Norte America

Con el tanque lleno, Transición de Tito Rodríguez, Jr.

Bella Martinez, International Salsa Magazine de la mano de www.SalsaGoogle.com les presenta y recomienda altamente esta formidable y exquisita produccion de Tito Rodriguez Jr. El primogenito del Inolvidable Pablo «Tito» Rodriguez.

¡Que viva la música!  Repitan conmigo:  «Que vivan los músicos para que la sigan haciendo».  Y añado yo:  «Que viva la SALSA».

Tan pronto llegó a mis manos la escuché, muchas veces.  No que deba una explicación, pero no podía dejar de escucharla y largarme a ocuparme de mis obligaciones.

Tanto fue el embelese, que tuve que mandar la emisora de radio del salsero boricua de vacaciones unos días hasta terminar de escribir la nota que había optado por redactarse sola.  La cubierta del CD -mostrando la foto de Tito Rodríguez, Jr. se estableció sobre mi escritorio por varias semanas como si perteneciera a la superficie frente a la que me siento a diario.  Hasta que un buen día me dije:  Hoy espero poder entender el maridaje instrumental de todo lo que pasa en esta pieza.

Aquí voy…

En el primer corte (Bailando con la más fea) hubo varios compases después del primer minuto, que me transportaron a mis días de juerga en New York durante el lanzamiento bravo de aquella orquesta que hace tiempo no oigo.

Claro que, aunque aquella orquesta sonaba más grande de lo que era, esta que hoy examino -la de Tito Rodríguez, Jr.- suena más grande de lo que es y en esteroides; entre otras razones porque el barítono le aumenta la personalidad a este arreglo serio en sonido, aunque mano a mano con una lírica jocosa.

Durante el segundo tema (El vive bien) experimentamos un tema bien cubaneao de esos que va sandungueando las cinturas de quienes siguen los golpes de cuero a to’ fuete.

Poco antes de entrar al tercer minuto, el juego de saxofones y giros en los que el barítono y el bongó juguetean me sugieren que este tema comparte sabrosura con el anticipo del pregón aquel que reza “Salsa ahí na’ma’ como me gusta a mí…” de uno de los temas en la producción Colegas (2020) de Gilberto Santa Rosa.  De hecho, Gilberto colabora en esta producción, específicamente en el tema Volver.

En el tercer corte (Ándate nena), el solo de trompeta destaca dentro de un arreglo para orquesta grande y permite que la ejecución esté salpicada de conga, marcando la nostalgia del recuerdo de aquellas genialidades que las big bands tradicionales nos dejaron como legado.  Los saxofones suenan como los de las orquestas del Palladium.

El 4to tema (Volver) es un arreglo donde la influencia de los inventos de Bobby Valentín es evidente.  El tema arranca como los arreglos románticos de la década de 1990, aunque con un piano pesado y dominante, previo al juego del saxofón alto que le abre camino al resto de los saxofones en perfecta sincronía con la conga, el timbal y el bongó.  Este corte cuenta con la participación de Gilberto Santa Rosa, aunque el tema no necesitaba de Santa Rosa para brillar.

Tito Rodríguez, Jr. le dio paso al salsero más prolífico de la salsa comercial a interpretar un tema que era ya el diamante pulido de esta colección.

Me pareció un arreglo de big band clásica con un toque de avanzada donde los saxofones dan paso a un toque de arreglo musical que quiere ser de orquesta sonora.  Sin embargo, la perfección del asunto no deja que el toque sonoro arrope el concepto de big band moderna.  Bueno, yo me entiendo.  “Afinca y echa pa’ lante…” dijo Santa Rosa.

En el quinto tema (Con el tanque lleno) la orquesta inicia poderosa en sonido y jocosidad.  El tema trata de un “convertible, colorado y con el tanque lleno”.  El pregón reza: “Soy soltero y con el tranque lleno”.  No creo que se sorprendan cuando les confiese que ese es mi tema favorito dentro de esta colección.  La letra es chistosita, pero el arreglo es uno aplastante.

La correspondencia de la conga con el solo melódico del trombón a cargo de los soplidos de Alex Zapata acomodan la antesala de un cierre magistral, a cargo del conjunto de saxofones bajo el liderazgo del barítono a manos de Ismael Vergara.

El sexto tema (No vale la pena) es evidencia de la capacidad camaleónica de la voz de Sammy González, Jr. que lo mismo pregona, que sonea, que se vuelve el más romántico rogativo en medio de un tema pesa’o y todo dentro de una lírica romanticona y llena de sentimiento.  Bueno, pocas veces el hombre se hace “el víctima” de un rompimiento sentimental.

Esta es una de esas pocas veces, situación que torna los pregones en unos jocosos y nostálgicos al tiempo.  La contradicción de sufrir y reír es también visitada al final del mambo, lo que hace el tema uno de interés general además del interés musical que despierta.

El séptimo tema (Pa ti morena) es un son cubano bien bravo.  No sé si este son es interpretado en esa combinación improbable del estilo de Tito Puente, Machito y Tito Rodríguez a sabiendas o si fue pura casualidad.  A mí me pareció haber estado llegando al cielo mientras escuchaba la interpretación vocal de Sammy González, Jr. cuando el solo de saxofón alto me trajo a la realidad.

El inicio del corte #8 (Para los bailadores) marca el cambio de tempo a uno agresivo donde el bongó es el que dice para donde va el barítono. Cuando el intérprete de la parte vocal sugiere a Tito Rodríguez, Jr. entrar el mambo con un anticipado “y nos fuimos”, a nadie le cabe duda de la grandeza del sonido de la orquesta.

El solo de timbal a cargo de Tito Rodríguez, Jr. declina cuando el intérprete solicita “mambo otra vez”.  Es en este tema en el que más se siente el sonido distintivo de esta orquesta, uno inspirado en las tradicionales orquestas grandes o big bands aunque influenciado en las corrientes de avanzada.  En fin, que esto es salsa de verdad y es salsa para gozar.  Tal y como lo prometió la lírica, este tema trae al ruedo un ritmo bien guapachoso que no hay por que confundirlo con charanga.

Luego de terminar de escribir esta nota, habiendo ya escuchado la producción completa, me venció la tentación de pedirle audiencia a Tito y preguntarle “par de cosas” según yo.  Esa breve llamada se fue extendiendo y le pregunté todo lo que pude, aprovechándome de la nobleza del timbalero heredero de la musicalidad y el nombre de una de nuestras más grandes glorias de la música…

Durante la “cañona” que quise llamar entrevista orgánica, Tito me confirmó que Transición es su cuarta producción discográfica y la primera en llevar un título en idioma español.  Vamos bien, Tito.  A este disco le antecedieron:  Curious? (1978), en el que destacaron José Alberto “El Canario” y Rubén Blades; Eclipse (1995) and The Big Three Palladium Orchestra live at the Blue Note (2004).  ¿Por qué el título Transición?  Les cuento en la próxima.  Evidentemente, Tito merece otro capítulo de mi jornada salsera.  Nos hablamos pronto y les cuento su aventura de 2009 cuando estuvo en Puerto Rico cumpliendo uno de sus sueños musicales.

Tito Rodríguez, Jr. Transición

Por: Bella Martinez «La Escritora Irreverente de La Salsa»

Puerto Rico

WebSite: Bella Martinez

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Changó

La magia de un gran músico es que tiene la llave para abrir tu alma.  Te conduce a una dimensión plena de emociones alegres, te olvidas de todo tu dolor y tus problemas para solo bailar.  Para los yorùbás, uno de los hijos de Obatala es Changó. Representa la fuerza, la virilidad, los tambores, la música, el fuego, el rayo, la danza, la justicia, la necesidad y la alegría de vivir.  Si una persona era todo eso, era el señor Johnny Polanco.  El Sr. Polanco es recordado con muchísimo cariño por todos aquellos cuya vida llegó a tocar.  El 2 de junio, se cumplen seis años de su fallecimiento. 

Altagracia de Puerto Rico y Sócrates de Santo Domingo fueron sus padres.  Vivían en el Bronx, Nueva York.  Sócrates era el dueño de un taller de mecánica automotriz.  Aquí es donde seguramente Johnny tuvo su primer contacto con los motores de automóviles.  Desarrolló una pasión por trabajar con ellos y se graduó en la Alfred E. Smith High School; una escuela secundaria con amplia reputación en la enseñanza de talleres.  Es muy probable que fuese allí donde ampliara sus conocimientos sobre motores. Su talento creció hasta llegar a niveles de ingeniería.  Si alguien podía reparar un problema con un motor, ese era Johnny.  Todos los músicos sabían que, si había un problema, era Johnny el que podía solucionarlo por ellos. Hay una anécdota sobre cómo DJ Robbie llamó a Johnny alrededor de las tres de la mañana y este salió de la cama y acudió a su auxilio. 

Su otra pasión era la música.  Johnny nunca asistió a una escuela de música.  Dominaba varios instrumentos y aprendió a hacerlo sin ayuda de nadie. Todo el mundo dice que le regalaron una guitarra cuando contaba con unos cinco años de edad, pero no fue hasta los diez que su aprendizaje musical se volvió serio.  A los catorce años, ya tocaba con el grupo Steve Band Colon. Tocó con varios grupos de Nueva York como la Charanga Sensual y el Conjunto Saoco, solo por nombrar algunos. 

Johnny tenía los pies planos, pero eso no evitó que se alistara en el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos en 1979, el cual aprovechó sus conocimientos de motores y lo asignó al parque móvil.  Sus primeras asignaciones fueron en Camp Lejeune, Carolina del Norte, Parris Island, Carolina del Sur y Okinawa, Japón.  Johnny era un estadounidense patriota que amaba y servía a su país.  Justo antes de alistarse en el servicio, con veinticuatro años, Marion González dio a luz a Christopher y tres años después a Melody.  En 1980 los marines enviaron a Johnny a la costa oeste, a Camp Pendleton, California.  Marion y Johnny se casaron, pero su unión no sobrevivió y compartieron la custodia de sus hijos. El turno de las visitas de Johnny solía ser desde los viernes después de la escuela hasta los lunes por la mañana, de vuelta a la escuela. 

En 1984 Johnny estaba tocando en el New Porter Inn, Newport Beach, California.  Esa noche conoció a Joanna, una dama originaria del Bronx.  Ellos dicen que fue amor a primera vista, se casaron el 23 de enero de 1987 y ella siguió siendo su compañera por el resto de la vida de Johnny.  Joanna trabajaba como enfermera titulada y tenía dos hijos propios, Angela y Anthony Wheaton.  Establecieron su hogar en Lakewood, California, donde tenían a sus cuatro hijos juntos durante los fines de semana.  Fueron afortunados porque todos los niños se llevaban bien. Algunos los llamaban The Brady Bunch. 

Las largas y equipadas marchas y los pies planos de Johnny se volvieron un problema. En 1987, Johnny decidió ser músico a tiempo completo y se separó de los Marines con el rango de sargento E-5.  Cerca de su casa en Lakewood, Johnny aceptó trabajar durante el día para el Sr. Tom Scott, quien era propietario de una estación de servicio Union 76. Johnny se quedó con Tom durante los siguientes seis años hasta que este último vendió en 1992.  El trabajo estaba a poca distancia a pie de su casa de Lakewood. 

En Hollywood, había un veterano de Vietnam discapacitado que había estado estudiando negocios llamado Armando Castro.  Tras completar sus estudios, Armando abrió un pequeño restaurante. A pesar de su origen nicaragüense, Armando decidió servir comida cubana y llamó al restaurante El Floridita.  Empezaron a tocar salsa los lunes por la noche.  Cali Alemán fue la primera banda que tocó.  En 1993 la Orquesta Versatil tocaba los lunes por la noche.  Fue entonces cuando Armando Castro presentó a Johnny al líder de dicha agrupación, Carlos Navarro.  En ese momento Versatil era una banda muy popular y querida y Johnny encajaba perfectamente en ella.  

 

Entonces empezaron a suceder cosas, el líder de la banda Carlos tuvo que viajar a Venezuela y el arreglista Niño Jesús Alejandro se fue a Canadá. Así que tuvieron una reunión con Armando.  «Mete mano Johnny, forma una banda y hazte cargo».  Durante los siguientes 22 años Johnny tocó con su Conjunto Amistad en El Floridita los lunes por la noche.  La banda de Johnny era muy demandada. 

Albert Torres era consultor y maestro de ceremonia de más de 50 Congresos de Salsa anuales en todo el mundo. Tenía muchas conexiones y se convirtió en el manager de Johnny por unos 15 años.  Gracias a dichas conexiones, la banda tocó en Japón, Inglaterra, Italia, España, China, Tailandia, México y Costa Rica, por nombrar algunos.  Todo el mundo estaba ocupado y con poco tiempo libre, con el tiempo Johnny se encargaría de sus propias reservaciones y la relación con Albert simplemente desapareció. 

En el los negocios, sale la típica frase «ubicación, ubicación, ubicación». Nada podía ser más cierto que eso para «El Floridita». Amigos, este pequeño restaurante en un pequeño centro comercial que está justo al otro lado de la calle de … Pickford Center  ¿Qué es Pickford Center? Es la Academia de Artes de la industria cinematográfica. Ustedes saben, los «Oscars». La clientela incluía a directores, escritores, productores, actores como Patrick Swayze, Jay Leno, Jennifer López, Nicole Kidman, Robert Duvall, Mick Jagger, Edward Olmos y muchos más.  No sólo iban allí a comer, sino que era la conexión entre la industria cinematográfica y la salsa y el trabajo llegaba a raudales.  Johnny tocó para Hugh Heffner en la mansión Playboy y también en el Festival de Jazz de Playboy.  Prince eligió a Johnny para ser su telonero en Las Vegas.  Johnny compuso la banda sonora de innumerables películas (ver biografía). 

Cuando un general victorioso desfilaba en Roma, arriba de su cabeza, un esclavo sostenía la cornona de laureles mientras susurraba «esto también pasará» de forma constante.  La idea era mantenerlo con los pies en la tierra.  Johnny no necesitaba nada de eso eso.  Era un hombre que veía la injusticia en el mundo y siempre estaba pendiente del debil, del desvalido.  Era un hombre que compartía sus ganancias.  Muchos recuerdan cómo Johnny los llamaba para darles trabajo a sus bandas.  A la fecha, se cuentan muchas historias sobre cómo Johnny les ayudó.  Era un hombre que llevaba comida a los gatos y leche para alimentar a los vagabundos en su carro.  Que Dios te bendiga en el cielo, Johnny.  Te recordamos como un hombre amable que amaba y se preocupaba por los pobres.  

Sus logros fueron tantos que hemos creado un enlace para que puedas ver las fotos y también su biografía con reconocimientos y logros.   

FOTOS: LINK

BIO: LINK

Por: Eduardo Guilarte

Karina García

 

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Antecedentes

No es un secreto para nadie que la música siempre ha sido una amplia fuente de expresiones sociales que cuentan una infinidad de historias propias de la época y enfocadas en el despertar de la conciencia individual y colectiva de la gente en ese momento. Esto mismo es lo que ha ocurrió con la salsa y la música latina en general desde sus orígenes.  

Tal como es el caso de casi todos los géneros musicales conocidos, la salsa fue producto de un conjunto de olas migratorias ocasionadas por los problemas políticos, sociales y económicos que se gestaban en una buena parte de los países latinos. Estas personas encontraron en varias ciudades de los Estados Unidos de América el lugar que estaban buscando para iniciar una nueva vida lejos del sufrimiento del pasado. Es así como fueron formándose grandes comunidades de latinos en todo el país, siendo Nueva York una de las ciudades que más albergó a estos nuevos residentes.  

Aunque inmigraron personas de todas partes del continente, no se puede negar que los puertorriqueños y los cubanos comenzaron a ejercer una gran influencia en su nuevo hogar, al menos culturalmente hablando. Las ciudades que recibieron a estos nuevos ciudadanos ya se estaban quedando pequeñas para las inmensas cantidades de inmigrantes que no paraban de llegar, lo que representó todo un desafío tanto para los viejos habitantes como los nuevos.  

No fueron pocos los recién llegados que se vieron obligados a vivir en condiciones inhumanas al encontrarse en lugares que no contaban con las condiciones mínimas de dignidad para albergar a seres humanos. Esto llevó a muchos de ellos a padecer una miseria igual o peor de la que se supone que venían huyendo.  

Fue así como empezaron a nacer barrios en la ciudad de Nueva York, que fue poco a poco configurando en pequeñas comunidades habitadas solo por personas de una o ciertas nacionalidades específicas. Fue esta mezcla entre la cultura anterior y la nueva la que fue originando el nacimiento de nuevos ritmos que nacieron en las calles y comenzaron a expandirse con fuerza. Por esa época, ya comenzábamos a gozar del talento de Cheo Feliciano y los históricos boleros de Pedro Flores se hacían cada vez más presentes en las desvencijadas ventanas de los humildes vecindarios latinos. 

Toda esta situación social coincidió con la creación del sello Fania Records por parte del legendario Johnny Pacheco y Jerry Masucci. Los primeros trabajos de la disquera llamaron poderosamente la atención debido a su frescura y novedad en comparación con lo que se venía haciendo en ese entonces. Fania All Stars, la orquesta de Bobby Valentín y unas cuantas agrupaciones más, sin notarlo, comenzaron a marcar una tendencia al son de los timbales y las claves cuyo ritmo era cada vez más rápido y frenético. 

Los jóvenes de la época pedían a gritos música más alejada de las academias de arte y los círculos sociales cada vez más y más inalcanzables para ellos. Algo que muchos en esa época llamarían música más cercana a la calle que se pareciera más a ellos. La población negra había dejado de ser representada por los artistas de jazz tan aclamados en su momento y pasó a sentir su más pura esencia en el boogaloo.  

Para quien no lo sepa, el boogaloo puede definirse como un género de origen latino producto de la mezcla entre ritmos afrocubanos y el soul estadounidense, el cual ya comenzaba a cantarse tanto en inglés como en español. Esto último deja ver la amplia influencia que ha tenido la llegada de tantos latinos a Estados Unidos en un periodo tan corto de tiempo. 

Esto fue lo que hizo tan famosas a las figuras que surgirían más adelante. Además de Pacheco y Valentín, también se popularizaron nombres como el de Pete Rodríguez, Monguito, Ismael Miranda, Ismael Rivera, entre muchos de nosotros. Y por supuesto, no podemos dejar de nombrar a la explosiva dupla formada por Héctor Lavoe y Willie Colón.  

Qué quiere decir el término salsa 

Luego del surgimiento de los artistas ya mencionados hasta ahora, se originó toda una confusión referente a al significado del término salsa, ya que fue esa la palabra elegida para hacer referencia a la música hecha por un creciente grupo de cantantes en Nueva York. Esto, desde luego, no tenía para nada contentos a Tito Puente y Machito, quienes veían a los precursores de esta nueva tendencia como intrusos que venían a ocupar el lugar que ellos ya se habían ganado a pulso.  

Algunos estudiosos del tema han afirmado que el término salsa viene de una especie de campaña de marketing en la que este naciente género era relacionado con el aderezo utilizado en la comida para hacerla más apetitosa. Otros decían que solo se trataba de una frase que reza échale salsa usada por varios músicos para los cambios bruscos de ritmo. Fue de esto de lo que Fania Records se valió para hacer famosos a sus artistas y vaya que le resulto como esperaba. 

Durante la década de 1970, el género se había adueñado de la juventud de la época y de la vieja escuela, que no se impresionaba con cualquier cosa.  

Qué rol jugó Cuba y la Revolución Cubana en todo esto 

Es innegable que la música cubana tuvo un antes y un después luego de la Revolución Cubana. Luego del ascenso de Castro al poder, comenzaron las intensas tensiones entre la isla y los Estados Unidos, lo que ocasionó que el país caribeño fuese percibido como una amenaza por parte de los medios de comunicación de la época. Esto hizo que hasta sus expresiones culturales y artísticas ya no fueran vistas con buenos ojos. Eso fue lo que llevó a los artistas temerosos de que su música fuese censurada a renombrarla bajo el remoquete de salsa y hacerla pasar como música latina. 

Fue esa salsa la que terminó uniendo a todo un continente en una sola voz, ya que hablaba de una cultura compartida y un origen en común que no solo representaba a Cuba, sino a América Latina en pleno. Todo esto fue lo que convirtió al género en un movimiento de identidad para países como Puerto Rico, Colombia, Venezuela y muchos más. Hubo cierto momento en que todas estas naciones competían por ser considerada como la cuna oficial de la salsa.  

Todo trajo consigo una innumerable cantidad de conciertos históricos en los que tanto la Fania como otros grupos y artistas demostraron el gran potencial que la Fania tenía como producto. Era la misma música cubana con ciertas variaciones que nunca salió del ruedo artístico a pesar de las presiones para que eso ocurriera. 

Si quieres más información, puedes leer Génesis de la Salsa, su esencia, características, ritmo, historia y expansión

 

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Rol que jugó el Cheetah en el inicio de la salsa en Nueva York

Como ya todos sabemos, la ciudad de Nueva York ha sido fundamental en el nacimiento de lo que hoy en día conocemos como la salsa, ya que ha sido este lugar el que ha visto nacer y florecer a los más grandes talentos que han dado vida y le han puesto ritmo a este maravilloso y movido género. Es por eso que siempre que hablamos de la historia de la salsa, jamás podemos dejar por fuera a la metrópoli más poblada de Estados Unidos. 

Todos conocemos de la importancia que ha tenido la ciudad que nunca duerme en el desarrollo de este género musical, pero ¿dónde y cómo específicamente nace este conjunto de ritmos? Pues bien, se trató de una ya desaparecida discoteca que llevaba por nombre Cheetah, la cual reunió todas las condiciones necesarias para que se diera el nacimiento de la salsa y se llegara a convertir en el fenómeno cultural que hoy se conoce en todo el mundo.  

El establecimiento ubicado en una zona repleta de teatros y locales nocturnos cercana a Times Square fue testigo de una espectacular e histórica velada en la que, de forma inesperada, se reunieron varias de las más grandes estrellas de la música latina entre las que destacan Willie Colón, Ray Barreto, Bobby Valentín, entre otros. Ninguno de ellos jamás llegó a imaginar que atraerían multitudes ansiosas por escucharlos. Fue a partir de esa noche que los latinos finalmente contaron con voces que dieran a conocer su más pura esencia al resto del planeta. 

Una vez que la banda empezó a tocar, los presentes sencillamente empezaron a bailar sin importar nada a su alrededor. Según los cálculos del pianista de la Fania All Stars, lograron reunir a un aproximado de dos mil asistentes que hacían filas alrededor de la cuadra para disfrutar del talento de algunos de los considerados como mayores exponentes de la música latina.  Cabe resaltar que los artistas de la noche no habían tocado juntos antes, pero al montarse en el escenario, todo se dio de forma natural y la audiencia cayó rendida a sus pies. Sin embargo, nada de esto fue casual. 

Cómo empezó todo 

Luego del fin de la Segunda Guerra Mundial, la música y el baile latinos empezaron a hacer presentes en la ciudad de Nuevo York durante el siglo XX. Esto se debió a la llegada de inmigrantes cubanos, puertorriqueños y provenientes de todo el sur del continente, quienes trajeron consigo un buen número de ritmos que empezaron a sonar en discotecas y clubes nocturnos de varias ciudades estadounidenses.  

Cuando estos sonidos llegaron a la Gran Manzana, comenzó a producirse una mezcla muy interesante de estos con el jazz y algunos instrumentos que fueron incorporándose hasta dar como resultado lo que conocemos hoy como salsa. Fue así como algunos de los más sonados géneros empezaron a oírse y hacerse populares en locales muy cercanos a la discoteca Cheetah, así que, por consecuencia lógica, el establecimiento terminaría rindiéndose a los encantos y ritmos de tan alegres melodías.  

Uno de esos locales fue el Palladium Ballroom, lugar en el que llegaron a presentarse artistas de la talla de Machito o Tito Puente. Desde luego, el público que se lograba congregar era de origen latino, pero su privilegiada ubicación en pleno centro de Manhattan logró que se hiciera muy conocido por los lugareños de cualquier nacionalidad. Se llegó al punto en el que había espectadores de los cinco continentes y de todas las religiones existentes, cosa que era impensable con cualquier otro estilo musical. 

Es así como el gran concierto en Chetaah consiguió llevar la música latina de confines de los que nunca se pensó que saldría y todo gracias a artistas estadounidenses con una ascendencia latina muy despierta en su ser.  

¿Cómo se creó el club Cheetah y que fue de sus instalaciones? 

El club Cheetah fue creado por Olivier Coquelin y Border Stevenson en 1968, año en el que se produjo su inauguración de forma oficial. Desde sus inicios, contaba con dos espacios especialmente diseñados para el baile: se trataban de una pista de reducido tamaño ubicada en el piso más alto y otra más grande que podía albergar hasta unas dos mil personas al mismo tiempo. Del mismo modo, había un escenario en el que un número no menor a 20 músicos podían presentarse en el mismo espectáculo. 

Aunque la discoteca gozaba de cierta fama entre los lugareños de la zona, lo que realmente la hizo célebre fue el concierto realizado por la Fania All Stars el día 26 de agosto de 1971. Ese fue un día que, sin duda alguna, permanecerá eternamente en la memoria de muchísimas personas, tanto asistentes como músicos. Fue ese el momento en el que el fenómeno musical iniciado por Johnny Pacheco y Jerry Massuci llegaría mucho más allá de lo que sus creadores hubieran soñado jamás. 

La idea de realizar el espectáculo fue concebida por Ralph Mercado, quien le habría hecho algunos comentarios a Massuci al respecto. En vista de que el Cheetah contaba con un espacio amplio y una acústica envidiable, fue el lugar que finalmente seleccionaron para el histórico concierto.  

Cualquiera que viera el lugar en el que estaría ubicado el colorido establecimiento jamás imaginaría lo que allí ocurrió hace cincuenta años atrás. Hoy en día, la otrora discoteca es un condominio de más de veinte pisos que alberga grandes apartamentos con amplios ventanales.  

Aunque ya no quede nada del local que fue testigo de uno de los más grandes acontecimientos musicales de la historia musical latina, el recuerdo de esa noche tan especial siempre estará vivo en la memoria de quienes fueron presenciaron tal derroche de talento en esa ya desaparecida tarima de los años 70.  

Para complementar con más información, puede leer Génesis de la Salsa, su esencia, características, ritmo, historia y expansión y De donde surgió la idea del nombre del sello Fania Record

 

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El Percusionista, nace un 31 enero de 1965 en San Juan, Puerto Rico su infancia y bajo la guía de su padre, Celso Clemente Sr., el joven se introdujo en el mundo de la música en 1973.

A la edad de nueve años, hizo su primera presentación con una gran banda en el Coliseo Roberto Clemente de Puerto Rico al lado de Giovanni Hidalgo con la Orquesta Roberto Roena.

Cuando cumplió doce años, participó en su primera grabación llamada «Borinquen All-Stars» con el gran trompetista y líder de banda puertorriqueño Sr. Elías López (R.I.P) con el gran Caballero de la Salsa Gilberto Santa Rosa, era el cantante principal de ese importante proyecto.

Es percusionista desde hace 40 años.  Clemente domina los siguientes instrumentos; Bongó, conga, timbal y percusión menor.

Con todos estos instrumentos ha tenido la oportunidad de ser parte de un sinnúmero de grabaciones discográficas en el género tropical las cuales ha servido de inspiración para nuevos exponentes del género.

Dado a su vasta experiencia en la percusión a podido difundir sus conocimientos, ofreciendo talleres de percusión a diferente grupos (Niños, jóvenes y adultos) con excelentes resultados.  Esto lo llevo ha crear su línea de campanas de Bongó y Palos de Timbal con su nombre.

A tenido la oportunidad de trabajar en grandes tarimas como; el Madison Square Garden, House Of Blues, Coliseo de Puerto Rico “José Miguel Agrelot»  Centro De Bellas Artes, entre otros.  Trabajo en estas orquestas; Roberto Angleró, Moliendo Vidrio, Tommy Olivencia, Tony Vega, Tito Rojas con este trabajo 27 años, de los cuales estuvo 20 años dirigida su orquesta en Puerto Rico y fuera de la Isla.

Discográficamente su participación ha sido con; Roberto Angleró, Tommy Olivencia, Tony Vega, Tito Rojas, Gilberto Santa Rosa, Willie Rosario, Bobby Valentin, José Alberto “El Canario», Rey Ruiz, Willie González, Frankie Ruiz, Puerto Rico All Star, Yan Collazo, Bomplenea, Plenarium entre otros.

También discográficamente ha tenido la oportunidad de ser productor musical, “Rompiendo Barreras» con Mario Feliciano, “Independiente» Tito Rojas, “Ritmo Caliente” con Bomplenea de Gary Vera, “Rompe La Rutina” de Del González, “Te mando un beso» con Plenarium de Capitol Clemente.

Es endouser de la compañía de instrumentos “Pearl Musical Instrument Company» también en la línea de platillos “Soultone  Cymbals”

Celso Clemente es considerado uno de los bongos que mejor suenan, lo que llamó la atención de muchos productores de discos. Celso es probablemente el bongosero más grabado en la historia de la discografía salsera puertorriqueña con más de 220 grabaciones acreditadas.

La lista de leyendas de la salsa con las que Celso ha grabado es demasiado larga para enumerarla.

Celso es actualmente el timbalero y líder de la banda del famoso salsero Tito Rojas (R.I.P) donde realizó giras por todo el mundo.

Brinda Talleres de Percusión a; Niños, jóvenes y adultos, tanto presencial, como cibernético, esto basado en su experiencia musical, la cual es extensa, lleva más de 42 años en el género tropical (Salsa), la bomba y plena.

Facebook: Celso Clemente Talleres De Percusión

Contacto en Puerto Rico: +1 787-429-9971

Email: [email protected]

Fuente: Pearl Musical Instrument Company https://pearldrum.com/eu/artist/celso-clemente

Por: Diana Marie Corresponsal de International Salsa Magazine

 

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Totalmente de acuerdo con la premisa que Mel Martínez establece en este tema de su autoría.  Sí, Puerto Rico es igual a decir: “Yo soy salsero”.

¡Qué viva la música!  Sepan que eso implica vociferar

“Que vivan los músicos, para que la sigan haciendo”.

El tema arranca con timidez y pareciera que el arreglo le pide opinión al oyente sobre qué le parece lo que es el primer sencillo de lo que será su próxima producción musical en un segmento que presenta un trasunto con aquel “qué te parece Cholito”.

De allí pivotea en un diseño melódico que me trae a la memoria un segmento de aquel “me gustan las navidades que sepan a Puerto Rico”  La timidez del tema dura aproximadamente diez segundos.  Ahí el arreglo toma un giro de esos que sugieren que en Puerto Rico todo el año es Navidad.

La letra del tema asegura que todos los países amantes de la salsa tienen su sabor y su bandera; definidos por otros ritmos, destacando los ritmos nativos de Colombia, Dominicana, Argentina y Perú. Pero Mel, viene de Puerto Rico y asevera a nombre de todos los salseros boricuas que:  “En Puerto Rico el sol está que hierve y es de donde viene la salsa Caliente”.

Evidentemente la salsa es nuestro orgullo.  Todos somos Mel en cuanto a su amor por la salsa, el grito de orgullo, el sabor y la bandera”.

Y hablando de sabor y bandera, queda claro que todavía “Aníbal Vázquez de bailarín, Giovanni Hidalgo dándole a un cuero, canciones de Tite Curet y sentimiento como el de Sammy Marrero” siguen igual de vigente que su primer día en funciones salseras.

De New York destacan en la lírica los emblemáticos clubes nocturnos, todos ya desaparecidos.

La mención de El Corso, Latin Quarter y el inolvidable Copacabana me llenó de nostalgia y alegría por haber tenido la suerte de haber sido parte de esa historia.

En Puerto Rico también hemos sido parte de la historia de la salsa mientras se hilaba en Lomas del Sol, El Coabey -que se ha sostenido contra viento y marea- y El Tropicana.

Las agrupaciones de Luis “Perico” Ortiz, El Gran Combo, Willie Rosario, Bobby Valentín, Tommy Olivencia, La Ponceña, Roena, Mulenze y Chaney protagonizan el listado de orquestas nacidas en nuestro suelo y que Mel incluye en la lírica del tema.

Completa la lista de orquestas destacadas en sonido y categoría Costa Brava, Puerto Rican Power, Canayón, Mario Ortiz, Don Perignon y La Solución.

Las fiestas patronales y los bailadores llegan al tema en el punto culminante del mambo, a través de los pregones en voz de nuestro consentido por varias décadas.

De Fajardo a Mayaguez, pasando por Bayamón y Carolina, Cataño y Dorado Mel asegura que nuestro 100 x 35 y sus habitantes somos salseros de nacimiento.

La letra del tema de Mel es tan genial que aseguró mención de los bailadores que cada año se prueban en el Día Nacional de la Salsa, mismo que hasta el 2020 fue exclusivo de Puerto Rico.

No sé de dónde tú eres

Pero mi tierra yo la quiero

Yo vengo de Puerto Rico

y Puerto Rico es salsero.

Les soplo que los coros son de lujo.  En los coros se lucen Luisito Carrión, Lalo Rodríguez y Carlos García; el mismo Carlos García que compone, arregla, canta y baila, todo mientras domina magistralmente tras su piano.

Tal y como afirma Mel en esta hermosa composición, que es además patrióticamente histórica: nacimos salseros.

Yo añado a modo de opinión íntimamente personal que ningún ser humano está preparado para enfrentar la batalla de la vida sin el aliciente que nos brinda la música.

Concluyo recomendándoles que no se pierdan la correspondencia entre el bajo de Pedro Pérez y el timbal de Emanuel Navarro al final del tema.  Para quien dude que los músicos nos regalan música aún cuando parezca que el tema musical ya cerró.  ¿Qué me resta decir?  ¡Qué viva la música!  Sepan que eso implica vociferar: “Que vivan los músicos, para que la sigan haciendo”.  ¡Ah! Y que seguimos siendo salseros.

Facebook: Mel Martinez

Por: Bella Martinez «La Escritora Irreverente de La Salsa»

Puerto Rico

Website: Bella Martinez Escribe

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