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International Salsa Magazine

Augusto Felibertt

Angie Machado el ¨Colorao¨ Trompetista de los trompetistas y leyenda musical viviente

24 junio, 2026 by Augusto Felibertt

Un legado tallado en bronce y talento.
​La historia de la música latina, especialmente la salsa y el jazz afrocubano, no podría escribirse sin mencionar el sonido brillante, preciso y melódico de una trompeta que ha definido el curso de incontables éxitos discográficos.

Angie Machado Un legado tallado en bronce y talento
Angie Machado Un legado tallado en bronce y talento

Ese sonido tiene nombre y apellido: Ángel Vicente Machado Santiago, conocido universalmente en el gremio artístico como Angie Machado.
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El pasado 23 de junio de 2026, el mundo de la música se vistió de gala para celebrar el cumpleaños de este gigante.

Nacido en 1954 en el pintoresco municipio de Arroyo, Puerto Rico, Angie Machado no solo ha sido testigo de la evolución de la música tropical durante las últimas cinco décadas, sino que ha sido uno de sus arquitectos fundamentales.

Su trayectoria es el testimonio vivo de que la genialidad musical, cuando se cultiva con rigor, trasciende las modas y se convierte en leyenda.
​La forja de un virtuoso.
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El camino hacia la excelencia no fue fruto de la casualidad. Desde muy joven, Angie comprendió que el don natural para la música requería de un vehículo sólido para expresarse.

Su formación académica comenzó en la prestigiosa Escuela Libre de Música, un semillero de talentos en Puerto Rico, donde recibió las bases fundamentales para entender el lenguaje de los vientos.
​Posteriormente, dio el salto al Conservatorio, un espacio donde, más allá de la teoría musical, asimiló una filosofía de vida: la disciplina como única ruta hacia la maestría.

Angie Machado y Dj Andy Rodriguez
Angie Machado y Dj Andy Rodriguez

Bajo la tutela de rigurosos maestros y nutriéndose de la escucha analítica de los grandes virtuosos de la trompeta de la historia, Machado entendió que la música no solo se toca, sino que se estudia, se reflexiona y se siente.

Aquellas largas jornadas de práctica constante, donde el sonido de su trompeta llenaba cada rincón, fueron los cimientos de la «vieja escuela» que hoy lo distingue.

Esa escuela no solo enseñaba notas; enseñaba fraseo, estilo, respeto por el arreglo y, sobre todo, la capacidad de entender cuándo la trompeta debe liderar y cuándo debe abrazar la melodía con elegancia.
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La trompeta que definió una era.
​Hablar de Angie Machado es hablar de la historia misma de la salsa. Su talento no se quedó limitado a los salones de clase ni a las bandas locales; rápidamente se convirtió en un músico de sesión indispensable.

Si uno revisa las portadas de los discos más icónicos que marcaron la «Época de Oro» de la salsa, es casi seguro encontrar su nombre en los créditos.

Dj Augusto Felibertt y Angie Machado
Dj Augusto Felibertt y Angie Machado

Su capacidad para adaptarse a diferentes estilos desde la agresividad necesaria en la orquesta de Willie Rosario o la explosividad de Tommy Olivencia, hasta la elegancia sutil requerida por Gilberto Santa Rosa o el swing inigualable de Bobby Valentín lo posicionó como el trompetista más solicitado.
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La lista de figuras con las que ha compartido escenario y estudio es, sencillamente, abrumadora. Ha sido el cómplice musical de Cheo Feliciano, el alma de las grabaciones de Frankie Ruiz, el apoyo técnico y creativo de Eddie Palmieri y el compañero de aventuras de Oscar D’León.

Su trompeta ha viajado por el mundo acompañando también a maestros como Justo Betancourt, Andy Montañez, Lalo Rodríguez, Paquito Guzmán, Viti Ruiz y una pléyade de artistas que van desde el sonido tradicional hasta las fusiones más contemporáneas, incluyendo a Luis Enrique y Alex León.
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Una leyenda viviente.
​Lo que hace a Angie Machado una figura singular no es solo su currículo, sino su vigencia. En una industria que cambia constantemente, él ha mantenido la integridad de su sonido.

Su «privilegiada vieja escuela» no significa que esté anclado en el pasado; significa que posee una base técnica tan robusta que le permite dialogar con cualquier generación de músicos.
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Para quienes lo conocen, Angie no es solo el trompetista que resuelve una sesión de grabación en pocos minutos con una precisión asombrosa; es un mentor silencioso, un hombre que ha visto pasar las décadas manteniendo la misma humildad y el mismo amor por el instrumento que tenía cuando empezaba en Arroyo.
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Mientras celebramos un año más de su vida, no solo festejamos a un músico excepcional, sino a una pieza viva de nuestro patrimonio cultural.

Angie Machado nos recuerda que, detrás de cada gran canción que nos ha hecho bailar o llorar, hay un ser humano cuya dedicación y disciplina han convertido el metal de una trompeta en poesía pura.

 

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Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Entrevistas, Eventos, Julio, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Phil Robinson une sensibilidad y tradición en su nuevo sencillo “Allí Me Enamoré”

24 junio, 2026 by Augusto Felibertt

Una joya de la salsa romántica que transforma la complicidad de la amistad en una honesta declaración de amor

La salsa romántica suma una nueva joya a su repertorio con el lanzamiento de “Allí Me Enamoré”, el más reciente sencillo interpretado por Phil Robinson.

Phil Robinson une sensibilidad y tradición en su nuevo sencillo “Allí Me Enamoré”
Phil Robinson une sensibilidad y tradición en su nuevo sencillo “Allí Me Enamoré”

Se trata de una propuesta cargada de sensibilidad, nostalgia y emoción que apuesta por reconectar al público con la esencia narrativa del género.

Compuesta por el autor puertorriqueño Andy Roldán reconocido por su capacidad para traducir sentimientos íntimos en letras profundamente humanas, esta canción se presenta como una historia de amor que florece desde la complicidad de una amistad sincera hasta convertirse en una declaración inevitable del corazón.

Desde sus primeros versos “Hola amiga, ahora que al fin puedo mirarte a los ojos…”, la pieza nos introduce en una conversación íntima, casi confesional, donde el protagonista abre las páginas de su alma para revelar un sentimiento largamente guardado.

La letra transita entre recuerdos, silencios, miradas y emociones contenidas, construyendo una narrativa con la que muchos oyentes podrán identificarse: ese instante en que la amistad deja de ser suficiente porque el amor ya ha echado raíces.

Phil Robinson entrega una interpretación cálida y honesta, sosteniendo cada frase con una carga emocional que resalta la profundidad del texto.

Su voz logra equilibrar ternura y pasión, convirtiendo la canción en una experiencia cercana, casi cinematográfica, donde cada palabra parece vivirse en tiempo real.

Uno de los grandes aciertos de “Allí Me Enamoré” es su capacidad para dialogar con el presente sin abandonar la tradición salsera. La referencia contemporánea al acto cotidiano de “abrir tu perfil en donde puedo verte” inserta la canción en el lenguaje emocional de esta era digital, aportando modernidad a una historia clásica de amor no confesado.

El coro “En las páginas de tu alma, amiga, allí me enamoré”se erige como el eje poético de la composición: una metáfora delicada que transforma el alma humana en un libro abierto, en el territorio íntimo donde nace el amor verdadero. Esa imagen le da identidad propia al tema y lo convierte en una pieza memorable dentro del repertorio romántico actual.

La salsa romántica suma una nueva joya a su repertorio con el lanzamiento de “Allí Me Enamoré”, el más reciente sencillo interpretado por Phil Robinson.
La salsa romántica suma una nueva joya a su repertorio con el lanzamiento de “Allí Me Enamoré”, el más reciente sencillo interpretado por Phil Robinson.

Musicalmente, el sencillo se sostiene sobre una base melódica elegante, fiel al ADN de la salsa romántica, con arreglos pensados para abrazar la letra sin restarle protagonismo.

La instrumentación acompaña con sutileza el desarrollo emocional de la historia, permitiendo que la voz y el mensaje respiren con naturalidad.

Con este lanzamiento, Phil Robinson reafirma su apuesta por una salsa que no solo invita al baile, sino también a sentir, recordar y confesarse. “Allí Me Enamoré” es una canción para quienes han amado en silencio, para quienes descubrieron demasiado tarde que una amistad escondía un amor profundo, y para quienes siguen creyendo en el poder de una buena historia cantada con verdad.

CARRERA MUSICAL DE PHIL ROBINSON

Phil Robinson es sonero, compositor, ejecutante y director de su propia orquesta.

Su carisma y su actitud emprendedora, creativa y positiva hacen que todos los que tienen la oportunidad de hablar con él entren en su mundo, contagiados por su amor por la música y su pasión por aprender, evolucionar y ser mejor cada día. Robinson ha amado el arte desde muy joven.

La Orquesta Yaré era el sueño de un joven que, como Phil, quería triunfar en el mundo de la música latina. Fue fundada y dirigida por Leroy Gutiérrez (conguero, timbalero y bongosero), presentando temas originales junto a sus hermanos Johnny (bongosero) y Loui (trompetista).

En ese momento, Leroy era percusionista, pero también aprendió a tocar el piano de forma autodidacta. Gutiérrez invitó a participar a Phil para convertirlo en una estrella. Yaré era una orquesta de 12 músicos y toda su música era original.

Phil Robinson
Phil Robinson

Durante una presentación en el Landis Park en Vineland, Nueva Jersey, la Orquesta Yaré acompañó a los grandes Néstor Sánchez y Larry Harlow, el «Judío Maravilloso» de la Fania All-Stars, quienes asistieron como invitados. Para Phil, fue un sueño hecho realidad tocar junto a los artistas que tanto admiraba. Años después de aquella histórica presentación, Robinson se reencontró en Los Ángeles con Larry Harlow y pudo compartir con él una fotografía de aquella primera experiencia juntos.

En su evolución musical, se convirtió en el cantante líder de Henry Mora y la Orquesta All Star Salsa de Los Ángeles, colaborando además con diversas agrupaciones locales. De allí pasó a ser la voz principal de Eric Matos y la Orquesta La Caliente, así como de Papo Rodríguez y La Sorpresa.

Con esta última agrupación grabó dos canciones originales compuestas por el pianista boricua Nelson Montalvo: “Fantasía” y “Mi Regalo”, incluidas en el CD de 2005 titulado Oye Salsa Sabor y Clave.

Durante la etapa en la que Phil estuvo con Papo Rodríguez, el reconocido cantante panameño Camilo Azuquita llegó a la ciudad y la agrupación se transformó en Azuquita y su Melao.

Phil se desempeñó como su cantante y corista principal durante varios años, presentándose en escenarios de gran renombre como el Hollywood Palladium y compartiendo con figuras icónicas de la industria. Gracias a estas valiosas colaboraciones, Robinson terminó de pulir su propio estilo.

Phil Robinson es sonero, compositor, ejecutante y director de su propia orquesta
Phil Robinson es sonero, compositor, ejecutante y director de su propia orquesta

A lo largo de su trayectoria, Phil ha compartido escenario con leyendas de la talla de Adalberto Santiago, Tony Vega, Herman Olivera, Yolanda Rivera, Meñique, Luigi Texidor, Wichy Camacho, el cantante cubano Franco, Willie Chirino y Celia Cruz, entre muchos otros.

Luego de siete años de arduo trabajo, Phil completó y publicó su nuevo proyecto musical titulado Entre Dos Mundos, producido por Arturo Solar. Esta producción abarca composiciones clásicas de autores como Armando Manzanero, Ted Koehler, Harold Arlen, Virgilio y Homero Expósito, Enrique Benítez, Vicente Garrido Calderón y Jesús Alejandro, además de temas originales compuestos por el propio Phil.

Comenta Robinson que desde 2023 logro ser TV Spokesmabn y MC o maestro de ceremonias del Festival Dia de San Juan Puerto Rican Festival.

KCAL Channel 9 LA KCAL Channel LA Promoviendo el Festival Boricua en KCAL 9 Los Angeles
KCAL Channel 9 LA KCAL Channel LA Promoviendo el Festival Boricua en KCAL 9 Los Angeles

Desde Malanga Radio celebramos este estreno como una muestra de que la salsa romántica continúa viva, evolucionando con nuevas voces, nuevas plumas y nuevas emociones.

“Allí Me Enamoré” ya está disponible en todas las plataformas digitales.

Chechy Rosado

Relaciones Públicas

+57 301 685 2655

Barranquilla – Colombia

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Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Entrevistas, Julio, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta, Radio

El Elegante de la Salsa Vida y Legado de Tito Allen una de las voces más afinadas de nuestra Música Latina

30 mayo, 2026 by Augusto Felibertt

El Elegante de la Salsa Vida y Legado de Tito Allen una de las voces más afinadas de nuestra Música LatinaDe los tríos de Santurce a las grandes ligas de la salsa neoyorquina.

El mundo de la música afroantillana celebra el nacimiento de una de las voces más distinguidas y sofisticadas del género.

Roberto Romero Caballero, universalmente conocido en el panorama musical como Tito Allen. Nacido el 1 de mayo de 1946 en el emblemático barrio de Santurce, Puerto Rico, este baluarte de la salsa ha dejado una huella imborrable en la historia de la música latina a lo largo de una trayectoria que ya supera las cuatro décadas de excelencia artística.

Tito Allen y Adalberto Santiago
Tito Allen y Adalberto Santiago

El origen de un nombre con tumbao

El nombre artístico de este insigne sonero encierra una curiosa historia dividida en dos vertientes. La primera parte, «Tito», surge de una costumbre muy arraigada en el argot puertorriqueño: el doble diminutivo. De Roberto pasaron a llamarlo «Robertito», apelativo que con el tiempo se transformó cariñosamente en «Tito».

Por otro lado, el apellido «Allen» tiene un origen mucho más urbano y fortuito. El propio cantante ha confesado que, durante su juventud, leyó esa palabra pintada en un grafiti sobre una pared. El impacto visual y la sonoridad del nombre le agradaron tanto que decidió adoptarlo de inmediato como su sello de presentación para el mundo del espectáculo.

Los inicios de una estrella multifacética

La aventura musical de Tito Allen comenzó formalmente en 1962, cuando apenas era un adolescente de 16 años. En sus inicios, el joven Roberto mostraba una fuerte inclinación hacia el rock and roll, un género que causaba furor entre la juventud de la década de los sesenta.

Durante este período formativo, Allen se destacaba como bajista y guitarrista, formando parte de diversos tríos musicales que emulaban a las grandes agrupaciones de la época y que llegaron a presentarse con éxito en el Canal 4 de la televisión puertorriqueña.

Afortunadamente para los amantes del ritmo caribeño, el destino lo guio hacia la música tropical. Su poderosa voz, caracterizada por una afinación impecable y un fraseo elegante, lo convirtió rápidamente en un cotizado cantante.

Dj. Augusto Felibertt, Orlando Watussi, Tito Allen y Jesus Torres
Dj. Augusto Felibertt, Orlando Watussi, Tito Allen y Jesus Torres

Entre sus grandes influencias estéticas, Allen siempre ha manifestado una profunda admiración por Cheo Feliciano, a quien escuchaba con devoción durante la etapa de este con el Sexteto de Joe Cuba. Asimismo, ha señalado repetidamente a la orquesta de Bobby Valentín como una de sus bandas predilectas de todos los tiempos.

La conquista de Nueva York y las grandes ligas de la salsa

Decidido a internacionalizar su carrera, Tito Allen viajó a Nueva York en 1972. Aunque inicialmente intentó unirse a la orquesta del Rey del Timbal, Tito Puente, este no tenía vacantes en ese momento.

Lejos de desanimarse, Allen se unió al destacado pianista colombiano Eddie Martínez para formar un quinteto que se presentaba con éxito en los clubes nocturnos de la Gran Manzana.

El verdadero punto de inflexión llegó en mayo de 1973. Tras un breve regreso a su natal Puerto Rico, Allen volvió a Nueva York y, gracias a la recomendación de Eddie Martínez, consiguió una audición en el famoso club El Corzo. Allí, el maestro Ray Barretto buscaba un vocalista para reemplazar nada más y nada menos que a Adalberto Santiago.

Tito Allen y Billy Crespo
Tito Allen y Billy Crespo

Allen asumió el reto con maestría, grabando el aclamado álbum Indestructible (1973), un trabajo que lo consagró de inmediato en el Olimpo de la salsa.

Un recorrido de leyenda: Tras su exitoso paso por la orquesta de Ray Barretto, Tito Allen cumplió su sueño de trabajar junto a Tito Puente. Posteriormente, se integró a las filas de la legendaria Típica 73, antes de emprender una sólida carrera como solista.

Su impecable reputación lo llevó también a ser parte fundamental de La Puerto Rico All Stars, participando en dos de sus producciones discográficas más emblemáticas. Además, colaboró estrechamente con el virtuoso Louie Ramírez, dejando una marca indeleble gracias a su versatilidad.

El corista de oro del barrio latino

Más allá de su brillo como solista y líder de orquesta, la trayectoria de Tito Allen destaca por su generosidad y profesionalismo en el estudio de grabación.

Su voz, educada y melodiosa, engalanó un sinfín de producciones para artistas de la talla de Pupi Legarreta, Ralphy Santi y el Conjunto Clásico, entre muchos otros representantes de «la máxima expresión del barrio latino».

Su labor como corista fue fundamental para definir el sonido de la salsa neoyorquina y caribeña durante las décadas de los 70 y 80, consolidándolo como un artista integral y un caballero de la música que hoy, más que nunca, merece el aplauso de su público.

Tito Allen y Dj. Augusto Felibert
Tito Allen y Dj. Augusto Felibert

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Publicado en: 2026, Artistas, Junio, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta, Radio

El Sabor del Barrio La-33 y la Revolución de la Salsa Urbana

30 mayo, 2026 by Augusto Felibertt

El nacimiento del swing en la fría Bogotá

Bogotá, una ciudad a más de 2.600 metros sobre el nivel del mar, fría y propensa a la llovizna, no parecía a principios de los años 2000 el lugar más obvio para el nacimiento de una de las orquestas de salsa más influyentes del siglo XXI.

El Sabor del Barrio La-33 y la Revolución de la Salsa Urbana
El Sabor del Barrio La-33 y la Revolución de la Salsa Urbana

Sin embargo, en el año 2001, en el corazón del barrio Teusaquillo, nació La-33. Rompiendo con el estereotipo de que la salsa solo florece en las costas cálidas, esta agrupación demostró que el sabor caribeño también se lleva en las venas de la capital colombiana.

Fundada por los hermanos Sergio y Santiago Mejía (director musical/bajista y tecladista, respectivamente), la orquesta tomó su nombre de la calle donde realizaban sus primeros ensayos: la calle 33.

Desde sus inicios, el proyecto tuvo una identidad clara: rescatar el sonido crudo, urbano y rudo de la salsa brava de los años 70 evocando a leyendas como Héctor Lavoe, Willie Colón y la Fania All-Stars pero inyectándole la actitud, la energía del rock y el ambiente callejero bogotano. Para financiar su primer álbum, los miembros de la agrupación ahorraron el dinero de sus  presentaciones en bares y clubes nocturnos de la ciudad.

El fenómeno de «La Pantera Mambo»

El ascenso de La-33 al estrellato internacional no fue un accidente, sino el resultado de una genialidad discográfica.En 2004 lanzaron su álbum homónimo de debut, La-33. El disco incluía una canción que se convertiría en su boleto al mundo: «La Pantera Mambo».

Esta pieza, una espectacular versión en ritmo de mambo del clásico tema cinematográfico de Henry Mancini («The Pink Panther Theme»), fusionaba el jazz, el suspenso y una sección de vientos arrolladora.

La canción se convirtió instantáneamente en un éxito radial y en un himno obligado en las pistas de baile desde Cali hasta Berlín, demostrando que la salsa no era un género del pasado, sino un lenguaje vivo capaz de reinventar la cultura pop occidental.

El año 2001, en el corazón del barrio Teusaquillo, nació La-33
El año 2001, en el corazón del barrio Teusaquillo, nació La-33

Evolución dinámica y discografía

A diferencia de las orquestas de salsa romántica que dominaban las listas de éxitos comerciales en los años 90 y 2000, La-33 apostó por un sonido orgánico con influencias del mambo, el jazz, el pasodoble y el ska.Su música prescinde de sintetizadores excesivos y prioriza la fuerza de la percusión, el brillo de los metales y letras que narran la vida cotidiana, el caos urbano y la bohemia.

A lo largo de su carrera, han consolidado un catálogo musical impecable a través de varios álbumes de estudio:

  • La-33 (2004): El álbum debut que contiene «La Pantera Mambo» y «Qué Rico Boogaloo».
  • Gózalo (2007): Nominado a los Premios Grammy Latinos, reafirmó su éxito con temas como «Bye-Bye» y «Soledad».
  • Ten Cuidado (2009): Un trabajo más maduro que explora fusiones con el ska y el jazz.
  • Tumbando por ahí (2013): Un homenaje al espíritu callejero y fiestero de la banda.
  • Caliente (2016): Quinta producción discográfica lanzada para celebrar sus quince años de actividad.
  • Si tú quieres salsa (2019): Un regreso a las raíces con un sonido potente, maduro y renovado.

Embajadores globales de la salsa colombiana

Lo que comenzó como un grupo de amigos ensayando en una casa bogotana se transformó en un fenómeno global. La-33 ha recorrido los cinco continentes, presentándose en prestigiosos eventos internacionales como el Sziget Festival de Budapest, la Feria de Cali, y diversos festivales de jazz y world music en Europa, Asia, África y América.

Su capacidad para hacer bailar a públicos que ni siquiera hablan español es testimonio del poder universal de su sección de vientos y su base rítmica.

La 33 El nacimiento del swing en la fría Bogotá
La 33 El nacimiento del swing en la fría Bogotá

Hoy en día, La-33 no es solo una orquesta; es una institución de la música alternativa colombiana.

Demostraron que la salsa se puede hacer con chaquetas de cuero, actitud punk y un respeto absoluto por las raíces afrolatinas, dejando claro que, para tener swing, solo se necesita pasión.

Miembros de la agrupación

  • Sergio Mejía (Líder y bajo eléctrico)
  • Santiago Mejía (Teclados)
  • Guillermo Celis (Voz)
  • David Cantillo «Malpelo» (Voz)
  • Edison Velásquez (Voz y flauta)
  • Alejandro Pérez (Congas)
  • Juan David Fernández «Palo» (Timbales)
  • Diego Sánchez (Bongos)
  • Vladimir Romero (Trombón)
  • José Miguel Vega (Trombón)
  • Adalber Gaviria (Saxofón)
  • Roland Nieto (Trompeta)
  • Javier Galavis (Ingeniero de sonido)
  • Ray Fuquén (Productor de campo)

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Publicado en: 2026

Antonio Adolfo El Maestro Imborrable de la Música Brasileña

29 mayo, 2026 by Augusto Felibertt

Antonio Adolfo El Maestro Imborrable de la Música Brasileña

De la Cuna Clásica a la Revolución del Jazz y la Bossa Nova

Esa herencia musical es fundamental para entender la grandeza de Antonio Adolfo.

Nacer en un hogar donde el violín de la orquesta del Teatro Municipal de Río de Janeiro era parte del paisaje cotidiano moldeó su sensibilidad desde la cuna. Aunque creció rodeado de la rigurosidad clásica de su padre, su destino estaba en las teclas, el jazz y la revolución de la música popular brasileña.

De la Cuna Clásica a la Revolución del Jazz y la Bossa Nova
De la Cuna Clásica a la Revolución del Jazz y la Bossa Nova

Hijo de un violinista clásico, Antonio Adolfo nació en el bohemio barrio de Santa Teresa, en Río de Janeiro, bajo el signo de Acuario en 1947. A la temprana edad de 16 años, el joven pianista ya pertenecía al exclusivo club de la bossa nova que se gestaba en el famoso callejón Beco das Garrafas, liderando agrupaciones que se posicionaron al frente de la escena, como el Conjunto Cinco y el Samba Trio 3-D. Poco después, participó en el emblemático musical Pobre menina rica de Carlos Lyra y Vinicius de Moraes, comenzando a hacerse un nombre en el sector.

A partir de 1967, al formar un binomio creativo con el letrista Tibério Gaspar, Adolfo se convirtió en uno de los grandes detonadores de la melodía moderna en Brasil, componiendo éxitos masivos como «Sá Marina» y «Juliana».

Antonio Adolfo El Maestro Imborrable de la Música Brasileña
Antonio Adolfo El Maestro Imborrable de la Música Brasileña

Al mismo tiempo, al frente del grupo Brazuca, estableció un tono de pop electrónico sumamente moderno para la época (con temas como «Teletema» y «Ana Cristina») que culminó en la abrasiva carretera musical de «BR-3», una canción que causó gran polémica y sacudió las estructuras de los festivales de la época.

El Espíritu Pionero y la Consagración Internacional

Tras ser miembro de la banda que acompañó a la legendaria Elis Regina en dos giras por Europa, y perfeccionar su técnica en París con la célebre maestra clásica Nadia Boulanger —además de estudiar en Brasil con los maestros Guerra-Peixe y Esther Scliar—, Antonio Adolfo estaba listo para dar otro gran salto.

En 1977, en un acto de valentía y espíritu pionero, lanzó el disco Feito em Casa (Hecho en casa) bajo su propio sello discográfico, Artezanal. Este fue el puntapié inicial de una corriente libertaria: el disco independiente en Brasil, desencadenando la aparición de dinámicas artísticas que divergían de las leyes del mercado tradicional. Bajo este sistema autogestionado, Adolfo registró tanto material propio (incluyendo música para niños que promovía el juego libre) como revisiones fundamentales de los clásicos del pianeiro, transformando las obras de Ernesto Nazareth y Chiquinha Gonzaga para el piano contemporáneo.

Esta versatilidad demostró que, como intérprete y creador, Adolfo había logrado una posición poco común: dominar el lenguaje contemporáneo desde la atemporalidad.

Desde 1985, el maestro ha centrado gran parte de su energía en su escuela de música, el Centro Musical Antonio Adolfo, además de participar en eventos internacionales como educador, sin dejar jamás de lado su carrera en los escenarios.

Su profundo trabajo con la música de Chiquinha Gonzaga y el jazz lo ha hecho acreedor de prestigiosos premios y nominaciones. Asimismo, es autor de siete libros de texto sobre música brasileña publicados por la editorial Lumiar, una lección en video y dos libros editados en el extranjero. Durante ocho años, fue el digno representante de la IAJE (Asociación Internacional para la Educación del Jazz) para América Latina.

En los últimos años, Antonio Adolfo ha regresado a los escenarios con mayor frecuencia, ya sea en formato de piano solo o en grupo. De una de sus presentaciones en una universidad de los Estados Unidos junto a su hija, la cantante Carol Saboya, nació un aclamado álbum en vivo editado tanto en Brasil como en el exterior: Antonio Adolfo & Carol Saboya Ao Vivo / Live. A este éxito le han seguido producciones discográficas sumamente aplaudidas por la crítica internacional, como Here and There / Aquí y Allá.

Chiquinha Com Jazz (1997)
Chiquinha Com Jazz (1997)

Joya Discográfica: «Chiquinha Com Jazz» (1997)

Un ejemplo perfecto de su genialidad para fusionar las raíces brasileñas con la libertad del jazz es su álbum de 1997 dedicado a la pionera Chiquinha Gonzaga.

Lista de Temas:

  1. Atraente
  2. Cordão Carnavalesco
  3. Lua Branca
  4. Angu
  5. Gaúcho (Corta-Jaca)
  6. O Forrobodó
  7. Corte Na Roça
  8. Satan
  9. Ismênia
  10. Faceiro
  11. O Abre Alas

           Músicos:

  • Antonio Adolfo: Piano y arreglos musicales
  • Gabriel Vivas: Contrabajo
  • Ivan Conti: Batería
  • Claudio Spiewak: Guitarra acústica

Colaboradores:

L’Òstia Latin Jazz

Dj. Augusto Felibertt

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Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Junio, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Orquesta, Radio

Héctor «Tempo» Alomar la Voz Candente y el Ritmo El bendecido por «El Cantante de los Cantantes»

28 mayo, 2026 by Augusto Felibertt

El legado incalculable de un gigante de la percusión y el canto afroantillano

Héctor «Tempo» Alomar nació el 28 de diciembre de 1950 en la Parada 19 de Santurce, Puerto Rico.

Cantante, percusionista y sonero de casta, se convirtió en una figura imprescindible de la salsa gracias a su destacada participación en agrupaciones de la talla de la Orquesta La Conspiración, La Diferente, Conjunto Libre, La Charanga Afrocubana, La Charanga América, Orquesta Broadway, Charanga la Tapa, Casanova y su Montuno, Batacumbele, El Combo de Siempre, , Jhonny Rodríguez, Zaperoco, la Orquesta de Nacho Sanabria, el Grupo ABC y, de manera consagratoria, el Apollo Sound de Roberto Roena. Asimismo, lideró su propia agrupación musical bajo el nombre de Sexteto La 51, su última grabación con el legendario y leyenda viviente de Fania All Stars Eddie Montalvo.

Héctor Tempo Alomar la Voz Candente y el Ritmo
Héctor Tempo Alomar la Voz Candente y el Ritmo

El recordado exmiembro del Apollo Sound falleció a los 70 años en su natal Puerto Rico, el 9 de mayo de 2021, dejando un vacío profundo en el mundo del coleccionismo y la cultura salsera.

Un ritmo que corría por las venas

Hijo de Doña Isabel Román y Don Luis Alomar, el pequeño Héctor mostró desde muy temprano una conexión innata con la clave.

Su madre solía recordar que el niño marcaba el ritmo con cualquier utensilio de cocina que tuviera a mano, llegando a romper varios vasos de cristal al intentar extraerles sonido con los cubiertos.

Su primera grabación profesional la realizó siendo aún menor de edad, con apenas 15 años. Ocurrió cuando el productor Joe Blanco lo invitó a grabar la percusión con Chacón y sus Batirrítmicos, plasmando su talento en cortes como «Ahorita va a llover» y «Mi guajira».

En 1968 se mudó a Nueva York, y para 1970 se reencontró con su gran amigo de la infancia, el maestro Ángel «Cachete» Maldonado, quien lo introdujo en los círculos musicales de la urbe neoyorquina, impulsándolo decisivamente a desarrollarse como cantante.

Héctor Tempo Alomar nació el 28 de diciembre de 1950 en la Parada 19 de Santurce, Puerto Rico
Héctor Tempo Alomar nació el 28 de diciembre de 1950 en la Parada 19 de Santurce, Puerto Rico

El bendecido por «El Cantante de los Cantantes»

«Tempo» Alomar ingresó como timbalero a la Orquesta La Conspiración, donde permaneció unos tres años. Posteriormente, gracias a la recomendación del trompetista y arreglista José Febres, el director Rafy Val lo reclutó para La Diferente, teniendo la oportunidad de grabar salsa formalmente por primera vez en el álbum Fuerza Bruta, bajo la producción de Larry Harlow.

Durante su etapa con La Conspiración, ocurrió una anécdota mítica en el Club El Hipocampo de Nueva York, justo después de un concierto de la Fania All-Stars. Héctor Lavoe, quien debía cantar esa noche en el club, se retrasaba y la banda no podía iniciar. «Cachete» Maldonado le aseguró a José Mangual Jr. que «Tempo» se sabía el repertorio y lo recomendó para subir a la tarima.

Por profundo respeto a Lavoe, Alomar dudó, pero terminó subiendo al escenario para interpretar «Juana Peña», ganándose los aplausos del exigente público. A mitad del segundo tema, «No me llores más», vio entrar a Héctor Lavoe al local y, de la impresión, detuvo su canto. Fue el propio Lavoe quien, desde el público, le hizo señas para que continuara.

Al finalizar la presentación, «El Cantante de los Cantantes» subió a la tarima, lo felicitó calurosamente y lo animó a seguir adelante en el canto.

Consagración en la Gran Manzana

Hacia 1973, nuevamente recomendado por «Cachete» Maldonado, audicionó para el maestro Manny Oquendo, quien buscaba una voz para el Conjunto Libre. Fue aceptado de inmediato. Tras seis meses de intensos ensayos diarios, el grupo encadenó éxitos memorables en la voz de «Tempo» como «No critiques», «Tú no me quieres», «Bamboleate» y «El Changó de María».

Tempo Alomar El legado incalculable de un gigante de la percusión y el canto afroantillano
Tempo Alomar El legado incalculable de un gigante de la percusión y el canto afroantillano

Fueron cinco años dorados con El Libre, tiempo durante el cual también grabó un disco con La Charanga Afrocubana de Néstor Torres.

Al llegar la década de los 80, se integró a la Charanga América. Su versatilidad y cotización en la escena neoyorquina lo llevaron a colaborar y grabar con figuras estelares: Alfredo de la Fe, Johnny Rodríguez, Víctor Paz, Jorge Dalto y el sello Latin Percussion. Asimismo, colaboró con la Orquesta Broadway, Casanova y su Montuno, tocó la conga para Pete «Conde» Rodríguez y los timbales para el maestro Eddie Palmieri.

En 1985 decidió regresar a Puerto Rico. En la Isla del Encanto aportó su talento a agrupaciones insignes como Batacumbele, Zaperoco y El Combo de Siempre de Héctor Santos, compartiendo tarima en esta última con Ismael Rivera Jr. (Maelito). Además, de la mano de Felo Barrios, realizó una prestigiosa gira de un mes por los Estados Unidos junto al contrabajista Israel López «Cachao».

La era dorada con Roberto Roena y el Apollo Sound

En 1993, mientras ensayaba con el Grupo ABC (con quienes trabajaba junto a Nacho Sanabria y Roberto Angleró), el legendario Aníbal Vázquez  tío de Roberto Roena  lo invitó a participar como cantante en una grabación especial para la televisión local con el Apollo Sound.

Roena quedó encantado con el estilo y la cadencia de «Tempo», a pesar de que el vocalista no dominaba las letras completas de algunos temas para ese show televisivo.

Roberto Roena y Tempo Alomar
Roberto Roena y Tempo Alomar

Con la picardía que lo caracterizaba, el propio Roena escribió los textos en grandes cartulinas debajo de las cámaras de televisión e instruyó al camarógrafo para que no le hiciera primeros planos a Alomar, evitando así que el público notara que estaba leyendo.

Esa química dio pie a 16 años ininterrumpidos de éxitos consecutivos con el Apollo Sound y a una entrañable amistad entre Roena y Alomar que perduró para siempre. Juntos inmortalizaron joyas musicales como «Dale como es», «El pueblo pide que toque», «Atrévete conmigo», «Sr. Bongó», «Baila y goza», «Mi mambo pide campana» y el súper éxito internacional «Cómo te hago entender», un corte que se convirtió en un himno de la salsa y los llevó a recorrer plazas multitudinarias en Colombia, Panamá, Perú, Venezuela y toda Europa.

Durante su fructífera estancia en el Apollo Sound, «Tempo» también participó activamente en la selección de músicos de sesión y acompañó a diversos artistas.

Uno de sus cruces culturales más recordados fue su colaboración con el ícono del género urbano Tego Calderón en su icónico álbum El Abayarde, donde Alomar unió su voz para cantar el clásico «Planté bandera».

Héctor «Tempo» Alomar permanece en la memoria de los melómanos del mundo como un baluarte de la síncopa, un sonero de esquina y un caballero del ritmo.

Colaboración:

Historia Salsera

Dj. Augusto Felibertt

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Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Entrevistas, Junio, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta

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