• Saltar a la navegación principal
  • Saltar al contenido principal

International Salsa Magazine

  • HOME
  • Ediciones anteriores
    • 2026
      • ISM / Mayo 2026
      • ISM / Abril 2026
      • ISM / Marzo 2026
      • ISM / Febrero 2026
      • ISM / Enero 2026
    • 2025
      • ISM / Diciembre 2025
      • ISM / Noviembre 2025
      • ISM / Octubre 2025
      • ISM / Septiembre 2025
      • ISM / Agosto 2025
      • ISM / Julio 2025
      • ISM / Junio 2025
      • ISM / Mayo 2025
      • ISM / Abril 2025
      • ISM / Marzo 2025
      • ISM / Febrero 2025
      • ISM / Enero 2025
    • 2024
      • ISM / Diciembre 2024
      • ISM / Noviembre 2024
      • ISM / Octubre 2024
      • ISM / Septiembre 2024
      • ISM / Agosto 2024
      • ISM / Julio 2024
      • ISM / Junio 2024
      • ISM / Mayo 2024
      • ISM / Abril 2024
      • ISM / Marzo 2024
      • ISM / Febrero 2024
      • ISM / Enero 2024
    • 2023
      • ISM / Diciembre 2023
      • ISM / Noviembre 2023
      • ISM / Octubre 2023
      • ISM / Septiembre 2023
      • ISM Agosto 2023
      • ISM Julio 2023
      • ISM Junio 2023
      • ISM Mayo 2023
      • ISM Abril 2023
      • ISM Marzo 2023
      • ISM Febrero 2023
      • ISM Enero 2023
    • 2022
      • ISM – Diciembre 2022
      • ISM – Noviembre 2022
      • ISM Octubre 2022
      • ISM Septiembre 2022
      • ISM Agosto 2022
      • ISM Febrero 2022
      • ISM Enero 2022
    • 2021
      • ISM Diciembre 2021
      • ISM – Noviembre 2021
      • ISM Octubre 2021
      • ISM Septiembre 2021
      • ISM Agosto 2021
      • ISM Julio 2021
      • ISM Junio 2021
      • ISM Mayo 2021
      • ISM Abril 2021
      • ISM Marzo 2021
      • ISM Febrero 2021
      • ISM Enero 2021
    • 2020
      • ISM Diciembre 2020
      • ISM Noviembre 2020
      • ISM Octubre 2020
      • ISM Septiembre 2020
      • ISM Agosto 2020
      • ISM Julio 2020
      • ISM Junio 2020
      • ISM Mayo 2020
      • ISM Abril 2020
      • ISM Marzo 2020
      • ISM Febrero 2020
      • ISM Enero 2020
    • 2019
      • ISM Diciembre 2019
      • ISM Noviembre 2019
      • ISM Octubre 2019
      • ISM Septiembre 2019
      • ISM Agosto 2019
      • ISM Julio 2019
      • ISM Junio 2019
      • ISM Mayo 2019
      • ISM Abril 2019
      • ISM Marzo 2019
      • ISM Febrero 2019
      • ISM Enero 2019
    • 2018
      • ISM Diciembre 2018
      • ISM Noviembre 2018
      • ISM Octubre 2018
      • ISM Septiembre 2018
      • ISM Agosto 2018
      • ISM Julio 2018
      • ISM Junio 2018
      • ISM Mayo 2018
      • ISM Abril 2018
      • ISM Marzo 2018
      • ISM Febrero 2018
      • ISM Enero 2018
    • 2017
      • ISM Diciembre 2017
      • ISM Noviembre 2017
      • ISM Octubre 2017
      • ISM Septiembre 2017
      • ISM Agosto 2017
      • ISM Julio 2017
      • ISM Junio 2017
      • ISM Mayo 2017
      • ISM Abril 2017
      • ISM Marzo 2017
      • ISM Febrero 2017
      • ISM Enero 2017
    • 2016
      • ISM Diciembre 2016
      • ISM Noviembre 2016
  • English
  • Descarga Salsa App
    • Android
    • Apple

2026

Edgardo Cambón celebrará sus 40 años de carrera artística en el Yerba Buena Gardens

19 junio, 2026 by Karina Garcia

Hace unos cuantos años, tuvimos el gran honor de entrevistar al director de orquesta, compositor, percusionista y cantante uruguayo Edgardo Cambón, con quien nuevamente conversamos en esta oportunidad con motivo de su aniversario de carrera el mes que viene.

Evidentemente, queríamos hacer un recuento de los datos más importantes e interesantes de su maravillosa trayectoria, pero tampoco podíamos dejar de preguntarle cómo le ha ido en estos últimos años y es con lo que quisimos iniciar nuestra conversación de hoy.

Una de las cosas que nos reveló es que recientemente lanzó su nuevo material discográfico ‘‘For Export’’ bajo el sello musical Latinbaum Records durante un show en un local conocido como The Fright, evento en el que aprovecharon de celebrar sus 65 años de vida en abril del 2025. Había unas 450 personas presentes, con las que se filmó un excelente videoclip y se lanzó el ya mencionado CD. 

A finales del año pasado, hizo unas ocho presentaciones de radio, una de televisión y otra en vivo en Bogotá, Colombia, que es uno de los lugares donde se encuentra afiliado el productor de Latinbaum Records, que es el arreglista, productor, compositor y pianista Israel Tannenbaum, a quien también hemos podido entrevistar en otras ocasiones.

Dice sentirse muy contento con las cinco producciones discográficas que ha grabado hasta ahora y con lo activo que ha estado durante este último año debido a los muchos viajes promocionales a lugares como Puerto Rico.

Edgardo en vivo
Edgardo Cambón en vivo en el Cigar Bar & Grill

Cómo es que Edgardo Cambón ha logrado mantenerse vigente luego de tantas décadas

Luego de haber estado tocando por casi 40 años de forma ininterrumpida, es importante saber cómo es que Edgardo ha logrado mantenerse vigente durante tanto tiempo, lo cual, según sus palabras, ha sido posible gracias a la originalidad de su sonido y sus letras. Nunca ha parado de escribir material original, pero eso no significa que no se ha atrevido a experimentar con composiciones ajenas como fue el caso ‘‘Imagine’’ de John Lennon. El artista hizo su propia versión de este clásico en salsa, cosa muy arriesgada debido a lo diferente que es la salsa del soft rock que recordamos todos del tema original.

A eso hay que sumar que él nunca le ha tenido miedo a los cambios y eso se puede notar claramente en todos los géneros con los que ha experimentado, exceptuando al reggaetón, ya que hay muchas cosas que no comparte con la cultura que acompaña a ese tipo de su música y sus mayores exponentes.

Hizo temas de salsa romántica cuando ese género estaba muy de moda, pero siempre trató de no dejarse llevar por lo más popular del momento, sino de buscarle a cada estilo una parte que le perteneciera a él mismo. Algo que agradece a Israel Tannenbaum es que es el primer productor que lo moldeara como artista y le diera tantos consejos valiosos como la reducción del tiempo de un tema o de qué manera conservar el mensaje con un tiempo de duración más corto.

Otro gran cambio al que tuvo que adaptarse con el paso de los años fue que su entendimiento de la escena local ya no podía ser el mismo. Una de las tantas cosas que cambió fue la aparición de los congresos de salsa en los que los DJs, que usualmente solo tocaban los temas más sonados del momento, tomaron un protagonismo monumental. Eso llevó a Edgardo y a muchos otros artistas a adaptar su repertorio e incluir covers de temas muchos más conocidos porque era lo que más pedía un gran sector del público.

Edgardo y sus padres
Edgardo Cambón con sus padres Blanca Fraga en José María Cambón en 1981

Actuación en el San Francisco Salsa festival

Uno de esos congresos a los que ha llegado a asistir fue a la edición 2026 del San Francisco Salsa Festival organizado por John Narvaez y Elizabeth Rojas, quienes ya lo habían contratado previamente para ofrecer clases de percusión. A Edgardo & Candela les fue extremadamente bien el día jueves 26 de marzo, que fue el día de la inauguración. 

El artista aprovechó la oportunidad para recordarnos que también lleva años tocando en el San Jose Jazz Festival y el Monterrey Jazz Festival, siendo la primera vez que sus organizadores contratan a un líder de orquesta uruguayo y uno de los pocos tocando salsa ese día. Adicional a eso, tuvo el honor de dar a conocer el candombe (ritmo típico uruguayo) mezclado con salsa y los tambores tradicionales. 

Los momentos más cumbres de su carrera

En una carrera tan larga, lógicamente ha debido vivir momentos que signifiquen un parteaguas en su carrera o cambios que lo han obligado a adaptarse a lo nuevo de la época. Uno de esos cambios fue el reemplazo del vibráfono, un instrumento muy delicado, por el trombón, lo cual representó un salto acústico bastante grande, ya que los músicos tuvieron que pasar de un instrumento de percusión con baquetas a uno de viento metal que funciona con aire y presión labial.

Con la llegada de Karl Perazzo a la orquesta, le propuso a Edgardo empezar a usar trombones, a lo que este aceptó al ver el potencial de este instrumento. Fue así entonces cuando el grupo se convirtió en un septeto, ya que previamente era un grupo pequeño en el que los tres percusionistas tocaban y cantaban a la vez, lo que hacía sonar a la banda más grande de lo que en realidad era.

Edgardo e Israel
Edgardo Cambón y Israel Tannenbaum

Tiempo después, Edgardo tuvo una serie de viajes a Cuba que transformó su mente por completo y su forma de ver y tocar la música, ya que no cualquiera podía treparse a una tarima en ese país. Fue entonces cuando se sintió inspirado para lanzar su álbum ‘‘Madre Rumba, Padre Son’’, en el que le da todo el crédito a lo que aprendió de la música cubana y sus más grandes exponentes. Aprovechó también para mencionar a otras de sus más grandes influencias como las letras politizadas de Rubén Blades en la década de los 70s, Los Van Van, Isaac Delgado y muchos otros.

Otros de los aspectos que también cambió durante el transcurso de su carrera fue la forma en la que los medios de comunicación, más concretamente la radio, fue transformándose a medida que pasaban los años. Sin embargo, siempre hubo comunicadores dispuestos a difundir su trabajo como lo fueron Chuy Varela, Louis Medina y Chata Gutiérrez, quienes lo apoyaron en su momento a pesar de ser un artista local del Uruguay que tocaba salsa en un ambiente con tanta competencia.

Gracias a todos esos momentos y apoyos, Edgardo logró cumplir sus más grandes sueños entre los que destacan hacer buena música, seguirse ganando la vida con la música y obtener una gran popularidad a nivel internacional. Aunque espera seguir cosechando frutos, siente que ya ha logrado lo que se propuso en un inicio en su carrera.

Edgardo en Bogotá
Edgardo Cambón durante su último viaje a Bogotá

40 aniversario de la carrera de Edgardo Cambón

Antes de hablarnos de sus planes para sus 40 años de carrera, nos recordó cómo celebró sus 20 años de carrera en el Yerba Buena Gardens, donde lanzó su álbum ‘‘20 Años de Sabor’’. El evento quedó tan fenomenal que van a usar el mismo venue para celebrar los 40 años el 6 de agosto del presente año. El concierto va a ser completamente gratuito, apto para todas las edades y al aire libre de 6pm a 7:30pm. 

Ese día presentará lo mejor de su repertorio junto a grandes invitados que harán de esa una noche muy especial, sobre todo para Edgardo y su equipo.

Él también quiso agradecerle a International Salsa Magazine, a nuestro editor Eduardo Guilarte y a mi persona por tan positiva entrevista. El honor ha sido todo nuestro y es lo que un artista de su alta categoría merece por dejar nuestra herencia hispana en alto.

También lee: The Latin Ensemble encanta a Estados Unidos y España con sus talentos

Publicado en: 2026, Artistas, Entrevistas, Julio, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America

Cómo la Inteligencia Artificial cambió el negocio de la música para siempre

31 mayo, 2026 by Karina Garcia

Desde hace muy poco, ha surgido una herramienta que le brinda a las máquinas y sistemas la capacidad de imitar muchas de las cosas que hacen los seres humanos como escribir textos, hacer dibujos, analizar datos, reconocer información, tomar decisiones, entre muchas otras cosas. Por supuesto, estamos hablando de la inteligencia artificial. 

Una de las áreas en las que la inteligencia artificial definitivamente ha impactado es la música, llegando al punto en el que esta hasta puede componer temas completos, escribir letras y generar voces tan realistas que perfectamente podrían ser confundidas con las humanas. Debido al impacto que ha tenido este conjunto de tecnologías en el mundo artístico, no podemos dejar de hablar de un tema tan importante que, queramos o no, ha cambiado, y seguirá cambiando, el panorama musical de forma significativa.

Imagen hecha con Inteligencia Artificial
Esta es una imagen sobre la IA en la música hecha con IA

La IA y la música

Aunque pueda molestar a muchos, no es un secreto para nadie que cada día hay más facilidades para quienes hacen música sin, muchas veces, contar con los conocimientos adecuados para producir algo de calidad, así que se valen de todos los recursos posibles para que su trabajo sea cada vez más fácil y simple. 

La inteligencia artificial hace que la producción, la composición, la mezcla y la masterización sean procesos mucho menos complejos y que, incluso, la intervención humana no sea necesaria en muchos casos. Los artistas y todo tipo de profesionales en la música ahora cuentan con una gama de posibilidades muchísimo más amplia con la que pueden cruzar límites que antes la tecnología no permitía. Por lo mismo, es imperativo que estos se capaciten lo mejor que puedan en estas herramientas para que puedan sacarle el mayor provecho posible, pero intentando no perder el toque humano que todo producto artístico debería conservar.

Beneficios del uso de la Inteligencia artificial en la música

Como ya hemos dejado bastante claro hasta ahora, la inteligencia artificial ofrece múltiples ventajas a todos aquellos que aprendan a utilizarla pero, ¿cuáles serían algunas de ellas?

  • Menos posibilidades de cometer errores: al limitarse la intervención humana a su mínima expresión, las probabilidades de cometer algún error que pueda perjudicar el resultado final son muy pocas, ofreciendo mayor confianza durante cualquier proceso.
  • Velocidad y eficacia en los procesos: todo el que haya tenido la oportunidad de componer o conocer a alguien que lo haga sabe que puede ser un proceso bastante lento y arduo, pero la inteligencia artificial puede facilitar las cosas más de lo que nos imaginamos. Algo que puede durar días y hasta semanas, de repente, puede ocurrir en segundos, lo que hace de esta tecnología un gran atractivo para cualquier creador musical.
  • Mayores posibilidades creativas: gracias a que la IA ofrece la capacidad de mezclar estilos y géneros que tal vez un artista por sí solo no consideraría, lo que abre un amplio abanico de posibilidades creativas y ayuda a crear temas musicales únicos y experimentales.
  • Altísima adaptabilidad: otra de las bondades que puede ofrecer la IA es la capacidad de crear letras, ajustarlas y adaptarlas a melodías ya existentes. 
La IA tiene muchas ventajas
La IA ofrece muchas ventajas, pero también algunas desventajas que los artistas deben tener en cuenta

Desafíos a los que se enfrenta un artista con la Inteligencia artificial

Así como hemos mencionado las bondades ofrecidas por la IA, también hay que ser honestos y reconocer que puede traer algunos problemas cuando no se le da el uso correcto. En el caso de un artista, hay ciertas cosas que pueden ser un tanto perjudiciales si no se tiene el entrenamiento correcto y una idea clara de lo que se quiere hacer:

  • Poca originalidad: este es uno de los aspectos que más preocupa a quienes critican el excesivo uso de la IA en la música, ya que esta tecnología se basa en datos preexistentes. Si bien es cierto que la IA puede generar cosas nuevas, suele ocurrir que su producción solo viene de lo que lograr extraer de contenido ya realizado. 
  • Poca profundidad emocional: una de las tantas cosas que se le ha criticado a la IA en cuanto creación artística es la poca profundidad emocional que, en ocasiones, ofrece. Desde siempre, se ha entendido a la música como una de las expresiones más emocionales y humanas que un artista puede transmitir, pero lamentablemente la IA, en ocasiones, es incapaz de replicarlas con la misma intensidad. Estas plataformas no siempre pueden captar este componente emocional tan necesario para crear música con el nivel de autenticidad y profundidad requeridos para tocar el corazón del público.
  • Preocupaciones sobre la seguridad laboral de los músicos: debido a las zonas grises en las que la IA todavía navega a nivel legal, existen muchas preocupaciones con respecto a la seguridad laboral de los artistas. Debido a que esta tecnología es capaz de reproducir voces y composiciones que pueden perfectamente competir con las de los humanos, esto podría significar que los medios de vida de muchos trabajadores de la industria musical podrían verse seriamente afectados. 

Derechos de autor en la Inteligencia Artificial

Una de las dudas más comunes con respecto a la IA es la forma en la que se maneja la cuestión de los derechos de autor, especialmente en la industria musical, donde ha habido más de un escándalo relacionado con este tema. Según lo establecido por la Ley de Propiedad Intelectual, toda obra protegible debe ser completamente original y haber sido creada por una persona física ¿Podríamos decir que una canción hecha con IA es original? Pues veamos.

En vista de que la originalidad no tiene una definición clara en la ley, pero los tribunales y las doctrinas han configurado ese término hasta dar como resultado dos vertientes: la concepción objetiva y la concepción subjetiva.

Canción hecha con IA
Portada del tema NostalgIA con las voces de Daddy Yankee, Bad Bunny y Justin Bieber. El tema fue hecho por el prototipo de artista Flow GPT

La concepción subjetiva sostiene que una obra es original si es fiel reflejo de la personalidad de su autor, mientras que la concepción objetiva hace referencia a la creación de algo que no existiera desde antes. La corriente más predominante en la mayoría de los países que han legislado al respecto es la subjetiva, lo que supone una traba importante para proteger las obras creadas por la IA. Sin embargo, las empresas que ofrecen esta tecnología, por lo general, incluyen en sus condiciones de uso que los derechos del material creado por su IA les pertenecen a ellas.

Teniendo en cuenta lo anterior, la Ley es muy clara en que el autor debe ser una persona natural, lo que hace imposible que una obra creada con IA sea protegida legalmente. Por esa misma razón es que, incluso si la concepción objetiva se impusiese en algún momento, seguiría siendo muy complicado proteger este material.

Qué podemos concluir de todo esto

Es evidente que la Inteligencia Artificial llegó para quedarse y transformar la industria musical para siempre, por lo que luchar contra ella y su uso es absolutamente inútil. Por lo mismo, es importante verla como una aliada para mejorar lo ya hecho y no como una enemiga a la que hay que combatir. 

Aunque estas plataformas puedan tener algunas desventajas que ya se han mencionado, una correcta capacitación del artista puede disminuir las probabilidades de caer en la falta de sensibilidad humana y ayudar a integrarlas a su trabajo de la forma más competente posible, ya que la IA es una realidad que no tiene vuelta atrás.

También lee: David Frankel se decidió a la música y creó Avenida B Band para reconectar con el recuerdo de su padre

Publicado en: 2026, Artistas, Junio, Musica Latina, Norte America

El Elegante de la Salsa Vida y Legado de Tito Allen una de las voces más afinadas de nuestra Música Latina

30 mayo, 2026 by Augusto Felibertt

El Elegante de la Salsa Vida y Legado de Tito Allen una de las voces más afinadas de nuestra Música LatinaDe los tríos de Santurce a las grandes ligas de la salsa neoyorquina.

El mundo de la música afroantillana celebra el nacimiento de una de las voces más distinguidas y sofisticadas del género.

Roberto Romero Caballero, universalmente conocido en el panorama musical como Tito Allen. Nacido el 1 de mayo de 1946 en el emblemático barrio de Santurce, Puerto Rico, este baluarte de la salsa ha dejado una huella imborrable en la historia de la música latina a lo largo de una trayectoria que ya supera las cuatro décadas de excelencia artística.

Tito Allen y Adalberto Santiago
Tito Allen y Adalberto Santiago

El origen de un nombre con tumbao

El nombre artístico de este insigne sonero encierra una curiosa historia dividida en dos vertientes. La primera parte, «Tito», surge de una costumbre muy arraigada en el argot puertorriqueño: el doble diminutivo. De Roberto pasaron a llamarlo «Robertito», apelativo que con el tiempo se transformó cariñosamente en «Tito».

Por otro lado, el apellido «Allen» tiene un origen mucho más urbano y fortuito. El propio cantante ha confesado que, durante su juventud, leyó esa palabra pintada en un grafiti sobre una pared. El impacto visual y la sonoridad del nombre le agradaron tanto que decidió adoptarlo de inmediato como su sello de presentación para el mundo del espectáculo.

Los inicios de una estrella multifacética

La aventura musical de Tito Allen comenzó formalmente en 1962, cuando apenas era un adolescente de 16 años. En sus inicios, el joven Roberto mostraba una fuerte inclinación hacia el rock and roll, un género que causaba furor entre la juventud de la década de los sesenta.

Durante este período formativo, Allen se destacaba como bajista y guitarrista, formando parte de diversos tríos musicales que emulaban a las grandes agrupaciones de la época y que llegaron a presentarse con éxito en el Canal 4 de la televisión puertorriqueña.

Afortunadamente para los amantes del ritmo caribeño, el destino lo guio hacia la música tropical. Su poderosa voz, caracterizada por una afinación impecable y un fraseo elegante, lo convirtió rápidamente en un cotizado cantante.

Dj. Augusto Felibertt, Orlando Watussi, Tito Allen y Jesus Torres
Dj. Augusto Felibertt, Orlando Watussi, Tito Allen y Jesus Torres

Entre sus grandes influencias estéticas, Allen siempre ha manifestado una profunda admiración por Cheo Feliciano, a quien escuchaba con devoción durante la etapa de este con el Sexteto de Joe Cuba. Asimismo, ha señalado repetidamente a la orquesta de Bobby Valentín como una de sus bandas predilectas de todos los tiempos.

La conquista de Nueva York y las grandes ligas de la salsa

Decidido a internacionalizar su carrera, Tito Allen viajó a Nueva York en 1972. Aunque inicialmente intentó unirse a la orquesta del Rey del Timbal, Tito Puente, este no tenía vacantes en ese momento.

Lejos de desanimarse, Allen se unió al destacado pianista colombiano Eddie Martínez para formar un quinteto que se presentaba con éxito en los clubes nocturnos de la Gran Manzana.

El verdadero punto de inflexión llegó en mayo de 1973. Tras un breve regreso a su natal Puerto Rico, Allen volvió a Nueva York y, gracias a la recomendación de Eddie Martínez, consiguió una audición en el famoso club El Corzo. Allí, el maestro Ray Barretto buscaba un vocalista para reemplazar nada más y nada menos que a Adalberto Santiago.

Tito Allen y Billy Crespo
Tito Allen y Billy Crespo

Allen asumió el reto con maestría, grabando el aclamado álbum Indestructible (1973), un trabajo que lo consagró de inmediato en el Olimpo de la salsa.

Un recorrido de leyenda: Tras su exitoso paso por la orquesta de Ray Barretto, Tito Allen cumplió su sueño de trabajar junto a Tito Puente. Posteriormente, se integró a las filas de la legendaria Típica 73, antes de emprender una sólida carrera como solista.

Su impecable reputación lo llevó también a ser parte fundamental de La Puerto Rico All Stars, participando en dos de sus producciones discográficas más emblemáticas. Además, colaboró estrechamente con el virtuoso Louie Ramírez, dejando una marca indeleble gracias a su versatilidad.

El corista de oro del barrio latino

Más allá de su brillo como solista y líder de orquesta, la trayectoria de Tito Allen destaca por su generosidad y profesionalismo en el estudio de grabación.

Su voz, educada y melodiosa, engalanó un sinfín de producciones para artistas de la talla de Pupi Legarreta, Ralphy Santi y el Conjunto Clásico, entre muchos otros representantes de «la máxima expresión del barrio latino».

Su labor como corista fue fundamental para definir el sonido de la salsa neoyorquina y caribeña durante las décadas de los 70 y 80, consolidándolo como un artista integral y un caballero de la música que hoy, más que nunca, merece el aplauso de su público.

Tito Allen y Dj. Augusto Felibert
Tito Allen y Dj. Augusto Felibert

También Lea: Nuestro amigo Tito Allen apoya al Museo de La Salsa

Publicado en: 2026, Artistas, Junio, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta, Radio

El Sabor del Barrio La-33 y la Revolución de la Salsa Urbana

30 mayo, 2026 by Augusto Felibertt

El nacimiento del swing en la fría Bogotá

Bogotá, una ciudad a más de 2.600 metros sobre el nivel del mar, fría y propensa a la llovizna, no parecía a principios de los años 2000 el lugar más obvio para el nacimiento de una de las orquestas de salsa más influyentes del siglo XXI.

El Sabor del Barrio La-33 y la Revolución de la Salsa Urbana
El Sabor del Barrio La-33 y la Revolución de la Salsa Urbana

Sin embargo, en el año 2001, en el corazón del barrio Teusaquillo, nació La-33. Rompiendo con el estereotipo de que la salsa solo florece en las costas cálidas, esta agrupación demostró que el sabor caribeño también se lleva en las venas de la capital colombiana.

Fundada por los hermanos Sergio y Santiago Mejía (director musical/bajista y tecladista, respectivamente), la orquesta tomó su nombre de la calle donde realizaban sus primeros ensayos: la calle 33.

Desde sus inicios, el proyecto tuvo una identidad clara: rescatar el sonido crudo, urbano y rudo de la salsa brava de los años 70 evocando a leyendas como Héctor Lavoe, Willie Colón y la Fania All-Stars pero inyectándole la actitud, la energía del rock y el ambiente callejero bogotano. Para financiar su primer álbum, los miembros de la agrupación ahorraron el dinero de sus  presentaciones en bares y clubes nocturnos de la ciudad.

El fenómeno de «La Pantera Mambo»

El ascenso de La-33 al estrellato internacional no fue un accidente, sino el resultado de una genialidad discográfica.En 2004 lanzaron su álbum homónimo de debut, La-33. El disco incluía una canción que se convertiría en su boleto al mundo: «La Pantera Mambo».

Esta pieza, una espectacular versión en ritmo de mambo del clásico tema cinematográfico de Henry Mancini («The Pink Panther Theme»), fusionaba el jazz, el suspenso y una sección de vientos arrolladora.

La canción se convirtió instantáneamente en un éxito radial y en un himno obligado en las pistas de baile desde Cali hasta Berlín, demostrando que la salsa no era un género del pasado, sino un lenguaje vivo capaz de reinventar la cultura pop occidental.

El año 2001, en el corazón del barrio Teusaquillo, nació La-33
El año 2001, en el corazón del barrio Teusaquillo, nació La-33

Evolución dinámica y discografía

A diferencia de las orquestas de salsa romántica que dominaban las listas de éxitos comerciales en los años 90 y 2000, La-33 apostó por un sonido orgánico con influencias del mambo, el jazz, el pasodoble y el ska.Su música prescinde de sintetizadores excesivos y prioriza la fuerza de la percusión, el brillo de los metales y letras que narran la vida cotidiana, el caos urbano y la bohemia.

A lo largo de su carrera, han consolidado un catálogo musical impecable a través de varios álbumes de estudio:

  • La-33 (2004): El álbum debut que contiene «La Pantera Mambo» y «Qué Rico Boogaloo».
  • Gózalo (2007): Nominado a los Premios Grammy Latinos, reafirmó su éxito con temas como «Bye-Bye» y «Soledad».
  • Ten Cuidado (2009): Un trabajo más maduro que explora fusiones con el ska y el jazz.
  • Tumbando por ahí (2013): Un homenaje al espíritu callejero y fiestero de la banda.
  • Caliente (2016): Quinta producción discográfica lanzada para celebrar sus quince años de actividad.
  • Si tú quieres salsa (2019): Un regreso a las raíces con un sonido potente, maduro y renovado.

Embajadores globales de la salsa colombiana

Lo que comenzó como un grupo de amigos ensayando en una casa bogotana se transformó en un fenómeno global. La-33 ha recorrido los cinco continentes, presentándose en prestigiosos eventos internacionales como el Sziget Festival de Budapest, la Feria de Cali, y diversos festivales de jazz y world music en Europa, Asia, África y América.

Su capacidad para hacer bailar a públicos que ni siquiera hablan español es testimonio del poder universal de su sección de vientos y su base rítmica.

La 33 El nacimiento del swing en la fría Bogotá
La 33 El nacimiento del swing en la fría Bogotá

Hoy en día, La-33 no es solo una orquesta; es una institución de la música alternativa colombiana.

Demostraron que la salsa se puede hacer con chaquetas de cuero, actitud punk y un respeto absoluto por las raíces afrolatinas, dejando claro que, para tener swing, solo se necesita pasión.

Miembros de la agrupación

  • Sergio Mejía (Líder y bajo eléctrico)
  • Santiago Mejía (Teclados)
  • Guillermo Celis (Voz)
  • David Cantillo «Malpelo» (Voz)
  • Edison Velásquez (Voz y flauta)
  • Alejandro Pérez (Congas)
  • Juan David Fernández «Palo» (Timbales)
  • Diego Sánchez (Bongos)
  • Vladimir Romero (Trombón)
  • José Miguel Vega (Trombón)
  • Adalber Gaviria (Saxofón)
  • Roland Nieto (Trompeta)
  • Javier Galavis (Ingeniero de sonido)
  • Ray Fuquén (Productor de campo)

También Lea: El legendario Grupo Niche de Colombia y su fundador Jairo Varela

Publicado en: 2026

Antonio Adolfo El Maestro Imborrable de la Música Brasileña

29 mayo, 2026 by Augusto Felibertt

Antonio Adolfo El Maestro Imborrable de la Música Brasileña

De la Cuna Clásica a la Revolución del Jazz y la Bossa Nova

Esa herencia musical es fundamental para entender la grandeza de Antonio Adolfo.

Nacer en un hogar donde el violín de la orquesta del Teatro Municipal de Río de Janeiro era parte del paisaje cotidiano moldeó su sensibilidad desde la cuna. Aunque creció rodeado de la rigurosidad clásica de su padre, su destino estaba en las teclas, el jazz y la revolución de la música popular brasileña.

De la Cuna Clásica a la Revolución del Jazz y la Bossa Nova
De la Cuna Clásica a la Revolución del Jazz y la Bossa Nova

Hijo de un violinista clásico, Antonio Adolfo nació en el bohemio barrio de Santa Teresa, en Río de Janeiro, bajo el signo de Acuario en 1947. A la temprana edad de 16 años, el joven pianista ya pertenecía al exclusivo club de la bossa nova que se gestaba en el famoso callejón Beco das Garrafas, liderando agrupaciones que se posicionaron al frente de la escena, como el Conjunto Cinco y el Samba Trio 3-D. Poco después, participó en el emblemático musical Pobre menina rica de Carlos Lyra y Vinicius de Moraes, comenzando a hacerse un nombre en el sector.

A partir de 1967, al formar un binomio creativo con el letrista Tibério Gaspar, Adolfo se convirtió en uno de los grandes detonadores de la melodía moderna en Brasil, componiendo éxitos masivos como «Sá Marina» y «Juliana».

Antonio Adolfo El Maestro Imborrable de la Música Brasileña
Antonio Adolfo El Maestro Imborrable de la Música Brasileña

Al mismo tiempo, al frente del grupo Brazuca, estableció un tono de pop electrónico sumamente moderno para la época (con temas como «Teletema» y «Ana Cristina») que culminó en la abrasiva carretera musical de «BR-3», una canción que causó gran polémica y sacudió las estructuras de los festivales de la época.

El Espíritu Pionero y la Consagración Internacional

Tras ser miembro de la banda que acompañó a la legendaria Elis Regina en dos giras por Europa, y perfeccionar su técnica en París con la célebre maestra clásica Nadia Boulanger —además de estudiar en Brasil con los maestros Guerra-Peixe y Esther Scliar—, Antonio Adolfo estaba listo para dar otro gran salto.

En 1977, en un acto de valentía y espíritu pionero, lanzó el disco Feito em Casa (Hecho en casa) bajo su propio sello discográfico, Artezanal. Este fue el puntapié inicial de una corriente libertaria: el disco independiente en Brasil, desencadenando la aparición de dinámicas artísticas que divergían de las leyes del mercado tradicional. Bajo este sistema autogestionado, Adolfo registró tanto material propio (incluyendo música para niños que promovía el juego libre) como revisiones fundamentales de los clásicos del pianeiro, transformando las obras de Ernesto Nazareth y Chiquinha Gonzaga para el piano contemporáneo.

Esta versatilidad demostró que, como intérprete y creador, Adolfo había logrado una posición poco común: dominar el lenguaje contemporáneo desde la atemporalidad.

Desde 1985, el maestro ha centrado gran parte de su energía en su escuela de música, el Centro Musical Antonio Adolfo, además de participar en eventos internacionales como educador, sin dejar jamás de lado su carrera en los escenarios.

Su profundo trabajo con la música de Chiquinha Gonzaga y el jazz lo ha hecho acreedor de prestigiosos premios y nominaciones. Asimismo, es autor de siete libros de texto sobre música brasileña publicados por la editorial Lumiar, una lección en video y dos libros editados en el extranjero. Durante ocho años, fue el digno representante de la IAJE (Asociación Internacional para la Educación del Jazz) para América Latina.

En los últimos años, Antonio Adolfo ha regresado a los escenarios con mayor frecuencia, ya sea en formato de piano solo o en grupo. De una de sus presentaciones en una universidad de los Estados Unidos junto a su hija, la cantante Carol Saboya, nació un aclamado álbum en vivo editado tanto en Brasil como en el exterior: Antonio Adolfo & Carol Saboya Ao Vivo / Live. A este éxito le han seguido producciones discográficas sumamente aplaudidas por la crítica internacional, como Here and There / Aquí y Allá.

Chiquinha Com Jazz (1997)
Chiquinha Com Jazz (1997)

Joya Discográfica: «Chiquinha Com Jazz» (1997)

Un ejemplo perfecto de su genialidad para fusionar las raíces brasileñas con la libertad del jazz es su álbum de 1997 dedicado a la pionera Chiquinha Gonzaga.

Lista de Temas:

  1. Atraente
  2. Cordão Carnavalesco
  3. Lua Branca
  4. Angu
  5. Gaúcho (Corta-Jaca)
  6. O Forrobodó
  7. Corte Na Roça
  8. Satan
  9. Ismênia
  10. Faceiro
  11. O Abre Alas

           Músicos:

  • Antonio Adolfo: Piano y arreglos musicales
  • Gabriel Vivas: Contrabajo
  • Ivan Conti: Batería
  • Claudio Spiewak: Guitarra acústica

Colaboradores:

L’Òstia Latin Jazz

Dj. Augusto Felibertt

También Lea: Carlos “Nene” Quintero viene de una familia de prodigios musicales

Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Junio, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Orquesta, Radio

Héctor «Tempo» Alomar la Voz Candente y el Ritmo El bendecido por «El Cantante de los Cantantes»

28 mayo, 2026 by Augusto Felibertt

El legado incalculable de un gigante de la percusión y el canto afroantillano

Héctor «Tempo» Alomar nació el 28 de diciembre de 1950 en la Parada 19 de Santurce, Puerto Rico.

Cantante, percusionista y sonero de casta, se convirtió en una figura imprescindible de la salsa gracias a su destacada participación en agrupaciones de la talla de la Orquesta La Conspiración, La Diferente, Conjunto Libre, La Charanga Afrocubana, La Charanga América, Orquesta Broadway, Charanga la Tapa, Casanova y su Montuno, Batacumbele, El Combo de Siempre, , Jhonny Rodríguez, Zaperoco, la Orquesta de Nacho Sanabria, el Grupo ABC y, de manera consagratoria, el Apollo Sound de Roberto Roena. Asimismo, lideró su propia agrupación musical bajo el nombre de Sexteto La 51, su última grabación con el legendario y leyenda viviente de Fania All Stars Eddie Montalvo.

Héctor Tempo Alomar la Voz Candente y el Ritmo
Héctor Tempo Alomar la Voz Candente y el Ritmo

El recordado exmiembro del Apollo Sound falleció a los 70 años en su natal Puerto Rico, el 9 de mayo de 2021, dejando un vacío profundo en el mundo del coleccionismo y la cultura salsera.

Un ritmo que corría por las venas

Hijo de Doña Isabel Román y Don Luis Alomar, el pequeño Héctor mostró desde muy temprano una conexión innata con la clave.

Su madre solía recordar que el niño marcaba el ritmo con cualquier utensilio de cocina que tuviera a mano, llegando a romper varios vasos de cristal al intentar extraerles sonido con los cubiertos.

Su primera grabación profesional la realizó siendo aún menor de edad, con apenas 15 años. Ocurrió cuando el productor Joe Blanco lo invitó a grabar la percusión con Chacón y sus Batirrítmicos, plasmando su talento en cortes como «Ahorita va a llover» y «Mi guajira».

En 1968 se mudó a Nueva York, y para 1970 se reencontró con su gran amigo de la infancia, el maestro Ángel «Cachete» Maldonado, quien lo introdujo en los círculos musicales de la urbe neoyorquina, impulsándolo decisivamente a desarrollarse como cantante.

Héctor Tempo Alomar nació el 28 de diciembre de 1950 en la Parada 19 de Santurce, Puerto Rico
Héctor Tempo Alomar nació el 28 de diciembre de 1950 en la Parada 19 de Santurce, Puerto Rico

El bendecido por «El Cantante de los Cantantes»

«Tempo» Alomar ingresó como timbalero a la Orquesta La Conspiración, donde permaneció unos tres años. Posteriormente, gracias a la recomendación del trompetista y arreglista José Febres, el director Rafy Val lo reclutó para La Diferente, teniendo la oportunidad de grabar salsa formalmente por primera vez en el álbum Fuerza Bruta, bajo la producción de Larry Harlow.

Durante su etapa con La Conspiración, ocurrió una anécdota mítica en el Club El Hipocampo de Nueva York, justo después de un concierto de la Fania All-Stars. Héctor Lavoe, quien debía cantar esa noche en el club, se retrasaba y la banda no podía iniciar. «Cachete» Maldonado le aseguró a José Mangual Jr. que «Tempo» se sabía el repertorio y lo recomendó para subir a la tarima.

Por profundo respeto a Lavoe, Alomar dudó, pero terminó subiendo al escenario para interpretar «Juana Peña», ganándose los aplausos del exigente público. A mitad del segundo tema, «No me llores más», vio entrar a Héctor Lavoe al local y, de la impresión, detuvo su canto. Fue el propio Lavoe quien, desde el público, le hizo señas para que continuara.

Al finalizar la presentación, «El Cantante de los Cantantes» subió a la tarima, lo felicitó calurosamente y lo animó a seguir adelante en el canto.

Consagración en la Gran Manzana

Hacia 1973, nuevamente recomendado por «Cachete» Maldonado, audicionó para el maestro Manny Oquendo, quien buscaba una voz para el Conjunto Libre. Fue aceptado de inmediato. Tras seis meses de intensos ensayos diarios, el grupo encadenó éxitos memorables en la voz de «Tempo» como «No critiques», «Tú no me quieres», «Bamboleate» y «El Changó de María».

Tempo Alomar El legado incalculable de un gigante de la percusión y el canto afroantillano
Tempo Alomar El legado incalculable de un gigante de la percusión y el canto afroantillano

Fueron cinco años dorados con El Libre, tiempo durante el cual también grabó un disco con La Charanga Afrocubana de Néstor Torres.

Al llegar la década de los 80, se integró a la Charanga América. Su versatilidad y cotización en la escena neoyorquina lo llevaron a colaborar y grabar con figuras estelares: Alfredo de la Fe, Johnny Rodríguez, Víctor Paz, Jorge Dalto y el sello Latin Percussion. Asimismo, colaboró con la Orquesta Broadway, Casanova y su Montuno, tocó la conga para Pete «Conde» Rodríguez y los timbales para el maestro Eddie Palmieri.

En 1985 decidió regresar a Puerto Rico. En la Isla del Encanto aportó su talento a agrupaciones insignes como Batacumbele, Zaperoco y El Combo de Siempre de Héctor Santos, compartiendo tarima en esta última con Ismael Rivera Jr. (Maelito). Además, de la mano de Felo Barrios, realizó una prestigiosa gira de un mes por los Estados Unidos junto al contrabajista Israel López «Cachao».

La era dorada con Roberto Roena y el Apollo Sound

En 1993, mientras ensayaba con el Grupo ABC (con quienes trabajaba junto a Nacho Sanabria y Roberto Angleró), el legendario Aníbal Vázquez  tío de Roberto Roena  lo invitó a participar como cantante en una grabación especial para la televisión local con el Apollo Sound.

Roena quedó encantado con el estilo y la cadencia de «Tempo», a pesar de que el vocalista no dominaba las letras completas de algunos temas para ese show televisivo.

Roberto Roena y Tempo Alomar
Roberto Roena y Tempo Alomar

Con la picardía que lo caracterizaba, el propio Roena escribió los textos en grandes cartulinas debajo de las cámaras de televisión e instruyó al camarógrafo para que no le hiciera primeros planos a Alomar, evitando así que el público notara que estaba leyendo.

Esa química dio pie a 16 años ininterrumpidos de éxitos consecutivos con el Apollo Sound y a una entrañable amistad entre Roena y Alomar que perduró para siempre. Juntos inmortalizaron joyas musicales como «Dale como es», «El pueblo pide que toque», «Atrévete conmigo», «Sr. Bongó», «Baila y goza», «Mi mambo pide campana» y el súper éxito internacional «Cómo te hago entender», un corte que se convirtió en un himno de la salsa y los llevó a recorrer plazas multitudinarias en Colombia, Panamá, Perú, Venezuela y toda Europa.

Durante su fructífera estancia en el Apollo Sound, «Tempo» también participó activamente en la selección de músicos de sesión y acompañó a diversos artistas.

Uno de sus cruces culturales más recordados fue su colaboración con el ícono del género urbano Tego Calderón en su icónico álbum El Abayarde, donde Alomar unió su voz para cantar el clásico «Planté bandera».

Héctor «Tempo» Alomar permanece en la memoria de los melómanos del mundo como un baluarte de la síncopa, un sonero de esquina y un caballero del ritmo.

Colaboración:

Historia Salsera

Dj. Augusto Felibertt

También Lea: Es indiscutible que la orquesta más popular en Puerto Rico y Sudamérica durante los años 70 fue el Apollo Sound de Roberto Roena

Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Entrevistas, Junio, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta

  • Página 1
  • Página 2
  • Página 3
  • Páginas intermedias omitidas …
  • Página 10
  • Ir a la página siguiente »

International Salsa Magazine (ISM) es una publicación mensual sobre las actividades de Salsa alrededor del mundo, que se publica desde 2007. Es una red mundial de voluntarios coordinada por ISM Magazine. Estamos trabajando para fortalecer todos los eventos trabajando juntos.