• Saltar a la navegación principal
  • Saltar al contenido principal

International Salsa Magazine

  • HOME
  • Ediciones anteriores
    • 2025
      • ISM / Junio 2025
      • ISM / Mayo 2025
      • ISM / Abril 2025
      • ISM / Marzo 2025
      • ISM / Febrero 2025
      • ISM / Enero 2025
    • 2024
      • ISM / Diciembre 2024
      • ISM / Noviembre 2024
      • ISM / Octubre 2024
      • ISM / Septiembre 2024
      • ISM / Agosto 2024
      • ISM / Julio 2024
      • ISM / Junio 2024
      • ISM / Mayo 2024
      • ISM / Abril 2024
      • ISM / Marzo 2024
      • ISM / Febrero 2024
      • ISM / Enero 2024
    • 2023
      • ISM / Diciembre 2023
      • ISM / Noviembre 2023
      • ISM / Octubre 2023
      • ISM / Septiembre 2023
      • ISM Agosto 2023
      • ISM Julio 2023
      • ISM Junio 2023
      • ISM Mayo 2023
      • ISM Abril 2023
      • ISM Marzo 2023
      • ISM Febrero 2023
      • ISM Enero 2023
    • 2022
      • ISM – Diciembre 2022
      • ISM – Noviembre 2022
      • ISM Octubre 2022
      • ISM Septiembre 2022
      • ISM Agosto 2022
      • ISM Febrero 2022
      • ISM Enero 2022
    • 2021
      • ISM Diciembre 2021
      • ISM – Noviembre 2021
      • ISM Octubre 2021
      • ISM Septiembre 2021
      • ISM Agosto 2021
      • ISM Julio 2021
      • ISM Junio 2021
      • ISM Mayo 2021
      • ISM Abril 2021
      • ISM Marzo 2021
      • ISM Febrero 2021
      • ISM Enero 2021
    • 2020
      • ISM Diciembre 2020
      • ISM Noviembre 2020
      • ISM Octubre 2020
      • ISM Septiembre 2020
      • ISM Agosto 2020
      • ISM Julio 2020
      • ISM Junio 2020
      • ISM Mayo 2020
      • ISM Abril 2020
      • ISM Marzo 2020
      • ISM Febrero 2020
      • ISM Enero 2020
    • 2019
      • ISM Diciembre 2019
      • ISM Noviembre 2019
      • ISM Octubre 2019
      • ISM Septiembre 2019
      • ISM Agosto 2019
      • ISM Julio 2019
      • ISM Junio 2019
      • ISM Mayo 2019
      • ISM Abril 2019
      • ISM Marzo 2019
      • ISM Febrero 2019
      • ISM Enero 2019
    • 2018
      • ISM Diciembre 2018
      • ISM Noviembre 2018
      • ISM Octubre 2018
      • ISM Septiembre 2018
      • ISM Agosto 2018
      • ISM Julio 2018
      • ISM Junio 2018
      • ISM Mayo 2018
      • ISM Abril 2018
      • ISM Marzo 2018
      • ISM Febrero 2018
      • ISM Enero 2018
    • 2017
      • ISM Diciembre 2017
      • ISM Noviembre 2017
      • ISM Octubre 2017
      • ISM Septiembre 2017
  • Descarga Salsa App
    • Android
    • Apple
  • English

Augusto Felibertt

Un argentino con sabor a Cuba, dijo Rogelio Martínez a Carlos Argentino, el Rey de La Pachanga

25 junio, 2025 by Augusto Felibertt

El 23 de junio de 1929, en Buenos Aires, Argentina, nació Israel Vitenszteim Vurm, más conocido en el ambiente musical como “Carlos Argentino”.

Fue un excelente cantante argentino de música tropical que formó parte de la banda cubana Sonora Matancera. También fue conocido en el argot musical como «El Rey de la Pachanga».

Un argentino con sabor a Cuba, dijo Rogelio Martínez a Carlos Argentino, el Rey de La Pachanga Imagen Discogs
Un argentino con sabor a Cuba, dijo Rogelio Martínez a Carlos Argentino, el Rey de La Pachanga Imagen Discogs

Nacido en el barrio porteño de La Paternal, sus padres se dedicaban a la confección textil, y desde sus primeros años mostró un espíritu emprendedor. A pesar de pertenecer a una familia acomodada social y económicamente, se desempeñó como vendedor callejero, vendiendo diarios, revistas y hasta café en los tranvías y en los hipódromos.

Haciendo caso omiso a los deseos de sus padres sobre su futuro profesional, se lanzó al ruedo del canto bajo el seudónimo de Carlos Torres. En 1946, con tan solo diecisiete años, viajó a Brasil con una orquesta desconocida. Los problemas no se hicieron esperar, ya que tuvo que pedir la intercesión del embajador de Argentina para regresar a Buenos Aires, con la intención de dedicarse al estudio de la medicina en la Universidad Otto Krausse, como era deseo de sus padres.

Estando allí, hizo su servicio militar obligatorio y, al culminar este, volvió al ruedo musical, abandonando definitivamente su carrera profesional. Se incorporó a las orquestas de Luis Rolero y la de Raúl Marengo, realizando presentaciones en Perú y Chile. Luego viajó a Colombia con la orquesta de Efraín Orozco. Algo muy curioso pasó en dicho viaje: había un cantante colombiano llamado Carlos Torres, y para poder diferenciarse, se agregó su patronímico, quedando como Carlos Torres Argentino, para luego consagrarse artísticamente como Carlos Argentino.

Carloa Argentino También fue conocido en el argot musical como «El Rey de la Pachanga».
Carloa Argentino También fue conocido en el argot musical como «El Rey de la Pachanga».

También viajó en 1952 a La Habana, donde trabajó con las orquestas de Felo Bergaza, Arnoldo Nalli y Julio Cuevas. Estudió canto con el profesor italiano Eduardo Bonessi.

En junio de 1954 visitó Bogotá, y en diciembre viajó a Medellín. En febrero de 1955, la Sonora Matancera (de Cuba) hizo una gira por Colombia. Se encontraron en el Teatro Colombia, de Bogotá. Según el mismo Carlos, Rogelio Martínez, director de la Sonora, le preguntó si provenía de Cuba, y Carlos respondió: «¡Yo soy argentino!». Martínez le replicó: «¡Pues tú eres un argentino con sabor a Cuba, te tienes que montar en el vehículo!». «¿Qué vehículo?», le preguntó Carlos. «¡El nuestro!», le respondió don Rogelio y le propuso viajar a La Habana, a lo que él accedió.

Luego de varios meses de ensayo, el 17 de agosto de 1955 grabaron su primer disco de 78 RPM. Su primer sencillo fue el bolero-tango «Una canción» (de Aníbal Troilo), y en el otro lado la guaracha «Las muchachas caraqueñas» (de Billo Frómeta). Más tarde, grabaría otros temas como: «Ave María Lola», «El solterito», «Cuartito 22», «¡Ay, cosita linda!», «Un poquito de cariño», «Tu rica boca», «En el mar», «Boquita golosa», «El novio celoso», «Apambichao», «Lamento náufrago» y «La mamá y la hija», entre otros; además de los boleros: «Alma Vendida», «No pidas más perdón», «El amor no existe», «Cruel indiferencia» y «Cuando tú seas mía».

El Rey de la Pachanga
El Rey de la Pachanga

Con la Sonora Matancera, viajó por toda América Latina y permaneció en la agrupación hasta noviembre de 1959. En 1960 abandonó Cuba y viajó a México. Tras esto, en 1961, regresó a la Argentina, donde fue recibido con júbilo. Volvió a radicarse en su barrio natal de La Paternal, en Buenos Aires.

Como destacado turfman, se hizo propietario de varios caballos pura sangre, a los cuales bautizó con nombres de sus temas musicales: «Pachangueando», «La Espumita» y «El Manotón». Aparte de la hípica, Carlos fue aficionado al fútbol y simpatizante del club de su barrio: Argentinos Juniors (club que vio nacer a Diego Armando Maradona), y de Boca Juniors, al que dedicó la «Pachanga de Boca», festejando el título que obtuvo el equipo «Xeneize» en 1962, y el disco Somos la mitad más uno, celebrando el campeonato Metropolitano del Boca de Maradona en 1981. Dedicó también canciones a otros equipos, por ejemplo, al «Equipo de José» (el Racing campeón de 1966-67); el que grabó en ocasión de consagrarse Estudiantes de la Plata campeón del mundo en 1968, con la dirección técnica de Osvaldo Zubeldía; o a Chacarita Juniors (campeón Metropolitano de 1969), entre otros.

A lo largo de su vida llegó a residir además de Cuba en Colombia, México y Venezuela, donde actuó en 1978 como cantante de la orquesta Los Solistas de Renato Capriles, y participó en sus dos primeros LP, pero siempre regresaba a su Argentina.

En una tarde para el recuerdo, el 1 de julio de 1989, se reencontró con la Sonora Matancera en el Central Park de Nueva York, para celebrar con sus viejos compañeros de grabación los 65 años de la agrupación. En esa ocasión compartió escenario con Celia Cruz, Daniel Santos, Vicentico Valdés, Welfo Gutiérrez, Leo Marini y Nelson Pinedo, entre otras figuras.

Argentino El Rey de la Pachanga con La Sonora Matancera
Argentino El Rey de la Pachanga con La Sonora Matancera

Fue la última vez en que sería visto en presentaciones, ya que el 20 de junio de 1991 falleció de un infarto al miocardio, mientras presenciaba una carrera de caballos en Buenos Aires. ¡Que en paz descanse y gloria eterna para él!

También Lea: Argentina y sus géneros musicales de origen y los tropicales

Por:

Dj. Augusto Felibertt

Los Mejores Salseros del Mundo

Publicado en: 2025, Artistas, Biografia, Entrevistas, Julio, Latino America, Musica Latina, Norte America, Noticias, Orquesta

La Noche que Héctor Lavoe: “El Cantante de los Cantantes” se negó a complacer a Pablo Escobar

25 junio, 2025 by Augusto Felibertt

1 de enero de 1981. El aire estaba impregnado del aroma de un nuevo año, pero para Héctor Lavoe, diferenciaba mucho de ser una celebración.

La Noche que Héctor Lavoe: “El Cantante de los Cantantes” se negó a complacer a Pablo Escobar
La Noche que Héctor Lavoe: “El Cantante de los Cantantes” se negó a complacer a Pablo Escobar

Recordamos cuando Pablo Escobar quiso que la orquesta de Héctor Lavoe siguiese con su presentación durante una fiesta de Año Nuevo en Medellín.

El incidente en el que Héctor Lavoe se negó a seguir cantando el tema «El Cantante» para Pablo Escobar,

Esto no es solo un rumor; es una anécdota escalofriante que ha cimentado su lugar en la historia de la música. Fue una noche en la que el Rey de la Impuntualidad el Cantante de los Cantantes se enfrentó al Rey de la Cocaína y vivió para contarlo.

La huida.

La historia comienza con un encuentro frenético relatado por un cronista colombiano, Juan José Hoyos, quien lo escuchó directamente de un taxista.

Pasada la medianoche, un hombre, impecablemente vestido con un traje pero descalzo, apareció de repente a un lado de la carretera.

Estaba claramente aterrorizado, y el conductor, incapaz de ignorar su angustia, se detuvo.

El hombre, despeinado y sin un dólar, suplicó que lo llevaran a su hotel. Explicó que había estado cantando en una fiesta de «mafiosos» y que las cosas habían tomado un giro oscuro. «Me llamo Héctor Lavoe», susurró el cantante.

Héctor Lavoe: “El Cantante de los Cantantes”
Héctor Lavoe: “El Cantante de los Cantantes”

El taxista se mostró escéptico. «Tendrás que cantar ‘Yo Soy El Cantante’ si quieres que te lleve al hotel», lo desafió.

Héctor, ya dentro del taxi, se erizó. «¡Amigo, por eso estoy en este lío! ¡Uno de esos tipos me hizo repetir esa canción como diez veces, amenazándome con una pistola! ¡Me harté y le dije a la orquesta: ‘¡No canto más, apaguen los equipos!'».

El conductor insistió, recordándole al pequeño hombre de traje que le estaba haciendo un favor. Entonces, una voz, etérea e inconfundible, llenó el taxi:

«🎵 Yo soy el cantante / que hoy han venido a escuchar / lo mejor del repertorio a ustedes voy a brindar. / Y canto a la vida / de risas y penas / de momentos malos / y de cosas buenas. 🎵«

No había duda. Era Héctor Lavoe.

La terrible experiencia, corroborada

Lo que podría haberse descartado como otro cuento de taxistas cobró una escalofriante veracidad cuando los miembros de la banda de Lavoe corroboraron la historia.

Eddie Montalvo, el conguero del grupo, recordó vívidamente la noche. El concierto con Pablo Escobar había sido arreglado por Larry Landa, un promotor musical con profundos lazos con el mundo de las drogas. El contrato estipulaba que tocarían hasta las 2 de la madrugada, pero Escobar tenía otros planes, exigiendo que continuaran hasta las seis de la mañana.

Eddie Montalvo
Eddie Montalvo

«Cuando eran las dos de la mañana, Héctor le dijo a la banda que parara», relató Montalvo. «El organizador los amenazó a punta de pistola para obligarlos a seguir cantando. Quería que Héctor repitiera el tema ‘Yo Soy El Cantante'».

En medio del caos, el legendario cantante de salsa Ismael Rivera, quien también estaba presente, se enfrentó valientemente a los agresores. Incluso los guardaespaldas se involucraron. Finalmente, Lavoe y sus músicos fueron encerrados en una pequeña habitación por el resto de la noche.

El Sonero Mayor Ismael Rivera
El Sonero Mayor Ismael Rivera

Después de una hora, en un movimiento desesperado, Héctor rompió una ventana. Con la ayuda de los otros músicos, se deslizaron uno por uno en la oscuridad, dejando sus instrumentos atrás, consumidos por el miedo. «Durante treinta minutos se resbalaron y cayeron hasta llegar a la carretera», reveló Montalvo.

Y así fue como Héctor Lavoe terminó en ese taxi, en una fría mañana de enero de 1981.

Una extraña resolución

Pero la saga no terminó ahí. Al día siguiente, un individuo misterioso visitó a Héctor y su banda en su hotel. Les entregó un cheque, les devolvió sus pasaportes confiscados y los instrumentos retenidos, y les ofreció una sorprendente disculpa.

Reseña de la Epoca (Flash)
Reseña de la Epoca (Flash)

Este dramático incidente sigue siendo un crudo recordatorio del mundo volátil en el que navegó Héctor Lavoe y de su inquebrantable espíritu frente a un peligro inmenso.

Tambien Lea: International Salsa Magazine exhibe importantes datos curiosos sobre Héctor Lavoe

Por:

1) Los Mejores Salseros del Mundo

2) Dj, Augusto Feliberrtt

3) Hector Lavoe – Fans

Publicado en: 2025, Artistas, Entrevistas, Eventos, Julio, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Adrián Joel Rodríguez Rivera es un músico con amplia experiencia como Bajista

25 junio, 2025 by Augusto Felibertt

Adrián Joel Rodríguez Rivera (alias “AJ”) obtuvo sus primeras experiencias con el bajo eléctrico a la edad de 14 años.

Adrián Joel Rodríguez Rivera es un músico con amplia experiencia como Bajista
Adrián Joel Rodríguez Rivera es un músico con amplia experiencia como Bajista

Comenzó estudios formales en la Escuela Especializada Libre de Música Antonio S. Paoli de Caguas, Puerto Rico, hasta culminar su Bachillerato en Música en Ejecución de Jazz y Música Afrocaribeña con concentración en el Bajo Eléctrico en el Conservatorio de Música de Puerto Rico.

A través de su carrera ha tocado y grabado con agrupaciones de diversos géneros musicales, e.g. reggae, rock, jazz, música urbana y tropical.

Ha tenido el placer de colaborar con artistas como Calma Carmona, Yaire, Auudi, Brytiago, Raquel Sofía, Jean Carlos Canela, Galé, entre otros.

Adrián Joel Rodríguez Rivera (alias “AJ”) obtuvo sus primeras experiencias con el bajo eléctrico a la edad de 14 años.
Adrián Joel Rodríguez Rivera (alias “AJ”) obtuvo sus primeras experiencias con el bajo eléctrico a la edad de 14 años.

Actualmente trabaja desde Puerto Rico y ha realizado presentaciones en Estados Unidos, Colombia y Ecuador.

Historia del Bajo Eléctrico.

La Historia del Bajo Eléctrico está intrínsecamente ligada a la necesidad de encontrar una alternativa más práctica y amplificada al voluminoso contrabajo, especialmente a medida que las bandas de música se hacían más grandes y ruidosas.

Los primeros pasos y Paul Tutmarc (Años 30)

Aunque hubo algunos experimentos previos, se considera que el primer bajo eléctrico funcional fue desarrollado por Paul Tutmarc en la década de 1930. En 1936, su compañía, Audiovox, lanzó el Model 736 Bass Fiddle.

Este instrumento presentaba un diseño similar a una guitarra, con un cuerpo sólido, trastes y una pastilla electromagnética, lo que facilitaba su transporte y ejecución en comparación con el contrabajo. Sin embargo, el invento de Tutmarc no tuvo un gran éxito comercial en su momento.

La revolución de Leo Fender (Años 50)

No fue hasta principios de los años 50 que el bajo eléctrico realmente despegó, gracias a Leo Fender. Buscando solucionar los problemas de tamaño, volumen y afinación del contrabajo, Fender aplicó su experiencia en la fabricación de guitarras eléctricas para crear un instrumento innovador.

En 1951, Fender lanzó el Precision Bass, el primer bajo eléctrico producido en masa y comercialmente exitoso. Su diseño era robusto, con un cuerpo sólido y trastes (de ahí el nombre «Precision», por la precisión en la afinación que ofrecían los trastes). Este bajo se convirtió rápidamente en un estándar, utilizado en una amplia variedad de géneros musicales, desde el soul y el R&B hasta el rock.

Adrián Joel Rodríguez Rivera
Adrián Joel Rodríguez Rivera

Posteriormente, en 1960, Fender introdujo el Jazz Bass, que ofrecía un mástil más delgado y dos pastillas (una cerca del puente y otra cerca del mástil), brindando una mayor versatilidad tonal y un sonido que muchos músicos de jazz encontraban más cercano al contrabajo acústico.

Expansión y evolución (Años 60 en adelante)

A lo largo de los años 60, otras marcas como Gibson, Höfner y Rickenbacker también comenzaron a fabricar sus propios modelos de bajos eléctricos, inundando el mercado con nuevas opciones. La popularidad del bajo eléctrico creció exponencialmente, consolidándose como un elemento fundamental en la música moderna.

La década de los 70 vio una mayor experimentación. Se comenzaron a integrar preamplificadores en los instrumentos para expandir el rango tonal, y surgieron bajos de más cuerdas. En 1974, el bajista Anthony Jackson y el luthier Carl Thompson colaboraron para crear el primer bajo de seis cuerdas, con el objetivo de ampliar el rango sonoro del instrumento.

Desde los años 80 en adelante, la innovación continuó. Se popularizaron los bajos de 5 y 6 cuerdas, así como los circuitos activos y los bajos «boutique» de luthiers especializados. Diseñadores como Ned Steinberger introdujeron bajos sin cabeza (headless) y experimentaron con materiales como la fibra de carbono. Músicos influyentes como Jaco Pastorius llevaron el bajo sin trastes (fretless) a la vanguardia, y técnicas como el «slap» y el «double thumb» se desarrollaron y popularizaron.

En la actualidad, el bajo eléctrico sigue evolucionando, con una vasta gama de diseños, configuraciones y sonidos, adaptándose a las necesidades de los más diversos géneros musicales y a la creatividad de los bajistas de todo el mundo.

Comenzó estudios formales en la Escuela Especializada Libre de Música Antonio S. Paoli de Caguas, Puerto Rico
Comenzó estudios formales en la Escuela Especializada Libre de Música Antonio S. Paoli de Caguas, Puerto Rico

Tambien Lea: Charlie Haden fue un extraordinario contrabajista y compositor figura clave en la historia del jazz moderno

Publicado en: 2025, Artistas, Biografia, Julio, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Noticias, Orquesta

Beatriz Márquez Castro exponente de la canción Romántica, el Feeling y el Bolero

29 mayo, 2025 by Augusto Felibertt

Beatriz Márquez Castro. Cantante, compositora y pianista. Nace el 17 de febrero de 1952 en La Habana.

Beatriz Márquez Castro. Cantante, compositora y pianista
Beatriz Márquez Castro. Cantante, compositora y pianista

Hija del prestigioso compositor e intérprete René Márquez. Inició su carrera artística en 1968.

Exponente de la canción romántica, el feeling y el bolero, incursionando con gracia en los mismos, interpretando temas de autores muy prolíferos como René Márquez, Marta Valdés, Juanito Márquez, Silvio Rodríguez, Germán Nogueira, entre otros.

Su registro de mezzosoprano ha hecho posible sus gustados “descensos” a tonos graves, como sus inesperados, y no menos apreciados, “ascensos” a tesituras mucho más altas, sin perder su definitorio estilo, muy apropiado para la canción y el bolero, géneros en los que se mantenido como una de sus principales cultivadoras en Cuba.

Conocida como La Musicalísima.

Asistimos a la realización de un proyecto largamente acariciado con el que la intérprete, pianista y compositora Beatriz Márquez salda una deuda en el plano familiar y en la discografía cubana.

Después de algunos años de búsqueda en archivos y viejas grabaciones gracias a la colaboración del realizador audiovisual cubano Felipe Morfa, fue posible preparar «Este encuentro» (Producciones Colibrí, 2023) con una selección de piezas conocidas e inéditas del cantante y compositor René Márquez Rojo (1914-1986), algunas de ellas popularizadas en su momento por figuras de relevancia internacional como Antonio Machín o el puertorriqueño Daniel Santos, por sólo citar dos ejemplos.

Beatriz Márquez Castro exponente de la canción Romántica, el Feeling y el Bolero
Beatriz Márquez Castro exponente de la canción Romántica, el Feeling y el Bolero

Dada la influencia que ejerció René en la carrera de su hija y nietos este es un disco cargado de amor y, sobre todo, de agradecimiento.

Si bien fue más conocido por el oficio de escribir canciones, es justo subrayar la huella que dejó como cantante de charangas. Podemos mencionar, entre otras, la del violinista Cristóbal Paulín, la de Osear Muñoz Bouffartique y la de René Touzet.

En la emisora Mil Diez debutó con la agrupación dirigida por Julio Cueva a la que se consagra durante diez años. Desde finales de los años treinta y en lo adelante las letras del villaclareño conectan rápidamente con el público.

El Inquieto Anacobero graba con la Sonora Matancera en 1949 «El disgusto de bigote» y también cantará del cubano: «Soltando chispas», «A San Lázaro» y «El granito de maíz».

Los temas de René, entre los que no puede faltar «El quinqué»,hablan del ingenio natural que tenía para contar historias. Al morir con 72 años dejó una herencia musical que desde entonces ha sido defendida por sus descendientes.

En más de cinco décadas de vida artística Beatriz se ha convertido en la más fiel intérprete de su padre al dejar grabado para varios álbumes temas como «No respondo», «Explícame por qué» y el ya célebre «Espontáneamente», incluido inicialmente en el LP «Es soledad» (Egrem, 1970) y versionado en múltiples ocasiones.

En la discografía de la Musicalísima aparecen, antes de este material, solo dos fonogramas dedicados exclusivamente a la obra de un autor: «Beatriz canta a Juan Almeida» (Egrem, 1978) seguido cuarenta años después por «Libre de pecado» (Producciones Colibrí, 2018) homenaje al maestro Adolfo Guzmán, contribuyendo de esta manera al rescate de la memoria musical de la isla.

Este encuentro pasa por la trova tradicional y va de la guaracha al son sin olvidar algunos de los boleros más notables del compositor.

También nos permite apreciar las cualidades interpretativas de René Márquez al escuchar su voz, rescatada de antiguos registros.

Se destaca la participación especial de los cantantes Evelyn García y Michel Maza, continuadores de la saga familiar.

Ahora, la Premio Nacional de Música 2015 y principal artífice de este fonograma nos convida a explorar en once temas la inmensa obra de René Márquez, esa que de ningún modo podrá quedar en el olvido. _ Jaime Masó

Beatriz Márquez - Este Encuentro (2023)
Beatriz Márquez – Este Encuentro (2023)

Beatriz Márquez – Este Encuentro (2023)

Temas:

  1. Este Encuentro
  2. La Vida Es Un Momento
  3. Muchachito Inocente
  4. No Respondo
  5. Nunca Habrá Distancia
  6. Soltando Chispas
  7. En El Cielo De Mi Vida
  8. Imposible Amor
  9. Popurrit
  10. Espontaneamente
  11. Mi Placer

Por:

L’Òstia Latin Jazz 

DJ. Augusto Felibertt

Ecured

Instituto Cubano de la Música

También Lea: Enrique «Culebra» Iriarte, maestro del piano y la composición musical

Publicado en: 2024, Artistas, Biografia, Junio, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Orquesta

Isadora Duncan destinada a una Vida, de Libertad y Vanguardia, Belleza y Tragedia

28 mayo, 2025 by Augusto Felibertt

Isadora Duncan nació en San Francisco en 1877. Su padre Joseph, poco después abandonó la familia. Dejada en una pobreza extrema, su madre Mary Isadora Gray, tuvo que trabajar duro para mantener a los cuatro hijos.

Isadora Duncan destinada a una Vida, de Libertad y Vanguardia, Belleza y Tragedia
Isadora Duncan destinada a una Vida, de Libertad y Vanguardia, Belleza y Tragedia

No obstante, siempre les decía; «Podemos prescindir del pan, pero nunca del Arte», y siempre alentó las vocaciones artísticas de sus hijos.

Su madre la introduce desde muy pequeña en las obras de Beethoven, Schubert, Schumann, Mozart y Chopin y a las lecturas de Shakespeare, Shelley, Keats y Whitman; también le enseña sobre cultura clásica griega, paganismo y feminismo.

El clan familiar vivía como una pequeña compañía artística; Mary impartía clases de piano, e Isadora enseñaba baile, mientras su madre interpretaba Mendelssohn al piano.

Luego su hermana Elizabeth recitaba algunos poemas de Teócrito y cerraba su hermano Raymond con una pequeña charla sobre los griegos o sobre la danza y sus efectos en la sociedad del futuro.

Aunque se presentó en varias audiciones como bailarina en diferentes teatros, no tuvo éxito.
Isadora percibía el Baile de manera muy diferente.

Ella creía en la improvisación, con el movimiento como olas de un mar que reflejaban la misma Alma, un concepto casi místico y espiritual, alejado de la técnica formal del Ballet Clásico.

Como cuenta en su autobiografía:
«Nací a la orilla del mar. Mi primera idea del movimiento y de la danza me ha venido seguramente del ritmo de las olas y también la naturaleza; las nubes arrastradas por el viento, los árboles que se estremecen, los pájaros que vuelan, las hojas que dan vueltas.»

Isadora Duncan nació en San Francisco en 1877.Su padre Joseph, poco después abandonó la familia.
Isadora Duncan nació en San Francisco en 1877.
Su padre Joseph, poco después abandonó la familia.

Esa naturaleza viva, es la que intentaba expresar danzando.
Poco después, tras el incendio de su casa, la familia volvió a quedar en la ruina.

Obtuvo un pequeño papel en una pantomima en Nueva York: Madame Pygmalion.

Tuvo que pedir dinero para el billete de tren y durante más de un mes ensayó sin cobrar. En el descanso de mediodía Isadora no tenía dinero para comer y se escondía en las instalaciones para dormir y seguir ensayando después.

Finalmente, a esa ciudad se mudó su familia, donde en 1896, Isadora se incorporó a la compañía del dramaturgo John Augustine Daly, tomando lecciones de ballet con Marie Bonfanti. Por su rechazo a un academicismo que ella consideraba limitante y poco natural, en 1898 consigue viajar a Europa.

Llega a Inglaterra, donde siempre autodidacta, estudia Artes en el British Museum, donde encuentra la gran inspiración para sus danzas que evocan los movimientos y las vestimentas griegas antiguas. Observa los movimientos de las danzarinas en las vasijas griegas, y de allí adopta una de sus posturas características: la de echar la cabeza hacia atrás como las vacantes.

Parte a Francia, donde conoce a Löis Fuller, que compartía sus ideas. Löis era como ella una bailarina alternativa, y sus números de danza tenían algo de espectáculo circense y teatro de variedades.

Juntas inician una una gira por Múnich y Viena, y crearon nuevas performances; “Dance Serpentine”, “Dance of Fire”, y “The Divine Shoe”, de un concepto absolutamente moderno Isadora finalmente en Budapest, firmó el primer contrato para bailar sola en un gran escenario.

“Dance of Fire”, y “The Divine Shoe”, de un concepto absolutamente moderno Isadora finalmente en Budapest
“Dance of Fire”, y “The Divine Shoe”, de un concepto absolutamente moderno Isadora finalmente en Budapest

Y lo hizo con un gran  éxito, consagrándose en todos los escenarios europeos.
Luego de uno de sus espectáculos, fue a saludarla un gran admirador, nada menos que Konstantín Stanislavski, el creador del célebre método de actuación y uno de los fundadores del Teatro Ruso.

Ante la pregunta de éste sobre quien le había enseñado a bailar, Isadora respondió Terspsícore. No obstante, la suya seguía siendo una danza transgresora.  Ella quería liberar a las bailarinas de los ballets en puntillas, los tutús y las figuras encorsetadas, para dar una expresión al alma mediante el Arte.

El «vestuario» de sus coreografías eran amplias túnicas transparentes, y los pies descalzos para tener un contacto directo con la tierra.  Gran admiradora de la cultura helénica, en Grecia inició la construcción de una escuela de Danza, en la colina de Kopanos. Le siguieron otras en Alemania y París.

En ellas se aceptaban muchas veces a niñas provenientes de hogares muy humildes, a las que no se les cobraba
Con el tiempo los gastos eran casi insostenibles, pero Paris Singer, heredero del imperio de máquinas de coser, apareció ofreciendo ayuda económica para que puedan continuar.

Inició giras por Europa, Rusia, donde fue invitada por Lenin, y América, pese a lo que más amaba era la Enseñanza.
Decía; «Primero, enseñamos a los niños a respirar, vibrar, sentir y volverse uno con la armonía general y el movimiento de la naturaleza. Primero, vamos para crear un hermoso Ser Humano, un niño bailarín!»
Luego de dos rupturas matrimoniales, en 1913 en un trágico accidente perdieron la vida ahogados en el Sena, sus hijos, Deirdre y Patrick.

Al año siguiente un tercer hijo falleció poco después de nacer.
A partir de entonces, en todas sus coreografías, aparecerá un largo pañuelo rojo sobre su túnica blanca, como una herida permanente sin cerrar. En 1917, adoptó a 6 de sus estudiantes, Los Duncan.

En el Día Internacional de la Danza, recordamos a la creadora del Ballet Contemporáneo Isadora Duncan
En el Día Internacional de la Danza, recordamos a la creadora del Ballet Contemporáneo Isadora Duncan

Si bien Isadora tuvo muchos idilios, sus relaciones más estables fueron con Oscar Beregi, Gordon Craig, Paris Singer y Sergei Esenin.

Pero para mantener su Libertad nunca quiso casarse.
En la cima de su fama, el 14 de Septiembre de 1927, cuando  iba a dar un concierto en Niza, desde su auto saludo al público; “¡Adiós amigos! ¡Me voy a la gloria!».

Poco después, el mismo pañuelo rojo que nunca la abandonada, se enredó en la rueda trasera y provocó su muerte.
Comenzaba su Leyenda. Ana e Irma, dos de sus hijas adoptivas, continuaron difundiendo la técnica Duncan, que todavía se enseña y se baila en la actualidad.

Diva ante litteram, rebelde y pionera de la revolución de la danza que estalló durante el siglo XX, referente extremo de independencia y pureza: Isadora Duncan además de la madre de la danza moderna, es una anticipación de la Mujer libre. ideal, inconformista e independiente, que tendría que esperar aún décadas en aparecer.

Día Internacional de la Danza (29 de abril)

Esta fecha, proclamada por la UNESCO en 1982, se conmemora el nacimiento de Jean-Georges Noverre, un innovador y maestro de la danza considerado el creador del ballet moderno. 

En el Día Internacional de la Danza, recordamos a la creadora del Ballet Contemporáneo.

Fania All Stars

Album: Crossover

Tema: Isadora

Arranged By: Louie Ramirez

Arranged By: (All Strings) Vincent Montana, Jr.

Producer: Jerry Masucci

Written By: C. Curet Alonso

Fania All Stars Crossover 1979
Fania All Stars Crossover 1979

Por:

Angel A. Padron Hernandez

Dj. Augusto Felibertt

Tambien Lea:  Conoce a Yolanda Moreno, una estrella de latinoamérica y el caribe

Publicado en: 2025, Academias de baile, Artistas, Biografia, Europa, Junio, Norte America

Los Surik es una agrupación que se creó en Victoria Las Tunas, en el oriente de Cuba

28 mayo, 2025 by Augusto Felibertt

Los Surik agrupación musical nacida en Las Tunas, provincia cuna de orquestas que han sido reconocidas tanto a nivel nacional como internacional.

Los Surik es una agrupación que se creó en Victoria Las Tunas, en el oriente de Cuba
Los Surik es una agrupación que se creó en Victoria Las Tunas, en el oriente de Cuba

 

Esta orquesta se ha destacado en el mundo de la música en Cuba por su excelencia. Los Surik es una agrupación de quince músicos (cuatro de ellos cantantes), se creó en Victoria Las Tunas, en el oriente de Cuba.

Como profesionales se iniciaron en el año 1982, con énfasis especial en el trabajo armónico, mediante la utilización reestructuras complejas, puestas en función de la autenticidad de los géneros que interpretan como el son, la guaracha,el merengue, la canción y el bolero, entre otros géneros.

Los Surik ensayaban en la casa de José Luis Borrel, frente a la antigua tienda La Gran Señora (calles Lucas Ortiz y Julián Santana).

Esta orquesta se ha destacado en el mundo de la música en Cuba por su excelencia
Esta orquesta se ha destacado en el mundo de la música en Cuba por su excelencia

Luego trasladaron sus instrumentos para la casa de Benny Revuelta, en la calle Gonzalo de Quesada, esquina a Lucas Ortiz.

En el repertorio de Los Surik figuraban, entre otros, temas clásicos del pop español y norteamericano, e instrumentales que Benny recreaba con su saxofón.

Pablín (ya fallecido) fue un excelente cantante, finalista años después en el programa televisivo Todo el mundo canta. Y Paco Mesa brilló también como vocalista.

Catalá se sentía a sus anchas en la batería, igual que Omarito en el bajo. Los bafles de la foto los diseñó José Luis Borrell, quien, además de músico, era gran aficionado a la electrónica.

En 1994 el grupo editó un disco que se llamó Alma Musical (CD (Magic Music 0003-3)). Algunos de los temas del disco fueron número 1 en Cuba en esa época.

Los Surik tienen en su currículo una primicia interesante: sus miembros iniciaron la era de la discografía en Las Tunas, al grabar en 1985 la primera placa de larga duración de que se tengan referencias en el territorio.

El fonograma consta de 12 números la mayoría con la firma autoral de integrantes del grupo y fue grabado en los estudios Siboney, en Santiago de Cuba. Por su naturaleza fundacional, el disco constituye una pieza de inapreciable valor para el patrimonio cultural tunero.

Esta foto fue tomada en los años 80 en la casa de la actriz y promotora Blanquita Becerra (al centro), en los tiempos en que la otrora popularísima y distinguida dama del teatro lírico cubano estuvo radicada en nuestra ciudad.

Aparecen, entre otros miembros del colectivo musical, Arturo Gooden, Alberto Bada, Benny Revuelta, Gerardo Leyva, Raúl Cáceres, Héctor Aguilar y Rafael Diez.

Los Surik, en esa fecha, estaba compuesto por los siguientes músicos:

  • Julián Galbán Cruz – Bajo
  • Fernando E. Quintana – Saxo
  • Herminio García Rodríguez – Trombón
  • Gastón H. Allen Binhan – Trompeta
  • Rolando Portillo Cedeño – Trompeta
  • Arnaldo García Estrada – Teclados
  • Eldo A. González Mantilla – Piano
  • Pablo S. Machado Palmero – Congas
  • Edilberto Machado Alba – Pailas
  • Luis Alfonso Guerra Ramírez – Bongoes
  • José Eugenio Marín Tejeda – Voz
  • Virginia Iznaga Cantero – Voz
  • José Manuel Arnedo Rodríguez – Voz
  • Francisco G. Mesa Marrero – Voz

Casi todos los integrantes de la orquesta eran compositores de las canciones que interpretaban.

Tristemente muchas de esas canciones no se grabaron nunca en ningún disco, por lo que no podremos disfrutar de la gran calidad de los temas que crearon. Solo unos pocos tuvieron la suerte de disfrutarlos en vivo y en directo en los conciertos que dieron fuera de su país.

Los Surik - Alma Musical (1994)
Los Surik – Alma Musical (1994)

Los Surik – Alma Musical (1994)

Temas:

  1. Dame Un Traguito (Son)
  2. Estoy Romántica (Balada son)
  3. Amor De Película (Son montuno)
  4. El Cantante Enamorado (Son)
  5. Lo Que Cae Es Candela (Son)
  6. A Ese Le Llaman Parejero (Son montuno)
  7. La Fuerza Del Amor (Merengue)
  8. Juanita Morey (Merengue)
  9. La Luna Compartir (Balada son)
  10. Voz Universal (Son)
  11. La Noche Junto A Ti (Bolero)

Músicos:

Julián Galbán Cruz (Bajo)

Fernando E. Quintana (Saxo)

Herminio García Rodríguez (Trombón)

Gastón H. Allen Binhan (Trompeta)

Rolando Portillo Cedeño (Trompeta)

Arnaldo García Estrada (Teclados)

Eldo A. González Mantilla (Piano)

Pablo S. Machado Palmero (Congas)

Edilberto Machado Alba (Pailas)

Luis Alfonso Guerra Ramírez (Bongos)

José Eugenio Marín Tejeda (Voz)

Virginia Iznaga Cantero (Voz)

José Manuel Arnedo Rodríguez (Voz)

Francisco G. Mesa Marrero (Voz)

Por:

L’Òstia Latin Jazz

Dj. Augusto Felibertt

EcuRed

También Lea: Septeto Nacional de Ignacio Piñero ha desempeñado un papel importante en la música de Cuba durante más de siete décadas

Publicado en: 2025, Artistas, Biografia, Junio, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta

  • Página 1
  • Página 2
  • Página 3
  • Páginas intermedias omitidas …
  • Página 52
  • Ir a la página siguiente »

International Salsa Magazine (ISM) es una publicación mensual sobre las actividades de Salsa alrededor del mundo, que se publica desde 2007. Es una red mundial de voluntarios coordinada por ISM Magazine. Estamos trabajando para fortalecer todos los eventos trabajando juntos.