica Dominicana

Ezequiel Lino Frías Gómez fue un excelente Músico, Pianista, Arreglista, Compositor

30 mayo, 2024 by Augusto Felibertt

Ezequiel Lino Frías Gómez nace el 10 de abril de 1915 en La Habana, Cuba.

Músico, Pianista, Arreglista, Compositor. Inició su carrera artística a comienzo de la década de los 30’s, trabajando con el cantante y compositor Joseito Fernández, en la orquesta de Raimundo Pla.

Luego pasó a formar parte de la Orquesta Fantasía. Al final de la década trabajó con el Septeto Carabina de Ases.

Tiempo después integra el Conjunto Todos Estrellas de Arsenio Rodríguez, en septiembre de 1940 permaneciendo en él hasta noviembre de 1943, dejando su plaza a Adolfo Oreilly Panacea, para integrarse a la Sonora Matancera en 1944, hasta 1976 donde contribuye de manera importante tanto en la composición como en arreglos musicales, imponiendo sus particulares solos de piano.

En 1974 ayuda a fundar con Armando Sánchez el Conjunto Son de la Loma.

A su retiro de La Sonora Matancera, el productor puertorriqueño René López, invita a Lino, junto con Israel “Cachao” López, a revivir las descargas ya grabadas por él en los años cincuenta, montando una Típica junto con «Cachao».

En sus años como independiente Lino trabajó con Johnny Pacheco y Carlos “Caito” Díaz.

Acompañó a grandes artistas en grabaciones, en ese periodo en Nueva York, como La Lupe, Olga Guillot, Daniel Santos, Carmen Delia Dipini, Bobby Capo, entre otros.
Fallece el 22 de Mayo de 1983 en Nueva York, USA.

Lino Frías, quien durante veintidós años fuera pianista de la Sonora Matancera, en 1951 compuso la popularísima Mata Siguaraya.

Una de las más difundidas fotos de la Sonora Matancera.

En ella podemos ver a Lino Frías desde su piano mirando ruiseñor a Celia Cruz, gran intérprete de Mata Siguaraya, junto a Benny Moré y Oscar D’León.

Ezequiel Lino Frías Gómez, nació en La Habana y murió en Nueva York en 1983.

Lino estudió piano en el Conservatorio de La Habana. Durante un tiempo, en los años 30, tocó en la Orquesta de Raimundo Pia y Rivero, cuyo cantante era Joseíto Fernández. Después tocaría en la Orquesta Fantasía.

En 1939 se unió al hasta entonces Septeto Carabina de Ases, dirigido por Mariano Oxamendi, guitarrista y voz segunda y con Bienvenido Grande, cantante y clave, Nilo Alfonso, contrabajo, José Bergerey, maracas y voz tercera, Ramón Liviano Cisneros, tresero, Florencio Coco Morejón, bongosero, y Félix Chappotín, trompetista.

En 1944, Lino entra como pianista a la Sonora Matancera, donde permanece hasta 1976.

En los años 60, Frías se vincula al movimiento creador de la llamada música salsa, al lado de Fania All Stars, Johny Pacheco, Bobby Rodríguez, Carlos Patato Valdés y Caíto, Carlos Manuel Díaz (Matanzas 1905-Nueva York 1990), entre otros.

Don Adolfo, timbalero puertorriqueño, trabajó con Lino Frías en un grupo que contó con algunos de los más renombrados músicos y cantantes de la década 1950-60: Olga Guillot, Daniel Santos, Lucecita Benítez, Bobby Capó, Marco Antonio Múñiz, Carmen Delia Depiní, Chucho Avellaneda, Sergio González Siaba y La Lupe, entre otros.

En 1974, paralelamente a su trabajo como pianista en la Sonora Matancera, Lino Frías crea el conjunto Son de la Loma, con la participación de cubanos-niuyorquinos como Marcelino Guerra, Rapindey (Cienfuegos 1914-España 1996), autor de Convergencia, y Pedro Rudy Calzado (Santiago de Cuba 1929-Nueva York 2002).

Debido a la artritris, en 1976 Lino deja la Sonora. Su lugar es ocupado por Javier Vázquez, (Matanzas 1936), hijo del contrabajista Pablo Vázquez.

Dicen que la muerte de Lino Frías, en 1983, fue un duro golpe para su gran y fiel amiga Celia Cruz (La Habana 1925-Nueva Jersey 2003).

Además de Mata Siguaraya, Lino Frías compuso Pan de piquito, Óyela, gózala, Vamos todos de panchanga, Cañonazo, Vive la vida hoy, Suena mi bajo, Convencida, Afecto y cariño, Has vuelto a mí, Baila Yemayá.

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