• Saltar al contenido principal

International Salsa Magazine

Orquesta

El Diseño de la Percusión La Revolución de Giovanni Hidalgo «Mañenguito» en las Congas

30 julio, 2026 by Augusto Felibertt

«Un análisis técnico e histórico del virtuosismo, la hibridación tímbrica y el legado de uno de los percusionistas más influyentes del jazz y la música latina mundial. «

El Heredero de «Mañengue»

Giovanni Hidalgo, nacido en San Juan, Puerto Rico, en 1963, es considerado universalmente como uno de los percusionistas más virtuosos e innovadores de todos los tiempos.

Hidalgo uno de los percusionistas más influyentes del jazz
Hidalgo uno de los percusionistas más influyentes del jazz

Conocido afectuosamente como «Mañenguito» por ser hijo del legendario percusionista José «Mañengue» Hidalgo, creció en un entorno donde los ritmos afrocaribeños no solo se escuchaban, sino que constituían un lenguaje cotidiano.

A diferencia de muchos percusionistas de su generación, la formación de Hidalgo combinó el rigor del aprendizaje empírico de la calle con un estudio metódico del solfeo y la técnica formal.

Desde sus primeros años, mostró una independencia de manos y una velocidad que redefinirían el estándar global de la ejecución en las congas (tumbadoras).

La Innovación Técnica: El Rudimento Traducido a la Tumbadora

La gran revolución de Giovanni Hidalgo dentro del panorama percusivo radica en la adaptación de los rudimentos clásicos de la batería a las congas.

Tradicionalmente, la ejecución de las tumbadoras dependía de patrones rítmicos estructurados alrededor de tonos abiertos, secos, quemados y el movimiento de palma-dedo (marcha).

Hidalgo llevó la técnica a un plano completamente distinto:

  • Independencia de Manos y Dedos: Desarrolló una velocidad digital (de los dedos) y de muñeca capaz de replicar redobles de cinco golpes, flams, paradiddles y ruffs a velocidades vertiginosas sobre los cueros.
  • Ampliación del Set: Popularizó el uso de configuraciones de 4, 5 y hasta 6 congas afinadas melódicamente, convirtiendo la percusión en un instrumento armónico y melodioso dentro del ensamble.
  • Polirritmia Multilimb: Capacidad para mantener líneas de clave independientes mientras improvisa solos melódicos de alta complejidad matemática.

Trayectoria Musical y Colaboraciones Clave:

Hidalgo combinó el rigor del aprendizaje empírico de la calle con un estudio metódico del solfeo y la técnica formal
Hidalgo combinó el rigor del aprendizaje empírico de la calle con un estudio metódico del solfeo y la técnica formal

La carrera de «Mañenguito» está marcada por su capacidad para transitar sin esfuerzo entre la salsa dura, el jazz latino, la música folclórica puertorriqueña y la música del mundo.

Hitos en su Carrera:

Batacumbele: En la década de 1980, junto a músicos como Ángel «Cuqui» Santos y Dave Valentín, Hidalgo formó parte del mítico grupo Batacumbele. La banda revolucionó la música caribeña al integrar elementos del songo cubano con la bomba, plena y el jazz.

Dizzy Gillespie y la United Nation Orchestra: A los 25 años, fue reclutado por el ícono del bebop Dizzy Gillespie. Esta etapa lo catapultó a la escena internacional del jazz, tocando en los festivales más prestigiosos del mundo.

Planet Drum: Su colaboración con Mickey Hart (baterista de Grateful Dead), Zakir Hussain y otros maestros internacionales de la percusión culminó en el proyecto Planet Drum, ganador del primer premio Grammy en la categoría de Best World Music Album (1991).

Trío con Michel Camilo: Sus grabaciones y presentaciones junto al pianista dominicano Michel Camilo y el bajista Anthony Jackson representan uno de los puntos cumbres del jazz latino contemporáneo por el nivel de energía y precisión técnica ejecutada.

Eddie Palmieri:

La unión de Giovanni Hidalgo y Eddie Palmieri es una de las alianzas más explosivas y revolucionarias en la historia del jazz latino y la música afrocaribeña.

Cuando la virtuosidad técnica y la velocidad de Hidalgo en las congas se encontraron con el estilo agresivo, disonante y orquestal de Palmieri al piano, el resultado transformó para siempre la percusión contemporánea.

El Diseño de la Percusión La Revolución de Giovanni Hidalgo Mañenguito en las Congas
El Diseño de la Percusión La Revolución de Giovanni Hidalgo Mañenguito en las Congas

 El Encuentro de Dos Mundos (Finales de los 80)

A mediados de la década de 1980, Eddie Palmieri quien ya era un mito viviente por sus innovaciones con La Perfecta y sus producciones de salsa dura y jazz latino integró al joven puertorriqueño Giovanni Hidalgo a su agrupación.

El impacto: Hidalgo trajo un lenguaje revolucionario al conjunto, adaptando la técnica de baquetas al toque con las manos abiertas.

La sinergia: Palmieri encontró en Giovanni un percusionista capaz de responder con la misma fuerza, polirritmia y tensión armónica que él ejecutaba desde el piano.

Aspectos destacados: La solidez de las congas de Giovanni en temas como «La Libertad / Comparsa» catapultó la proyección internacional de Hidalgo como el conguero más influyente de su generación.

La innovación: Giovanni Hidalgo lideró la sección de percusión con solos que desafiaron la física de las congas (velocidad, matices y refinamiento en las afinaciones).

Impacto: Giovanni actuó como el puente generacional entre los maestros consagrados de la era del Palladium y la vanguardia técnica del nuevo milenio.

Galardón: El álbum Listen Here ganó el premio Grammy en 2006 como mejor álbum de Latín Jazz , cerrando con broche de oro una etapa dorada de colaboraciones.

 Tito Puente («El Rey del Timbal») y Giovanni Hidalgo («Mañenguito») representa uno de los encuentros intergeneracionales más potentes en la historia de la música latina. Puente adoptó a Giovanni no solo como su conguero principal en varias etapas clave, sino como un solista virtuoso capaz de estar a su nivel en velocidad, precisión y presencia escénica.

Golden Latin Jazz Giants y Proyectos Internacionales entre otras:

Supergrupos de la Fania y Latin Jazz: Junto a Puente, Giovanni formó parte de diversos ensambles de «All-Stars» que giraron por los festivales de jazz más importantes de Europa y Japón (como el North Sea Jazz Festival y Montreux).

El Puente Generacional: Puente representaba la era dorada del Palladium Ballroom de Nueva York, mientras que Giovanni aportaba la vanguardia técnica del nuevo milenio. Esta sinergia mantuvo la música de Puente vigente ante las nuevas generaciones de estudiantes de percusión.

En mayo de 2010, a Hidalgo se le otorgó un Doctorado Honorario en Música por el Berklee College of Music y es considerado uno de los principales percusionistas latinos en el mundo hoy en día.

Cuadro Comparativo: Aportes de Hidalgo a la Percusión:

Conocido afectuosamente como Mañenguito
Conocido afectuosamente como Mañenguito

Dimensión Técnica Ejecución Tradicional:

(Pre-Hidalgo)

Innovación de Giovanni Hidalgo

Uso de Dedos/Mano:

Basado en el peso de la mano y muñeca

Uso individualizado de los dedos para articulación y velocidad extrema.

Configuración:

1 a 3 congas en patrón rítmico principal4 a 6 congas afinadas interválica mente (uso melódico)

Vocabulario Rítmico:

Claves afrocubanas y patrones regionales Integración de rudimentos de marcha, bebop y polirritmia hindú.

 Conclusión y Resiliencia

Giovanni Hidalgo no solo transformó la física de cómo se toca la conga, sino que expandió las fronteras creativas del instrumento.

A pesar de los retos de salud que ha enfrentado a lo largo de los años incluyendo complicaciones de diabetes que afectaron sus manos, su dedicación y capacidad de readaptación técnica han demostrado la fuerza de su espíritu musical.

Su legado trasciende las grabaciones:

«Mañenguito» enseñó al mundo que la conga no es únicamente un instrumento rítmico de acompañamiento, sino un instrumento solista con infinitas posibilidades melódicas, dinámicas y expresivas.

Entrevista a Giovanni Hidalgo por Dj. Augusto Felibertt
Entrevista a Giovanni Hidalgo por Dj. Augusto Felibertt

 También Lea: Aprende a tocar percusión con Giovanni “Meñenguito” Hidalgo 

Publicado en: 2026, Agosto, Artistas, Entrevistas, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Tambores Añá La Voz Divina de los Batá y su Latido Ancestral

29 julio, 2026 by Augusto Felibertt

En el vasto universo de la religiosidad afrocubana y la tradición yoruba, los tambores batá no son meros instrumentos musicales: son entidades vivas y consagradas.

Tambores Añá La Voz Divina de los Batá y su Latido AncestralTambores Añá La Voz Divina de los Batá y su Latido Ancestral
Tambores Añá La Voz Divina de los Batá y su Latido AncestralTambores Añá La Voz Divina de los Batá y su Latido Ancestral

El alma que habita en estos sagrados tambores recibe el nombre de Añá (o Aña), la deidad (orisha) del sonido divino y la vibración primordial. Hablar de los tambores Añá es adentrarse en un canal de comunicación directo entre el plano terrenal y el mundo

espiritual.

Origen: El Secreto Nacido en Tierra Yoruba

La presencia de Añá se remonta al antiguo Imperio yoruba (en los actuales territorios de Nigeria y Benín). En la mitología yoruba, la deidad Añá representa la voz y el aliento divino con los que Olodumare (el Creador) ordenó el cosmos. Para encapsular esta fuerza, se estructuró un trío sacramental de tambores de madera tallada con forma de reloj de arena:

Iyá: El tambor madre, de registro más grave, encargado de dirigir la liturgia y ejecutar las improvisaciones.

Iyá El tambor madre
Iyá El tambor madre

Itótele: El tambor mediano, que entabla un diálogo directo con el Iyá.

Itótele El tambor mediano
Itótele El tambor mediano

Okónkolo: El más pequeño, responsable de sostener la base rítmica.

Okónkolo El más pequeño
Okónkolo El más pequeño

La consagración de un juego de batá con el fundamento de Añá exige estrictos ritos litúrgicos que involucran botánica sagrada (omiero), rezos y sacrificios para que la deidad habite de forma permanente en la madera.

Solo los sacerdotes jurados, conocidos como Omo Añá u Oluwos Batá, están facultados para tocar estos instrumentos sagrados.

Evolución: La Travesía Trasatlántica y el Florecimiento Cubano

A través del comercio trasatlántico de esclavizados durante la época colonial, sabios yorubas llegaron al Caribe principalmente a Cuba bajo la denominación lucumí. Pese al contexto de opresión, los practicantes preservaron con celo el secreto de Añá.

Hacia la segunda mitad del siglo XIX, en la localidad de Guanabacoa (La Habana), se fundamentó y bautizó el primer juego de tambores Añá consagrado en suelo americano. En este nuevo entorno sociocultural, los ritmos ancestrales se mantuvieron intactos dentro de la liturgia de la Regla de Ocha o Santería.

La estructura del toque evolucionó hasta consolidar un complejo sistema de lenguajes tonales donde el tambor no solo acompaña, sino que habla y convoca a cada orisha mediante toques específicos.

Trascendencia: Un Lenguaje Tonal entre Hombres y Orishas

La relevancia de los tambores Añá radica en su función mística: son el puente sacro que armoniza el Ori (la cabeza y el destino de la persona) con las deidades y los ancestros.

En la cosmogonía lucumí, la vibración de Añá posee el poder de alterar el estado de conciencia de los consagrados, facilitando el trance o posesión espiritual mediante el cual la deidad desciende a la tierra.

«Añá no toca para entretener al oído humano, sino para convocar al espíritu y mantener el equilibrio cósmico a través del sonido.»

Asimismo, en el plano musical representa una de las herencias rítmicas más complejas del planeta. Su técnica polirritmia ha influido de forma incalculable en el desarrollo de la música afrocubana, el jazz latino y la salsa.

Actualidad: Preservación de la Fe y Expansión Global

Hoy en día, la tradición de Añá vive un doble fenómeno: la rigurosa preservación de sus rituales y una notable expansión global.

Aunque los secretos para la consagración de un Añá legítimo se mantienen bajo un estricto celo sacerdotal, el culto a la Santería y la admiración por la percusión batá han traspasado las fronteras de Cuba y Nigeria.

En la actualidad, existen juegos de tambores Añá fundamentados por babalawos y Omo Añá en países como Estados Unidos, Venezuela, México, España y Puerto Rico.

Los Tamborea Bata son entidades vivas y consagradas
Los Tamborea Bata son entidades vivas y consagradas

Mientras que los tambores batá de uso profano (denominados aberikuló, los cuales no poseen el secreto de Añá) se emplean libremente en escenarios secuales, los verdaderos tambores Añá continúan reservándose exclusivamente para ceremonias privadas, manteniendo viva la voz de una deidad milenaria.

Para comprender de forma visual cómo el sonido del tambor articula la llamada litúrgica dentro de la tradición, te recomiendo consultar el recurso «La función de Añá dentro de los tambores batá».

 

También Lea: Pancho Quinto es considerado como uno de los grandes rumberos de Cuba

International Salsa Magazine

Recomienda:

Tambor De Fundamento Aña Loógúnsi

Publicado en: 2026, Africa, Agosto, Latino America, Musica Latina, Norte America, Noticias, Orquesta

Los Antaños del Stadium Ecos, Memoria y Ritmo de la Caracas Cañonera

29 julio, 2026 by Augusto Felibertt

Del Diamante de Béisbol al Corazón Musical de Venezuela.
​La música popular venezolana conserva en sus cimientos en una de las agrupaciones más entrañables y representativas de su identidad urbana Los Antaños del Stadium.

Los Antaños del Stadium Ecos Memoria y Ritmo de la Caracas Cañonera
Los Antaños del Stadium Ecos Memoria y Ritmo de la Caracas Cañonera

Surgida a mediados del siglo XX, esta formación no solo rescató la tradición sonora de la Caracas de principios de centuria, sino que transformó el merengue caraqueño, la guasa y el pasodoble en un puente vivo entre el pasado colonial y la modernidad del país.
​

Notas Nacidas en el Campo de Juego.
​La historia de la agrupación se remonta a 1946, cuando el músico y deportista Jacobo Espinoza decidió reunir a un conjunto de instrumentistas para animar los encuentros de béisbol en el desaparecido Estadio de San Agustín, sede del legendario equipo Cervecería Caracas.

Notas Nacidas en el Campo de Juego
Notas Nacidas en el Campo de Juego

En aquel espacio donde la pasión deportiva y el ambiente festivo se encontraban, nació la agrupación bajo el nombre inicial de Los Cañoneros del Stadium.
​

El grupo adoptó la estética y sonoridad de los antiguos conjuntos «cañoneros», que a comienzos del siglo XX recorrían las calles, plazas y mabilas caraqueñas anunciando las fiestas populares a ritmo de bombo, platillo, saxofón y redoblante. Aquella iniciativa, pensada para amenizar a la fanaticada en las tribunas, echó raíces profundas en la cultura popular.
​

Evolución: La Consolidación del Sonido Cañonero.
​Con el paso de las décadas, la agrupación transitó del entorno deportivo a las ondas radiales, la televisión y las grabaciones discográficas.

Bajo la dirección técnica del insigne saxofonista Aníbal Escobar quien aportó el sello melódico por más de 50 años y el liderazgo de Jacobo Espinoza, el ensamble definió un estilo inconfundible.

Jacobo Espinoza el ensamble definió un estilo inconfundible
Jacobo Espinoza el ensamble definió un estilo inconfundible

​

Géneros tradicionales que corrían el riesgo de quedar en el olvido, como el merengue rucaneao (caracterizado por su contagioso ritmo de 5/8), el pasodoble criollo, la guasa, la polca y el vals, encontraron en Los Antaños del Stadium un vehículo de preservación y frescura.

Tras el fallecimiento de su fundador, la posta fue asumida por sus hijos, Enrique y Nicol Espinoza, quienes mantuvieron la fidelidad al formato acústico e instrumental que los caracterizaba.

Trascendencia: Guardianes del Patrimonio Criollo

​La trascendencia de Los Antaños del Stadium radica en haber inmortalizado la banda sonora de la «Caracas de los techos rojos». A través de un catálogo que supera las 20 producciones discográficas, inmortalizaron piezas fundamentales del cancionero nacional como Carmen la que contaba 16 años, El Norte es una Quimera y Alma Cumanesa.

Antaños del Stadium llevan el sonido caraqueño al Centro Cultural BOD Escrito por Team Aliado Publicado 26 Jul 2019
Antaños del Stadium
llevan el sonido caraqueño al
Centro Cultural BOD
Escrito por Team Aliado
Publicado 26 Jul 2019

​En 1996, al cumplir medio siglo de trayectoria, la agrupación fue declarada Patrimonio Cultural Musical de la Ciudad de Caracas.

Su labor trasciende la simple ejecución musical: constituyen una referencia metodológica e histórica para todas las generaciones y ensambles de música cañonera nacidos en las últimas décadas en Venezuela.

​Actualidad: Una Leyenda Viva en el Siglo XXI

​Con más de siete décadas de trayectoria ininterrumpida, Los Antaños del Stadium continúan activos como una de las agrupaciones más longevas de la música venezolana.

Aunque los escenarios caraqueños han cambiado, el grupo sigue presentándose en festivales, espacios culturales y eventos patrimoniales, demostrando que el merengue caraqueño mantiene su vigencia y capacidad de convocatoria.

​Hoy en día, el legado de la familia Espinoza resuena como un testimonio de resistencia cultural y alegría popular.

Antaños del Stadium
Antaños del Stadium

De izquierda a derecha:

Rafael Escobar: Bajo

Prof. Carlos Espinoza: Bombardino

Maestro Aníbal Escobar: Saxofón y Director Musical

José Gregorio Ascanio, «Melao»: Tumbadora

Miguel La O Álvarez: Cantante

Sra. Nikol Espinoza Mata: Cantante

Juan Ramón Pedrón: Batería

Luis Alfredo Planas: Cuatro

Enrique Espinoza Mata: Cantante y Percusión

Andrés Romero, «Tapón»: Trompeta

Los Antaños del Stadium no representan únicamente la nostalgia del pasado, sino la prueba viva de que la memoria musical de una ciudad puede mantenerse firme, sabrosa y sonante a través de las generaciones.

​Esta presentación en vivo de la agrupación interpretando su clásico merengue rucaneao ilustra perfectamente el estilo, la energía festiva y la sonoridad tradicional que los ha caracterizado a lo largo de su trayectoria.

 También Lea: Porfi Jiménez El Maestro del Ritmo que Unió a dos Naciones

Publicado en: 2026, Agosto, Artistas, Biografia, Latino America, Musica Latina, Orquesta

Los Melódicos

24 julio, 2026 by Karina Bernales

Latinoamerica / Venezuela / Caracas

Entre las mejores orquestas más famosas que hay en Venezuela tenemos a los Melódicos y Billo’s Caracas Boys, y en esta ocasión hablaremos sobre los melódicos que es una orquesta de baile venezolana fundada el 15 de Julio de 1958 por el director Renato Capriles (fallecido en el 2014), director musical, con apoyo del director Billo Frómeta en respuesta a la disolución circunstancial de la orquesta Billo’s Caracas Boys.

Los Melódicos
Los Melódicos

Los melódicos están constituidos por: 4 saxos, 3 trombones, 3 trompetas, 5 de ritmo (piano, bajo, batería y percusión menor) 4 cantantes (siempre con una figura femenina) y su Director, en total 20 artistas en escena.

Su slogan es «LA ORQUESTA QUE IMPONE EL RITMO EN VENEZUELA», pero también es llamada en el exterior «LA ORQUESTA MÁS COMPLETA DE AMÉRICA LATINA, LA ORQUESTA DE TODOS LOS RITMOS, LA ORQUESTA GIGANTE DE AMÉRICA», entre otros.

También es la única orquesta latina que tiene el más extenso repertorio de todas las tendencias y estilos musicales como la salsa, merengue, entre otros.

Su variedad es tal, que en cualquier set o pase, podemos oír números en español, inglés, francés, italiano, además de cualquiera de los ritmos de moda, ya sean tropicales, anglosajones, clásicos o modernos en todas sus variantes.

Además de su impecable interpretación, por parte de cada uno de sus integrantes en directo, constituye un verdadero «show» provocando que el público se detenga en la pista y forme una enorme media luna frente a ella, a la vez que interactúa durante todo el espectáculo.

LOS MELÓDICOS han obtenido los más significativos galardones dentro y fuera de Venezuela, manteniéndose año tras año en los eventos de mayor envergadura, públicos y privados, como la gran opción musical.

Los Melódicos - Foto
Los Melódicos – Foto

Sería interminable enumerar los premios o reconocimientos que con tanto orgullo conservan, otorgados por diversas entidades de países como Ecuador, Perú, Colombia, Costa Rica, EI Salvador, Curazao, Aruba y todas las ciudades de Estados Unidos donde hay colonias latinas, como:

Miami, Orlando, San Francisco, Los Ángeles, Chicago, Boston, Tampa, Houston, Philadelfia, y particularmente New York, donde siguen viajando para actuar en los mejores locales como es el caso del Hotel New York Hilton, donde sus bailes, 2 veces del año, se convirtieron en el evento obligado y más exitoso de esa importante ciudad del espectáculo mundial.

LOS MELÓDICOS superando los 50 años tiene más de 100 discografías, cifra no alcanzada por ninguna otra orquesta de baile en América, entre los cuales tenemos lo siguiente:

Éxitos Canciones
Años 60 ·       Caballito Relinchón

·       El Ladrón

·       El Misterio

·       Veneración

·       El pastorcillo

Años 70 ·       Cayetano baila

·       Guitarra española

·       Apágame la vela

·       Al que le pique

·       Dejen de averiguá

Años 80 ·       Papachongo

·       Mi Cocha Pechocha

·       La Fiesta

·       Hot Music ¡Oh, mañana!

·       Tú (éxito original de Juan Luis Guerra)

·       Ulé-ulé

·       Fernanda

·       Mi cacerola

·       Traca que traca

Años 90 ·       Por ti amor

·       ¡Qué rico!

·       Diávolo

·       ¡Ay, Amor!

·       Sal y Menta

·       Mi locura

·       Amiga

·       No necesito más

·       Zúmbalo

·       Mi corazón

·       Amanecer

Los Melódicos CDs
Los Melódicos CDs

Discografía LOS MELÓDICOS

  1. Estos Son Los Melódicos (1959)
  2. Bailables Fabulosos (1963)
  3. Compre la Orquesta (1964)
  4. Gran Reserva Musical (1965)
  5. El Más Completo Elenco (1966)
  6. La Orquesta de Los Éxitos (1969)
  7. La Única (1969)
  8. Guayabo a la Ye (1970)
  9. Cojanle la Cola (1970)
  10. El Club De Los Melódicos (1972 -Discomoda)
  11. Con Todos Los Hierros (1974 – LM-Discomoda)
  12. En Acción Con Los Melódicos (1974)
  13. El Sabor Tentador (1975 LM-Discomoda)
  14. Heavy (1975 LM-Discomoda)
  15. Al Que Le Pique (1976 LM-Discomoda)
  16. Los Melódicos (1977 LM-Discomoda)
  17. Y Tú Como Estas? (1977)
  18. 40 años de éxitos (con Manolo Monterrey) (1978 – LM-Discomoda)
  19. El Swing de Los Melódicos (1979)
  20. Noche de Fiesta (1970)
  21. Recuerdos 17 (1971)
  22. Felicidades (1972)
  23. Yo Tenía Mi Cafetal (1980)
    1. Letra y música del colombiano
    2. Álvaro Serrano Calderon
  24. El Emblema Musical de Venezuela (1980)
  25. Bienvenido (1981)
  26. Esta Noche (1981)
  27. Somos Sensacional! (1982)
  28. El Jeque (1982 LM-Discomoda)
  29. Con Sabor! (1983)
  30. Oh! Tahiti (1984)
  31. Dismelódicos ’85 (1984 LM-Discomoda)
  32. Cada Día Mejor (1985)
  33. Es otra cosa!»,(1986)
  34. Juntos Los Grandes del Baile
    1. (Con Billo’s, Lado A)
    2. (1986 Velvet-Sonográfica)
  35. De Nuevo Juntos Los Grandes del Baile
    1. (Con Billo’s, Lado A) (1988 Velvet-Sonográfica)
  36. Diferentes (1989 – Velvet-Rodven)
  37. Líderes (1990 – Velvet-Rodven)
  38. La Orquesta que impone el ritmo en América (1991 – Velvet-Rodven)
  39. Melódicos Club Mix (1991 – Velvet-Rodven)
  40. Internacional (1992 – Velvet-Rodven)
  41. Melódicos Club Mix Dos (1993 – Velvet-Rodven)
  42. Innovando (1994)
  43. In-comparable (1995)
  44. Los Melódicos Éxitos Juntos(1998)
  45. Para bailar sin parar (1999)
  46. Los Nenes Con La Nenas (2000)
  47. Los Melódicos Vs Billos (2002)
  48. El N° 100 para el mundo (2004)
  49. Los Melódicos Con Diveana (2005)
  50. Estos Son Los Cantantes (2009)
  51. Micaela (2010)
  52. Esta Noche Amanecemos Parrandiando (2011)
  53. Mi Cumbia (2012)
  54. Vuelven Con Lo Mejor Y Lo Nuevo (2012)
  55. Los Melódicos Renato Caprilles (2013)
  56. Navidad Con Los Melódicos (2014)
  57. Época De Oro (2015)
  58. Clásicos Dorados(2016)
2- Los Melódicos - CDs
2- Los Melódicos – CDs

Publicado en: 2016, Latino America, Octubre, Orquesta

Héctor Rivera ‘‘Riverita’’ nos cuenta la historia de cómo creó Riverita Y Su Orquesta Noche Caliente

22 julio, 2026 by Karina Garcia

Luego de varios intentos, finalmente logramos coincidir con el director de orquesta y saxofonista Héctor Rivera, conocido en el medio como Riverita, a quien hemos podido hacer todo tipo de preguntas en relación con su carrera artística y su actual agrupación, Riverita y Su Orquesta Noche Caliente. 

A continuación, algunos de los más importantes temas que tocamos con el artista en nuestra grata conversación:

Riverita posando para la cámara
Director de orquesta y saxofonista Héctor Rivera »Riverita» posando para la cámara

Inspiración de Riverita para convertirse en músico

A pesar de no tener ningún músico en su familia, Riverita recuerda haber crecido en un ambiente en el que la música estuvo siempre muy presente. Nació en Nueva York, pero pasó una larga temporada con sus abuelos en Puerto Rico mientras sus padres se establecían y mudaban también a la Isla del Encanto para darle una mayor estabilidad a su hijo. 

Estando en casa de sus abuelos, solía escuchar en la radio a grandes artistas de la época con sus inolvidable hits como fue el caso de Mon Rivera Y Su Orquesta con ‘‘Karakatis-ki’’, el cual nunca más olvidó junto a tantas otras piezas musicales que fueron haciéndolo interesarse en este mundo. Cuando sus padres regresan a Puerto Rico y regresa a vivir con ellos, empieza a escuchar a Cheo Feliciano, Pete ‘‘El Conde’’ Rodríguez, Felipe Rodríguez y muchos otros más.

Todos estos ritmos llevaron al niño a empezar a tocar una especie de percusión en la mesa, una lata de galletas o cualquier otra cosa que le sirviera de instrumento en ese entonces.

Su pasión por la música creció a tal punto que comenzó a estudiar educación musical en La Escuela Libre de Música en Ponce y, posteriormente, en la Universidad Interamericana de San Germán, donde estudió solo unos dos años aproximadamente. Aunque no terminó sus estudios, le sirvió de mucho para comprender aún más esta profesión y aplicar lo que llegó a aprender en esos años.

Riverita con un par de maracas
Riverita con un par de maracas

Estando ahí mismo en Puerto Rico, llegó a tocar con una orquesta de merengue cuyo nombre no recuerda, pero con la que aprendió a tocar el saxofón alto profesionalmente. Posterior a eso, se trasladó a Estados Unidos definitivamente.

Año 2013

Al irse a vivir al estado de Virginia, hizo una larga pausa en la música hasta el año 2013, que es cuando su primo, Michael Valladares, le pide a Riverita que funde una orquesta, cosa que no estaba en sus planes. Sin embargo, aceptó el desafío y sacó adelante el proyecto.

Por aquel entonces, el artista trabajaba como cartero en una oficina de correos, por lo que se le hacía muy complicado compaginar sus actividades profesionales previas con una orquesta propia. Aún así, no permitió que eso lo desanimara y optó por darle prioridad a este nueva agrupación.

Todo comenzó cuando Michael estaba buscando una orquesta que tocara en un evento de gala para celebrar los 500 años de la ciudad de Melbourne, Florida, por lo que se comunicó con Riverita y le propuso crear una orquesta en la que él fuese el director musical con el único propósito de presentarse allí. Es entonces cuando el saxofonista se dio a la tarea de buscar los músicos y elaborar un repertorio, cosa que no fue fácil, ya que no conocía músicas profesionales ni tenía arreglos que pudiese usar. 

Danny, Riverita y José
Danny Rivera Jr., Riverita y José Reyes

Esto lo angustiaba tanto al punto que pasó noches en vela pensando en cómo proceder para cumplir con la encomienda que le hicieron. Solo tenía tres meses por delante, así que no tenía tiempo que perder. Es entonces cuando logra hacer contacto con un grupo de músicos de diversas nacionalidades, de los cuales solo el cantante, José Reyes, sigue trabajando con él.

Finalmente, relanzó la orquesta con unos nuevos músicos porque los anteriores se habían ido y la bautizó como Orquesta Noche Caliente, nombre que sigue llevando hasta el día de hoy.

Entre los integrantes actuales más recurrentes, podemos mencionar al cantante José Reyes, el otro cantante Danny Rivera Jr., el pianista Kevin Figueroa y el trombonista Derick Harris.

Hasta el momento, tienen grabados tres CDs y 26 temas musicales grabados. Algunos de ellos son ‘‘Noche Caliente’’, ‘‘En Tiempos de Bolero’’ y ‘‘Mi Linda Música’’. También están preparando su tema navideño con bastantes meses de antelación y le van a poner por nombre ‘‘Rabito de Lechón’’.

También lee: La bailarina y actriz cubano-americana Jessica Pacheco nos presenta su propia compañía de baile Flamenco Tropical

Publicado en: 2026, Agosto, Artistas, Entrevistas, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Hablamos con Elizabeth Meeker Howard, una de las integrantes de Las Sabrosas Latin Orchestra

15 julio, 2026 by Karina Garcia

En otras oportunidades, hemos conversado con agrupaciones musicales compuestas enteramente por mujeres para promover el enorme talento femenino que tenemos en la música latina. La gran artista con la que hablamos en esta oportunidad no es la excepción. 

Estamos muy contentos de conversar con la trompetista Elizabeth Meeker Howard, quien nos habló de su interesante proyecto Sabrosas Latin Orchestra y algunos otros aspectos de su carrera que son importantes de mencionar. 

Elizabeth posando para la cámara
Trompetista y profesora de música Elizabeth Meeker Howard posando para la cámara

Cómo es que Elizabeth inicia su carrera

La artista inició su relato contándonos que tiene algunos miembros de su familia involucrados en las artes como es el caso de su abuela, quien fue músico profesional. Del mismo modo, sus padres inculcaron en ella el amor por la música, por lo que la niña experimentó una curiosidad muy temprana por este mundo, al punto que formó parte de la banda de la escuela en cuarto grado de primaria. A ella y a sus compañeritos les daban la oportunidad de elegir su propio instrumento, así que eligió la batería, pero prontamente descubrió que no era lo que quería tocar.

Cuando tenía unos nueve años, comenzó a tocar trompeta y un poco de piano, pero este último jamás llegaría a ejercerlo de manera profesional. 

En la adultez, empezó a estudiar música clásica, más específicamente trompeta clásica en la Universidad de Yale, pero estaba consciente de que quería hacer algo que atrajera mucho más al público y que la gente bailara y se divirtiera, que es cuando la salsa entra en acción. Durante su formación académica, llegó a experimentar con otros géneros como el pop y otros de sus derivados, pero no era lo que ella buscaba para su futuro profesional. Hoy en día, toca con bastante destreza la salsa, el funk, el rock y hasta mariachis.

También obtuvo su licenciatura en música en la Universidad de Boston en el área de trompeta clásica y, posteriormente, obtuvo una maestría en la misma área en Yale.

Sabrosas Latin orchestra y Manny Cepeda
Integrantes de Sabrosas Latin Orchestra con el compositor, percusionista y cantante Manny Cepeda

Inicio de su vida profesional

El inicio de la vida profesional de Elizabeth como músico, podría decirse, fue en high school, ya que la contrataban para ciertos eventos sencillos. En la universidad, tocó para bandas y proyectos ajenos, pero no estaba realmente fija en ninguno y esa situación se mantuvo incluso después de graduarse de la universidad. Ya por ese entonces, estaba trabajando con orquestas de salsa.

Estando ya en la ciudad de San Diego, aprendió todo lo que hoy en día conoce sobre la salsa, ya que este género lamentablemente no lo enseñan mucho en los conservatorios, como si lo hacen con la música clásica y el jazz. A esto, añadió que ‘‘la única forma de conocer la salsa como músico es tocar en agrupaciones de salsa. Así es como aprendí yo: uniéndome a estos grupos’’.

No niega que la música clásica ofrece un entrenamiento musical sólido a quien decide estudiarla, ya que se aprende cómo leer música, cómo transcribir música y a cómo tocar la trompeta. Si alguien le ofrece una partitura, es perfectamente capaz de tocar esa música, pero también es importante para ella aprender a tocar el estilo en específico. En el caso de la salsa, la artista asegura que esta tiene matices que no se leen en una partitura, por lo que hay que prestar atención a muchos detalles como las uniones entre las notas y la calidad del sonido, los cuales solo se aprenden escuchando discos y tocando con músicos buenos en eso.

Elizabeth y el resto de la orquesta
De arriba a abajo: Elizabeth Meeker Howard, April Leslie, Shirley Coggon, Monica Saenz, Tomo Vida, Justine Dolorfino-Thieman, Mariela Contreras, Alyssa Keene, Monette Moren y Janet Thornton Realtor

Las Sabrosas Latin Orchestra

Una de las cosas que inspiró la creación de Las Sabrosas Latin Orchestra es la poca cantidad de mujeres tocando salsa, especialmente juntas, por lo que tanto ella como otras artistas femeninas que pensaban igual empezaron a juntarse para ensayar a ver cómo se oían. En un inicio, no tenían muy claro qué tan grande o pequeño sería el grupo, pero eventualmente las chicas que ya estaban invitaron a otras más, lo que dio como resultado una gran orquesta de salsa. Su comienzo oficial fue un poco antes de la pandemia, por lo que todo se retrasó un poco, pero una vez que la restricciones de esa época cesaron, estaban más que listas para empezar a tocar.

Algo que Elizabeth quiso destacar es que desde siempre la gente las apoyó mucho y mostró mucho interés en el proyecto debido a lo novedoso que era lo que ofrecían y la calidad de su show, cosa que se mantiene hasta hoy afortunadamente.

Enseñanza de la música

Además de formar parte de una orquesta, Elizabeth también se dedica a dar clases de música a nivel universitario y se ha encargado de dirigir muchísimas bandas y ensambles de estudiantes, cosa que le ha ayudado a tener experiencia para ser directora musical de varios proyectos. Gracias a lo aprendido, sabe qué puede hacer que un grupo tenga éxito o falle.

La enseñanza y su trabajo con Sabrosas se complementan a la perfección y uno le ayuda a ser cada día mejor en el otro, por lo que habla de ambas actividades como un todo en su carrera.

También lee: Edgardo Cambón celebrará sus 40 años de carrera artística en el Yerba Buena Gardens

Publicado en: 2026, Agosto, Artistas, Entrevistas, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America, Orquesta

  • Página 1
  • Página 2
  • Página 3
  • Páginas intermedias omitidas …
  • Página 30
  • Ir a la página siguiente »

International Salsa Magazine (ISM) es una publicación mensual sobre las actividades de Salsa alrededor del mundo, que se publica desde 2007. Es una red mundial de voluntarios coordinada por ISM Magazine. Estamos trabajando para fortalecer todos los eventos trabajando juntos.