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Latin Jazz

Edward Arcila El Sonero de Puerto Cabello que Mantiene Viva la Esencia de la Salsa Contemporánea

28 agosto, 2026 by Augusto Felibertt

Cuando se habla de los soneros que han mantenido encendida la llama de la salsa tradicional en Venezuela, es imposible pasar por alto el nombre de Edward Arcila, conocido con orgullo en el ámbito latino como «El Sonero de Puerto Cabello».

Este apelativo no solo rinde homenaje a su tierra natal, sino que resalta una cualidad cada vez más escasa en la industria musical actual: la capacidad innata para el soneo, la improvisación lírica en tiempo real y un profundo respeto por las raíces más auténticas de la música afro latina.

Edward Arcila El Sonero de Puerto Cabello
Edward Arcila El Sonero de Puerto Cabello

En un panorama musical en constante evolución donde predominan las fusiones comerciales, Arcila emerge como un guardián del sonido tradicional, demostrando que la salsa de golpe sigue latiendo con fuerza en las venas del caribe venezolano.

Raíces, Identidad y Pasión por el Soneo:

Nacido en la histórica y costera ciudad de Puerto Cabello, estado Carabobo, Arcila ha dedicado gran parte de su vida y carrera artística a defender el sonido de la salsa brava, el son cubano y el mambo.

Su formación autodidacta y su estrecho vínculo con la cultura popular porteña le otorgaron desde joven una cadencia única y un oído afinado para el clave y el tumbao.

El estilo de Edward Arcila destaca por una combinación perfecta de:

  • Fuerza interpretativa: Una voz potente, afinada y llena de ‘maña’ que penetra en la orquesta sin perderse entre los metales.
  • Dominio del escenario: Una presencia carismática que conecta de inmediato con el bailador y el melómano exigente.
  • Capacidad de improvisación: La habilidad de ‘morder’ el cuero del tambor con versos fluidos y coherentes, la marca registrada de los verdaderos soneros.

Homenaje a los Grandes: El Arte de Honrar el Legado:

A lo largo de su sólida trayectoria musical, Edward Arcila no solo ha construido un repertorio propio, sino que ha rendido constantes tributos a las figuras inmortales que marcaron la época dorada del género.

Edward Arcila El Sonero de Puerto Cabello que Mantiene Viva la Esencia de la Salsa Contemporánea
Edward Arcila El Sonero de Puerto Cabello que Mantiene Viva la Esencia de la Salsa Contemporánea

Su admiración por leyendas de la talla de Tito Rojas «El Gallo de la Salsa» y el maestro Justo Betancourt le ha permitido reinterpretar clásicos del patrimonio musical latinoamericano con un sello único.

Lejos de la simple imitación, Arcila aborda estas composiciones históricas con una enorme madurez vocal, imprimiendo su propia personalidad en cada corte y filósofo soneo.

Esta cualidad ha sido ampliamente ovacionada por la crítica y por el público que añora la picardía y el sentimiento del caribe urbano de los años 70 y 80.

«La salsa brava no se canta únicamente con la voz; se canta con la vivencia, con el respeto al tambor y con el compromiso de mantener viva la memoria de quienes abrieron el camino.»

Proyección, Colaboraciones y la Escena Salsera Venezolana:

La voz de Edward Arcila ha resonado en múltiples plataformas, acompañando a importantes orquestas y agrupaciones del país.

Su presencia constante en festivales internacionales, encuentros de melómanos y conciertos multitudinarios ratifica su vigencia dentro del circuito salsero de Venezuela y la región.

Profesor Carlos Colmenarez y Edward Arcila
Profesor Carlos Colmenarez y Edward Arcila

Ha compartido escenario con reconocidos instrumentistas y directores de orquesta, sirviendo de puente entre los músicos consagrados de la vieja escuela y las nuevas generaciones que buscan aprender el arte del soneo auténtico.

Su trabajo incansable no solo dinamiza la movida cultural de Carabobo, sino que proyecta a Puerto Cabello como una cantera inagotable de talento afrolatino.

Un Baluarte Contemporáneo de la Salsa Tradicional

Dentro de la cartografía musical venezolana, Edward Arcila se posiciona como uno de los exponentes contemporáneos más respetados.

En tiempos donde el género enfrenta el reto de preservar su identidad frente a las tendencias efímeras, su propuesta representa la perseverancia, el rigor técnico y la devoción por la tradición.

Más que un intérprete, Edward Arcila es un embajador cultural.

Arcila emerge como un guardián del sonido tradicional
Arcila emerge como un guardián del sonido tradicional

Su canto sigue recordando a las viejas y nuevas audiencias que la verdadera salsa no se mide por modas pasajeras, sino por la fuerza del sentimiento, la agilidad de la improvisación y el latido indomable del corazón del sonero.

También Lea: Ronald Gómez uno de los soneros jóvenes más respetados de la Nueva Generación

Publicado en: 2026, Artistas, Latin Jazz, Latino America, Marzo, Musica Latina, Norte America, Orquesta, Septiembre

Andy Montañez El Niño de Trastalleres su Voz Eterna y su legado transciende en generaciones

28 agosto, 2026 by Augusto Felibertt

De las Calles de Santurce a la Cúspide del Movimiento Salsero Mundial.

La historia de la música latina no se puede escribir sin dedicar un capítulo de honor a Andrés Montañez Rodríguez, conocido universalmente como Andy Montañez.

Nacido el 7 de mayo de 1942 en el populoso barrio de Trastalleres, en Santurce, Puerto Rico, Andy no solo se convirtió en una de las voces más prodigiosas y carismáticas del género, sino también en un pilar fundamental para la masificación y preservación de la salsa a nivel internacional.

Andy Montañez El Niño de Trastalleres
Andy Montañez El Niño de Trastalleres

Crecer en un entorno humilde pero repleto de matices musicales moldeó su sensibilidad artística desde muy joven. Influenciado por los boleros de la época, la música jíbara y los ritmos afrocaribeños que resonaban en las esquinas de su barrio, el joven Andrés demostró rápidamente poseer un timbre de voz barítono, potente, afinado y cargado de una sonoridad emotiva incomparable. S

in embargo, nadie imaginaba que aquel muchacho de Trastalleres terminaría convirtiéndose en una leyenda viva de la música caribeña.

La Era Dorada con El Gran Combo de Puerto Rico (1962–1977).

El salto definitivo a la profesionalización llegó en 1962. Tras la desintegración del combo de Cortijo y su Combo, Rafael Ithier fundó El Gran Combo de Puerto Rico y reclutó a Andy Montañez como cantante principal junto a Pellín Rodríguez. Esta dupla vocal se convirtió en el motor que impulsó a la agrupación hacia el éxito rotundo durante quince años.

Junto a «La Universidad de la Salsa», Andy inmortalizó clásicos de la música tropical que continúan vigentes en la memoria colectiva de los bailadores.

Temas como Las Hojas Secas, Julia, Un Verano en Nueva York, El Barbero Loco, Vagabundo y Un Alma Buena no solo dominaron las listas de radio en toda América Latina, sino que definieron el sonido de la salsa en la década de 1970.

Su Voz Eterna y su legado transciende en generaciones.
Su Voz Eterna y su legado transciende en generaciones.

Importancia en su Trayectoria:

El paso de Andy Montañez por la Puerto Rico All Stars representa un capítulo brillante en la historia de la salsa boricua.

La súper agrupación concebida a mediados de los años 70 bajo el liderazgo y la visión del trombonista y productor Frankie Gregory nació como la respuesta boricua al fenómeno neoyorquino de la Fania All-Stars, reuniendo a la élite de instrumentistas, arreglistas y vocalistas de la isla.

«Su participación en la Puerto Rico All Stars no solo reafirmó el patriotismo musical del colectivo, sino que sirvió como un puente de madurez sonora justo antes de consolidar su propia orquesta a partir de 1980».

Para el melómano y coleccionista de la salsa dura, la presencia de «El Niño de Trastalleres» en la Puerto Rico All Stars dejó una huella imborrable que demostró que su voz encajaba perfectamente tanto en el formato de charanga o combo como en el rigor técnico de una big band/superorquesta de estrellas.

Andy Nacido el 7 de mayo de 1942 en el populoso barrio de Trastalleres, en Santurce, Puerto Rico
Andy Nacido el 7 de mayo de 1942 en el populoso barrio de Trastalleres, en Santurce, Puerto Rico

Su capacidad para pasar del guaguancó cadencioso al bolero romántico con igual maestría asentó las bases de su popularidad.

La Dimensión Latina y la Consolidación Internacional:

En 1977, Andy Montañez tomó una de las decisiones más arriesgadas y comentadas de su trayectoria: salir de El Gran Combo para mudarse a Caracas y unirse a La Dimensión Latina, ocupando el lugar dejado por Oscar D’León.

Aunque el reto era enorme debido al vacío de la partida del «Sonero del Mundo», Montañez demostró su versatilidad y respeto por la clave salsera.

En Venezuela, consolidó una etapa brillante grabando éxitos de la talla de El Eco de un Tambor, Son de la Loma, Cantares y Pan de Piquito.

Su paso por La Dimensión Latina no solo reconfirmó su estatus como intérprete de primer orden, sino que fortaleció aún más sus lazos afectivos con el público venezolano, mercado donde se convirtió en un verdadero ídolo popular.

El Proyecto en Solista y las Nuevas Fusiones:

A comienzos de la década de 1980, Andy regresó a su tierra natal para lanzar su carrera como solista, respaldado por su propia orquesta y con la colaboración constante de arreglistas de alto nivel.

Durante este período, logró mantenerse en la cima de la salsa romántica y sensual sin perder la esencia del golpe callejero y la sabrosura criolla.

De esta etapa destacan himnos que marcaron a generaciones, tales como:

  • «Casi Te Envidio»
  • «Payaso»
  • «Cobarde, Cobarde»
  • «Me Gusta»
  • «Milonga para una Mirada»

Fiel a su espíritu inquieto, Andy no dudó en experimentar. A lo largo de los años 90 y 2000, exploró fusiones musicales incorporando elementos del bolero tradicional junto al Trío Los Andinos, así como incursiones en el reguetón y los ritmos urbanos junto a jóvenes artistas boricuas como Daddy Yankee y Julio Voltio. Esta apertura mental le permitió conectar con nuevas generaciones de oyentes sin traicionar jamás su raíz salsera.

Legado, Impacto Cultural y el Sello del Niño de Trastalleres:

El legado de Andy Montañez trasciende lo estrictamente discográfico; se trata de un símbolo de identidad y orgullo caribeño.

Andy dice Gracias Puerto Rico
Andy dice Gracias Puerto Rico

Su talento ha sido reconocido con múltiples galardones a nivel mundial, incluyendo el prestigioso Premio Grammy Latino a la Excelencia Musical en 2006 (por su álbum AM/PM Linea Directa junto al trovador cubano Pablo Milanés), confirmando su capacidad para tender puentes entre la salsa, la trova y la canción de autor.

Más allá de su registro vocal impecable y su innegable swing sobre el escenario, lo que verdaderamente distingue a Andy Montañez es su calidad humana, su carisma genuino y esa humildad intacta que siempre ha mantenido.

A pesar de haber recorrido los escenarios más importantes del mundo, jamás ha renunciado a su origen: siempre será orgullosamente «El Niño de Trastalleres».

Andy Montañez de las Calles de Santurce a la Cúspide del Movimiento Salsero Mundial
Andy Montañez de las Calles de Santurce a la Cúspide del Movimiento Salsero Mundial

Su voz sigue siendo faro y referencia obligada para soneros de todas las latitudes que buscan entender el arte de cantar con el corazón, la clave y la sabrosura del Caribe.

También Lea: El Mulato Mayor Jerry Rivas y su Leyenda de Medio Siglo con El Gran Combo de Puerto Rico

Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America, Orquesta, Septiembre

La Explosión del ritmo Tony Succar conquista la mítica Arena de Tempo Latino 2026

26 agosto, 2026 by Augusto Felibertt

El percusionista y productor peruano galardonado con el Latin Grammy cerró la 31ª edición del emblemático festival francés con un despliegue de dinamismo, percusión de vanguardia y pura clave salsera.

La explosión del ritmo Tony Succar conquista la mítica Arena de Tempo Latino 2026.
La explosión del ritmo Tony Succar conquista la mítica Arena de Tempo Latino 2026.

VIC-FEZENSAC (FRANCIA)  La pequeña localidad de Vic-Fezensac, en el corazón del departamento de Gers, volvió a convertirse en la capital europea de las músicas afrocubanas del 30 de julio al 2 de agosto de 2026.

En la jornada de clausura, la mítica plaza de toros convertida en la Tempo Arena presenció uno de los espectáculos más electrizantes de sus más de tres décadas de historia: la presentación del percusionista, arreglista y productor peruano-estadounidense Tony Succar.

El gran broche de oro en el Tempo Arena

El festival Tempo Latino celebra la herencia de los ritmos caribeños. La noche del domingo 2 de agosto, tras el virtuosismo jazzístico del pianista cubano Alfredo Rodríguez, Succar tomó el escenario principal rodeado de una nómina de músicos excepcionales.

El percusionista y productor peruano galardonado con el Latin Grammy cerró la 31ª edición.
El percusionista y productor peruano galardonado con el Latin Grammy cerró la 31ª edición.

Desde el primer golpe de timbal, el productor ganador de dos premios Latin Grammy demostró por qué es considerado una de las fuerzas creativas más influyentes en la evolución de la salsa contemporánea.

El concierto arrancó con una energía arrolladora que puso de pie a miles de bailadores eufóricos. Succar desplegó un repertorio que navegó entre:

  • Salsa dura: De corte clásico y alta potencia.
  • Jazz afrocubano: Lleno de colores, armonías e improvisación.
  • Pop caribeño: Aportando los matices frescos que caracterizan su propuesta musical.

La acústica circular del recinto taurino sirvió como resonador para los polirritmos de la percusión, donde los solos de timbal del propio Tony reafirmaron su maestría técnica y su arraigo con la tradición.

Vanguardia, tributos y visión global

Uno de los momentos cumbres de la velada llegó con las reinterpretaciones salseras de su famoso proyecto Unity: The Latin Tribute to Michael Jackson, un hito discográfico que transformó el pop global en auténtica descarga tropical.

Tony Succar y Mimy Succar (cuyo nombre real es Miriam Tayrako Sakaguchi).
Tony Succar y Mimy Succar (cuyo nombre real es Miriam Tayrako Sakaguchi).

La audiencia europea coreó arreglos donde los metales afilados y la síncopa salsera renovaron los clásicos del «Rey del Pop».

Asimismo, Succar aprovechó la plataforma de Vic-Fezensac para presentar piezas de sus producciones recientes, marcadas por arreglos vanguardistas que no pierden el pulso bailable.

La solidez de la sección de vientos y el ensamble rítmico mantuvieron la tensión festiva en todo momento, evidenciando un nivel de producción riguroso que no escatima en sabor.

La vigencia de la salsa en suelo europeo

La 31ª edición de Tempo Latino reunió a exponentes de primer nivel de diversos géneros, compartiendo cartel con figuras destacadas:

Artistas y Agrupaciones Destacadas
Tony Succar
Alfredo Rodríguez
Maïté Hontelé
Orquesta Akokán
La Yegros
Matt Bianco

Sin embargo, la presentación de Tony Succar en la jornada final sirvió como recordatorio del estado actual de la salsa: un género vivo, mutante y plenamente global.

Con este concierto, Succar no solo saldó una cita pendiente con el público europeo aficionado a la clave, sino que consolidó su lugar entre los grandes defensores del sonido tropical contemporáneo.

Cuando las luces del Tempo Arena finalmente se apagaron, la ovación retumbó en las calles de Vic-Fezensac, confirmando que la salsa de nueva generación tiene en Tony Succar a uno de sus arquitectos más audaces.

Tony Succar: Muchas gracias TEMPO LATINO Fue un honor poder regresar después de 9 años a este gran festival. Gozamos muchísimo! Y me da tanta alegría ver que, por este lado del mundo, amen tanto la salsaaa.

 By: Titouan Maza & Jean Paul Pourque.

Succar en el Arènes de Vic-Fezensac
Succar en el Arènes de Vic-Fezensac

También Lea: Antonio “Tony” Succar, percusionista, compositor, arreglista, líder de banda y productor musical

Publicado en: 2026, Academias de baile, Artistas, Asia, Clubes, Entrevistas, Europa, Eventos, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Noticias, Orquesta, Radio, Septiembre

Productora, compositora y cantante colombiana Alea: de la Guajira Colombiana a Boston

12 agosto, 2026 by Karina Garcia

La cantante colombiana María Alejandra Jiménez, también conocida como Alea, nos ha concedido el gran honor de responder a nuestras preguntas para conocer un poco más de sí misma y su trayectoria, cosa que nos tiene bastante complacidos. No siempre se tiene la oportunidad de tratar con una artista tan versátil y talentosa. 

La joven proveniente de La Guajira colombiana, hoy en día, se desempeña como una productora artística, compositora y cantante que ha experimentado con géneros como el jazz, el Latin Jazz, la música folklórica colombiana, entre otros más. 

Actriz Alea
Productora, compositora, cantante y actriz de voz colombiana Alea Jiménez

¿Qué tenía la música que llamó la atención de Alea?

A esta misma pregunta, Alea nos respondió que recuerda haber tenido dos o tres años de edad cuando estuvo en su primera fiesta de salsa en la sala de su casa. También recuerda cómo esa música que escuchaba por primera vez la atrapó por completo en un placentero trance que la tuvo bailando durante horas. Fueron los ritmos y el compás lo que le encantaron al punto de no olvidarlos nunca más. 

Tenía apenas unos 15 años de edad cuando hizo su primera presentación musical pagada. Describe el proceso de irse haciendo a sí misma como artista como lleno de diversión y muy creativo. Sin embargo, no fue hasta el año 2015, época en la que ya vivía en la ciudad de Boston, Massachusetts, cuando tomó la decisión de ponerse ‘‘Alea’’ como nombre artístico.

Fue en ese mismo lugar en el que por fin se profesionalizó en el área, estudiando música en el Berklee College of Music con un enfoque especial en el área de jazz e interpretación vocal. También es importante mencionar que, antes de eso, Alea ya había estudiado comunicación organizacional en la Colegiatura Colombiana, Medellín.

El primer EP de Alea

Si bien es cierto que las fuentes oficiales indican que Alea lanzó su primer EP fue ‘‘Alborotá’’ en el año 2010, el cual, por cierto, fue nominado como Mejor Álbum Latino del Año, pero resulta ser que no es tan así. La artista cafetalera nos corrigió diciendo que, en realidad, su primer EP fue su proyecto de graduación en la universidad, el cual era un material con un enfoque bastante marcado hacia el jazz y algo de folklore típico de su país. Sin embargo, aún le faltaba mucho por aprender y conocer sobre la música.

Alea cantando
Alea cantando en vivo

Cuando finalmente llegó ‘‘Alborotá’’, se convirtió en su primer acercamiento al sonido que realmente quería lograr. Alea buscaba que su trabajo musical fungiera como homenaje a sus raíces latinoamericanas, al feminismo y al empoderamiento de la mujer en esta era. Del mismo modo, quería proponer un sonido que venía de la ciudad que en ese momento la inspiraba más, que era Nueva York. 

Se trataba de un sonido muy contemporáneo y acústico que fue producido por la disquera especializada en vinilos Jarana Records. La artista dice que simplemente se dejó llevar por lo que la música le hacía sentir y, para su sorpresa, el público recibió el álbum increíblemente bien, mucho mejor de lo que ella se esperó en un inicio. 

Jamás en la vida se hubiera esperado que algo producto de su trabajo iba a llegar a ser considerado como uno de los mejores álbumes de la revista The Rolling Stones o por la organización de medios y radiodifusión National Public Radio (NPR), pero en efecto así fue, por lo que todo su esfuerzo hasta entonces había valido completamente la pena. 

Tratándose de una artista independiente sin una gran cantidad de recursos económicos para invertir en promoción o marketing, este triunfo la hizo sentirse mucho más orgullosa de sí misma de lo que hubiera previsto.

Actuación de voz

Además de cantar, actividad que Alea ama con locura, también ha dedicado gran parte de su carrera a actuar y prestar su voz a importantes producciones cuando todavía se encontraba viviendo en Mushaisa, en la Guajira, y luego en Medellín. Posteriormente, también haría lo propio en Estados Unidos, ya que esta parte de las artes siempre le ha gustado. 

Cantante Alea
Cantante Alea Jiménez
Bajista Andrés Fonseca Alfonso
Guitarrista Gustavo Alfonso Díaz
Saxofonista D.J. Duffy
Trombonista Melisa Raquel
Coreógrafa Argelia Rossana
Director musical Felipe Fournier

Aún estando en Colombia, también tuvo la oportunidad de aprender un poco sobre radio y de radiodifusión televisiva mientras estudiaba en su país, por lo que todas estas áreas se le dieron de forma muy natural. Esto también le sirvió como una segunda carrera para no tener encima la presión de tener que conseguir todos sus ingresos solo de la música.

Primero, trabajó como asociada de producción para una compañía de música y sonido, y luego, como productora, lo cual le brindó una visión muy marcada sobre cómo hacer las cosas correctamente en este oficio. 

También nos contó que cuenta con un estudio en su propia casa desde el cual hace prácticamente todo su trabajo y que ha hecho talleres con SAG-AFTRA (principal sindicato de los profesionales del entretenimiento y la comunicación en Estados Unidos) como miembro.

Así mismo, ha prestado su voz para diversos comerciales de grandes compañías como Walmart, Nissan, Verizon, MLB Bobbleheads, LinkedIn, Pepto, Corona Refresca, Waze de Google, Liberty Mutual y Denny’s.

También lee: Hablamos con Elizabeth Meeker Howard, una de las integrantes de Las Sabrosas Latin Orchestra

Publicado en: 2026, Artistas, Entrevistas, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America, Septiembre

El Diseño de la Percusión La Revolución de Giovanni Hidalgo «Mañenguito» en las Congas

30 julio, 2026 by Augusto Felibertt

«Un análisis técnico e histórico del virtuosismo, la hibridación tímbrica y el legado de uno de los percusionistas más influyentes del jazz y la música latina mundial. «

El Heredero de «Mañengue»

Giovanni Hidalgo, nacido en San Juan, Puerto Rico, en 1963, es considerado universalmente como uno de los percusionistas más virtuosos e innovadores de todos los tiempos.

Hidalgo uno de los percusionistas más influyentes del jazz
Hidalgo uno de los percusionistas más influyentes del jazz

Conocido afectuosamente como «Mañenguito» por ser hijo del legendario percusionista José «Mañengue» Hidalgo, creció en un entorno donde los ritmos afrocaribeños no solo se escuchaban, sino que constituían un lenguaje cotidiano.

A diferencia de muchos percusionistas de su generación, la formación de Hidalgo combinó el rigor del aprendizaje empírico de la calle con un estudio metódico del solfeo y la técnica formal.

Desde sus primeros años, mostró una independencia de manos y una velocidad que redefinirían el estándar global de la ejecución en las congas (tumbadoras).

La Innovación Técnica: El Rudimento Traducido a la Tumbadora

La gran revolución de Giovanni Hidalgo dentro del panorama percusivo radica en la adaptación de los rudimentos clásicos de la batería a las congas.

Tradicionalmente, la ejecución de las tumbadoras dependía de patrones rítmicos estructurados alrededor de tonos abiertos, secos, quemados y el movimiento de palma-dedo (marcha).

Hidalgo llevó la técnica a un plano completamente distinto:

  • Independencia de Manos y Dedos: Desarrolló una velocidad digital (de los dedos) y de muñeca capaz de replicar redobles de cinco golpes, flams, paradiddles y ruffs a velocidades vertiginosas sobre los cueros.
  • Ampliación del Set: Popularizó el uso de configuraciones de 4, 5 y hasta 6 congas afinadas melódicamente, convirtiendo la percusión en un instrumento armónico y melodioso dentro del ensamble.
  • Polirritmia Multilimb: Capacidad para mantener líneas de clave independientes mientras improvisa solos melódicos de alta complejidad matemática.

Trayectoria Musical y Colaboraciones Clave:

Hidalgo combinó el rigor del aprendizaje empírico de la calle con un estudio metódico del solfeo y la técnica formal
Hidalgo combinó el rigor del aprendizaje empírico de la calle con un estudio metódico del solfeo y la técnica formal

La carrera de «Mañenguito» está marcada por su capacidad para transitar sin esfuerzo entre la salsa dura, el jazz latino, la música folclórica puertorriqueña y la música del mundo.

Hitos en su Carrera:

Batacumbele: En la década de 1980, junto a músicos como Ángel «Cuqui» Santos y Dave Valentín, Hidalgo formó parte del mítico grupo Batacumbele. La banda revolucionó la música caribeña al integrar elementos del songo cubano con la bomba, plena y el jazz.

Dizzy Gillespie y la United Nation Orchestra: A los 25 años, fue reclutado por el ícono del bebop Dizzy Gillespie. Esta etapa lo catapultó a la escena internacional del jazz, tocando en los festivales más prestigiosos del mundo.

Planet Drum: Su colaboración con Mickey Hart (baterista de Grateful Dead), Zakir Hussain y otros maestros internacionales de la percusión culminó en el proyecto Planet Drum, ganador del primer premio Grammy en la categoría de Best World Music Album (1991).

Trío con Michel Camilo: Sus grabaciones y presentaciones junto al pianista dominicano Michel Camilo y el bajista Anthony Jackson representan uno de los puntos cumbres del jazz latino contemporáneo por el nivel de energía y precisión técnica ejecutada.

Eddie Palmieri:

La unión de Giovanni Hidalgo y Eddie Palmieri es una de las alianzas más explosivas y revolucionarias en la historia del jazz latino y la música afrocaribeña.

Cuando la virtuosidad técnica y la velocidad de Hidalgo en las congas se encontraron con el estilo agresivo, disonante y orquestal de Palmieri al piano, el resultado transformó para siempre la percusión contemporánea.

El Diseño de la Percusión La Revolución de Giovanni Hidalgo Mañenguito en las Congas
El Diseño de la Percusión La Revolución de Giovanni Hidalgo Mañenguito en las Congas

 El Encuentro de Dos Mundos (Finales de los 80)

A mediados de la década de 1980, Eddie Palmieri quien ya era un mito viviente por sus innovaciones con La Perfecta y sus producciones de salsa dura y jazz latino integró al joven puertorriqueño Giovanni Hidalgo a su agrupación.

El impacto: Hidalgo trajo un lenguaje revolucionario al conjunto, adaptando la técnica de baquetas al toque con las manos abiertas.

La sinergia: Palmieri encontró en Giovanni un percusionista capaz de responder con la misma fuerza, polirritmia y tensión armónica que él ejecutaba desde el piano.

Aspectos destacados: La solidez de las congas de Giovanni en temas como «La Libertad / Comparsa» catapultó la proyección internacional de Hidalgo como el conguero más influyente de su generación.

La innovación: Giovanni Hidalgo lideró la sección de percusión con solos que desafiaron la física de las congas (velocidad, matices y refinamiento en las afinaciones).

Impacto: Giovanni actuó como el puente generacional entre los maestros consagrados de la era del Palladium y la vanguardia técnica del nuevo milenio.

Galardón: El álbum Listen Here ganó el premio Grammy en 2006 como mejor álbum de Latín Jazz , cerrando con broche de oro una etapa dorada de colaboraciones.

 Tito Puente («El Rey del Timbal») y Giovanni Hidalgo («Mañenguito») representa uno de los encuentros intergeneracionales más potentes en la historia de la música latina. Puente adoptó a Giovanni no solo como su conguero principal en varias etapas clave, sino como un solista virtuoso capaz de estar a su nivel en velocidad, precisión y presencia escénica.

Golden Latin Jazz Giants y Proyectos Internacionales entre otras:

Supergrupos de la Fania y Latin Jazz: Junto a Puente, Giovanni formó parte de diversos ensambles de «All-Stars» que giraron por los festivales de jazz más importantes de Europa y Japón (como el North Sea Jazz Festival y Montreux).

El Puente Generacional: Puente representaba la era dorada del Palladium Ballroom de Nueva York, mientras que Giovanni aportaba la vanguardia técnica del nuevo milenio. Esta sinergia mantuvo la música de Puente vigente ante las nuevas generaciones de estudiantes de percusión.

En mayo de 2010, a Hidalgo se le otorgó un Doctorado Honorario en Música por el Berklee College of Music y es considerado uno de los principales percusionistas latinos en el mundo hoy en día.

Cuadro Comparativo: Aportes de Hidalgo a la Percusión:

Conocido afectuosamente como Mañenguito
Conocido afectuosamente como Mañenguito

Dimensión Técnica Ejecución Tradicional:

(Pre-Hidalgo)

Innovación de Giovanni Hidalgo

Uso de Dedos/Mano:

Basado en el peso de la mano y muñeca

Uso individualizado de los dedos para articulación y velocidad extrema.

Configuración:

1 a 3 congas en patrón rítmico principal4 a 6 congas afinadas interválica mente (uso melódico)

Vocabulario Rítmico:

Claves afrocubanas y patrones regionales Integración de rudimentos de marcha, bebop y polirritmia hindú.

 Conclusión y Resiliencia

Giovanni Hidalgo no solo transformó la física de cómo se toca la conga, sino que expandió las fronteras creativas del instrumento.

A pesar de los retos de salud que ha enfrentado a lo largo de los años incluyendo complicaciones de diabetes que afectaron sus manos, su dedicación y capacidad de readaptación técnica han demostrado la fuerza de su espíritu musical.

Su legado trasciende las grabaciones:

«Mañenguito» enseñó al mundo que la conga no es únicamente un instrumento rítmico de acompañamiento, sino un instrumento solista con infinitas posibilidades melódicas, dinámicas y expresivas.

Entrevista a Giovanni Hidalgo por Dj. Augusto Felibertt
Entrevista a Giovanni Hidalgo por Dj. Augusto Felibertt

 También Lea: Aprende a tocar percusión con Giovanni “Meñenguito” Hidalgo 

Publicado en: 2026, Agosto, Artistas, Entrevistas, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Es un placer recibir a Erim Kardex y a Gustavo del Pino de Los Calicubanos en ISM

26 julio, 2026 by Karina Garcia

Nos produce una enorme felicidad el poder compartir un poco con el director musical, Erim Kardes, y al pianista, Gustavo Del Pino de la banda Los Calicubanos, de quienes tuvimos el placer de escuchar un poco de sus trayectorias individuales y el proceso de creación de su actual grupo. 

La entrevista, hecha tanto en inglés como en español, tocó unos temas bastante interesantes sobre la música en general y esperamos que sea del agrado de todos los que lleguen a leerla.

Erim y el resto de la banda
De izquierda a derecha Jim Miranda en la conga, Arturo Ramírez en los timbales, Erim Kardes en el bajo, Mark Trejo en la trompeta, Andy García en el trombón, Gustavo Del Pino en el piano, Marisol Echegoyen en la voz y Luis Jiménez en la voz

Inicios de Erim y Gustavo en la música

El primero en tomar la palabra fue Gustavo, quien nos contó que empezó a tocar piano desde que cumplió los seis años. Su padre tocaba el saxofón y su madre el piano, pero solo veían la música como un hobbie y no eran músicos profesionales. Durante el transcurso de su infancia en Perú, estuvo escuchando mucha música latina en reuniones familiares, por lo que seis años más tarde, con unos 12 años de edad, ya tocaba frente a multitudes. Entre los artistas preferidos de su familia estaban El Gran Combo de Puerto Rico, Héctor Lavoe y Rubén Blades.

Posterior a eso, estudió música clásica en un conservatorio y, cuando finalmente se muda a Estados Unidos, que es donde conoce a Erim y el resto de sus compañeros, estudió en Berklee College of Music en Boston.

En el caso de Erim, contó que empezó a tocar la guitarra cuando tenía 14 años de edad en Turquía, país en el que creció. Al igual que Gustavo, nadie en su familia era músico, pero eso no impidió que todos escucharan música turca constantemente, y fue a partir de allí que comenzó a gustarle más allá de un mero entretenimiento.

Al llegar a sus veinte, se interesó por la música latina y comenzó a experimentar con ella. Estaba en Graduate School estudiando ingeniería en Los Ángeles, ciudad en la que vivía hacía algún tiempo, dónde estaba haciendo algunos cursos de jazz en la Universidad de California y uno de sus profesores es quien lo introduce finalmente a la música latina y le gustó tanto que no volvió a apartarse de ella. Uno de sus más importantes profesores fue el legendario bajista del grupo Weather Report Alphonso Johnson.

Erim y la banda
De derecha a izquierda: ERNESTO VALENZUELA en la conga, Joseph Dubois en la trompeta, Andy García en el trombón, Marisol Echegoyen en la voz, Arturo Ramírez en los timbales, Erim Kardes en el bajo, Gustavo Del Pino en el piano, Luis Jiménez en la voz

Inicio profesional para ambos 

Volviendo a Gustavo, nos contó que, cuando culminó sus estudios en Berklee, empezó a conseguir sus primeros trabajos como músico profesional. Empezó a hacer pequeñas giras con algunos de los compañeros con los que estudió allí y estuvo involucrado en las grabaciones de algunos discos, pero como músico de sesión. Aún no tenía un grupo formal al que perteneciera de forma fija, pero sí tocaba con algunos artistas y músicos argentinos, colombianos y peruanos. Algunos de ellos fueron la cantante colombiana Alejandra Jimenez ‘‘Alea’’ y la banda peruana Perú Meztizo.

Por otro lado, Erim nos contó que sus primeras bandas en la universidad eran de rock y que su rol era el del bajista. También estuvo tocando funk y jazz en Los Ángeles durante algún tiempo.

Fundación de Los Calicubanos

Quien creó la idea de Los Calicubanos y finalmente fundó la banda es Erim y el grupo como es conocido ahora se inició oficialmente en agosto del 2025, es decir, que este mes sería su primer aniversario. Una vez que sabía lo que quería, colocó anuncios en internet buscando un pianista que se le uniera, que es cuando Gustavo se comunica con él y es puesto a prueba hasta finalmente quedarse con el lugar. 

Durante esa misma época conoció al percusionista Arturo Ramírez, así que se juntaron los tres en junio del 2025, hasta que oficialmente iniciaron el proyecto de Los Calicubanos en agosto de ese mismo año. También se les unieron luego el conguero Jim Miranda, el cantante Luis Jimenez, la cantante Marisol Echegoyen, el trombonista Andy García, el trompetista Mark Trejo y el trompetista Joseph Dubois. 

Director musical Erim Kardes
Este es el director musical de Los Calicubanos Erim Kardes

Erim ha estado en California durante los últimos 25 años, así como también ha viajado a Cuba en dos oportunidades, lo que le llevó a descubrir unos ritmos que le fascinaron y cambiaron por completo la visión que tenía de la música hasta entonces. Por lo mismo, decidió combinar ‘‘California’’ con ‘‘Cuba’’ debido a toda la mezcla que quería hacer de la música que descubrió en ambos lugares.

Eventos para los próximos meses

Los Calicubanos no tienen giras programadas en este momento, pero sí muchas presentaciones importantes como el LA Jazz Festival, conciertos en restaurantes y unos cuantos eventos privados. 

En cuanto a lanzamientos nuevos, se encuentran escribiendo música y arreglos completamente originales, pero quieren tener un buen volumen de material antes de entrar al estudio a grabar. 

También lee: El trombonista y percusionista puertorriqueño Arturo Jr. de Projecto 7 Salsa & Latin Jazz Band

Publicado en: 2026, Agosto, Artistas, Entrevistas, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America

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