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Junio

Cómo la Inteligencia Artificial cambió el negocio de la música para siempre

31 mayo, 2026 by Karina Garcia

Desde hace muy poco, ha surgido una herramienta que le brinda a las máquinas y sistemas la capacidad de imitar muchas de las cosas que hacen los seres humanos como escribir textos, hacer dibujos, analizar datos, reconocer información, tomar decisiones, entre muchas otras cosas. Por supuesto, estamos hablando de la inteligencia artificial. 

Una de las áreas en las que la inteligencia artificial definitivamente ha impactado es la música, llegando al punto en el que esta hasta puede componer temas completos, escribir letras y generar voces tan realistas que perfectamente podrían ser confundidas con las humanas. Debido al impacto que ha tenido este conjunto de tecnologías en el mundo artístico, no podemos dejar de hablar de un tema tan importante que, queramos o no, ha cambiado, y seguirá cambiando, el panorama musical de forma significativa.

Imagen hecha con Inteligencia Artificial
Esta es una imagen sobre la IA en la música hecha con IA

La IA y la música

Aunque pueda molestar a muchos, no es un secreto para nadie que cada día hay más facilidades para quienes hacen música sin, muchas veces, contar con los conocimientos adecuados para producir algo de calidad, así que se valen de todos los recursos posibles para que su trabajo sea cada vez más fácil y simple. 

La inteligencia artificial hace que la producción, la composición, la mezcla y la masterización sean procesos mucho menos complejos y que, incluso, la intervención humana no sea necesaria en muchos casos. Los artistas y todo tipo de profesionales en la música ahora cuentan con una gama de posibilidades muchísimo más amplia con la que pueden cruzar límites que antes la tecnología no permitía. Por lo mismo, es imperativo que estos se capaciten lo mejor que puedan en estas herramientas para que puedan sacarle el mayor provecho posible, pero intentando no perder el toque humano que todo producto artístico debería conservar.

Beneficios del uso de la Inteligencia artificial en la música

Como ya hemos dejado bastante claro hasta ahora, la inteligencia artificial ofrece múltiples ventajas a todos aquellos que aprendan a utilizarla pero, ¿cuáles serían algunas de ellas?

  • Menos posibilidades de cometer errores: al limitarse la intervención humana a su mínima expresión, las probabilidades de cometer algún error que pueda perjudicar el resultado final son muy pocas, ofreciendo mayor confianza durante cualquier proceso.
  • Velocidad y eficacia en los procesos: todo el que haya tenido la oportunidad de componer o conocer a alguien que lo haga sabe que puede ser un proceso bastante lento y arduo, pero la inteligencia artificial puede facilitar las cosas más de lo que nos imaginamos. Algo que puede durar días y hasta semanas, de repente, puede ocurrir en segundos, lo que hace de esta tecnología un gran atractivo para cualquier creador musical.
  • Mayores posibilidades creativas: gracias a que la IA ofrece la capacidad de mezclar estilos y géneros que tal vez un artista por sí solo no consideraría, lo que abre un amplio abanico de posibilidades creativas y ayuda a crear temas musicales únicos y experimentales.
  • Altísima adaptabilidad: otra de las bondades que puede ofrecer la IA es la capacidad de crear letras, ajustarlas y adaptarlas a melodías ya existentes. 
La IA tiene muchas ventajas
La IA ofrece muchas ventajas, pero también algunas desventajas que los artistas deben tener en cuenta

Desafíos a los que se enfrenta un artista con la Inteligencia artificial

Así como hemos mencionado las bondades ofrecidas por la IA, también hay que ser honestos y reconocer que puede traer algunos problemas cuando no se le da el uso correcto. En el caso de un artista, hay ciertas cosas que pueden ser un tanto perjudiciales si no se tiene el entrenamiento correcto y una idea clara de lo que se quiere hacer:

  • Poca originalidad: este es uno de los aspectos que más preocupa a quienes critican el excesivo uso de la IA en la música, ya que esta tecnología se basa en datos preexistentes. Si bien es cierto que la IA puede generar cosas nuevas, suele ocurrir que su producción solo viene de lo que lograr extraer de contenido ya realizado. 
  • Poca profundidad emocional: una de las tantas cosas que se le ha criticado a la IA en cuanto creación artística es la poca profundidad emocional que, en ocasiones, ofrece. Desde siempre, se ha entendido a la música como una de las expresiones más emocionales y humanas que un artista puede transmitir, pero lamentablemente la IA, en ocasiones, es incapaz de replicarlas con la misma intensidad. Estas plataformas no siempre pueden captar este componente emocional tan necesario para crear música con el nivel de autenticidad y profundidad requeridos para tocar el corazón del público.
  • Preocupaciones sobre la seguridad laboral de los músicos: debido a las zonas grises en las que la IA todavía navega a nivel legal, existen muchas preocupaciones con respecto a la seguridad laboral de los artistas. Debido a que esta tecnología es capaz de reproducir voces y composiciones que pueden perfectamente competir con las de los humanos, esto podría significar que los medios de vida de muchos trabajadores de la industria musical podrían verse seriamente afectados. 

Derechos de autor en la Inteligencia Artificial

Una de las dudas más comunes con respecto a la IA es la forma en la que se maneja la cuestión de los derechos de autor, especialmente en la industria musical, donde ha habido más de un escándalo relacionado con este tema. Según lo establecido por la Ley de Propiedad Intelectual, toda obra protegible debe ser completamente original y haber sido creada por una persona física ¿Podríamos decir que una canción hecha con IA es original? Pues veamos.

En vista de que la originalidad no tiene una definición clara en la ley, pero los tribunales y las doctrinas han configurado ese término hasta dar como resultado dos vertientes: la concepción objetiva y la concepción subjetiva.

Canción hecha con IA
Portada del tema NostalgIA con las voces de Daddy Yankee, Bad Bunny y Justin Bieber. El tema fue hecho por el prototipo de artista Flow GPT

La concepción subjetiva sostiene que una obra es original si es fiel reflejo de la personalidad de su autor, mientras que la concepción objetiva hace referencia a la creación de algo que no existiera desde antes. La corriente más predominante en la mayoría de los países que han legislado al respecto es la subjetiva, lo que supone una traba importante para proteger las obras creadas por la IA. Sin embargo, las empresas que ofrecen esta tecnología, por lo general, incluyen en sus condiciones de uso que los derechos del material creado por su IA les pertenecen a ellas.

Teniendo en cuenta lo anterior, la Ley es muy clara en que el autor debe ser una persona natural, lo que hace imposible que una obra creada con IA sea protegida legalmente. Por esa misma razón es que, incluso si la concepción objetiva se impusiese en algún momento, seguiría siendo muy complicado proteger este material.

Qué podemos concluir de todo esto

Es evidente que la Inteligencia Artificial llegó para quedarse y transformar la industria musical para siempre, por lo que luchar contra ella y su uso es absolutamente inútil. Por lo mismo, es importante verla como una aliada para mejorar lo ya hecho y no como una enemiga a la que hay que combatir. 

Aunque estas plataformas puedan tener algunas desventajas que ya se han mencionado, una correcta capacitación del artista puede disminuir las probabilidades de caer en la falta de sensibilidad humana y ayudar a integrarlas a su trabajo de la forma más competente posible, ya que la IA es una realidad que no tiene vuelta atrás.

También lee: David Frankel se decidió a la música y creó Avenida B Band para reconectar con el recuerdo de su padre

Publicado en: 2026, Artistas, Junio, Musica Latina, Norte America

El Elegante de la Salsa Vida y Legado de Tito Allen una de las voces más afinadas de nuestra Música Latina

30 mayo, 2026 by Augusto Felibertt

El Elegante de la Salsa Vida y Legado de Tito Allen una de las voces más afinadas de nuestra Música LatinaDe los tríos de Santurce a las grandes ligas de la salsa neoyorquina.

El mundo de la música afroantillana celebra el nacimiento de una de las voces más distinguidas y sofisticadas del género.

Roberto Romero Caballero, universalmente conocido en el panorama musical como Tito Allen. Nacido el 1 de mayo de 1946 en el emblemático barrio de Santurce, Puerto Rico, este baluarte de la salsa ha dejado una huella imborrable en la historia de la música latina a lo largo de una trayectoria que ya supera las cuatro décadas de excelencia artística.

Tito Allen y Adalberto Santiago
Tito Allen y Adalberto Santiago

El origen de un nombre con tumbao

El nombre artístico de este insigne sonero encierra una curiosa historia dividida en dos vertientes. La primera parte, «Tito», surge de una costumbre muy arraigada en el argot puertorriqueño: el doble diminutivo. De Roberto pasaron a llamarlo «Robertito», apelativo que con el tiempo se transformó cariñosamente en «Tito».

Por otro lado, el apellido «Allen» tiene un origen mucho más urbano y fortuito. El propio cantante ha confesado que, durante su juventud, leyó esa palabra pintada en un grafiti sobre una pared. El impacto visual y la sonoridad del nombre le agradaron tanto que decidió adoptarlo de inmediato como su sello de presentación para el mundo del espectáculo.

Los inicios de una estrella multifacética

La aventura musical de Tito Allen comenzó formalmente en 1962, cuando apenas era un adolescente de 16 años. En sus inicios, el joven Roberto mostraba una fuerte inclinación hacia el rock and roll, un género que causaba furor entre la juventud de la década de los sesenta.

Durante este período formativo, Allen se destacaba como bajista y guitarrista, formando parte de diversos tríos musicales que emulaban a las grandes agrupaciones de la época y que llegaron a presentarse con éxito en el Canal 4 de la televisión puertorriqueña.

Afortunadamente para los amantes del ritmo caribeño, el destino lo guio hacia la música tropical. Su poderosa voz, caracterizada por una afinación impecable y un fraseo elegante, lo convirtió rápidamente en un cotizado cantante.

Dj. Augusto Felibertt, Orlando Watussi, Tito Allen y Jesus Torres
Dj. Augusto Felibertt, Orlando Watussi, Tito Allen y Jesus Torres

Entre sus grandes influencias estéticas, Allen siempre ha manifestado una profunda admiración por Cheo Feliciano, a quien escuchaba con devoción durante la etapa de este con el Sexteto de Joe Cuba. Asimismo, ha señalado repetidamente a la orquesta de Bobby Valentín como una de sus bandas predilectas de todos los tiempos.

La conquista de Nueva York y las grandes ligas de la salsa

Decidido a internacionalizar su carrera, Tito Allen viajó a Nueva York en 1972. Aunque inicialmente intentó unirse a la orquesta del Rey del Timbal, Tito Puente, este no tenía vacantes en ese momento.

Lejos de desanimarse, Allen se unió al destacado pianista colombiano Eddie Martínez para formar un quinteto que se presentaba con éxito en los clubes nocturnos de la Gran Manzana.

El verdadero punto de inflexión llegó en mayo de 1973. Tras un breve regreso a su natal Puerto Rico, Allen volvió a Nueva York y, gracias a la recomendación de Eddie Martínez, consiguió una audición en el famoso club El Corzo. Allí, el maestro Ray Barretto buscaba un vocalista para reemplazar nada más y nada menos que a Adalberto Santiago.

Tito Allen y Billy Crespo
Tito Allen y Billy Crespo

Allen asumió el reto con maestría, grabando el aclamado álbum Indestructible (1973), un trabajo que lo consagró de inmediato en el Olimpo de la salsa.

Un recorrido de leyenda: Tras su exitoso paso por la orquesta de Ray Barretto, Tito Allen cumplió su sueño de trabajar junto a Tito Puente. Posteriormente, se integró a las filas de la legendaria Típica 73, antes de emprender una sólida carrera como solista.

Su impecable reputación lo llevó también a ser parte fundamental de La Puerto Rico All Stars, participando en dos de sus producciones discográficas más emblemáticas. Además, colaboró estrechamente con el virtuoso Louie Ramírez, dejando una marca indeleble gracias a su versatilidad.

El corista de oro del barrio latino

Más allá de su brillo como solista y líder de orquesta, la trayectoria de Tito Allen destaca por su generosidad y profesionalismo en el estudio de grabación.

Su voz, educada y melodiosa, engalanó un sinfín de producciones para artistas de la talla de Pupi Legarreta, Ralphy Santi y el Conjunto Clásico, entre muchos otros representantes de «la máxima expresión del barrio latino».

Su labor como corista fue fundamental para definir el sonido de la salsa neoyorquina y caribeña durante las décadas de los 70 y 80, consolidándolo como un artista integral y un caballero de la música que hoy, más que nunca, merece el aplauso de su público.

Tito Allen y Dj. Augusto Felibert
Tito Allen y Dj. Augusto Felibert

También Lea: Nuestro amigo Tito Allen apoya al Museo de La Salsa

Publicado en: 2026, Artistas, Junio, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta, Radio

Antonio Adolfo El Maestro Imborrable de la Música Brasileña

29 mayo, 2026 by Augusto Felibertt

Antonio Adolfo El Maestro Imborrable de la Música Brasileña

De la Cuna Clásica a la Revolución del Jazz y la Bossa Nova

Esa herencia musical es fundamental para entender la grandeza de Antonio Adolfo.

Nacer en un hogar donde el violín de la orquesta del Teatro Municipal de Río de Janeiro era parte del paisaje cotidiano moldeó su sensibilidad desde la cuna. Aunque creció rodeado de la rigurosidad clásica de su padre, su destino estaba en las teclas, el jazz y la revolución de la música popular brasileña.

De la Cuna Clásica a la Revolución del Jazz y la Bossa Nova
De la Cuna Clásica a la Revolución del Jazz y la Bossa Nova

Hijo de un violinista clásico, Antonio Adolfo nació en el bohemio barrio de Santa Teresa, en Río de Janeiro, bajo el signo de Acuario en 1947. A la temprana edad de 16 años, el joven pianista ya pertenecía al exclusivo club de la bossa nova que se gestaba en el famoso callejón Beco das Garrafas, liderando agrupaciones que se posicionaron al frente de la escena, como el Conjunto Cinco y el Samba Trio 3-D. Poco después, participó en el emblemático musical Pobre menina rica de Carlos Lyra y Vinicius de Moraes, comenzando a hacerse un nombre en el sector.

A partir de 1967, al formar un binomio creativo con el letrista Tibério Gaspar, Adolfo se convirtió en uno de los grandes detonadores de la melodía moderna en Brasil, componiendo éxitos masivos como «Sá Marina» y «Juliana».

Antonio Adolfo El Maestro Imborrable de la Música Brasileña
Antonio Adolfo El Maestro Imborrable de la Música Brasileña

Al mismo tiempo, al frente del grupo Brazuca, estableció un tono de pop electrónico sumamente moderno para la época (con temas como «Teletema» y «Ana Cristina») que culminó en la abrasiva carretera musical de «BR-3», una canción que causó gran polémica y sacudió las estructuras de los festivales de la época.

El Espíritu Pionero y la Consagración Internacional

Tras ser miembro de la banda que acompañó a la legendaria Elis Regina en dos giras por Europa, y perfeccionar su técnica en París con la célebre maestra clásica Nadia Boulanger —además de estudiar en Brasil con los maestros Guerra-Peixe y Esther Scliar—, Antonio Adolfo estaba listo para dar otro gran salto.

En 1977, en un acto de valentía y espíritu pionero, lanzó el disco Feito em Casa (Hecho en casa) bajo su propio sello discográfico, Artezanal. Este fue el puntapié inicial de una corriente libertaria: el disco independiente en Brasil, desencadenando la aparición de dinámicas artísticas que divergían de las leyes del mercado tradicional. Bajo este sistema autogestionado, Adolfo registró tanto material propio (incluyendo música para niños que promovía el juego libre) como revisiones fundamentales de los clásicos del pianeiro, transformando las obras de Ernesto Nazareth y Chiquinha Gonzaga para el piano contemporáneo.

Esta versatilidad demostró que, como intérprete y creador, Adolfo había logrado una posición poco común: dominar el lenguaje contemporáneo desde la atemporalidad.

Desde 1985, el maestro ha centrado gran parte de su energía en su escuela de música, el Centro Musical Antonio Adolfo, además de participar en eventos internacionales como educador, sin dejar jamás de lado su carrera en los escenarios.

Su profundo trabajo con la música de Chiquinha Gonzaga y el jazz lo ha hecho acreedor de prestigiosos premios y nominaciones. Asimismo, es autor de siete libros de texto sobre música brasileña publicados por la editorial Lumiar, una lección en video y dos libros editados en el extranjero. Durante ocho años, fue el digno representante de la IAJE (Asociación Internacional para la Educación del Jazz) para América Latina.

En los últimos años, Antonio Adolfo ha regresado a los escenarios con mayor frecuencia, ya sea en formato de piano solo o en grupo. De una de sus presentaciones en una universidad de los Estados Unidos junto a su hija, la cantante Carol Saboya, nació un aclamado álbum en vivo editado tanto en Brasil como en el exterior: Antonio Adolfo & Carol Saboya Ao Vivo / Live. A este éxito le han seguido producciones discográficas sumamente aplaudidas por la crítica internacional, como Here and There / Aquí y Allá.

Chiquinha Com Jazz (1997)
Chiquinha Com Jazz (1997)

Joya Discográfica: «Chiquinha Com Jazz» (1997)

Un ejemplo perfecto de su genialidad para fusionar las raíces brasileñas con la libertad del jazz es su álbum de 1997 dedicado a la pionera Chiquinha Gonzaga.

Lista de Temas:

  1. Atraente
  2. Cordão Carnavalesco
  3. Lua Branca
  4. Angu
  5. Gaúcho (Corta-Jaca)
  6. O Forrobodó
  7. Corte Na Roça
  8. Satan
  9. Ismênia
  10. Faceiro
  11. O Abre Alas

           Músicos:

  • Antonio Adolfo: Piano y arreglos musicales
  • Gabriel Vivas: Contrabajo
  • Ivan Conti: Batería
  • Claudio Spiewak: Guitarra acústica

Colaboradores:

L’Òstia Latin Jazz

Dj. Augusto Felibertt

También Lea: Carlos “Nene” Quintero viene de una familia de prodigios musicales

Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Junio, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Orquesta, Radio

Héctor «Tempo» Alomar la Voz Candente y el Ritmo El bendecido por «El Cantante de los Cantantes»

28 mayo, 2026 by Augusto Felibertt

El legado incalculable de un gigante de la percusión y el canto afroantillano

Héctor «Tempo» Alomar nació el 28 de diciembre de 1950 en la Parada 19 de Santurce, Puerto Rico.

Cantante, percusionista y sonero de casta, se convirtió en una figura imprescindible de la salsa gracias a su destacada participación en agrupaciones de la talla de la Orquesta La Conspiración, La Diferente, Conjunto Libre, La Charanga Afrocubana, La Charanga América, Orquesta Broadway, Charanga la Tapa, Casanova y su Montuno, Batacumbele, El Combo de Siempre, , Jhonny Rodríguez, Zaperoco, la Orquesta de Nacho Sanabria, el Grupo ABC y, de manera consagratoria, el Apollo Sound de Roberto Roena. Asimismo, lideró su propia agrupación musical bajo el nombre de Sexteto La 51, su última grabación con el legendario y leyenda viviente de Fania All Stars Eddie Montalvo.

Héctor Tempo Alomar la Voz Candente y el Ritmo
Héctor Tempo Alomar la Voz Candente y el Ritmo

El recordado exmiembro del Apollo Sound falleció a los 70 años en su natal Puerto Rico, el 9 de mayo de 2021, dejando un vacío profundo en el mundo del coleccionismo y la cultura salsera.

Un ritmo que corría por las venas

Hijo de Doña Isabel Román y Don Luis Alomar, el pequeño Héctor mostró desde muy temprano una conexión innata con la clave.

Su madre solía recordar que el niño marcaba el ritmo con cualquier utensilio de cocina que tuviera a mano, llegando a romper varios vasos de cristal al intentar extraerles sonido con los cubiertos.

Su primera grabación profesional la realizó siendo aún menor de edad, con apenas 15 años. Ocurrió cuando el productor Joe Blanco lo invitó a grabar la percusión con Chacón y sus Batirrítmicos, plasmando su talento en cortes como «Ahorita va a llover» y «Mi guajira».

En 1968 se mudó a Nueva York, y para 1970 se reencontró con su gran amigo de la infancia, el maestro Ángel «Cachete» Maldonado, quien lo introdujo en los círculos musicales de la urbe neoyorquina, impulsándolo decisivamente a desarrollarse como cantante.

Héctor Tempo Alomar nació el 28 de diciembre de 1950 en la Parada 19 de Santurce, Puerto Rico
Héctor Tempo Alomar nació el 28 de diciembre de 1950 en la Parada 19 de Santurce, Puerto Rico

El bendecido por «El Cantante de los Cantantes»

«Tempo» Alomar ingresó como timbalero a la Orquesta La Conspiración, donde permaneció unos tres años. Posteriormente, gracias a la recomendación del trompetista y arreglista José Febres, el director Rafy Val lo reclutó para La Diferente, teniendo la oportunidad de grabar salsa formalmente por primera vez en el álbum Fuerza Bruta, bajo la producción de Larry Harlow.

Durante su etapa con La Conspiración, ocurrió una anécdota mítica en el Club El Hipocampo de Nueva York, justo después de un concierto de la Fania All-Stars. Héctor Lavoe, quien debía cantar esa noche en el club, se retrasaba y la banda no podía iniciar. «Cachete» Maldonado le aseguró a José Mangual Jr. que «Tempo» se sabía el repertorio y lo recomendó para subir a la tarima.

Por profundo respeto a Lavoe, Alomar dudó, pero terminó subiendo al escenario para interpretar «Juana Peña», ganándose los aplausos del exigente público. A mitad del segundo tema, «No me llores más», vio entrar a Héctor Lavoe al local y, de la impresión, detuvo su canto. Fue el propio Lavoe quien, desde el público, le hizo señas para que continuara.

Al finalizar la presentación, «El Cantante de los Cantantes» subió a la tarima, lo felicitó calurosamente y lo animó a seguir adelante en el canto.

Consagración en la Gran Manzana

Hacia 1973, nuevamente recomendado por «Cachete» Maldonado, audicionó para el maestro Manny Oquendo, quien buscaba una voz para el Conjunto Libre. Fue aceptado de inmediato. Tras seis meses de intensos ensayos diarios, el grupo encadenó éxitos memorables en la voz de «Tempo» como «No critiques», «Tú no me quieres», «Bamboleate» y «El Changó de María».

Tempo Alomar El legado incalculable de un gigante de la percusión y el canto afroantillano
Tempo Alomar El legado incalculable de un gigante de la percusión y el canto afroantillano

Fueron cinco años dorados con El Libre, tiempo durante el cual también grabó un disco con La Charanga Afrocubana de Néstor Torres.

Al llegar la década de los 80, se integró a la Charanga América. Su versatilidad y cotización en la escena neoyorquina lo llevaron a colaborar y grabar con figuras estelares: Alfredo de la Fe, Johnny Rodríguez, Víctor Paz, Jorge Dalto y el sello Latin Percussion. Asimismo, colaboró con la Orquesta Broadway, Casanova y su Montuno, tocó la conga para Pete «Conde» Rodríguez y los timbales para el maestro Eddie Palmieri.

En 1985 decidió regresar a Puerto Rico. En la Isla del Encanto aportó su talento a agrupaciones insignes como Batacumbele, Zaperoco y El Combo de Siempre de Héctor Santos, compartiendo tarima en esta última con Ismael Rivera Jr. (Maelito). Además, de la mano de Felo Barrios, realizó una prestigiosa gira de un mes por los Estados Unidos junto al contrabajista Israel López «Cachao».

La era dorada con Roberto Roena y el Apollo Sound

En 1993, mientras ensayaba con el Grupo ABC (con quienes trabajaba junto a Nacho Sanabria y Roberto Angleró), el legendario Aníbal Vázquez  tío de Roberto Roena  lo invitó a participar como cantante en una grabación especial para la televisión local con el Apollo Sound.

Roena quedó encantado con el estilo y la cadencia de «Tempo», a pesar de que el vocalista no dominaba las letras completas de algunos temas para ese show televisivo.

Roberto Roena y Tempo Alomar
Roberto Roena y Tempo Alomar

Con la picardía que lo caracterizaba, el propio Roena escribió los textos en grandes cartulinas debajo de las cámaras de televisión e instruyó al camarógrafo para que no le hiciera primeros planos a Alomar, evitando así que el público notara que estaba leyendo.

Esa química dio pie a 16 años ininterrumpidos de éxitos consecutivos con el Apollo Sound y a una entrañable amistad entre Roena y Alomar que perduró para siempre. Juntos inmortalizaron joyas musicales como «Dale como es», «El pueblo pide que toque», «Atrévete conmigo», «Sr. Bongó», «Baila y goza», «Mi mambo pide campana» y el súper éxito internacional «Cómo te hago entender», un corte que se convirtió en un himno de la salsa y los llevó a recorrer plazas multitudinarias en Colombia, Panamá, Perú, Venezuela y toda Europa.

Durante su fructífera estancia en el Apollo Sound, «Tempo» también participó activamente en la selección de músicos de sesión y acompañó a diversos artistas.

Uno de sus cruces culturales más recordados fue su colaboración con el ícono del género urbano Tego Calderón en su icónico álbum El Abayarde, donde Alomar unió su voz para cantar el clásico «Planté bandera».

Héctor «Tempo» Alomar permanece en la memoria de los melómanos del mundo como un baluarte de la síncopa, un sonero de esquina y un caballero del ritmo.

Colaboración:

Historia Salsera

Dj. Augusto Felibertt

También Lea: Es indiscutible que la orquesta más popular en Puerto Rico y Sudamérica durante los años 70 fue el Apollo Sound de Roberto Roena

Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Entrevistas, Junio, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Percusionista metálico Brad Shores nos muestra lo mejor de la música caribeña en Florida

27 mayo, 2026 by Karina Garcia

Brad Shores es un músico estadounidense cuyo amor por la música tropical lo ha llevado a emprender unos proyectos verdaderamente interesantes y exitosos, por lo que sabemos que este material será del agrado de nuestros lectores, así que no se lo pueden perder. 

Brad en una iglesia
Percusionista Brad Shores en una iglesia en Newton, KS

Cómo se inició Brad en la música

Brad empezó su relato contándonos que sus padres eran músicos. Su madre enseñaba música, mientras que su padre amaba tocar la batería y había estado en diversas bandas durante toda su vida, lo que causó que el niño tuviera contacto con todo ese mundo desde su más tierna edad y terminara enamorándose de él tal y como lo hicieron sus cuidadores. 

Cuanta que un día su madre solía prestarle las baquetas con las que tocaba la batería y enseñarle a leer y comprender la música estando apenas en tercer grado, por lo que desde muy joven se le hacía sencillo aprender todo lo que tuviera que ver con música. Por esa misma época, comprendió que muy posiblemente esto tendría un lugar muy especial en su vida, ya que tocar le divertía y gustaba mucho desde siempre.

Desde high school, estuvo estudiando teoría musical y, en la universidad, obtuvo su título en educación musical en la Fort Hays State University de Kansas. Lo que más estuvo aprendiendo fue sobre la batería y la percusión, pero gracias a toda la experiencia profesional que ha logrado acumular a lo largo de los años, toca casi todos los instrumentos de forma bastante competente. También le tocó enseñar a otros a tocar desde muy temprano en sus bandas y ahora de manera un poco más formal, por lo que le correspondía aprender a tocar de todo a cierto nivel.

Experiencia previa a su actual agrupación Tropical Shores Steel Drum Band

Antes de iniciar su propio proyecto, Brad tuvo la oportunidad de tocar para agrupaciones de todos los géneros y todos los tamaños, por lo que cuenta con un background nada despreciable. 

Brad y Erica
Brad Y Erica en Moxi Junction

Recuerda a un trío de jazz en el que estuvo en high school, que podría decirse que fue una de sus primeras experiencias profesionales importantes, pero eso era solo el inicio. También recuerda haber formado parte de muchos proyectos en la universidad como una oportunidad en la que tocó para unos alemanes y otra en la que estuvo en una banda de rock, lo que deja ver que el artista no se limitaba en absolutamente nada y era perfectamente capaz de incursionar en todos los géneros y adaptarse a ellos según le conviniese.

Una vez que se mudó a Phoenix, también tocó con muchas otras bandas y continuó experimentando hasta que finalmente probó los tambores de acero, que hasta la fecha de hoy son su principal instrumento y por los que más se le conoce.

Contacto con la música tropical y latina 

Estando ya en Phoenix, Brad nos cuenta que estuvo en un grupo en el que había un percusionista metálico, quien tocaba un tipo de música que él nunca antes en su vida había escuchado. Era música del Caribe que a Brad le había llamado mucho la atención y que definitivamente quería aprender a tocar con esa misma destreza con la que ese chico lo hacía, por lo que escuchaba atentamente cada nota que emanaba de su instrumento. Con la falta de entrenamiento que tenía con esos géneros se le dificultó un poco, pero finalmente lo consiguió y se hizo muy bueno.

En el caso de Erica, su actual esposa, su madre tocaba el órgano en una iglesia en Chicago, donde ella fue criada. Antes de conocer a Brad, era bailarina de salsa, merengue, cha cha chá, por lo que tenía un bagaje bastante distinto a su esposo en lo que a ritmos respecta. También contaba con una maestría en música, por lo que sus estudios en esta disciplina eran bastante amplios, incluso si no había tenido mucha práctica todavía. Cabe mencionar que ella es su segunda esposa, ya que Linda, su primera esposa y madre de sus tres hijos falleció en el año 2014 a causa de cáncer de pulmón.

Brad dando clases
Brad impartiendo clases de tambor metálico a jóvenes alumnos

Tropical Shores Steel Drum Band 

Una desventaja a la que Brad y todos los músicos de aquel entonces se tuvieron que enfrentar fue la imposibilidad de buscar mucha música y repetirla debido a que aún no había internet, por lo que solo podía fijarse de lo que hacían otros colegas y compañeros en ese entonces para poderlos imitar y aprender a tocar los tambores metálicos.

Cuando Brad y Linda se mudaron de Phoenix a Kansas, tuvieron que empezar a buscar músicos locales que pudieran adecuarse al proyecto que estaban iniciando y encontrar lugares para tocar, ya que muchos habitantes de Kansas no estaban habituados a escuchar el tipo de música que ellos tocaban. Por lo mismo, iniciaban sus números tocando otro tipo de géneros a los que los asistentes estuvieran más acostumbrados y, de este modo, estar más abiertos a otros temas más tropicales.

Tropical Shores Steel Drums y la enseñanza

Además de tocar y realizar presentaciones, Tropical Shores Steel Drums Band tiene un componente muy importante, que es la enseñanza. Brad decidió que no era suficiente con haber aprendido a tocar los tambores metálicos y muchos otros instrumentos más, sino que tenía que compartir sus conocimientos con otros, especialmente los niños. Ellos adoran la música y les encanta el reto de aprender a tocar un instrumento que posiblemente nunca antes habían escuchado.

También ha impartido clases a nivel universitario. Luego de haber estado enseñando durante un tiempo en el Collier County Schools en Naples, aceptó convertirse en el director asistente de la banda del Ave Maria University en el estado de Florida, donde actualmente reside con su familia. 

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Publicado en: 2026, Artistas, Entrevistas, Junio, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America

Gafieira Rio Miami trae lo mejor de la música brasileña a Miami

27 mayo, 2026 by Karina Garcia

En este espacio, hemos entrevistado a artistas y agrupaciones provenientes de diversos países de Hispanoamérica, pero pocas han sido las veces en las que hemos tenido la oportunidad de conectar con talento proveniente de Brasil y no solo eso. Es que además, ellos cantan y tocan música típica de su país, lo que los hace aún más interesantes, así que no podíamos dejar de hablar con Diogo Brown e Isabelle Duarte.

Ambos han sido muy amables y nos han compartido algunas de sus más importantes experiencias como músicos brasileños en Estados Unidos y cómo eso ha moldeado su forma de hacer música.

Diogo tocando en vivo
Diogo Brown de Gafieira Rio Miami tocando en vivo

Cómo Diogo e Isabelle se inician en la música

La primera en tomar la palabra fue Isabelle, quien nos expresó que ella empezó a cantar en la iglesia en su país de origen, Brasil, con tan solo seis años de edad. Con el tiempo, también llegó a cantar en matrimonios, fiestas de quince años, fiestas locales y eventos de todo tipo. 

Hace unos 10 años, se enamoró y se casó con un americano con el que se fue a vivir a Estados Unidos, lugar donde conoció a Diogo, otro compatriota suyo que nació y creció en una ciudad muy alejada de la suya. Sin embargo, su ‘‘brasilidad’’ y gusto por la música los unieron en el proyecto que tienen ahora junto a otros músicos, Gafieira Rio Miami.

En el caso de Diogo, su pasión por la música despertó a los 15 años, edad en la que ya tenía muy claro que quería ser músico profesional, por lo que su madre lo convenció de que se inscribiera en una escuela de música y en una academia de inglés, ya que sospechaba que este idioma sería sumamente útil para su futura carrera y en efecto así fue. Su llegada a Estados Unidos fue muy parecida a la de Isabelle, ya que también conoció a una ciudadana americana a través de internet, se enamoraron con el tiempo y también se fueron a vivir allí. Él asistió a la proyección de una película brasileña en la que participó, ocasión que aprovechó para conocerla y finalmente poder vivir su relación en persona. De eso hace ya más de 20 años.

Desde ese entonces, Diogo ha trabajado con muchísimos artistas y compañías como Sony Music, Univisión y Warner. Entre las estrellas con las que ha logrado colaborar, podemos mencionar a Gloria Estefan, Ricky Martin, Lara Pausini y muchos otros.

Isabelle cantando
Isabelle Duarte cantando en el Lincoln Cemter

Cómo ha sido la conexión de Diogo e Isabelle con el español y la música latina

Algo interesante que Diogo nos cuenta es que, en sus primeros años como músico en Brasil, él se la pasaba escuchando música latina y algunos de sus artistas preferidos eran Buena Vista Social Club, Cachao, Jimmy Bosch y muchos otros de esa línea. Según él mismo confiesa, esto es algo poco común en un brasilero residente en Brasil que , por lo general, solo consume música de su propio país. Tanto él como Isabelle concuerdan en que, en Brasil, se consume muy poca música en español, entre otros factores, debido principalmente a la barrera idiomática. 

Isa nos cuenta que su conexión con la música hispana comenzó a formarse ya en Estados Unidos y su esposo contribuyó mucho a eso, ya que él es de origen hispano. Además, se establecieron en Miami, donde hay una mezcla de todas las culturas de cada país, por lo que empezó a estar expuesta a géneros como la salsa, la cumbia, el merengue y otros ritmos que no suelen escucharse en Brasil. Para ella, Gafieira Rio Miami es una oportunidad de oro para demostrar que Brasil no está separado del resto de América.

Además, señala que la globalización y grandes fenómenos musicales en portugués y español han logrado ir rompiendo esa barrera idiomática con el paso de los años.

Gafieira Rio Miami

Gafieira Rio Miami nació de una idea mucho más pequeña que empezó con solo siete músicos. A medida que el proyecto fue creciendo, el grupo consiguió tener un total de 11 miembros entre los que se incluyen cinco metales, la parte rítmica y una cantante. En total, son 10 músicos y una vocalista, que es Isabelle. Hay brasileños, venezolanos y estadounidenses, pero a todos los une la pasión por la música de Brasil.

Diogo y Laura
Diogo Brown y Laura Pausini

En un ambiente musical que empuja a las bandas y orquestas a achicarse cada vez más, Gafieira Rio Miami siempre ha optado por mantenerse intacto pese a las circunstancias. Diogo ha dejado muy claro que, si se le propone un evento con menos músicos, él prefiere decir que no. Dice que son 11 integrantes y todos son necesarios para cada presentación., ya que de lo contrario, el impacto de la música en vivo no sería el mismo. 

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Publicado en: 2026, Artistas, Entrevistas, Junio, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America

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