Augusto Felibertt

Lizna Tovar radicada en la Ciudad de Charallave Estado Miranda en Venezuela.

Inicia sus pasos en la radio en el 2015, participando en un segmento de salud para un programa radial en 102.5fm en el estado San Carlos Edo. Cojedes, Venezuela.

Al año siguiente cambian el programa a la emisora Plata 105.7 FM, en el cual el director Gonzalo Playa le ofrece incursionar a fondo en la locución, dándole la oportunidad de tener su propio espacio al cual le dio como nombre «La buena vibra en radio», de corte urbano inclinado hacia el reggae, ska y rap.

Siempre con la intensión al apoyo nacional, logro ser el programa más buscado con los nuevos talentos en la región, llegando a ser siempre la invitada especial en sus diferentes presentaciones.

Su preparación la continúo con «Gente de radio» y con la escuela del director de la misma emisora el cual daba la mejor escuela para grandes locutores del Estado hoy día.

En el 2019 avanza hacia el Voice Over, logrando llegar a ser la voz oficial de innumerables DJs. a nivel nacional e internacional, voz oficial de diferentes emisoras como Fantástica 97.5 FM en Venezuela, Latino FM Web de Islas Canarias, Radio Constelación Musical de Arizona, entre otras.

Tuvo la oportunidad de identificar al canal de entretenimiento adulto Venus.

Este último le dio un impulso con las grabaciones en tono sensual, sugiriéndoles a muchos colegas del medio y su eslogan fuese la voz sensual.

Al continuar con su participación en radio estuvo como voz femenina en el programa Baúl Salsero y de este pasando a su propia producción Voltaje Salsero, llevándola a ser la voz femenina en las presentaciones de diferentes cantantes.

En conjunto con la colega Deisy Bonett llega a otra producción llamada Ni tam Santas ni tam Fiablas, transmitido en K-ribeña stereo.

En agosto del presente año es anunciada su nominación en los Premios Latino de Oro 2022 en la categoría de Voice Over en mención internacional, resultando la ganadora de dicho galardón y voz oficial del mismo.

Premio Latino de Oro 1era Edición.

Un merecido reconocimiento al talento en evolución de Cantantes, Orquestas, Djs y Comunicadores cuyo esfuerzo y dedicación por lograr un espacio en el ámbito musical merecen ser reconocidos, especialmente por trabajar día a día para brindar entretenimiento, información y mucha alegría latina a todos los rincones del planeta.

Premio Latino de Oro reúne un ecosistema compuesto por artistas y orquestas tanto emergentes, como de reconocida trayectoria y de mayor proyección a nivel mundial, aportando un gran nicho de talento diversificado que la industria del espectáculo requiere diariamente, también se concentra la red de Djs más representativa del mundo Latino, además del circuito de radio latino On line más global que existe cuya ventana musical es el sueño de todos los artistas.

Hoy en día también activa en las redes sociales, forma parte de un proyecto llamado «Nuestra Visión» transmitido todos los martes trasmitidos vía live de instagram, producido por Carlos Viloria en conjunto con el equipo conformado por el profesor e historiador Jeijal Perez y DJ. Julio el negro.

Sigue su preparación y aprendizaje constante en este medio y el apoyo al talento nacional, dedicada a realizar sus proyectos con su lema “Trabajando siempre en pro a lo positivo” Y es que lo que se hace de corazón transmite energías positivas.

No piensa en rivalidades ni competencias, solo realizar un buen trabajo y en miras de mejorar la calidad, conocimientos y experiencia.

Lizna Tovar (Voice Over)

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Un 1ro de noviembre del año 1955 en Cartagena de Indias nació Álvaro José Arroyo González, mejor conocido como “Joe Arroyo”.

Fue un excelente cantante y compositor colombiano de música salsa y tropical, considerado como uno de los más grandes intérpretes de música de su país.

Sus canciones fueron éxito a nivel nacional e internacional, ganó múltiples discos de Oro a lo largo de su carrera, entre ellos, 18 Congos de Oro y  Súper Congos ganados en el festival de Orquestas del Carnaval de Barranquilla.​

Entre sus canciones más relevantes destacan «La rebelión», «Tania», «Mary», «En Barranquilla me quedo», «El Ausente», «Tumbatecho», «Centurión de la Noche», «Manyoma», «La noche», «La rumbera», «La guarapera», «El trato»,«Con Gusto y Ganas»,entre otras.

En noviembre de 2011, Arroyo ganó el premio Grammy Latino como mejor cantante/compositor en la ceremonia de los Grammy Latinos 2011.

Nacido y criado en el barrio Nariño de Cartagena, Arroyo comenzó su carrera a muy temprana edad, cuando desde los ocho años cantaba en bares y burdeles de Tesca, zona de tolerancia de su ciudad natal.

En sus inicios cantó con agrupaciones como Los Caporales del Magdalena, Manuel Villanueva y su Orquesta y el Supercombo Los Diamantes (las dos últimas en 1970); en 1971 grabó con La Protesta.

Para mirar bien atrás, empezó con la canción «Manyoma», que es de Fruko, pero que tiene mis arreglos. Allí nació ese golpe, pero en realidad se hizo fuerte cuando yo llevaba cuatro años con mi banda. Es un sonido que tiene soka, salsa, sonidos africanos, cumbia, brisa del mar y un 50 % que nace de mí pero que no tengo ni puta idea qué es.

Joe Arroyo comentando los orígenes del joesón.

En 1973 tiene su gran oportunidad cuando firma para Discos Fuentes después de que en el parque Suri Salcedo, en Barranquilla, al productor, autor y director artístico de Discos Fuentes Isaac Villanueva le llamó la atención un «pelao» que cantaba con la onda de la cubana Celia Cruz. El locutor Mike Char se lo había recomendado a Fruko y le dijo que podía verlo en acción en la caseta El Escorpión, en el balneario Pradomar (Atlántico), como voz de la orquesta de planta, La Protesta.

El domingo Villanueva estaba en el lugar. Y le causó más impacto. Habló con Leandro Boiga, director de La Protesta, y obtuvo permiso para llevarlo a ensayar días después a Medellín. Así se vinculó Joe Arroyo a la agrupación de Fruko y sus Tesos, orquesta con la que alcanzó gran fama y con la que grabó ininterrumpidamente hasta 1981.

Entre 1974 y 1975 actuó con Los Líderes (Los barcos en la bahía), entre 1976 y 1981 con The Latin Brothers (La guarapera), en 1976 con Los Bestiales, en 1978 con Pacho Galán (Volvió Juanita) y con La Sonora Guantanamera, y en 1980 con Los Titanes.13​ También hizo coros en otros grupos como Piano Negro, Afro Son, Los Rivales, Los Bestiales, Wanda Kenya, los Hermanos Zuleta, el Binomio de Oro, Juan Piña, Mario Gareña, Gabriel «Rumba» Romero, Claudia Osuna, Claudia de Colombia, Oscar Golden, Yolandita y los Carrangueros, entre otros.

En 1981 fundó su propia orquesta, La Verdad, con la que se dedicó a mezclar diversas influencias musicales, fundamentalmente la salsa con la música costeña (cumbia, porro, chandé, entre otros) y con diversos ritmos del Caribe (socca, reggae) hasta crear su propio ritmo, el «joesón».

Algunos de los éxitos grabados con La Verdad son clásicos de la música costeña que le valieron muchos premios y ser considerado el Rey del Carnaval de Barranquilla, del que ganó 10 Congos de Oro y un Supercongo de Oro (creado especialmente para él) en el Festival de Orquestas.

Uno de sus mayores éxitos fue «La Rebelión» (1986), canción que narra la historia de un matrimonio africano, esclavos de un español, en la Cartagena de Indias del siglo XVII.

El solo de piano, ejecutado por Chelito De Castro, y los soneos de Arroyo hicieron de «La Rebelión» un éxito inmediato que aún se baila en las fiestas y discotecas del continente.

En México sucede el mismo fenómeno desde que se publicó por primera vez el tema en el LP «Tequendama de Oro Volumen 7» de Discos Peerless en 1987 y su LP «Joe Arroyo y su Orquesta La Verdad, Grandes éxitos», aún a la fecha el tema es muy popular en el movimiento sonidero.

Otras de las canciones más exitosas de Joe Arroyo fueron «El Caminante», «Confundido», «Manyoma», «Tania» (dedicada a su hija) y «El Ausente», todas grabadas con Fruko.

El álbum «Fuego en mi mente» (1988) contiene canciones con influencias de la música africana y de la salsa contemporánea. Con «La guerra de los callados» (1990), realizó su primera gira española. En 1993 editó «Fuego» y volvió a tocar en España.

Joe Arroyo grabó con las casas disqueras Discos Tropical (1970-1971), Discos Fuentes (1973-1990) y Discos Sony (1991-2002). Luego de una temporada de 11 años en Discos Sony, regresó a Discos Fuentes de Medellín en 2003, donde grabó sus últimos trabajos: «Se armó la moña en carnaval» (2004), «Mosaico de trabalenguas» (2006) y «El Super Joe» (2007).

Joe Arroyo es uno de los cinco colombianos que han aparecido en la portada de la revista Rolling Stone

Desde principios de los años 1980, Joe Arroyo sufrió múltiples quebrantos de salud que le impidieron realizar giras de conciertos y por los cuales varias veces fue dado por muerto.

El 7 de septiembre de 1983 fue dado por muerto tras sufrir una tiroides retrospectiva que lo mantuvo alejado de los escenarios.​ En 2000, estuvo a punto de morir en Barcelona a causa de un coma diabético y una neumonía.9​

Su historia médica registró una isquemia, problemas renales, motrices y dificultad para cantar. Incluso en algunos conciertos debió ser ayudado a subir a la tarima debido a estados de debilidad y desorientación.

En 1997 pese a sus problemas de salud hizo una aparición especial en la telenovela Perro amor.

La salud del cantante cartagenero se vio afectada el 26 de abril de 2011 y permaneció internado desde fines de junio de 2011 en la clínica La Asunción de Barranquilla en cuidados intensivos por un cuadro clínico de crisis hipertensiva, cardiopatía isquémica y diabetes mellitus con descompensación simple.

Estuvo conectado a un respirador artificial, se le practicó diálisis y se le realizó una traqueotomía. Su estado dio lugar a que en las redes sociales lo dieran por muerto, lo cual era desmentido tanto por sus familiares como por la institución hospitalaria.

Todo lo anterior se desarrolló en medio de una polémica entre la familia anterior del cantante (su exesposa Mary Luz Alonso y sus hijos) y sus amigos, que consideraban que Joe estaba siendo explotado por su esposa Jacqueline Ramón y por su representante musical, quienes manifiestaban que Joe Arroyo no padecía quebrantos importantes de salud y anunciaban su pronto regreso a los escenarios.

Murió el 26 de julio de 2011, a las 7:45 (UTC -5), en la clínica La Asunción de Barranquilla a causa de un paro cardiorrespiratorio, producto de una falla multiorgánica (tensión alta, infecciones, problemas renales) que lo había mantenido en cuidados intensivos desde el lunes 27 de junio del mismo año.

Fue sepultado el 27 de julio de 2011 en el cementerio Jardines de la Eternidad de Puerto Colombia.

El 19 de octubre de 2011, su cadáver fue trasladado a un área especial para personajes ilustres en el cementerio Jardines de la Eternidad.

El 17 de diciembre de 2011, la Alcaldía de Barranquilla inauguró una estatua de Joe Arroyo en el parque de los Músicos.

Arroyo había firmado con Cenpro TV la realización de una miniserie sobre su vida, una vez finalizase Alejo, la búsqueda del amor de Caracol Televisión, pero en 2000 Cenpro TV quebró tras la crisis de la TV pública en Colombia.

Entre junio y diciembre de 2011 el canal RCN transmitió una telenovela basada en la vida del cantante llamada El Joe «La Leyenda». Lamentablemente el cantante falleció durante la transmisión la serie.

Después de su fallecimiento, Jacqueline Ramón y Mary Luz Alonso (dos exesposas de Arroyo) decidieron construir dos museos respectivamente. El museo de Jacqueline exhibirá varios artículos destacados durante su trayectoria musical como los 18 Congos de Oro ganados en el Carnaval de Barranquilla.

En un futuro se espera trasladar el museo a un lugar más apropiado, una vez obtenido el visto bueno del Ministerio de Cultura.

En el lugar también se exhibirá una estatua de cera diseñada por un escultor estadounidense.

El otro museo, ubicado en la casa de Mary Luz Alonso Llanos y sus hijas Eykol y Nayalibe Arroyo, también presentará artículos, fotos y otros Congos de Oro, además de una estatua.

En julio de 2011, la alcaldía de Barranquilla decidió llamar a una de las estaciones del sistema de transporte masivo de la ciudad, Transmetro, «Estación de Retorno Joe Arroyo», en tributo al legado musical del cantante. Según el entonces Gerente de Transmetro, Manuel Fernández Ariza, la estación Joe Arroyo es la más importante del sistema integrado de transporte.

El 1. º De marzo de 2012, un científico colombiano descubrió una especie nueva de abeja en la Costa Caribe colombiana que fue denominada en honor del cantante, la Geotrigona Joearroyoi.

El mismo día de la muerte de Joe Arroyo, el cantante Checo Acosta compuso «Adiós Centurión» mientras hacía un viaje desde Medellín con rumbo a Barranquilla.

El vídeo y la canción fueron lanzados meses después. Otra canción con la que se le rindió homenaje fue titulada El Rey Del Carnaval, que contó con la participación de Juan Carlos Coronel, Petrona Martínez, el mismo Checo Acosta, el pianista y también cantante Chelito de Castro, Ricardo El Pin Ojeda, quien fue timbalero de la orquesta La Verdad y también con Eykol Tato Arroyo hija del Maestro. Esta canción fue incluida en el álbum conmemorativo que hizo la Cervecería Águila.

Joe Arroyo

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Irakere se conforma como tal en 1967 pero había empezado a trabajar mucho antes; en ese año precisamente van a una selección convocada en La Habana para organizar con los mejores músicos de entonces la Orquesta Cubana de Música Moderna; ya en 1972 se acercaban a lo que actualmente producen decidiendo en 1973 llamarle Irakere, que en lengua Yoruba quiere decir Vegetación y es así como partiendo de su nombre trabajan con base en las raíces musicales afrocubanas.

De esta manera, a través de la combinación, mezcla e interrelación de lo clásico, el impresionismo, el jazz, el rock y varias técnicas de composición logran pasearse por todos los estilos tales como la música bailable, la de concierto, la tradicional y la popular cubana.

Gracias al impulso del pianista Chucho Valdés, el grupo cubano Irakere levantó vuelo en 1973, nutrido del bop de Thelonious Monk.

Fundadores

Grupo Irakere: Fue fundado en La Habana en 1973, por:

Jesús Valdés(Chucho)compositor, director y pianista;

Paquito D’Rivera (Paquito), saxofón alto, tenor, flauta y clarinete;

Carlos Averhoff, saxofón tenor, soprano, flauta y clarinete bajo;

Jorge Varona, trompeta, trombón de pistones y percusión;

Carlos del Puerto, bajo, guitarra bajo y tuba;

Carlos Emilio Morales, guitarra;

Bernardo García, drums y tambores batá;

Jorge Alfonso, tambores batá;

Enrique Plá, batería;

Carlos Barbón, güiro, chekeré y pandereta, y

Oscar Valdés, cantante, tumbadora (conga), tambores batá y bongó.

Gracias al impulso del pianista Chucho Valdés, el grupo cubano Irakere levantó vuelo en 1973

Sobre la fundación de Irakere, expresó Chucho Valdés:

«Para nosotros el Grupo siempre existió, estuvo presente en todo momento; era como algo pendiente. Al inicio no tenía nombre, sólo era una idea en la que trabajábamos: utilizar la percusión folclórica cubana en la música bailable, y buscarle timbres distintos y con una característica común: “nuestros”.

Entonces a Oscar Valdés se le ocurrió combinar el nada fácil y poco conocido tambor batá con tumbadora, güiro y cencerro y así, paso a paso llegamos al actual Grupo…»

Sobre primera etapa de Irakere, el musicólogo Leonardo Acosta apunta: «uno de los aciertos de Irakere había sido no tratar de inventar e identificarse con un “nuevo ritmo”, según las viejas pautas de reclamo publicitario tan socorridas desde los años cuarenta hasta los propios sesenta.

El slogan sobre el “nuevo ritmo” fue hasta fecha reciente el “ábrete sésamo” con el que los músicos contaban para hacerse famosos de la noche a la mañana, y por ese camino se llegó a veces a resultados bastante comerciales.

Aparte de que ningún “nuevo ritmo” es tan nuevo, todos proceden de la alteración o de la amalgama de ritmos preexistentes.

La única alquimia de Irakere procede de la espontánea creatividad de sus integrantes. Al no existir ningún empeño comercial, se hacen innecesarias las prácticas de laboratorio, y el grupo puede interpretar una contradanza, un danzón, un son montuno o un cha cha chá sin temor a parecer “anticuados”, ya que de hecho están tocando al mismo tiempo otra cosa. Y sin proponérselo como meta, ni tener que inventar un nombre de “pega”, casi por un imperativo del propio material que trabajan, van surgiendo nuevas combinaciones rítmicas, hasta el punto en que el ritmo de Irakere resulta inconfundible entre los oyentes o bailadores cubanos.

Ciertamente, y a pesar de sus triunfos en festivales internacionales de jazz, Irakere no es un grupo de jazz. Pero tampoco esos éxitos son gratuitos, pues como hemos visto, cuentan con formidables músicos de gran experiencia en el terreno jazzístico, sobre todo en el aspecto de la improvisación, el gran hallazgo del jazz y quizás su mayor aporte a la música del siglo XX .

“Paquito D’Rivera: Irakere nació contra la voluntad de las autoridades cubanas”.

Cuando se habla de música cubana surge el nombre de una de las agrupaciones más emblemáticas de la historia musical del país, Irakere, que en lengua yoruba significa vegetación, selva.

Y es que Irakere se convirtió en la semilla que haría germinar un frondoso bosque de ritmos y sonidos, una escuela por donde han desfilado muchas de las grandes estrellas de la música cubana.

Con más de cuatro décadas de fundada esta legendaria banda ha sido pionera del jazz afrocubano e iniciadora de la revolución musical en los años setenta.

Irakere surgió en una época en la que por exigencias políticas en la Isla, la música y la cultura eran tratadas como instrumento de identificación revolucionaria y en el que el jazz estaba tildado de música imperialista.

Fue en estos momentos, finales de la década de los sesenta e inicios de los setenta, que un grupo de grandes músicos fundaron una banda cuya principal apuesta era enriquecer la música popular bailable cubana junto al jazz latino como elementos esenciales.

Bajo la dirección del destacado pianista Jesús “Chucho” Valdés se reunieron músicos de excelencia que buscaban una sonoridad diferente, a partir del uso de la percusión folclórica afrocubana junto a los timbres renovados de los ritmos populares de la época que fusionaban el jazz, el rock, el funk y los ritmos populares cubanos como el son, el mambo o el cha cha chá, junto a la música clásica o de concierto.

“Irakere fue la Generación Musical del cambio”

Fuentes:

https://www.ecured.cu/Irakere

Leonardo Acosta

Radio Televisión Marti

Mirna Guerra

Irakere

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Uno de los himnos salseros de Puerto Rico es, sin duda, ‘Borinquen’. A continuación, Papo Lucca, líder de la famosa agrupación salsera, nos cuenta por qué incluyó al percusionista peruano en aquella canción.

Papo Lucca necesitaba un percusionista experto en danza puertorriqueña para el tema ‘Borinquen’, escrito por Johnny Ortiz, y que incluiría en el LP ‘Unchained Force’.

Era 1980 y por esos días Carlos Peluzza Del Carpio, el versátil músico peruano, estaba en San Juan.

Papo no dudó en convocarlo. “Él vivió mucho tiempo aquí en Puerto Rico”, nos dice el líder de la Sonora Ponceña al teléfono. “Es que en la Sonora yo no tengo redoblante.

Y como Peluzza estaba aquí y compartía sus jornadas musicales con muchos artistas de Puerto Rico, sí sabía de esos secretos de la danza puertorriqueña. Fue por esa razón que lo invité para que estuviera en esa grabación, recuerda Papo, 37 años después.

El encargado de ir a buscar al músico peruano fue Wison Torres Jr., quien de paso se encargó de los arreglos del tema (junto a Papo). A ‘Peluzza’ solo se le informó que lo requerían en una sala de grabaciones. Al llegar vio la percusión lista, un bajo y un piano.

A los minutos llegó Papo, lo saludó y empezó la memorable sesión. El percusionista recuerda aquello como uno de los momentos más bellos de su vida. ‘Borinquen’, en sus 6.56 segundos, fue un éxito.

La voz la puso Yolandita Rivera, una de las más grandes soneras que ha nacido en la Isla del Encanto. Los coros estuvieron a cargo de Toñito Ledee, Miguelito Ortiz y Edwin ‘Caneca’ Rosas. Papo quedó satisfecho. Y Carlos ‘Peluzza’ atesora con cariño la historia.

Esa es solo una de las tantas anécdotas que tiene el famoso pianista con los peruanos. Recuerda que un día en la televisión de su país una muchacha y su padre cantaban el tema ‘Fina estampa’. Le gustó.

Por eso, en 1979, en el disco ‘La Ceiba’, en el que canta Celia Cruz, decide incluir aquel famoso vals de Chabuca Granda. “A partir de ahí conocí otras piezas de la música criolla peruana”, nos dice.

Papo ha visitado muchas veces Lima. Ya perdió la cuenta. Tiene amistades. Por ejemplo, es compadre de Carlos Aparicio, el entrenador de vóley. Asegura que alguna vez hasta participaron en un juego de las chicas de Alianza Lima. Además, nos recuerda que Edwin Caneca Rosas es también árbitro de ese deporte. Así que todo conspiraba.

Es una mañana de junio en La Perla, Callao, y la charla prosigue bajo la mirada de Juan Núñez, cantante peruano que justamente estuvo hace unas semanas en Ponce, Puerto Rico, cumpliendo un sueño: ensayando con la misma Sonora Ponceña. Papo es generoso con Juan, resalta sus cualidades para el canto y subraya la amistad que ha crecido entre ambos.

Precisamente, aprovechamos para preguntarle por el reciente hit de la orquesta titulado ‘Canción a mis amigos’. Esta salsa nació luego de los terribles desastres naturales que enfrentaron Perú y Colombia a inicios de este año con el fenómeno de El Niño Costero.

La composición es de Francisco Alvarado, quien la escribió en dos días. Las voces la pusieron Jorge Nicolai y Darvel García. Lo que les pasó a ustedes nos identificó mucho”, expresa Papo.

El músico añade que sintió que la Ponceña debía hacerse sentir con una canción de solidaridad. Ahora toca que suene en las radios limeñas. ¿Se popularizará?

Los veinte minutos de charla se terminan y con Papo quedan muchos temas en el tintero. Él es muy agradecido y Juan Núñez nos cuenta que detrás de su apariencia de solemnidad hay un ser humano que disfruta, que vive apasionado por la música y que siempre está observando cómo amalgamar sonoridades. La Sonora Ponceña sigue vigente y ojalá pronto podamos verla descargar en Lima.

Necesitamos corear ‘Canción a mis amigos’. Y que Carlos Peluzza, en una de esas, vuelva a redoblar en ‘Borinquen’. ¿También que cante Yolandita Rivera? Ojalá.

Fuentes:

Martín Gómez V.

Papo Lucca

Carlos Peluzza

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Edgar “Balín” Ocando, músico venezolano nacido en Caracas en la parroquia El Recreo, específicamente del bloque 7y8 de Simón Rodríguez.

Estudió música en la escuela José Reyna ubicada detrás del mismo edificio en donde habitaba, también estudió en el Conac de Sarria con el maestro Orlando Poleo.

En su infancia se reunía con amigos qué tenían la misma inquietud y pasión por la música, reuniéndose todos los fines de semana para hacer ruido como decía la vecina al que fin tras fin debía aguantar la música.

A raíz de esos ensayos fue a parar en una agrupación con el cual comenzó su carrera música ya recibiendo su primer pago como profesional a la edad de los 14 años con el grupo Ases de la Gaita, grupo formado por amigos de la infancia con la finalidad de alejarse de las drogas, que para los años 80 estaba muy  fuerte.

En el secundario ingreso a las filas del Coro Infantil Venezuela bajo la dirección del maestro Raúl Cabrera, en ese paso por el coro el hijo del profesor Cabrera conocido como Raulito, formo el grupo de salsa Sabor Latino pasando a formar parte del mismo.

Proveniente de una familia musical, siempre buscaba la manera de estar pegado a sus tíos Rafael y Yelitza Sivira,  los cuales eran cantantes del Polifónico Rafael Suarez y siempre buscaba la manera estar presente en los ensayos, siendo Yelitza Sivira la que toma la responsabilidad de llevarlo y solamente se limitaba a sentarse ver como vocalizaban con el piano de la mano de la directora María Cabrera, fue entonces cuando crean el Polifónico Infantil Rafael Suarez pasando a formar parte de la filas como barítonos.

Ya en la adolescencia a la edad de los 17 años entra a trabajar en un banco por medio de una beca que le otorga la institución Insbanca, y estando trabajando se crea la Coral del Banco Italo Venezolano participando así en encuentros coral bancario, fue entonces que vuelve a la música como instrumentista al ver en un anuncio de   prensa que solicitaban tamborero para formar parte de un grupo de gaitas, para lo cual fue a la audición donde habían infinidades de tamboreros y que del cual se quedó  con el puesto pasando a así a formar filas de Estrellas de   la Gaita.

Al año siguiente fue invitado por un amigo a formar parte del grupo Santoral de Freddy Rangel, llegando a grabar por primera vez en los Estudios Requena, al año siguiente en pleno ensayo con Santoral   fui llamado a formar parte del grupo Los Caracuchos de Joseito Rodríguez, formando parte como tamborero por 2 años y grabando en los Estudios Manoca, fue entonces donde ingresa a los talleres de percusión de la Fundación   Bigott con los maestro Alexander Livinali y Williams Troconis.

Estuvo en las filas de importantes grupos y orquestas Venezolanas como Los Caracuchos, Catatumbo, Los Casanovas, Melody Gaita, Sabor Latino, Orquesta La Moderna etc.

En el año 1999 cambia de rumbo y se traslada a México en donde ha participado como percusionista y corista en agrupaciones como Cokodrilos, Kumbia Kings, Sonora 100% Dinamita, Alicia Villarreal y hoy en día tiene su propia orquesta llamada Rumba Latina de Venezuela, la cual formó en 2005 y a abierto conciertos de grandes figuras internacionales como: Oscar D’ León, Willie Colon, Víctor Manuelle, Porfi Baloa y sus Adolescentes, Nigga, etc.

Al igual que a artistas mexicanos de la talla de Julión Álvarez, Los Tucanes de Tijuana, Mariana Seoane, El Grupo Pesado, Germán Montero, El Poder del Norte, Emilio Navaira entre otros.

Integrada por músicos de diferentes nacionalidades tanto  de Venezuela, Cuba, República Dominicana, México y de  la mano de nuestra oficina de Representaciones y sello disquero Indepe Music, seguiremos llevando nuestra música a más y más personas en cada rincón del país.

Edgar Ocando Manager

Phone(52)-8132179324

email. [email protected]

Edgar Balin Ocando

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