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Orquesta Los Van Van

10 marzo, 2026 by Karina Bernales

Union Europea

Orquesta Los Van Van. El Sabor En Zurich

1960-1969

Fundamental para el éxito y el sonido peculiar de Los Van Van fue la carrera de su director, Juan Formell. Antes de fundar la orquesta el 4 de diciembre de 1969, incursionó como bajista en varias agrupaciones, desde la Orquesta del Instituto Cubano de Radio y Televisión hasta varios grupos de son y jazz; estas múltiples experiencias condicionaron su futuro.

Su paso por la Orquesta Revé marcó un punto de inflexión en la búsqueda del estilo que quería lograr. Allí puso a prueba su espíritu innovador aportando soluciones de sonido y formato.

Incorporó el bajo, la organeta (órgano electrónico), la guitarra eléctrica, los violines y reemplazó la flauta de cinco llaves por el sistema moderno. El trabajo vocal se sustituyó por el montaje de cuartetos de voces propias. Este experimento sirvió como punto de partida para que, una vez creados LOS VAN VAN, sus contagiosos patrones rítmicos se asentaran en la música bailable popular.

1970-1979

A principios de esta década, importantes críticos y conocedores del tema pudieron notar el futuro exitoso de Los Van Van. Juan Formell, manteniendo los aportes realizados al grupo anterior (La Revé), enriqueció el conjunto con otros instrumentos como la percusión, que de una manera excepcional y única fueron tejiendo lo que se definiría como el SONGO.

Esta modalidad de abordar el son toma elementos del jazz y el rock; consiste en un diseño rítmico combinado con un piano y bajo de percusión figurativa, creando así timbres armónicos y melódicos diferentes.

José Luis Quintana (Changuito), Raúl Cárdenas (el Yulo), César Pedroso (Pupi), Fernando Leyva, Jesús Linares, Orlando Canto, José Luis Cortés (El Tosco), Julio Noronha, Gerardo Miró, William Sánchez, José Luis Martínez y Miguel Ángel Rasalps (Lele), junto con su director, exploraron todos los caminos posibles hasta llegar a este ritmo que se convierte en la base de su sonido. Es en estos años cuando comienzan a grabar sus primeros cinco álbumes y debutan en varios escenarios internacionales.

1980-1989

Este representa un período importante para la orquesta. Rompen su propio estilo incorporando el sonido «bronco» y rajado de los trombones. A su vez, introdujeron sintetizadores y teclados con múltiples posibilidades sonoras. El uso del saxofón sintetizado y los violines eléctricos llamó mucho la atención en su momento.

Además de su material discográfico, cosechan nuevos triunfos como: ¡Báilalo eh! ¡Ah! (1982), Anda, ven y muévete (1984), La Habana sí (1985), Eso que anda (1986), Nosotros los del Caribe (1987), Se acabó el querer (1988), y finalmente el Songo da paso a una nueva etapa.

Un sello distintivo del grupo es el uso de la picaresca, la ironía y el costumbrismo en sus canciones. Convirtiéndose en una especie de crónica de la realidad cubana, sus letras ofrecen una circunstancia social con temas que recrean lo jocoso de la vida cotidiana. En estos años su música trasciende fronteras y recintos latinoamericanos; lugares como el Empire en Londres, Inglaterra, Austria, Suiza y Alemania son testigos de un ritmo capaz de hacer bailar hasta al más escéptico.

1990-1999

Los 90 comienzan con una gira por todo el país celebrando sus 20 años, evolucionando hacia un timbre contemporáneo y yendo en busca de expresiones más complejas y preciosistas.

Sus últimos resultados no dejan duda de que han alcanzado la madurez. Piezas como «Dale calabaza» y «Ese es mi problema» del disco Azúcar (1993), «Soy normal, natural» y «Qué sorpresa» del disco En vivo (1994), «Deja la ira» y «De igual a igual» de Ay Dios, ampárame (1995) y «Esto te pone la cabeza mala» y «Llévala a tu vacilón» de Te pone la cabeza mala (1997) son algunos de los registros que precedieron al disco LLEGÓ VAN VAN (1999). Este último contiene «Permiso que llegó Van Van», «El negro está cocinando» y «Temba, tumba, timba», obras que han arrasado en el contexto de la salsa por su ritmo contagioso, alegría y buen gusto. Todos conservan el sello del grupo incluso al utilizar otros recursos orquestales.

2000

Gracias a un trabajo de más de treinta años, son galardonados con el premio Grammy por el disco Llegó Van Van. El premio fue por el mejor álbum de salsa grabado por solistas, dúos o grupos vocales e instrumentales. (Cabe destacar que el premio recibido es el Grammy anglosajón, no el Latino). Tal galardón es el resultado de seguir haciendo magia por más de treinta años.

Director de orquesta y bongosero Ray Degaldo está aquí para hablar de su vida y carrera

28 febrero, 2026 by Karina Garcia

El talentoso percusionista Ray Delgado ha hecho un espacio en su agenda para compartir un rato con nosotros y hablarnos de algunos de los datos más curiosos de su carrera artística, cosa que nos llena de orgullo y agradecimiento a partes iguales. El fundador de Ray Delgado Project tiene muchas cosas interesantes por decir y aquí estamos más que dispuestos a escucharlo.

Ray tocando el bongó — Ray Delgado tocando el bongó en vivo

Inspiraciones de Ray para convertirse en artista

Ray creció en una familia con raíces profundamente puertorriqueñas y se crió entre Puerto Rico y Nueva York debido a que sus padres se mudaban constantemente de un lugar a otro, lo cual le hizo sentirse muy afortunado porque estaba formándose en medio de dos culturas que le permitían escuchar todo tipo de música. En su tiempo, la radio seguía siendo extremadamente popular, así que este era su vehículo para trasladarse de un lugar a otro con solo escuchar ciertos temas.

La música en inglés llegaba desde los mismos Estados Unidos y Europa, mientras que la música en español llegaba de Cuba, Venezuela, Puerto Rico, República Dominicana, Jamaica y muchos otros países. Delgado estuvo expuesto a todos los géneros, pero al ser neoyorquino, el que más resonó en sus entrañas fue la salsa y el ambiente que venía con ella. De hecho, recuerda haber tenido la dicha de ver en vivo a la Orquesta de Machito, Johnny Pacheco, Héctor Lavoe, Willie Colón, Pete Conde y muchos más.

Estos grandes exponentes fueron quienes despertaron en el joven sus ganas de dedicarse a la música en algún punto, pero a su padre no le agradaba para nada la idea, ya que veía a los hombres de ese oficio como mujeriegos, borrachos y desobligados. Evidentemente ningún padre va a querer que su hijo termine así, por lo que Ray tuvo que esperar a convertirse en un adulto responsable con empleo estable para finalmente concretar sus aspiraciones de niñez.

Ray y su padre — Ramón Delgado Castro sosteniendo a su hijo Ray Delgado y a su hermano cuando eran bebés

Todo empezó cuando, en una oportunidad, unos señores mayores que él lo invitaron a tocar junto a ellos, así que buscó un bongó viejo que tenía guardado en su clóset y aceptó la propuesta sin pensar.

Ese fue el punto de partida para tocar con muchas otras bandas en Nueva York y su constante trabajo lo llevó a querer ser mejor, a estudiar y a prepararse mucho más.

Educación musical de Ray

Ray estudió en la East Harlem Music School, escuela fundada por el legendario músico Johnny Colón en Manhattan, y se enfocó en el timbal con el profesor Ray Cruz, pero dejó el instrumento de lado por un tiempo, ya que se mudó de regreso a Puerto Rico. Al volver de la Isla del Encanto, se inscribió en el Harbor Conservatory for the Performing Arts. También estudió con el profesor George Delgado, quien es el actual conguero de Spanish Harlem Orchestra. Lo describe como un excelente profesor y músico del que aprendió una barbaridad.

Adicional a eso, contó con el apoyo de muchos amigos músicos que también le ayudaron y le enseñaron muchas cosas que no se aprenden en una institución educativa y algunos de ellos eran Luis Rivera, Radamés Rojas, Eric Rivera y muchos otros. Este contacto constante con otros artistas y grupos le hizo ver que muchos sonaban exactamente igual y había muy poca variedad, así que se animó a formar su propia orquesta.

De este mismo modo, también aprendió la percusión, que es el área por la que es más conocido el día de hoy.

El nacimiento de Ray Delgado Project

Motivado por la poca variedad musical que había en el ambiente en que se desenvolvía, quiso crear su propio proyecto musical que incluye vibráfono, percusión, piano, bajo y un cantante. Todo inicia con un taller para músicos ofrecido por el mismo Ray en un salón comunitario en el edificio en el que vivía y le permitieron usarlo. Luego de haber tocado y experimentado con diferentes estilos, el grupo se fue achicando cada vez más hasta que todos los músicos que se inscribieron terminaron yéndose.

A partir de allí en cada presentación y oportunidad que tuviera para conocer músicos nuevos, les pedía su número para reclutarlos y lograr una química y una combinación que resultara en el sonido que él quería. Ray estuvo en ese proceso prácticamente desde el año 2009 hasta ahora. Ya desde hace unos tres años, año 2023, finalmente obtuvo lo que buscaba

A este grupo se le llamó Ray Delgado Project, el cual ocupa una enorme parte de su tiempo y esfuerzo laboral. Sin embargo, el músico afirma que el Nueva York en el que transcurrió su juventud que ofrecía montones de lugares para ir a bailar ya no existe, por lo que no hay tanto trabajo como en aquel entonces.

Hoy en día, tocan muchos covers de grandes éxitos de los años setenta, pero le añaden su toque para diferenciarse a través de arreglos completamente nuevos. Hasta hace no mucho tiempo, lanzaron su nueva versión de ‘‘Lo Que Traigo es Sabroso’’, éxito de Eddie Palmieri y lo adaptaron a su propio estilo y arreglos. Se puede encontrar en Spotify y las principales plataformas digitales.

Ray y su orquesta — Ray Fuentes (piano), Abraham Sáenz (bajo), Danny Sieber (vobráfono), Ray Delgado (director y bongó), Rhadames »Randy» Rojas (vocalista principal) Izzy Díaz (congas) y José »Cheo» Colón (timbales)

Ray está contento con lo que ha logrado hasta ahora con su orquesta que asegura que, cuando Dios lo mande a buscar, estará tranquilo y feliz de haber podido tocar y poner a bailar a brandes públicos en vida. Con ese mismo Dios Mediante, esperamos que sean muchos años más en los que Ray Delgado Project con su principal líder a la cabeza siga gozando la vida y haciendo gozar a quienes tengan el gusto de escucharlo.

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Líder de orquesta y conguero Tony Rosa nos cuenta cómo construyó su carrera

9 febrero, 2026 by Karina Garcia

El grandioso percusionista y conguero ganador del Grammy en seis ocasiones Tony Rosa nos ha honrado con su presencia para esta edición del mes de febrero que viene cargada con muchas cosas interesantes a pesar de tratarse de un mes tan corto.

Como tantos otros artistas de su tipo, se inicia muy joven en este mundo teniendo raíces no tan latinas ni folklóricas en lo musical, pero luego, como es común, terminó enamorándose de la que es una de sus grandes pasiones el día de hoy: la música latina.

Tony Rosa con su Grammy — Tony Rosa como parte del Latin Grammy que Arturo O’Farrill & The Chico O’Farrill Afro-Cuban Jazz Orchestra ganaron

Inicios de Tony en lo musical

Tony comenzó a tocar la tumbadora con tan solo 10 años en Nueva York, ciudad en la que nació, pero al cumplir los 12, se mudó a Los Ángeles, California, que es donde puede decirse que da inicio formal a su carrera como músico. Es en Los Ángeles donde aprendió a tocar la percusión, más concretamente la conga, en las calles de esta nueva ciudad que lo acogía a él y a su familia.

Algo interesante que aclaró sobre esto es que absolutamente todo lo que sabe de instrumentos lo aprendió de forma autodidacta, lo que indica que no asistió a ninguna institución que le ofreciera entrenamiento formal relacionado con la música. Por ese mismo entonces, siendo un adolescente de 15 años de edad, ya tocaba para diferentes orquestas y viajaba junto a ellas en giras.

Etapa rockera

Antes de involucrarse de lleno con la salsa, Tony estuvo tocando con algunas bandas rockeras como Chicanos. De hecho, el rock es un género que le sigue gustando mucho y varias de sus bandas favoritas son de rock como Queen y Santana. Sin embargo, esa etapa no duró mucho y no pasaría mucho tiempo para que, con 16 o 17 años, tocara con orquestas como Azuquita Y Su Melao.

Para 1997, se mudó de regreso a su natal Nueva York, donde empieza a tocar con el Conjunto Libre y otras agrupaciones más, ya sea de salsa o de Latin Jazz, género que también le estaba causando mucha curiosidad.

Tony y Gilberto — Tony Rosa y »El Caballero de La Salsa» Gilberto Santa Rosa

Época con Afro Latin Jazz Orquesta y Arturo O’Farrill

En 2008, al momento de estar tocando con Manny Oquendo, Tony conoció al líder de orquesta, compositor y pianista Arturo O’Farrill, quien luego de presenciar el gran talento que tenía, le preguntó si estaría interesado en unirse a su Afro Latin Jazz Orchestra y le dijo que sí. En total, duró unos nueve años tocando junto a O’Farrill y de eso hace más de cinco años. Es más, cuando quisimos saber si él tenía conocimiento de los motivos por los que Afro Latin Jazz Orchestra no tocará más en Birdland, dijo no saber absolutamente nada de ese asunto.

Luego de eso, el artista vio el momento preciso para crear su propio quinteto al que puso por nombre Tony Rosa’s Afrojazz, con el cual cuenta con temas como ‘‘Mambo Mongo’’, ‘‘Nothing Personal’’, ‘‘Alfie’s Theme’’, ‘‘Isn’t She Lovely’’ y ‘‘Rica Mulata’’.

Tony, Eddie y Adán Pérez — Tony Rosa, el legendario pianista Eddie Palmieri y el productor y arreglista Adán Pérez

Sin embargo, asegura que su cariño por O’Farrill y la orquesta sigue intacto y hasta volvieron a tocar juntos recientemente en un homenaje a Andy González en la Iglesia de Saint Peter’s en Manhattan. Del mismo modo, agradece toda la experiencia que obtuvo allí, ya que de lo contrario, no tendría el proyecto que hoy en día dirige.

Proyectos aparte de Tony Rosa’s Afrojazz

Adicional al trabajo que hace junto a su quinteto de Latin Jazz, Tony también se encuentra grabando junto a otro grupo musical llamado Los Amigos, con los cuales ya tiene un álbum hace muy poco.

En cuanto a giras y presentaciones en arenas y locales conocidos, dice no tener conocimiento de qué hará en los próximos meses todavía. De igual manera, prevé que las cosas se empezarán a mover a medida que vaya avanzando el año.

Tony y Andy — Tony Rosa y el actor cubano-americano Andy García en 1992

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Líder de orquesta Arturo O’Farrill deja atrás Birdland para ir en busca de otras oportunidades

30 enero, 2026 by Karina Garcia

Luego de hacernos un espacio en su apretada agenda, finalmente hemos logrado coincidir con el líder de orquesta, compositor y pianista Arturo O’Farrill, quien después de haber llegado a Richmond, Virginia, nos atendió y conversó sobre diversos e interesantes temas relacionados con su larga y exitosa trayectoria.

Por supuesto, no desaprovechamos la oportunidad de averiguar si es cierto que él y su orquesta dejarán de presentarse en Birdland como lo venían haciendo durante los últimos 29 años y qué otros proyectos tienen en puerta a partir de ahora.

Arturo O'Farrill posando para la cámara — Director de orquesta y pianista Arturo O’Farrill posando para la cámara

Cómo fue su niñez con dos padres artistas

Arturo es hijo del director de orquesta, arreglista y músico cubano Chico O’Farrill y la cantante mexicana Lupe Valero, así que es natural que él se inclinara por la parte artística como ellos. Además, al ser el primer hijo varón de la familia, se esperaba mucho de él y lo que pudiera conseguir, así que lo inscribieron en clases de piano y por fortuna sí tenía buenas aptitudes para ese instrumento y estaba muy presente en las fiestas y eventos de su padre con muchos otros artistas.

Entonces, estuvo durante un tiempo estudiando música los sábados hasta que descubrió un álbum de Miles Davis en la sala de su casa y asegura que, al escucharlo, le cambió la vida para siempre y el tema que más lo marcó fue ‘‘Seven Steps To Heaven’’. En ese momento, él supo que se iba a convertir en músico profesional por su propio gusto, no porque su padre lo decidiera por él.

Se decidió a ser el mejor pianista en el que se pudiera convertir y, debido a lo ocupado que estaba Chico con su propia carrera, Arturo estudió jazz junto a otros jóvenes músicos hasta que conoció al bajista Andy González, quien finalmente le hizo comprender las raíces latinas y lo invitó a estudiar a artistas como Charlie Palmieri y Eddie Palmieri.

‘‘Justamente gracias a Andy, entiendo que la música nuestra es un tesoro de la diáspora afrolatina y la música que hacía mi padre y tantos otros de su época, para mí, es la más increíble del mundo’’ dijo Arturo.

Arturo O'Farrill 02 2026 — Arturo O’Farrill con sus padres Lupe Valero y Chico O’Farrill

Educación musical de Arturo

El artista estudió en algunas renombradas instituciones académicas, entre las que podemos mencionar LaGuardia High School of Music and Art, el Manhattan School of Music, el Conservatory of Music del Brooklyn College y el Aaron Copland School of Music. Aclaró que no llegó a graduarse del Manhattan School of Music, pero sí reconoce que fue allí que comenzó a comprender la música de verdad.

En el caso de LaGuardia High School for Music and Art, sus padres tuvieron que retirarlo debido a que nunca asistía porque las clases de historia y matemáticas no le interesaban, sino las de música solamente. Entonces, fue inscrito en City As School y obtuvo su GED (General Educational Development). Más tarde, en el Brooklyn College, conoció al profesor Teófilo Ruiz, que le enseñó la importancia de tener una conciencia social y política, lo cual impactó mucho en su formación como profesional y persona.

Trabajando ya como músico, Arturo obtuvo su licenciatura y su maestría en Queens College. Así estuvo durante algún tiempo tocando, estudiando y enseñando al mismo tiempo hasta que el director artístico del programa de jazz en el Lincoln Center Wynton Marsalis le propuso crear una orquesta para el local a la que llamaron Lincoln Center Jazz Orchestra. Laboró allí por cinco años hasta que supo que tenía que continuar con su carrera por otro lado.

Chico O’Farrill Afro-Cuban Jazz Orchestra

Luego de tocar junto a la gran estrella del Jazz Carla Bley y Machito. Arturo finalmente ingresó a la orquesta de su padre, Chico O’Farrill Afro-Cuban Jazz Orchestra, en una época en la que estaban creando muchos jingles para comerciales. Cuando el mundo estaba redescubriendo a Chico, este lamentablemente tenía su salud muy deteriorada, por lo que su hijo se mantuvo a su lado para apoyarlo en lo que pudiera.

Al final, no tiene otro remedio que hacerse cargo y, junto al resto de los músicos, grabar los últimos tres discos de la banda. Una cosa que tuvo muy clara cuando asumió este reto es que no quería estar en competencia con su papá ni que el público los comparara constantemente, aunque sabía que eso era inevitable. De hecho, luego de hacer un concierto junto a él, al llegar a casa, descubrió un mensaje de voz de alguien que decía ‘‘no tienes ni una fracción del talento de tu padre, es más, te veré escarbando en la basura’’.

Arturo O'Farrill con su Grammy — Arturo O’Farrill posando con el Grammy que ganó en 2023

A pesar de lo cruel del comentario, para él fue liberador escucharlo ya que alguien tenía la estupidez de compararlo con su padre cuando no tenía sentido. Eso lo impulsó una barbaridad a usar sus propias composiciones en la orquesta, seguir creando nueva música y tener una trayectoria completamente distinta a la de Chico O’Farrill. Ese hombre que lo insultó, sin saberlo, le había ayudado a desprenderse de las cadenas mentales y artísticas que había tenido por miedo a la comparación.

Afro Latin Jazz Orchestra

Aunque a Arturo le dolió haber dejado la orquesta de Chico, pero sabía que había muchos cambios que tenía que hacer. Uno de ellos era que quería músicos intergeneracionales e incluir más razas y nacionalidades. Esto también lo llevó a cambiar el nombre de ‘‘Afro-Cuban Jazz Orchestra’’ por ‘‘Afro Latin Jazz Orchestra’’ , ya que desde su punto de vista, la música latina no solo debe incluir a Cuba, sino también a países como Puerto Rico, Colombia, Bolivia, Perú, México y muchos otros.

A pesar de estos cambios, Arturo y su orquesta siguieron presentándose todos los domingos en el prestigioso club de jazz Birdland, cosa que venían haciendo desde el año 1997, antes del fallecimiento de Chico O’Farrill. Sin embargo, 29 años después de esa importante propuesta, Arturo ha anunciado a través de sus redes sociales que ya no se presentaría en ese lugar, pero que estaba muy agradecido tanto con el personal como con la dirección de Birdland por la oportunidad que le ofrecieron durante tantos años.

Cuando quisimos conocer las causas de esta decisión, el artista se limitó a decirnos que se debió a ‘‘diferencias creativas y económicas que estaban haciendo que el ambiente de trabajo se volviera muy tóxico’’, así que lo mejor fue cortar por lo sano y buscar nuevos horizontes. Asegura que con sus palabras no busca irrespetar a nadie y que desea lo mejor tanto al club como a todo su personal, quienes siempre tuvieron el mejor de los tratos hacia él y sus músicos.

Eddie y Arturo — Eddie Palmieri y Arturo O’Farrill hace algunos años

Afro-Latin Jazz Alliance y Casa Belongó

El músico también nos quiso hablar de su fundación Afro Latin Jazz Alliance con la que busca educar, tocar y preservar. El proyecto creció de tal manera que, hoy en día, cuenta con 49 maestros, 21 escuelas públicas y un programa preprofesional conocido como ‘‘The Fat Cats’’ cuyo objetivo es ayudar a jóvenes músicos a que puedan unirse a una orquesta y explotar su talento como nunca antes.

Luego de algunas peticiones formales, finalmente la ciudad de Nueva York aceptó construir un edificio con apartamentos accesibles para la gente de East Harlem y los primeros pisos están destinados a albergar a Casa Belongó. Estos espacios van a incluir un teatro, un club de jazz, un restaurante con comida saludable, cuartos de ensayo, salones de clase y mucho más. ‘‘Imagínate que el poder de nuestra latina va a cambiar físicamente la historia de la ciudad de Nueva York’’ remató sobre este tema.

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Son 14 La Historia de la Orquesta y el Éxito de «A Bayamo en Coche»

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

La orquesta Son 14 se fundó en Santiago de Cuba en 1977 por el vocalista Eduardo «El Tiburón» Morales (nacido en Cuba en 1935) y el pianista y director musical Adalberto Álvarez.

Como su nombre indica, es una agrupación de 14 músicos dedicada a interpretar el son, el género musical nacional de Cuba. En 1978, se unió al grupo Lázaro Rosabal (nacido en Santiago de Cuba en 1953).

Rápidamente, grabaron varios discos para el sello local EGREM, muchos de los cuales se convirtieron en éxitos de ventas en toda Latinoamérica, lo que les permitió realizar extensas giras por América y Europa.

En 1992, el cofundador Álvarez dejó la banda para formar su propio grupo. Sin embargo, Son 14 continuó su trayectoria bajo la dirección musical de Rosabal.

Además de su continuo éxito en el mercado latino, la banda comenzó a ganar reconocimiento internacional, primero con la canción «El Son De La Madrugada», incluida en el recopilatorio Cuba – Fully Charged (Earthworks Records, 1993), y luego con el lanzamiento de Son – The BIG SOUND (Tumi Records, 1995), una compilación de su material de la época de Álvarez.

Tras presentar al público no latino la versión moderna y vibrante del son y sus variaciones («son montuno», «bolero son», etc.), Tumi Records les encargó una nueva grabación en los estudios EGREM de Cuba.

Publicado en 1996 como parte de la serie Cuba Explosion, el álbum Cubanía demostró que la banda no había perdido ni un ápice de su talento y energía musical bajo la dirección de Rosabal. Tres años después, el grupo lanzó La Máquina Musical, que incorporó ritmos tropicales colombianos a su sonido, promocionando el álbum con una gira europea que incluyó una actuación en el Festival Cuba Presente en el Barbican Centre de Londres. (Fuente: allmusic)

El Hito de «A Bayamo en Coche»

En 1979 se publicó el álbum A Bayamo en Coche, cuyo mayor éxito fue, precisamente, el tema que le da nombre.

El primer corte del disco, compuesto y arreglado por el camagüeyano Adalberto Álvarez, lo transformó en una de las principales figuras de la música popular bailable cubana desde ese mismo año.

La canción «A Bayamo en coche» no solo rescata el son tradicional y lo enriquece con otras sonoridades, sino que también recrea artísticamente una tradición arraigada en Bayamo, la cuna de la nacionalidad cubana. En esta ciudad, los coches (carruajes) se utilizan para pasear y recrearse, y la letra de la canción relata esos momentos.

El álbum contenía otros temas que sonaron muchísimo en Cuba entre 1978 y 1980, como «Calle Enramada» (una elegía sonera a esa arteria santiaguera), «El Son De La Madrugada» (con una hermosa versión posterior a cargo de Omara Portuondo), «Se quema la trocha» y «Elena la cumbanchera», lo que convirtió al disco en un hito dentro de la música cubana de este género. La mayor parte de los temas fueron interpretados por Tiburón Morales, el solista de la agrupación.

Homenaje a El Caballero del Son

Recientemente, se rindió homenaje al fundador de Son 14, Adalberto Álvarez, conocido como «El Caballero del Son», con un concierto en el teatro Karl Marx. Este evento celebró sus 46 años de carrera musical y los 35 años de la fundación de su orquesta posterior, Adalberto Álvarez y su Son.

El concierto fue un memorable homenaje a la obra del autor de «A Bayamo en coche». Se interpretaron algunos de sus mejores temas en las voces de destacados músicos cubanos:

Septeto Santiaguero (Son para un sonero)
Pancho Amat y Alain Pérez (Tu fiel trovador)
Alexander Abreu (Pura imagen)
Paulo F. G. (Fin de semana)

En otros momentos, Frank Fernández acompañó a dúo las voces de Adalberto Álvarez y Jorge Luis Rojas, «Rojitas», en Santa Cecilia. Además, Rojitas cantó con Tania Pantoja (Vivir lo nuestro) y en solitario (Y qué tú quieres que te den). Robertón y Lele, vocalistas de Van Van, interpretaron Agua que cae del cielo, mientras que la orquesta Adalberto Álvarez y su Son se encargó de De Cuba pa’l mundo entero, Son de la madrugada y Los caminos de Ifá.

En La Sala Show “El Saraito” Adalberto Álvarez (R.I.P) Fundador, Director. Arreglista y Pianista del Son 14 de Cuba, Dj. Augusto Felibertt y Vicente López

Esa noche, el maestro José Luis Cortés destacó la calidad musical de Álvarez, concentrándose específicamente en «A Bayamo en coche», el tema que en 1979 anunció al público la existencia de un gran artista. Álvarez fue capaz de llevar el son a las escuelas de arte cubanas y ha defendido con altura y arte el son cubano, sin renunciar a la esencia de uno de los géneros musicales bailables que mejor representa la idiosincrasia cubana. (Fuente: Joel del Río, cibercuba)

Detalle del Álbum «A Bayamo En Coche» (1980)

No.	Tema	Género	Compositor
01.	A Bayamo En Coche	Son	Adalberto Álvarez
02.	El Son De La Madrugada	Son guaguancó	Adalberto Álvarez
03.	Se Fue Mi Amor Y No Lo Vi Partir	Bolero son	Adalberto Álvarez
04.	Calle Enramada	Son	Pedro Gómez
05.	Elena La Cumbanchera	Son	Gerardo Martínez
06.	Se Quema La Trocha	Bachata-Son	Adalberto Álvarez
07.	Tal Vez Vuelvas A Llamarme	Son montuno	Adalberto Álvarez
08.	Gimen Las Rosas Por Una Triste Ilusión	Bolero	Adalberto Álvarez
09.	Vamos, Háblame Ahora	Bachata-son	Adalberto Álvarez

Músicos que participaron en la grabación (1979):

Director, Piano acústico, Teclados: Adalberto Álvarez
Voz, Percusión menor: Eduardo «El Tiburón» Morales, Héctor Wedderbron, Daniel Carmenates
Bajo: Jorge Machado
Guitarra: Efisio Barroso
Trompeta: Eduardo Sánchez, Guillermo Femández, José Fernández, Dagoberto Rodríguez
Trombón: Lázaro Rosabal
Tumbadora: Ubaldo Canes
Bongó, Cencerro: Guillermo Viera

Grabado en: Estudios EGREM (1979)

Colaboradores:

L’Òstia Latin Jazz

Dj. Augusto Felibertt

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Director de orquesta y cantante dominicano Papo Ross triunfando en Montréal

5 noviembre, 2025 by Karina Garcia

Canadá sigue dando de qué hablar en lo que a música latina se refiere y nuestro talentoso invitado es prueba fehaciente de ello. El líder de orquesta y cantante dominicano Jorge ‘‘Papo’’ Ross nos ha concedido el gran honor de conversar sobre su interesante trayectoria tanto en su país de origen como en Montreal, que es donde actualmente reside y continúa adelante con sus proyectos musicales.

Papo Ross y su saxofón — Director de orquesta, cantante y músico dominicano Papo Ross con su saxofón

Inicios de Papo en República Dominicana

Los inicios musicales de Papo ocurrieron en su pueblo natal San Pedro de Macorís tocando instrumentos de lata o cambumbo que él y sus amigos hacían ellos mismos para poder tocar, lo cual le fue llevando a aprender a tocar percusión, aunque de una forma muy rudimentaria todavía. Entre los primeros instrumentos que tocó estaban el guiro, la tambora y la conga.

Al ver esta inquietud por la música, su fallecido hermano, quien era saxofonista y dirigía un grupo en ese entonces, lo llevó a tocar con él para que aprendiera el oficio con la práctica. Sin embargo, el joven no se conformó con eso y también comenzó a crear sus propias bandas como el Grupo Enriquillo, en las que él y el resto de los integrantes usaban instrumentos caseros y una marimba, que hacía las veces del bajo.

También tocó con La Moderna de San Pedro, con la que fue director musical durante los ensayos, logrando así ganar un dos por ciento de los contratos de la orquesta. Adicionalmente, fundó el grupo Sui Generis, tocó con el difunto merenguero July Mateo ‘‘Rasputín’’ y, antes de irse del país, tocó con el recientemente fallecido Rubby Pérez en la década de los 90’s

Formación académica previa a su viaje a Canadá

Luego de haber tocado con varias orquestas, Papo se dio cuenta de que, si bien es cierto que ya había ganado algo de experiencia y aprendizaje, no era suficiente y necesitaba formarse más. Es por eso que ingresó a estudiar en la Escuela de Música Patria Logroño a nivel elemental y el Conservatorio Nacional de Música en Santo Domingo.

Papo Ross & Pambiche — Papo Ross & Orquesta Pambiche en su totalidad

En la academia, aprendió solfeo hablado y cantado y tomó algunas clases de saxofón en el mismo lugar. En cuanto al conservatorio, allí estudió percusión, pero no llegó a terminar su formación en esta área, ya que también estaba estudiando derecho en la Universidad Central del Este de San Pedro de Macorís. Cuando llegó el momento en que tuvo que elegir entre una y otra, evidentemente se decantó por la universidad, aunque tampoco llegó a ejercer esta carrera porque le faltaron algunos semestres por terminar.

Mudanza a Canadá

Antes de llegar a Canadá, Papo ya había viajado a otros lugares como Puerto Rico o Nueva York como parte de su trabajo y tuvo la oportunidad de vivir allí por algunas temporadas, pero la Orquesta Tambora lo invita a ir a Canadá para dirigir el grupo, cosa que el artista aceptó.

Aunque fue la mejor decisión, desde luego que no todo fue fácil, ya que tuvo que enfrentarse a la barrera del idioma y su proceso de adaptarse a una escena musical completamente distinta a la de su país natal.

Esto último y el hecho de pertenecer a una minoría como la comunidad latina lo limitaron bastante al principio, pero asegura no arrepentirse de sus decisiones y que no se queja de lo que ha logrado hasta ahora.

Rafael Ithier y Papo Ross — Rafael Ithier de El Gran Combo de Puerto Rico y Papo Ross

Papo Ross & Orquesta Pambiche

En 1992, finalmente decidió abrirse paso por sí mismo y crear su propia orquesta Papo Ross & Orquesta Pambiche debido a todas las aptitudes que había adquirido hasta ahora. Luego de haber aprendido a ser director de orquesta, componer, hacer arreglos y cantar, se sintió más que listo para llevar adelante su propio proyecto compuesto por unos 13 integrantes en total que incluía dos trompetistas, un trombonista, dos saxofonistas, un percusionista, tres cantantes, entre otros. Del grupo original no queda nadie y Papo ya prácticamente no usa la banda grande, sino un formato un poco más pequeño en su lugar llamado Papo Ross Meren Latin Jazz Approach.

Esta banda ofrece sus servicios para fiestas privadas y recepciones en las que a veces el mismo Papo canta con pista y hasta incluye bailarinas en sus shows

Junto a su orquesta, llegó a tocar en el Montreal International Jazz Festival en unas cuantas ocasiones, pero también han tocado en varias otras ciudades como Toronto, Regina, Saskatchewan, Victoria, San Pierre, Saint John y muchas más. También, por su parte, ha participado con otros varios grupos y músicos como Pablo Ramos y el grupo Calipso.

Fuera de Canadá, han tocado en varios lugares de Estados Unidos como Detroit, Wellington y Vermont.

Eduardo, Papo y Dave — Trumpetista Eduardo Sanchez, Papo Ross y el trombonista Dave Grott

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