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Orquesta

El Arte de Escuchar: Guía de Iniciación para el Melómano Consciente

28 septiembre, 2026 by Augusto Felibertt

Cómo ir más allá de la superficie y descubrir la verdadera profundidad de la música.

Iniciarse en la melomanía requiere desprenderse de inercias y hábitos superficiales.

El primer paso consiste en romper con el patrón del oyente pasivo que simplemente consume por inercia o por imitación. Convertirse en un auténtico melómano exige transformar la escucha accidental en un acto de exploración consciente, crítico y apasionado.

Dj. Augusto Felibertt Iniciarse en la melomanía requiere desprenderse de inercias y hábitos superficiales
Dj. Augusto Felibertt Iniciarse en la melomanía requiere desprenderse de inercias y hábitos superficiales

Contexto y época: el marco histórico de la obra.

Para comprender plenamente un álbum o un tema musical, es indispensable situarse en el entorno histórico y social en el que fue concebido.

Pregúntese siempre: ¿en qué época se grabó?, ¿qué acontecimientos políticos, sociales o culturales la moldearon? y ¿qué movimientos estéticos marcaban la pauta del momento? La música jamás surge en el vacío; es el reflejo vivo de un tiempo y un lugar específicos.

Dj. Augusto Felibertt El primer paso consiste en romper con el patrón del oyente pasivo que simplemente consume por inercia o por imitación
Dj. Augusto Felibertt El primer paso consiste en romper con el patrón del oyente pasivo que simplemente consume por inercia o por imitación

Los créditos: la arquitectura detrás del artista

Un error común al empezar es enfocar toda la atención únicamente en el vocalista, el director de orquesta o el nombre principal que adorna la portada. Una producción discográfica es un esfuerzo colectivo.

Tómese el tiempo de revisar minuciosamente la ficha técnica: identifique a los músicos de sesión, productores, arreglistas, ingenieros de sonido, diseñadores gráficos, sellos discográficos y países de producción. Aprender a leer los créditos le revelará la red invisible de talentos que dieron forma a ese sonido particular.

Lenguaje, jerga y raíces culturales

Estudie la jerga y los modismos específicos de cada región y periodo. En géneros como la música caribeña o el jazz, por ejemplo, es fundamental adentrarse en el caló popular y las expresiones cotidianas de la calle.

Comprender esta lingüística le permitirá descifrar con mayor fidelidad el trasfondo narrativo, la idiosincrasia de las composiciones y el impacto cultural de sus letras.

Cómo ir más allá de la superficie y descubrir la verdadera profundidad de la música
Cómo ir más allá de la superficie y descubrir la verdadera profundidad de la música

La trinidad creativa: letra, composición y arreglo

Profundice en la autoría intelectual de cada pieza. Investigue quién escribió la letra, quién compuso la melodía y quién estructuró los arreglos.

Un mismo tema puede transformar radicalmente su impacto según la visión del arreglista o la sensibilidad del compositor original. Evite encasillar una obra en su cara visible e indague en todo lo que orbita a su alrededor.

Consejo clave: No se limite a escuchar. Investigue, contextualice y vuelva a escuchar. En ese ejercicio continuo nace la verdadera apreciación musical.

Al interconectar músicos, grabaciones, épocas, sellos y geografías, comenzará a tejer un mapa mental de relaciones complejas. Con la práctica, afinará el oído y cultivará un criterio propio, riguroso y apasionado.

Decálogo esencial para el melómano iniciado

  1. Escuche antes de opinar: Tómese el tiempo de procesar la obra antes de emitir juicios apresurados.
  2. Trascienda las etiquetas de género: Las categorías suelen ser comerciales; la auténtica creatividad no tiene límites.
  3. Explore los créditos: Reconozca a los arquitectos sonoros que trabajan detrás del escenario.
  4. Cuestione lo que lee: Verifique la información y contraste biografías, reseñas e historias oficiales.
  5. Aprecie los álbumes completos: Respeta la obra como el viaje conceptual e integral que el artista concibió.
  6. Rastree las raíces: Indague en los orígenes e influencias primarias de sus estilos favoritos.
  7. Calidad sobre cantidad: Acumular miles de archivos no equivale a desarrollar cultura o criterio musical.
  8. Compara versiones: Analice distintas interpretaciones, arreglos o covers de una misma composición.
  9. Abra su horizonte temporal: Alterne libremente entre producción es históricas y propuestas contemporáneas.

10. Disfrute el proceso: La melomanía es una pasión íntima de descubrimiento constante, no una competencia.

Tributo que el DJ Augusto Felibertt rinden a Eddie Palmieri
Tributo que el DJ Augusto Felibertt rinden a Eddie Palmieri

También Lea: Louie Ramírez «El Quincy Jones de la Salsa» y su talento progresivo un Genio escondido de La Fania All Stars

Por: Dj. Augusto Felibertt

Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Entrevistas, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Noticias, Octubre, Orquesta

Horacio Hinojosa y Bulbo Houston están aquí en International Salsa Magazine

24 septiembre, 2026 by Karina Garcia

El guitarrista y vocalista mexicano Horacio Hinojosa nos acompaña en esta edición Nro 190 para conversar sobre los detalles más importantes de su carrera y de la agrupación de la cual es director en este momento, Bulbo Houston.

El artista originario de Tampico, Tamaulipas, nos brindó casi una media hora de su tiempo para hablarnos de sus inicios musicales en la adolescencia hasta el día de hoy. Un recorrido muy interesante por su vida personal y profesional, el cual agradecemos que relate aquí en exclusiva para International Salsa Magazine.

Vocalista y guitarrista Horacio Hinojosa posando para la cámara.
Vocalista y guitarrista Horacio Hinojosa posando para la cámara. Foto tomada por Mónica Navarro

Cómo Horacio se inicia en la música

Fue a los 14 o 15 años que Horacio empezó a sentir cierta curiosidad por la música y su mayor inspiración fue su propio padre, quien se desempeñaba como músico profesional. Por lo mismo, siempre veía músicos en su casa ensayando y tocando, lo cual siempre le llamó mucho la atención. En vez de ir a tiendas de herramientas como muchos otros padres, el suyo iba a tiendas de guitarras y pianos y, desde luego, lo llevaba consigo.

Además, los festivales de la escuela en los que siempre se requerían voluntarios para tocar instrumentos eran una buena oportunidad para que el joven comenzara a explorar ese gusto que ya tenía. El primer instrumento en interesarle fue la guitarra y le gustó desde siempre, que fue cuando le pidió a su papá que le enseñara un poco al respecto.

Años después, es que empezó a cantar, pero no pudo convertirse en vocalista sino hasta cumplidos los 20 años. Es ahí cuando finalmente le dan la oportunidad de ser el cantante principal de un grupo.

Formación académica

Estudió en la Escuela de Música de La Universidad Autónoma de Tamapulipas y, si bien es cierto que no culminó sus estudios universitarios, tuvo entrenamiento formal que obviamente le sirvió para más adelante. 

Adicional a esto, no tiene ninguna otra profesión, ya que toda su vida siempre se ha dedicado a la música y así sigue siendo hasta el sol de hoy.

Horacio Hinojosa y el resto de Bulbo
Horacio Hinojosa y el resto de Bulbo. Foto tomada por Mónica Navarro

Inicios profesionales

Fue justamente allí en su ciudad natal en donde inició su carrera profesional tocando en bodas, restaurantes, bares y demás desde que era menor de edad. Llegó a tocar con muchas orquestas de eventos en Tampico, siendo el más importante el grupo D´TNT, que más tarde pasaría a llamarse Bulbo. En esta orquesta, llegó a tocar en escenarios grandes por todo México y conoció mucha gente y lugares que jamás se imaginó. 

Mudanza a Estados Unidos

En  2003 o 2004, Horacio fue invitado en calidad de asesor de sonido y consultor por un grupo de empresarios que abrieron negocios relacionados con entretenimiento y música en vivo en Estados Unidos. 

Conquistó muchos escenarios en su país de origen y no le estaba yendo nada mal en volumen de trabajo, pero llegó un punto en el que la situación de violencia generada por el crimen organizado en su natal Tampico y Monterrey estaban complicando demasiado su trabajo, debido a que la mayoría de sus tocadas las realizaba de noche.

Bulbo Houston tocando
Bulbo Houston tocando en vivo

 

Fue así como, con tantas limitaciones para trabajar y dos hijos muy pequeños, Horacio tomó la dolorosa decisión de aprovechar la oferta para irse a vivir definitivamente a Estados Unidos y no volvió a irse jamás. Y por fortuna, la carrera que había hecho con Bulbo en México y toda la músico original que hizo con el grupo le fue de mucha utilidad para obtener su permiso de trabajo en ese entonces. 

Bulbo en Houston 

Del grupo original que era un trío, solo queda Horacio nada más. Al llegar, al artista no le quedó de otra que tocar covers en bares locales y llegó un punto en el que estos establecimientos cerraron debido a lo mala que estaba la economía entre 2010 y 2012. Sin embargo, de todo lo malo sale algo bueno y Horacio fue el ejemplo de eso.

Varios de los clientes que frecuentaban los lugares donde él tocaba empezaron a contratarlo para sus bodas y sus propios eventos familiares bajo la misma marca de Bulbo. Esto lo forzó a salir de su zona de confort y a aprender mucho más de lo que otros públicos de otras nacionalidades querían, ya que estaba muy acostumbrado al mexicano.

Al ser tan variada la gente que lo contrataba, se sentía obligado a aprender a tocar y cantar música distinta. Por lo mismo, hoy en día está haciendo covers de lo que más se escucha en la ciudad, pero tiene música original grabada y está esperando el momento preciso para lanzarla. 

También lee: Julián Silva en La Excelencia ha superado las dificultades típicas del negocio de la música

Publicado en: 2026, Artistas, Entrevistas, Musica Latina, Norte America, Octubre, Orquesta

El director de orquesta y bajista Alex Torres nos cuenta su alentadora historia

29 agosto, 2026 by Karina Garcia

El bajista Alex Torres tiene unas cuantas cosas interesantes para contarnos, por lo que agradecemos enormemente que se haya tomado el tiempo de conversar con estos humildes servidores para hablarnos de su carrera, un poco de su vida personal y la agrupación que actualmente dirige.

A continuación lo más importante de lo conversado durante esta agradable y alegre charla.

Bajista Alex Torres
Bajista Alex Torres tocando en vivo

Los comienzos de Alex en la música

Alex recuerda que, desde que tenía unos cuatro o cinco años, siempre escuchaba música de discos de vinilo que tenían sus padres en el Bronx, que era donde vivía la familia en ese entonces. Recuerda que su madre se dirigía a la radiola de cuatro patas de la sala y colocaba discos a 45 revoluciones por minuto, lo que hacía que él se quedara mirando al aparato por dentro y preguntándose cómo era posible que ese círculo negro tuviera una banda tocando por dentro. 

Esa idea tan inocente de un niño hoy en día le hace reír mucho, pero fue el inicio de una inquietud que nació en él por la música desde muy joven. A eso se suma que su madre siempre solía llevarlo a ver artistas en vivo al Teatro Boulevard, el cual era el lugar estrella para ir a disfrutar de buena música en vivo por aquel lugar. Entonces, cada viernes, ella le daba medio dólar a su hijo para ir a la tienda de discos y escogiera los que más le gustaban, que fue lo que definitivamente hizo que se volviera fanático de la música.

Entre los artistas que logró ver en vivo, podemos mencionar a Antonio Aguilar. A su madre le encantaban los mariachis y la música mexicana en general, por lo que fueron a verlo cantar y el pequeño Alex hasta tuvo la oportunidad de treparse en la tarima para verlo más de cerca. También fueron a ver a Willie Colón, quien iba mucho para allá.

Formación académica en la música

Ya estando en primaria, Alex tocaba la trompeta y estaba en la clase de música de su escuela. En la anterior escuela en la que estaba, él y sus excompañeros tocaban música muy alegre, cosa que no ocurría aquí. En esta nueva institución educativa, tenían que hacer música para la banda de marcha del equipo de fútbol, por lo que le preguntó a su profesor si podía tocar algo diferente. A esto, le respondió ‘‘Tú no vas a venir a decirme como yo debo dar mi clase’’. Eso molestó tanto a Alex que le contestó de una forma muy grosera, ocasionando que fuese sacado del salón.

Alex Torres posando
Alex Torres posando con su bajo

De ahí en adelante, solo iba a la escuela, pero no a la clase de música. Cuando le explicó a su madre lo que había pasado, le dijo que con llorar no arreglaba nada y que ahora él debía demostrarle a ese profesor de lo que él era capaz. Es en entonces cuando, en 1980, fundó su propia orquesta estando completamente inspirado en ese desagradable episodio que vivió y la posibilidad de demostrarle a ese hombre lo que podía lograr.

Si propia orquesta

Con respecto a su primer intento por formar su propio proyecto, Alex hizo contacto con su amigo Roberto López, que es de San Sebastián, un pueblo de Puerto Rico. El asunto es que él no tocaba ni guitarra ni cuatro puertorriqueño, así como Alex no tocaba ni guitarra ni bajo, pero eso no impidió que se juntaran para enseñarse mutuamente, tocar juntos y formar una orquesta. 

Para aprender a tocar el bajo, tocaba una guitarra y le tocaba las cuatro cuerdas de arriba, hasta que pudo comprar su propio bajo con mucho esfuerzo. De todo eso ya se van a cumplir 46 años en octubre.

Alex Torres & His Latin Orchestra

Alex nos contó que nunca tuvo la necesidad de estar en otras agrupaciones antes que la suya y que siempre aspiró a tener lo suyo propio. La única diferencia es que debió modificar un poco el nombre debido a los problemas que le estaba causando a él y a sus compañeros de aquel entonces. Resulta que la orquesta se llamaba Alex Torres & The Latin Kings (siendo The Latin Kings el nombre de una banda criminal muy famosa en Estados Unidos y el mundo), causando que cuando les tocara viajar, siempre eran sacados de la fila de abordaje para ser interrogados y requisados.

Para evitarse todos estos malos ratos que estaban pasando, Alex y el resto de los muchachos estuvieron de acuerdo en eliminar la palabra ‘‘kings’’ para que dejasen de ser vistos de mala manera, especialmente a la hora de viajar. Es así como modificaron el nombre y pasaron a llamarse Alex Torres & His Latin Orchestra, nombre con el que se les sigue conociendo hasta el día de hoy. 

Alex y la orquesta
Alex y el resto de la orquesta

Grandes presentaciones

Alex y su orquesta pueden presumir de haber ofrecido presentaciones para importantes personalidades como Bill Clinton, su esposa Hillary Clinton, George Pataki, Eliot Spitzer, entre otros. Alex describe estas oportunidades como una verdadera bendición que han sido producto de su trabajo y el de su equipo. 

Una de las cosas que cree que le han hecho merecedor de lo que ha logrado es la puntualidad. Si una presentación es a determinada hora, ellos siempre tratan de estar en el sitio una hora y media antes para afinar cualquier detalle que haga falta. También le dan mucha importancia a la vestimenta y la buena presentación personal que causaran una buena impresión en el público. Esto fue creando una buena reputación a lo largo de los años y ha hecho que más gente importante se interese en contratarlos.

Arts-In-Education Program of New York State 

Alex Torres & His Latin Orchestra también forma parte del Arts-In-Education Program of New York, con el cual el artista y sus compañeros buscan enseñar a jóvenes escolares y universitarios acerca de la diversidad cultural, la música, instrumentos y ritmos asociados a la música que ellos hacen. También hablan un poco de geografía y de percusión afrocaribeña con los instrumentos que la integran como el güiro, el bongó, las maracas y los timbales. Todo esto se hace con el fin de lograr que los jóvenes tengan respeto por los músicos, la cultura y todo lo que esto implica.

También lee: Es un placer recibir a Erim Kardex y a Gustavo del Pino de Los Calicubanos en ISM

Publicado en: 2026, Artistas, Entrevistas, Musica Latina, Norte America, Orquesta, Septiembre

Edward Arcila El Sonero de Puerto Cabello que Mantiene Viva la Esencia de la Salsa Contemporánea

28 agosto, 2026 by Augusto Felibertt

Cuando se habla de los soneros que han mantenido encendida la llama de la salsa tradicional en Venezuela, es imposible pasar por alto el nombre de Edward Arcila, conocido con orgullo en el ámbito latino como «El Sonero de Puerto Cabello».

Este apelativo no solo rinde homenaje a su tierra natal, sino que resalta una cualidad cada vez más escasa en la industria musical actual: la capacidad innata para el soneo, la improvisación lírica en tiempo real y un profundo respeto por las raíces más auténticas de la música afro latina.

Edward Arcila El Sonero de Puerto Cabello
Edward Arcila El Sonero de Puerto Cabello

En un panorama musical en constante evolución donde predominan las fusiones comerciales, Arcila emerge como un guardián del sonido tradicional, demostrando que la salsa de golpe sigue latiendo con fuerza en las venas del caribe venezolano.

Raíces, Identidad y Pasión por el Soneo:

Nacido en la histórica y costera ciudad de Puerto Cabello, estado Carabobo, Arcila ha dedicado gran parte de su vida y carrera artística a defender el sonido de la salsa brava, el son cubano y el mambo.

Su formación autodidacta y su estrecho vínculo con la cultura popular porteña le otorgaron desde joven una cadencia única y un oído afinado para el clave y el tumbao.

El estilo de Edward Arcila destaca por una combinación perfecta de:

  • Fuerza interpretativa: Una voz potente, afinada y llena de ‘maña’ que penetra en la orquesta sin perderse entre los metales.
  • Dominio del escenario: Una presencia carismática que conecta de inmediato con el bailador y el melómano exigente.
  • Capacidad de improvisación: La habilidad de ‘morder’ el cuero del tambor con versos fluidos y coherentes, la marca registrada de los verdaderos soneros.

Homenaje a los Grandes: El Arte de Honrar el Legado:

A lo largo de su sólida trayectoria musical, Edward Arcila no solo ha construido un repertorio propio, sino que ha rendido constantes tributos a las figuras inmortales que marcaron la época dorada del género.

Edward Arcila El Sonero de Puerto Cabello que Mantiene Viva la Esencia de la Salsa Contemporánea
Edward Arcila El Sonero de Puerto Cabello que Mantiene Viva la Esencia de la Salsa Contemporánea

Su admiración por leyendas de la talla de Tito Rojas «El Gallo de la Salsa» y el maestro Justo Betancourt le ha permitido reinterpretar clásicos del patrimonio musical latinoamericano con un sello único.

Lejos de la simple imitación, Arcila aborda estas composiciones históricas con una enorme madurez vocal, imprimiendo su propia personalidad en cada corte y filósofo soneo.

Esta cualidad ha sido ampliamente ovacionada por la crítica y por el público que añora la picardía y el sentimiento del caribe urbano de los años 70 y 80.

«La salsa brava no se canta únicamente con la voz; se canta con la vivencia, con el respeto al tambor y con el compromiso de mantener viva la memoria de quienes abrieron el camino.»

Proyección, Colaboraciones y la Escena Salsera Venezolana:

La voz de Edward Arcila ha resonado en múltiples plataformas, acompañando a importantes orquestas y agrupaciones del país.

Su presencia constante en festivales internacionales, encuentros de melómanos y conciertos multitudinarios ratifica su vigencia dentro del circuito salsero de Venezuela y la región.

Profesor Carlos Colmenarez y Edward Arcila
Profesor Carlos Colmenarez y Edward Arcila

Ha compartido escenario con reconocidos instrumentistas y directores de orquesta, sirviendo de puente entre los músicos consagrados de la vieja escuela y las nuevas generaciones que buscan aprender el arte del soneo auténtico.

Su trabajo incansable no solo dinamiza la movida cultural de Carabobo, sino que proyecta a Puerto Cabello como una cantera inagotable de talento afrolatino.

Un Baluarte Contemporáneo de la Salsa Tradicional

Dentro de la cartografía musical venezolana, Edward Arcila se posiciona como uno de los exponentes contemporáneos más respetados.

En tiempos donde el género enfrenta el reto de preservar su identidad frente a las tendencias efímeras, su propuesta representa la perseverancia, el rigor técnico y la devoción por la tradición.

Más que un intérprete, Edward Arcila es un embajador cultural.

Arcila emerge como un guardián del sonido tradicional
Arcila emerge como un guardián del sonido tradicional

Su canto sigue recordando a las viejas y nuevas audiencias que la verdadera salsa no se mide por modas pasajeras, sino por la fuerza del sentimiento, la agilidad de la improvisación y el latido indomable del corazón del sonero.

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Publicado en: 2026, Artistas, Latin Jazz, Latino America, Marzo, Musica Latina, Norte America, Orquesta, Septiembre

Andy Montañez El Niño de Trastalleres su Voz Eterna y su legado transciende en generaciones

28 agosto, 2026 by Augusto Felibertt

De las Calles de Santurce a la Cúspide del Movimiento Salsero Mundial.

La historia de la música latina no se puede escribir sin dedicar un capítulo de honor a Andrés Montañez Rodríguez, conocido universalmente como Andy Montañez.

Nacido el 7 de mayo de 1942 en el populoso barrio de Trastalleres, en Santurce, Puerto Rico, Andy no solo se convirtió en una de las voces más prodigiosas y carismáticas del género, sino también en un pilar fundamental para la masificación y preservación de la salsa a nivel internacional.

Andy Montañez El Niño de Trastalleres
Andy Montañez El Niño de Trastalleres

Crecer en un entorno humilde pero repleto de matices musicales moldeó su sensibilidad artística desde muy joven. Influenciado por los boleros de la época, la música jíbara y los ritmos afrocaribeños que resonaban en las esquinas de su barrio, el joven Andrés demostró rápidamente poseer un timbre de voz barítono, potente, afinado y cargado de una sonoridad emotiva incomparable. S

in embargo, nadie imaginaba que aquel muchacho de Trastalleres terminaría convirtiéndose en una leyenda viva de la música caribeña.

La Era Dorada con El Gran Combo de Puerto Rico (1962–1977).

El salto definitivo a la profesionalización llegó en 1962. Tras la desintegración del combo de Cortijo y su Combo, Rafael Ithier fundó El Gran Combo de Puerto Rico y reclutó a Andy Montañez como cantante principal junto a Pellín Rodríguez. Esta dupla vocal se convirtió en el motor que impulsó a la agrupación hacia el éxito rotundo durante quince años.

Junto a «La Universidad de la Salsa», Andy inmortalizó clásicos de la música tropical que continúan vigentes en la memoria colectiva de los bailadores.

Temas como Las Hojas Secas, Julia, Un Verano en Nueva York, El Barbero Loco, Vagabundo y Un Alma Buena no solo dominaron las listas de radio en toda América Latina, sino que definieron el sonido de la salsa en la década de 1970.

Su Voz Eterna y su legado transciende en generaciones.
Su Voz Eterna y su legado transciende en generaciones.

Importancia en su Trayectoria:

El paso de Andy Montañez por la Puerto Rico All Stars representa un capítulo brillante en la historia de la salsa boricua.

La súper agrupación concebida a mediados de los años 70 bajo el liderazgo y la visión del trombonista y productor Frankie Gregory nació como la respuesta boricua al fenómeno neoyorquino de la Fania All-Stars, reuniendo a la élite de instrumentistas, arreglistas y vocalistas de la isla.

«Su participación en la Puerto Rico All Stars no solo reafirmó el patriotismo musical del colectivo, sino que sirvió como un puente de madurez sonora justo antes de consolidar su propia orquesta a partir de 1980».

Para el melómano y coleccionista de la salsa dura, la presencia de «El Niño de Trastalleres» en la Puerto Rico All Stars dejó una huella imborrable que demostró que su voz encajaba perfectamente tanto en el formato de charanga o combo como en el rigor técnico de una big band/superorquesta de estrellas.

Andy Nacido el 7 de mayo de 1942 en el populoso barrio de Trastalleres, en Santurce, Puerto Rico
Andy Nacido el 7 de mayo de 1942 en el populoso barrio de Trastalleres, en Santurce, Puerto Rico

Su capacidad para pasar del guaguancó cadencioso al bolero romántico con igual maestría asentó las bases de su popularidad.

La Dimensión Latina y la Consolidación Internacional:

En 1977, Andy Montañez tomó una de las decisiones más arriesgadas y comentadas de su trayectoria: salir de El Gran Combo para mudarse a Caracas y unirse a La Dimensión Latina, ocupando el lugar dejado por Oscar D’León.

Aunque el reto era enorme debido al vacío de la partida del «Sonero del Mundo», Montañez demostró su versatilidad y respeto por la clave salsera.

En Venezuela, consolidó una etapa brillante grabando éxitos de la talla de El Eco de un Tambor, Son de la Loma, Cantares y Pan de Piquito.

Su paso por La Dimensión Latina no solo reconfirmó su estatus como intérprete de primer orden, sino que fortaleció aún más sus lazos afectivos con el público venezolano, mercado donde se convirtió en un verdadero ídolo popular.

El Proyecto en Solista y las Nuevas Fusiones:

A comienzos de la década de 1980, Andy regresó a su tierra natal para lanzar su carrera como solista, respaldado por su propia orquesta y con la colaboración constante de arreglistas de alto nivel.

Durante este período, logró mantenerse en la cima de la salsa romántica y sensual sin perder la esencia del golpe callejero y la sabrosura criolla.

De esta etapa destacan himnos que marcaron a generaciones, tales como:

  • «Casi Te Envidio»
  • «Payaso»
  • «Cobarde, Cobarde»
  • «Me Gusta»
  • «Milonga para una Mirada»

Fiel a su espíritu inquieto, Andy no dudó en experimentar. A lo largo de los años 90 y 2000, exploró fusiones musicales incorporando elementos del bolero tradicional junto al Trío Los Andinos, así como incursiones en el reguetón y los ritmos urbanos junto a jóvenes artistas boricuas como Daddy Yankee y Julio Voltio. Esta apertura mental le permitió conectar con nuevas generaciones de oyentes sin traicionar jamás su raíz salsera.

Legado, Impacto Cultural y el Sello del Niño de Trastalleres:

El legado de Andy Montañez trasciende lo estrictamente discográfico; se trata de un símbolo de identidad y orgullo caribeño.

Andy dice Gracias Puerto Rico
Andy dice Gracias Puerto Rico

Su talento ha sido reconocido con múltiples galardones a nivel mundial, incluyendo el prestigioso Premio Grammy Latino a la Excelencia Musical en 2006 (por su álbum AM/PM Linea Directa junto al trovador cubano Pablo Milanés), confirmando su capacidad para tender puentes entre la salsa, la trova y la canción de autor.

Más allá de su registro vocal impecable y su innegable swing sobre el escenario, lo que verdaderamente distingue a Andy Montañez es su calidad humana, su carisma genuino y esa humildad intacta que siempre ha mantenido.

A pesar de haber recorrido los escenarios más importantes del mundo, jamás ha renunciado a su origen: siempre será orgullosamente «El Niño de Trastalleres».

Andy Montañez de las Calles de Santurce a la Cúspide del Movimiento Salsero Mundial
Andy Montañez de las Calles de Santurce a la Cúspide del Movimiento Salsero Mundial

Su voz sigue siendo faro y referencia obligada para soneros de todas las latitudes que buscan entender el arte de cantar con el corazón, la clave y la sabrosura del Caribe.

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Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America, Orquesta, Septiembre

Domingo Quiñones El más que Canta, Sonero, Poeta y Guerrero de la Salsa

26 agosto, 2026 by Augusto Felibertt

Un Talento nacido en la Diáspora y forjado en el Barrio

Domingo Quiñones nació el 9 de agosto de 1963 en Perth Amboy, Nueva Jersey. Hijo de padres puertorriqueños, a los cuatro años regresó con su familia a la isla para establecerse en el municipio de Ceiba.

En 1977, un joven Domingo regresó a Nueva York, donde seis años más tarde comenzó formalmente su trayectoria profesional al unirse al Conjunto Nativo.

Domingo Quiñones El más que Canta, Sonero, Poeta y Guerrero de la Salsa
Domingo Quiñones El más que Canta, Sonero, Poeta y Guerrero de la Salsa

En ese entorno neoyorquino, el sonero en ciernes comenzó a pulir su talento colaborando con reconocidas agrupaciones y artistas como Rafael de Jesús, José Alberto «El Canario», Johnny Rodríguez y el Conjunto Clásico.

 Para 1985, ingresó a la orquesta del maestro Luis «Perico» Ortiz, convirtiéndose apenas ocho meses después en su vocalista principal. Con esta agrupación grabó cuatro producciones emblemáticas, entre las que destacan La vida en broma (1985), In Tradition (1986) y Perico (1987).

Domingo Un Talento nacido en la Diáspora y forjado en el Barrio
Domingo Un Talento nacido en la Diáspora y forjado en el Barrio

Su desempeño lo llevó a consolidarse rápidamente y a convertirse en el primer ganador del prestigioso «Festival de Soneros: Duelo al Anochecer».

La consolidación en solitario y la madurez musical:

En 1990, Quiñones firmó con el influyente sello RMM Records y lanzó su primer álbum como solista, Domingo es mi nombre, producido por Charlie Donato. Tras una destacada participación en el disco número 100 del legendario Tito Puente, presentó su segunda producción, Pintando lunas.

Temas como el dueto «Enséñame» junto a Tony Vega y su versión en salsa de «Crazy for You» demostraron la versatilidad de este joven intérprete. Posteriormente, tras importantes vivencias personales, lanzó Se necesita un milagro, uno de los discos más trascendentales de su carrera.

En esta quinta producción bajo RMM producida por Carlos «Cuto» Soto, con quien ya había trabajado en el álbum Mi meta, Domingo abordó temáticas espirituales, sentimentales y sociales. Tras su lanzamiento a finales de 1997, el trabajo fue distinguido por la Fundación Nacional para la Cultura Popular de Puerto Rico como una de las producciones más relevantes del año.

Domingo y Tito el Bambino
Domingo y Tito el Bambino

Siguiendo esa misma línea reflexiva, a finales de 1998 presentó el álbum La verdadera Navidad.

En esta producción destacó su composición «Si mi papá se quitara», un sensible tema que plasma la preocupación de un niño ante la adicción de su padre y que se convirtió en uno de los éxitos más sonados de la temporada.

Versatilidad artística: Del escenario musical al teatro y al cine:

En constante evolución, la pasión de Domingo Quiñones por las artes lo llevó a incursionar con éxito en el teatro y la cinematografía. En marzo de 1998 debutó en la Sala de Festivales de Puerto Rico dentro del elenco de la versión tropical de la ópera rock Jesucristo Superstar.

Poco después, fue seleccionado para encarnar al legendario cantante en la obra teatral Quién mató a Héctor Lavoe, presentada por el Puerto Rico Traveling Theater en Nueva York.

En medio de las conversaciones para adaptar dicha obra al cine, Domingo recibió ovaciones cerradas durante el histórico reencuentro de la Fania All-Stars en el Estadio Municipal Hiram Bithorn de Puerto Rico.

Domingo Quiñones y Dj. Augusto Felibertt
Domingo Quiñones y Dj. Augusto Felibertt

A este triunfo le siguió el exitoso lanzamiento de su álbum Poeta y guerrero, donde reafirmó su gran calidad interpretativa y compositiva.

Más allá de la música y las tablas, el salsero boricua debutó en el séptimo arte con la película Héroes de otra patria.

Su actuación le valió una mención honorífica en el Festival Internacional de Cine de Viña del Mar, y el filme fue seleccionado como la representación oficial de Puerto Rico para competir en la categoría de Mejor Película Extranjera en los Premios Oscar de 1999.

Hoy en día, su faceta como compositor, productor, actor e intérprete lo consagra como uno de los cantantes más completos y respetados de la salsa contemporánea.

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El Gigante de la Salsa en New York

Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Entrevistas, Latino America, Musica Latina, Norte America, Noticias, Orquesta, Septiembre

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