Tregar Otton, fundador de la orquesta, tocando el violín
La Orquesta La Moderna Tradición ha sido una de las agrupaciones de música cubana más legendarias de toda su historia. Se trata de una agrupación cuyos integrantes se encuentran ubicados en San Francisco, California, y consta de 11 integrantes que tocan diversos géneros como el danzón, la timba, el guaguancó, el cha cha chá, el son, la rumba, la charanga, entre otros. Además, mezclan ciertos elementos del jazz estadounidense, los violines y los ritmos afrocubanos.
El comienzo de la historia de esta orquesta se remonta al año 1996, que es desde cuando empiezan a presentarse a lo largo y ancho de todo Estados Unidos para llevar la mejor música tradicional cubana a cada rincón del país y transportar de vuelta a los cubanos migrados a las calles y clubs de La Habana durante los años 50. Todo el éxito acumulado les permitió presentarse en el Festival de Jazz de San Francisco, la Smithsonian Institution, el Lincoln Certer y muchos otros lugares de alto prestigio.
Recientemente, La Moderna Tradición volvió a hacer gala de su talento en Yoshi’s, que es un club de jazz y restaurant ubicado en Oakland, California, cuya reputación en la Bahía de San Francisco no está en discusión. Nuestro editor Eduardo Guilarte estuvo presente en el espectáculo para cubrir todos y cada uno de los pormenores del evento, el cual dejó maravillados a todos los presentes.
Conversación con Tregar Otton, fundador de la orquesta
Tregar Otton y Maru Pérez-Viena, esposa de Tregar y parte importante de la orquesta
Sobre todo lo anterior, conversamos con Tregar Otton, fundador, director, compositor y violinista del grupo. Este talentoso músico nacido en las Islas Marshall y criado en Texas empieza a formarse en la música clásica desde su más tierna edad y se unió a la Sinfónica de Berkeley siendo apenas un adolescente. Cuando llegó la década de los 90, esta promesa musical trabajó como integrante regular de Virgilio Mart Y Sus Majaderos, La Típica Novel y la Charanga Orquesta Broadway.
Al llegar el año 1995, Otton fundó La orquesta La Moderna Tradición junto a Roberto Borrell. Al inicio, el grupo empezó a hacerse conocido por sonidos dulces de charanga afrocubana, los cuales van acompañados de un conjunto de instrumentos de viento y violines que le dan un toque único a la música de esta agrupación.
El día de hoy, contamos con la grata presencia del músico para que nos hable de todos y cada uno de los puntos tocados en esta breve reseña y todo aquello que quiera revelar a nuestros queridos lectores. Qué placer tener aquí hoy, Tregar ¿Cómo te encuentras?
Muy bien aquí cerca de San Francisco. Qué gusto verte hoy
Muy bien, Tregar. Empezaste en el mundo de la música siendo muy joven ¿Podrías hablarnos un poco de tus inicios?
Yo empecé a tocar violín cuando tenía cuatro años y mi familia tenía de vecina a una profesora de violín. Entonces, mis padres hacían la laundry para todos los vecinos, por lo que la conocimos y terminó dándome clases todos los días. Después de eso, estudié mucha música clásica, compré música cuando tenía unos 20 años y me enamoré de ella porque usaba los violines de una manera muy distinta a la de la música clásica. Me gustó mucho tocar música bailable porque la conexión con el público es bastante distinta a la de la música clásica. En el caso de la música clásica, muchos se aburren, pero la música cubana y la salsa logran una conexión mucho más directa con el público. No hay nada como tocar para una pista con bailadores.
Tenemos entendido que naciste en las Islas Marshall, pero creciste en Texas ¿Es correcto?
Si. Luego de que mi papá se casó con mi mamá, ambos se fueron para Micronesia, Las Islas Marshall, en el medio del Pacífico. Después, crecí en Corpus Christi, Texas, hasta los 13 o 14 años que fue cuando me mudé para California.
Te preguntaba esto porque es muy interesante porque pusiste los ojos en la música cubana a pesar de los orígenes que tienes ¿De dónde viene este interés por la música cubana y por los ritmos que tocas?
Por las mismas razones por las que toco música bailable. Me llamó la atención cuando escuché a Charanga de La 4 o una de estas bandas neoyorquinas. Me impresionó que los violines estaban tocando como parte de la propia percusión y que hacían sonidos repetidos con el estribillo y el son montuno. Nosotros somos más parte de la sección rítmica que melódica en gran parte de nuestras canciones. Podemos bailar mientras estamos en el escenario. También me impresionaron las improvisaciones de Cuqui y Alfredo de la Fé. Yo tenía muchos amigos latinos que conocí en la universidad mientras estaba aprendiendo en español porque nadie en mi familia lo hablaba.
¿Cómo surge la Orquesta La Moderna Tradición y quiénes te acompañan en su fundación?
Yo estaba trabajando con un grupo. Estaba en Nueva York donde tocaba con la Orquesta Broadway y la Orquesta Típica Novel. Tuve mucha suerte de haber estado en esa ciudad, ya que logré conocer a muchos músicos veteranos en la década de los 80’s como Renato Valdés, Virgilio Martí y Adalberto Santiago. Visité a un amigo cubano de San Francisco de nombre Fito Reinoso, quien tenía un grupo llamado Ritmo Y Armonía y nos visitó aquí en Nueva York. Ya estaba harto del frío de Nueva York, así que decidí ir a San Francisco, donde Tito y yo tuvimos la idea de crear un grupo. Fue allí cuando conozco a un gran maestro de percusión y baile Roberto Borrell, quien se nos unió a Tito y a mí para fundar Ritmo y Armonía. Después de dos años, tuvimos que separarnos, pero Roberto y yo seguimos con la idea de tocar danzón. Al menos aquí en el Área de la Bahía, es muy difícil conseguir cantantes. Los que tenemos son buenos, pero no hay tantos. Entonces, pensábamos hacer una danzonera o grupo de danzón. Cuando empezó la orquesta, tocábamos puras canciones de danzón, ensayábamos cada semana e hicimos muchas giras con este género musical porque había un boom de swing dancing y música bailable durante la década de los 40’s. Entonces, estábamos surfeando esa ola y haciendo colaboraciones con grupos de swing porque era música más vieja. El danzón un género muy rico, pero no le interesa a mucha gente porque no lo saben bailar, así que empezamos a ampliar el repertorio e incluir más música moderna y bailable. Todavía tocamos danzones, pero solo dos por set. Todavía hay músicos del grupo original en la orquesta como Michael Spiro. Roberto se fue para Perú hace como una década, así Michael y yo seguimos con el grupo e invitamos a Eduardo Herrera, que es un cantante nacido en Caracas, Venezuela, para que cantara con nosotros. Ampliamos el repertorio haciendo lo más que podemos con creaciones míos. Recordemos que yo soy el arreglista del grupo, por lo que hago algunos temas y tenemos uno que está en la nueva grabación en la que yo escribí la música y el maestro Carlos Caro de Cuba puso la letra.
Orquesta La Moderna Tradición en uno de sus shows
A pesar de que ritmos como el danzón no sean tan populares, ¿ustedes sintieron aceptación por parte del público?
Había mucha gente que conocía el danzón que empezaron a notar que se trataba de un género muy interesante debido a la presencia de los violines. Como Roberto Borrell es maestro de baile, les enseña a muchos de sus estudiantes a bailar danzón, cosa que no es nada fácil porque deben fijarse en cada vuelta que deben hacer según los sonidos de los instrumentos.
¿Entonces en una misma canción pueden ir de un género a otro?
Si. Eso lo hacemos mucho. En nuestro disco nuevo, tenemos ritmos con tambores batá de la música de santería, los cuales los usamos para nuestros temas de danzón. Suena complicado cuando lo explico, pero es fácil al momento de ser escuchado.
¿Qué hace a La orquesta La Moderna Tradición distinta a otras agrupaciones de música latina en Estados Unidos?
Bueno, yo no conozco otro grupo que toque danzón ni charanga. Hay dos géneros de música popular bailable en Cuba que vienen del son montuno, el cual usa trompetas y metales. En el caso de la charanga, los músicos usan violines y flautas. Desde los 70’s y 80’s, la charanga ya no se escucha casi en los Estados Unidos. En Cuba, Tampoco se escucha mucho en danzón. Somos un grupo que tiene tantos danzones en el repertorio. Tampoco hay muchos grupos que tocan cha cha chá. Yo como arreglista, intento crear temas de cha cha chá que no sean copias de lo que tocaron La Orquesta Aragón y otras bandas en los 40’s y 50’s.
Teniendo en cuenta que la música ha evolucionado tanto, ¿qué reacción perciben del público joven cuando tocan charanga, cha cha chá, danzón y otros ritmos?
Interesante pregunta. Para los jóvenes que no conocen ni son fanáticos de la salsa, nuestra música suena como salsa porque es difícil distinguir los géneros sin conocerlos bien. Sin embargo, yo trabajo como maestro de música y tengo muchos grupos de niños, en los que hay muchos jóvenes que son fanáticos de la salsa. Escuchan a Ray Barreto, Willie Colón, Hector Lavoe. A ellos también les gusta la charanga y la entienden bien. Pero yo creo que el danzón es más difícil porque tiene que ser un reflejo de lo que la gente está sintiendo en su cultura. El cha cha chá es más simple e inocente, pero el danzón es más fino y refinado. Yo pienso que la música puede influenciar a la gente y tener su parte en cambiar la dirección de la cultura de donde vienen.
¿Podrían hablarnos un poco de su presentación en Yoshi’s?
Por el COVID-19, estuvimos un año y medio sin poder hacer nada. NI siquiera pudimos ensayar hasta que salió la vacuna. Conseguimos esta fecha con Yoshi’s porque hemos tocado antes ahí muchas veces antes al igual que en el Yoshi’s de San Francisco. Entonces, nos dieron una fecha y tuvimos apoyo de los DJs locales como Luis Medina, Chuy Varela Y José Ruíz. También hicimos uso de las redes sociales para promocionarnos, vender nuestros CDs y atraer público para nuestras presentaciones. La gente de Yoshi’s estaba impresionada porque es raro que un grupo local haya podido vender tantos boletos. Estábamos muy emocionados de ver tanta gente queriéndonos y demostrando lo mucho que les gusta la música. Tenemos un público muy grande que es muy fiel con nosotros y que ha estado más de 20 años viniendo a donde sea que nos presentemos.
Orquesta La Moderna Tradición presentándose en Yoshi’s
¿Qué proyecto tienen a futuro?
Tenemos todo listo para el repertorio del nuevo disco. Cuando estaba en Nueva York trabajando con Juan Carlos Formell, hijo de Juan Formell, quien es el bajista y tomó el puesto de su padre en Los Van Van. Yo fui una de las primeras personas que él conoció aquí en los Estados Unidos y nos hicimos muy buenos amigos. Entonces, él me dijo que yo podía hacerle arreglos a cualquier canción suya sin ningún problema, así que tengo unos cuatro o cinco temas de él ya listos y unos otros que aún no termino. Tenemos material para hacer dos discos al menos, pero es muy costoso. Uno solo podría costarnos unos 15 dólares para empezar.
Caratula del nuevo álbum de La Orquesta La Moderna Tradición El Encantado
El abogado de inmigración Bill Martínez en una foto de Miriam Berkley
Por muchas razones, el mundo de la música está estrechamente ligado al mundo de las leyes, ya que son muchos los detalles que tanto los artistas como sus respectivos equipos deben tener en consideración cuando llevan a cabo sus actividades, sobre todo cuando viajan fuera de sus países de origen o residencia. Es ahí cuando deben comunicarse con el abogado William Martínez, quien gustosamente podría ayudarles a completar todos los trámites necesarios para tal fin.
William Martínez, mejor conocido en el ambiente musical como Bill Martínez, es un abogado especializado en inmigración que también es conocido por organizar eventos musicales en la Bahía de San Francisco desde la década de los 70s, lo que deja ver la estrecha relación que tiene el profesional del derecho con las artes desde varias décadas atrás. Es graduado de la Universidad de San Francisco, misma ciudad en la que nació, ha ejercido su profesión y ha hecho vida desde entonces.
Este hombre ha jugado un papel muy importante en la obtención de visas para un número bastante grande de artistas y sus orquestas desde hace unos cuantos años entre las que podemos nombrar a Juanes, Christian Castro, Mercedes Sosa, Pablo Milanes, Isaac Delgado, Chucho Valdes y muchos más. La lista de agrupaciones que han logrado presentarse en Estados Unidos gracias a Martínez incluye a Los Van Van, Los Muñequitos de Matanzas, The Buena Vista Social Club, Cubanismo, entre muchos otros.
Todo esto sin contar que el abogado ha hecho una labor loable en cuanto a artistas interesados en viajar a Cuba desde los Estados Unidos, cosa que se hace realmente difícil debido a las fricciones políticas, legales y migratorias que esto supone. Pues Bill demostró que es posible gracias a sus eficientes gestiones ante la Oficina de Control de Activos Extranjeros del Departamento del Tesoro. No han sido pocas las agrupaciones que han logrado viajar a la isla gracias a las licencias obtenidas por el abogado como es el caso de AudiosLave, una famosa banda de rock alternativo californiana cuyo nacimiento se remonta al año 2001. En el año 2005, se dio un concierto histórico en el que el grupo se presentó frente a una multitud de más de 70000 personas, convirtiéndose en la primera agrupación roquera en tocar en vivo en el país caribeño. Todo gracias al excelente trabajo de este gran profesional de las leyes.
Otra faceta de este gran estadounidense es la de productor y manager. Tal y como lo indica su portal web oficial, es uno de los cofundadores del Latino Entertainment Partners junto al activista cultural Arturo Riera, con quien buscó crear una organización capaz de producir alrededor de 50 conciertos cuyos principales talentos serán unas leyendas de la música cubana como N.G. La Banda, Los Van Van, Orquesta Aragón, Los Muñequitos de Aragón, entre otros.
Este grupo creado por Martínez también se ha dado a la tarea de producir otros eventos musicales en los que se contó con la presencia de The Spanish Harlem Orchestra, Eddie Palmieri, Giovanni Hidalgo y muchos otros.
William Martínez y Septeto Nacional
Plática esclarecedora
Hoy en día, tiene una agenda sumamente apretada debido a los estragos ocasionados por el COVID-19 en términos migratorios con el cierre de embajadas, prohibición de vuelos, entre otras cosas. El día de hoy, nos contará más en detalle sobre su trabajo y qué tanto se le ha complicado debido a la pandemia.
¿Usted únicamente se dedica a la rama de inmigración especializada en artistas?
Si, únicamente trabajo con artistas. Aunque de vez en cuando hablo con clientes de otros temas, pero casi siempre trabajo solo con visados para artistas
¿Qué es lo primero que usted revisa en uno de sus casos?
Bueno, yo trabajo con visas como te puedes imaginar. Todo esto depende de dos cosas: suerte y credibilidad. Con suerte me refiero a funcionarios, hechos y factores para la aplicación. La credibilidad también es clave para todo esto. Estamos hablando de dos categorías de visas: una visa O1 para un artista muy distinguido en el área de la música o el arte y la P1 o P3 que pueden tener validez de hasta un año, mientras que la O1 puede durar hasta tres años. La visa P3 es para grupos que tiene presentaciones que sirven de reflexiones de su propio país. Muchos artistas pueden calificar para esto. Por ejemplo, si hablamos de un artista que tiene un repertorio de bachata, vallenato o hip hop. Siempre que sean reflejos de su propio país, pueden solicitar la visa P3. Las visas P1 y O1, se requieren de pruebas y documentación que prueben que el cantante es de alto nivel y reconocido alrededor del mundo como fundaciones, artículos de prensa, entre otras cosas. Eso es lo que tenemos que ver. Se tiene que probar que el itinerario es creíble y esto puede hacerse con contratos o cartas de invitación. Si un solicitante, centro cultural, promotor o agente quiere invitar a un artista sin shows ni contratos, no va a importar que sea muy conocido, ya que no tendrá credibilidad. En la lista de cosas que necesito, la primera que busco es la carta de invitación con un itinerario, la historia del artista, la documentación, su repertorio, entre otras cosas.
El proceso también depende mucho del funcionario al que le toque analizar el caso, ¿correcto?
El caso puede ser aprobado en un inicio y luego, cuando va al consulado, hay que tener suerte con el funcionario que hace la entrevista. Hay que tener suerte en el USIS (Servicio de Ciudadanía e Inmigración de los Estados Unidos) y con el segundo paso que es la entrevista en el consulado. También hay que tener suerte con las personas que hace la entrevista, ya que puede ser alguien muy flexible que entienda bien la situación o, en el caso contrario, alguien que tuvo un mal día y siempre va a decir que no.
¿Basta con que falle uno de esos escalones para que la visa no se produzca?
Así es. Yo tengo la misma experiencia como cualquier solicitante y utilizamos todas nuestras herramientas para atacar la situación. Es como un rompecabezas en el que tenemos que ver qué funciona. A veces, hasta tenemos que pedir ayuda de congresistas para esto. Me ha pasado esto tanto como abogado como productor.
Abogado de inmigración Bill Martínez
¿Cuál es el caso más complejo que le ha tocado en su carrera?
Fue el primer caso que tuve en 1993 con el grupo cubano Mezcla. Nosotros hicimos un festival en San Francisco que se llamó El Encuentro del Canto Popular en el que hacíamos una representación de cada país de América Latina y el Caribe. Entonces, tomamos el riesgo de invitar a un grupo de Cuba, el cual era el Grupo Mezcla, es una banda de rock que usaba elementos de la santería. Como yo te había dicho, hay dos pasos para una visa: la solicitud con el USIS y la entrevista con el consulado después de la probación. En el caso del Grupo Mezcla, aprobaron la solicitud en el Servicio de Inmigración y luego los integrantes hicieron sus entrevistas en la Habana. Posteriormente, el caso comenzó a demorarse mucho hasta que me llamó el jefe del departamento de estado para asuntos con Cuba y me dijo que tenía el archivo en sus manos y me dijo que el grupo no podía entrar al país. Cuando le pregunto el por qué, me responde que son cubanos y es todo lo que tengo que saber. Hicimos una demanda en la corte federal, pero perdimos el caso. Dos años después, el abogado del departamento de estado básicamente dijo que ellos podían hacer lo que quisieran sin justificar nada. Sin embargo, tiempo después, la administración de Bill Clinton aceptó que hay valor en tener intercambios con Cuba y, poco a poco, abrieron las puertas para permitir la entrada a los otros cubanos como Changuito El Timbalero, Irakere con Chucho Valdes y Los Van Van. El Covid-19 lo complicó todo y ha tenido un gran impacto en cada caso, pero las cosas se han relajado un poco y ya se le permite la entrada a los artistas que presenten pruebas de su vacuna o prueba PCR.
¿Cuáles son las nacionalidades a las que más se les niegan visas?
Por supuesto Cuba porque cada cubano tiene que pedir su entrevista en un tercer país y, a veces, estamos en contacto con los consulados desde antes para pedir el permiso de hacer la entrevista allá. México normalmente es el plan b, pero a veces, pedimos al consulado que permita a un ciudadano cubano hacer una entrevista en sus instalaciones. Puede pasar que digan que no aceptan aplicaciones desde un tercer país. También ocurre que dos semanas después escriben desde otro consulado que si aceptan la entrevista sin ningún problema. Cada consulado tiene su propia respuesta en cuanto a la disponibilidad y el acceso a su sistema o no. Ahora pedimos visas en México DF para los cubanos. Puedo decir que los países de Oriente Medio, Corea y Cuba son los lugares más complicados para solicitar visas.
Usted también ha llevado artistas estadounidenses a Cuba y otros países complicados ¿Podría hablarme un poco de eso?
Bueno, yo participé en varios intercambios con Cuba. El más conocido fue Puentes Musicales en 1999 en el que presentamos 45 artistas de rock muy conocidos. En 2005, presentamos al grupo de rock AudiosLave. También trabajé como abogado en la producción del grupo Broadway y fue histórico porque fue un álbum muy importante en la historia del rock y se hizo todo en La Habana. Tenía un documental en HBO de este evento en la Habana. Tenemos planes para hacer otras producciones con Broadway en La Habana en el futuro. Es casi imposible hacer intercambios de esta magnitud en estos días, más bien por el Covid-19 debido a las restricciones que siguen vigentes.
¿Qué tanto ha complicado las cosas el COVID-19?
Ahora es más simple. El COVID-19 tenía un gran impacto en todos los niveles. Un análisis en la USIS (el primer paso del proceso) era imposible porque sus funcionarios no estaban en las oficinas como en el pasado. Estaban en sus casas, por lo que no podíamos hacer nada como en el pasado cuando podíamos ir a una oficina y era mucho más fácil resolver situaciones, problemas con la identidad y la documentación. Cuando los funcionarios no están en las oficinas, no pueden ir a los otros edificios. Tienen que llamar desde casa para preguntar por las solicitudes y la comunicación no es tan efectiva. Es más fácil resolver situaciones de ese tipo estando en el mismo edificio y mirándose cara a cara. El COVID también tiene un impacto en la cantidad de gente que está trabajando en los consulados. Mientras menos gente esté trabajando, menos posibilidades hay de cambiar las fechas cuando se requiera. Sin embargo, la situación mejoró en relación con el año pasado, por lo que hay esperanza en que se normalicen algunas cosas.
La Spanish Harlem Orchestra es para muchos uno de los mejores grupos musicales de jazz latino y salsa en todo el mundo debido a su amplia trayectoria, imponente vigencia y numerosas premiaciones a lo largo de sus 19 años de fundada. Esta orquesta de música latina radicada en los Estados Unidos por el productor Aaron Levinson y el productor, compositor y arreglista Oscar Hernández, quienes dieron vida a una legendaria agrupación ganadora de los Premios Grammy en dos oportunidades y cuyo estilo la ha diferenciado de muchas otras de su tipo.
Todo empezó con una llamada de Levinson a Hernández para proponerle que se uniera a un ambicioso proyecto que tenía en mente, el cual consistía en la creación de una orquesta de jazz latino con un sonido y estilo muy peculiar. El productor no puso resistirse ante tal propuesta, por lo que aceptó brindar su talento para la naciente iniciativa. Fue así como debutaron con su primer disco Un Gran Día en el Barrio en el año 2002 y gracias al cual recibieron su primera nominación al Grammy por Mejor Álbum de Salsa. Luego de sus primeros sencillos, la nueva agrupación comenzó a cosechar grandes éxitos y a ofrecer grandes presentaciones en todo el mundo.
Uno de los más grandes objetivos que se han propuesto los integrantes de la banda es el de mantener vigente a la salsa dura para que perdure en el tiempo y llegar a la mayor cantidad de amantes de la buena música posibles. Es así como la Spanish Harlem Orchestra, o la SHO como cariñosamente la llaman sus fanáticos, ha logrado conservar lo mejor de la salsa tradicional, pero desde un enfoque fresco e innovador.
Su pieza central Oscar Hernández
Oscar Hernández tocando el piano
Su más famoso integrante Oscar Hernández adquirió su gusto por la música en las cercanías del Barrio Latino de Harlem, lugar en el que transcurrieron sus primeros años de infancia y los cuales marcarían su futuro profesional. Siendo un joven de 12 años de edad, se hizo trompetista, pero no pasaría mucho tiempo para que decidiera cambiarse al piano. Pasó gran parte de su adolescencia tocando con muchos artistas de Jazz latino de la época. Uno de esas grandes estrellas con las que Hernández tuvo la oportunidad de explorar sus talentos fue Rubén Blades, para quien trabajó como productor, arreglista y pianista.
Ya para la década de los 90’s, el músico produjo el disco Dance City, por el que recibió muy buenas críticas en el New York Times y fue llamado por el cantante y compositor Paul Simon para su espectáculo en Broadway.
Hoy, tenemos la fortuna de contar con la agradable presencia de Oscar Hernádez para que nos cuenta de su propia voz cómo fueron sus inicios y el camino que tuvo que transitar para llegar a llegar al proyecto por el que hoy en día es más conocido por muchos de sus fanáticos. Spanish Harlem Orchestra
Señor Hernández, leyendo su historia, nos llamó mucho la atención que ciertas fuentes dicen que Spanish Harlem comenzó con una llamada de Aaron Levinson en el año 2000, ¿podría hablarnos un poco de eso?
Aaron Levinson es el productor. Yo no lo conocía. Tengo que aclarar que él no es músico, sino DJ, pero tenía muchas conexiones y lo llamaron para hacer un disco con el sello Warner Bross con un concepto específico y creyeron que él era la persona indicada para eso. Me llamó para que yo lo ayudara con la parte musical. Todo lo que tiene que ver con Spanish Harlem Orchestra se lo debo a él porque fue así como llegué al proyecto. Eso era lo que tenía que pasar en términos del destino de mi vida. Así fue como Dios me dijo que despertara y entendiera que eso era lo que yo tenía que hacer. Hasta ese momento, yo solo había sido productor, arreglista y pianista, entonces Levinson me buscó y yo acepté. Nos pusimos a discutir sobre los temas y el escogió algunos que yo no quería hacer. Para hacer la historia corta, grabamos el disco, pero Warnes Bross dijo que no lo quería sacar a la luz, así que se lo devolvieron a Aaron. Un año y medio después, se lo vendió a una compañía pequeña cuyos dueños eran amigos suyos y llegó a ser nominado para un Grammy. Desde ese entonces, yo empecé la orquesta en el 2002. La orquesta ya va a cumplir 20 años y ha sido una bendición muy grande para mí. Estaba destinada esa llamada que él me hizo para que yo le pusiera mi sello personal a ese disco con mi cerebro y mi corazón y pudiera crear toda la música que hecho estos 20 años. Aparte de eso, hemos tenido una crítica increíble en todo el mundo y ganado tres Grammys ganados. La gente sabe que la orquesta es muy buena y lo buenos que son los conceptos que hemos grabado porque todo está documentado. Escucha cualquiera de los discos y de inmediato notarás la calidad, la integridad. el profesionalismo y el concepto musical que tenemos. Obviamente, tengo muy buenos músicos que me ayudan, pero las últimas decisiones empiezan y terminan conmigo.
Luego que deciden llevar a cabo el proyecto, ¿cómo compaginó lo que ya usted tenía con Spanish Harlem Orchestra?
Ese era un momento en el que las cosas estaban cambiando. Yo no tenía nada fijo en ese momento, ya que había terminado de trabajar con Paul Simon en una obra teatral que fue un proceso bastante grande y estaba de freelancer, así que trabajaba para quien me llamara. Llegó el momento perfecto en el que pude crear la orquesta y no fue fácil porque yo no ambicionaba ser director de orquesta. No era algo que yo quería hacer, pero tuve que aprender muchas cosas luego de que me convertí en uno como bregar con la gente, con los músicos y con situaciones que no eran fáciles. Durante ese proceso, tuve que deshacerme de mucha gente porque me di cuenta de que tenía buenas intenciones, pero eso no es suficiente. Hay que tener fuerza de voluntad y tener el concepto musical y en términos de negocios. Yo siempre intento tratar con los músicos de la mejor manera porque yo fui uno antes que nada. Intento ser muy transparente y entender todas las situaciones, pero también hay gente con egoísmo que quieren todas las ventajas para ellos y no estoy en ese plan. Mi plan es buscar lo que nos conviene a todos como grupo. A mi edad, no tengo tiempo para nada que no sea de alta calidad y alto profesionalismo. Duré siete años con Ray Barreto y grabé seis discos. Duré 12 años con Rubén Blades y también grabamos seis o siete discos ¿Qué te puedo decir? Ya yo he trabajado con mucha gente como Juan Luis Guerra, Paul Simon y muchas otras personas que han dejado una huella importante para mí como músico y como director.
Oscar Hernández junto a su piano
¿Qué considera usted que es lo más valioso que ha aprendido de los artistas con los que ha trabajado?
Yo creo que toda esa gente tiene el amor a la música que es lo importante. Yo me acuerdo de mis tiempos con Barreto, quien escuchaba todas y cada una de las mezclas que hacíamos y volvía locos a los músicos para buscar la perfección. Igual que Rubén Blades y su transparencia como persona y siempre quería hacer lo mejor como músico. No es una sola cosa la que he aprendido, sino varias porque todas son importantes. Yo creo que el amor, el profesionalismo y la buena voluntad para trabajar con los músicos. Recuerdo que Rubén era el director de la orquesta, pero siempre consideraba nuestras opiniones como músicos. Incluso, yo era el arreglista y mi valor musical se me respetaba desde un principio. Yo respeto mucho a mis músicos y les doy todo el valor que se merecen.
Me comentó previamente que usted estaba de gira en Nueva York ¿Nos podría decir qué tal le fue? ¿Cómo respondió el público? ¿Qué se sintió volver al escenario luego de tanto tiempo?
Fue increíble. El primer concierto que hicimos con la orquesta fue en pleno centro de la ciudad de Nueva York en la calle 42 de Manhattan. Hay un lugar que se llama Brian Park y había alrededor de 10000 personas allí, ya que el evento era gratis para el público. Lo filmaron en vivo y lo transmitieron virtualmente. Le mencioné al público que esta era la primera vez que tocábamos en vivo y que hicimos un solo ensayo el día a anterior a ese. Fue una experiencia increíble porque sentí que los músicos en la mejor posición para hacer una presentación de primera y así fue. El público aplaudió y se sintió el calor y el agradecimiento del público. Uno se da cuenta de muchas cosas cuando hace algo toda su vida y de repente para por año y medio.
¿Qué otros eventos tienen? ¿Planean hacer giras fuera de Estados Unidos?
Tenemos pautada una gira para junio en Europa, pero todavía está en veremos porque el COVID todavía está presente y están evaluando cómo van a caminar las cosas en los próximos meses para especificar las fechas y las ciudades. En diciembre, tendremos cuatro presentaciones dos en Santa Fe, una en Albuquerque (California) y una en Costa Mesa (California). Ya no estamos haciendo giras como tal, sino fechas. Tenemos años que no hacemos giras como antes. El nuevo disco está terminado y suena increíble. La semana pasada, estábamos en Nueva York terminando los vocales con los tres cantantes, que son de los mejores que hay y fue un placer para mí compartir con ellos. Están claros en que tienen que poner de su parte en lo que va a ser otro disco que va a estar buenísimo.
Oscar Hernández con el Grammy que ganó
Preguntas de un admirador de toda la vida de Oscar Hernández
Augusto Felibertt, director internacional de Internacional Salsa Magazine, DJ profesional y coleccionista, le realizó unas preguntas muy interesantes a Oscar Hernández para saber más de su pasado como músico.
Quiero conocer su apreciación sobre su paso por el Grupo Libre de Manny Oquendo El Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorquino
Asociarme con Andy y Jerry González fue una experiencia increíble para mí como joven músico en Nueva York. Ellos fueron parte importante de mi desarrollo. Eran un poco mayores que yo, pero recuerdo que Andy un día se acercó para presentarse cuando yo tocaba con Ismael Miranda en un club. Me dijo que era un placer conocerme y que sonábamos buenísimo. Desde entonces, nos hicimos amigos y me invitó a su casa. Cuando llegué, resulta que él vivía con Jerry en un apartamento abajo del de su padre y tenían una colección de discos increíble. Pasábamos muchas horas escuchando música que yo nunca había escuchado y discutiendo sobre los músicos. Debatíamos sobre quién era el más importante, quiénes nos gustaban. Fue una época muy linda de la cual surgió el Conjunto Libre de Manny Oquendo. Yo fui el pianista fundador del grupo que grabó los primeros tres discos. También surgió la imagen del Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorquino. Esa base de Andy, Jerry y René López se hizo más grande con otros músicos que se integraron luego como Alfredo Chocolate Armenteros, Virgilio Martí, Heny Álvarez, Willie García, Milton Cardona, entre otros. Eran tantos músicos que se amplió la imagen de lo que era una descarga (concierto espontáneo en el que un artista o grupo se presenta ante un grupo pequeño de espectadores)
El disco Reconstrucción de Ray Barreto, una joya musical para los salseros del mundo. Quiero conocer su experiencia en esa producción.
Reconstrucción fue una de las grabaciones más importantes de esa época porque los elementos que Rey usó para diseñar el concepto dieron como resultado algo increíble. Me siento muy orgulloso de ese disco con más de 40 años de antigüedad. Yo tenía 25 años cuando lo hicimos y quedó para la historia. Estoy muy agradecido con Ray Barreto porque me dio la oportunidad de desempeñarme como pianista y arreglista en esa producción. Aún hoy en día, muchos músicos me comentan que escuchaban ese disco todos los días y se inspiraron en él.
Quiero conocer su pasantía por Carabalí
Carabalí fue el grupo de Raúl Primo Alomar, que era un conguero, y el percusionista Rey Colón, que era bongonsero. Ellos querían hacer un septeto y me llamaron para integrarme como productor. Fui el productor de los dos discos. Estoy muy orgulloso de esa experiencia porque puedo estar en cualquier parte del mundo y me siguen llamando Carabalí a donde quiera que voy. Aris Martínez, el cantante del grupo, tenía unos 20 años en ese momento y yo me la pasaba corrigiéndolo en el estudio a cada rato. Hoy en día lo escucho y canta buenísimo. Sin embargo, llegó un punto en el que tuvimos un desacuerdo, por lo que me fui del grupo y les deseé suerte.
Usted grabó una producción titulada Como Nunca con Orlando Watussi ¿Podría hablarme un poco de ella?
No recuerdo mucho los detalles, pero Watussi siempre ha estado en el ambiente y ha sido considerado como uno de los mejores cantantes. No hablamos mucho, pero es una gran persona y es un amigo de siempre. Esa fue una gran oportunidad para nosotros y es otro ejemplo de cómo he puesto mi grano de arena en el ambiente musical con lo que siento en mi corazón.
Oscar Hernández, Rubén Blades, Eddie Montalvo y Ralph IrizarryLa última producción discográfica de Oscar Hernández
He conversado recientemente con el locutor y promotor de eventos Jesús Chuy Martínez acerca de sus inicios, trayectoria, experiencias, hechos inéditos y demás datos referentes a su brillante carrera en el mundo del entretenimiento. Sin más demora, leeremos atentamente sus palabras y disfrutaremos de las anécdotas que tiene para brindar.
Jesús “Chuy Martínez hace muchos años atrás
Buenos días, les habla Karina García, la directora de International Salsa Magazine para la sección de Norte América. Estoy muy contenta el día de hoy porque tendremos un invitado muy especial, quien es nada más y nada menos que al locutor, promotor y organizador de eventos nacido en República Dominicana, específicamente en la Ciudad de Pacheco, Jesus ¨Chuy¨ Martínez, con quien tendremos el placer de conversar ¿cómo se encuentra hoy, señor Martínez?
Muy bien. Estoy aquí listo para su entrevista
Muy bien, señor Martínez. Usted tiene una carrera muy extensa y exitosa en el mundo de las artes ¿Podría comenzar a hablarnos de cómo empezó todo y qué hizo que usted comenzara a dedicarse al mundo de entretenimiento?
Todo comenzó en la ciudad de Nueva York en el año 1970 cuando comencé a hacer actividades en Los Lagos. En Nueva Jersey había muchos lagos y comenzamos a hacer bailes con Pete ¨el Conde¨ Rodríguez y muchas otras orquestas. Después de hacer unas cuantas actividades en Nueva York, me mudé a la ciudad de Los Angeles, en la cual comencé a trabajar para una radio llamada 107.1 FM KMAX empezando con dos horas de música tropical y duramos unos tres años. Comenzamos con dos horas y después teníamos cinco horas diarias. Contábamos con el apoyo de algunos sellos disqueros que nos dieron toda la música, especialmente Fania Records y TH Company. Traíamos toda la música a Los Ángeles que estaba prácticamente en pañales. No había música tropical. Solo había tres emisores y solamente se dedicaban a tocar música norteña, así que nosotros fuimos una opción para el público de California. Teníamos salsa, Merengue, música colombiana, venezolana, de Nueva York, Puerto Rico. Comenzamos en programa con dos horas diarias, llegamos a tener cinco horas diarias y fue un éxito para el público, pero en ese entonces, las radios FM solamente estaban en los radios de las casas. En esa etapa, todavía no existía el FM, la cual comenzó a aparecer en los carros y casets el año 1979 o 1980. Antes se usaba una cuestión que se llamaba cartucho, pero con la llegada de la FM en los carros con casets, esta frecuencia comenzó a tener fuerza porque ya la gente podía escuchar la radio en sus vehículos y hogares. Ese fue un proceso que dio la fuerza a la radio para trabajar en FM. Yo duré trabajando en la radio KMX unos tres años y luego me fui a para otros lugares como Radio Cali KLOVE como ejecutivo de cuentas hasta que comencé un nuevo programa en KFOX 93.5 FM en 1982. En ese entonces, hacíamos actividades en night-clubs como Virginia, Los Globos, Sombrero, entre otros, y usábamos las diferentes orquestas que había en ese momento como la orquesta Siba, Azuquita y Su Melao Todo eso era un proceso de la década de los 70. Entonces, comenzamos con la década de los 80 en FM con toda la garantía de la radio en los carros, que fue cuando comenzamos a hacer discotecas. Hicimos Candileja, La Bamba, Escondite. Una cosa importante era la experiencia que se adquirió y, en vista de que estudié ingeniería de sonidos, aprendí mucho con respecto a la ecualización y todas esas cosas. Fui a Cali, Colombia unas cuantas veces y luego a Venezuela, donde aprendí la ecualización y el sistema de discotecas. No solamente contábamos con la década de los 80, sino que ya contábamos con muchos sudamericanos en Los Ángeles como venezolanos, colombianos, ecuatorianos, peruanos y centroamericanos. Una cosa que apoyó bastante para que se internacionalizara el ritmo en Los Ángeles era que teníamos los sábados completos y parte del domingo para hacer proyecciones en KFOX 93.5 FM. En el caso de los sábados, teníamos cuatro horas de música centroamericana, teníamos una audiencia muy grande de salvadoreños, guatemaltecos, quienes se quedaban escuchando el programa nuestro.
Jesús “Chuy” Martínez entrevistando Oscar D’ León en Kfox 93.5 fm
Muy bien. Teniendo en cuenta la aparición de la frecuencia FM en automóviles, aparatos reproductores de música, el internet y los medios digitales, ¿podría decirse que personas como usted han debido modernizarse y reinventarse para seguir vigentes en el mercado?
Correcto porque cuando existía las compañías de discos como Fania, Sony, RMM, MP, era fácil y todo el mundo proyectaba la música en los 80 y 90. Primero, la gente iba con su LP y caset, pero comenzaron a a aparecer los primeros CDs en el 86, por lo que la gente ya no quería los viejos LPs y casets. Se proyectaba la música en la radio en la que yo hacía mi programa y en KLOVE, donde se transmitían artistas de salsa como el Grupo Niche con su canción Cali Pachanguero. Luego apareció Marc Anthony y muchos otros artistas, por lo que las compañías te promovían y había esa facilidad para proyectar a un cantante, pero para el año 1996, ya la gente no quería los CDs porque entró la cuestión de la tecnología moderna y todo el mundo empezó a bajar música con el nuevo sistema de internet. Todo esto ocasionó un cambio total y es lo mismo que existe ahora, lo que hace que sea difícil proyectar a un muchacho con su orquesta o un solista. Ya no existe la cuestión de la promoción de la radio y ahora todo es digital, por lo que nos hemos tenido que adaptar al nuevo sistema técnico de internet con todos sus medios de comunicación.
¿Usted consideraría que este nuevo sistema ha sido beneficioso para los fanáticos y perjudicial para los artistas al mismo tiempo?
Correcto porque ya no tienen las oportunidades que tenían antes. A finales de los 80 y principios de los 90, existían muchas compañías disqueras con las que todo el mundo podía promoverse, lo que facilitaba que un artista pudiera proyectarse en el mercado de forma rápida. Ahora es diferente y un factor determinante ha sido que la mayor parte de los buenos artistas de Fania y otras compañías de su tipo han fallecido como Pacheco y Larry Harlow, así que los jóvenes que quieran proyectarse no cuentan con la compañía disquera y el CD. Se tienen que valer de otros métodos diferentes como el internet, la bajada de canciones y la venta de canciones. Hay algunos DJs que son expertos bajando música y hay muchos canales que tienen proyección de darle facilidad a los DJs tanto en video como en audio.
Póster anunciando el concierto de Oscar D’ León y el Grupo Niche en el Hollywood Palladium en 1987
Hay muchos portales webs dedicados a ofrecer música a través de los cuales la gente puede obtener canciones sin dar un solo centavo, así que el artista no gana nada por ofrecer su arte.
Correcto, pero hay compañías que se dedican a vender los temas de forma individual. Pueden cobrar hasta 99 centavos por cada canción y diferentes cosas que se han inventado. Hay artistas que obtienen algunos beneficios por la venta de sus canciones, pero ya no es como antes. En épocas pasadas la gente compraba los CDs, pero ahora hay algunos DJs que son especialistas en bajar música y están conectados a páginas a las que les pagan una mensualidad a cambio de la posibilidad de bajar videos y canciones. Conozco unos cinco DJs que tienen esa capacidad de bajar las canciones, pero ya no es como antes. Estamos en el año 2021 y ya las cosas no son tan fáciles para los artistas nuevos que dándose a conocer porque ya no tienen tantos beneficios.
Salsa moderna y experiencias memorables
¿Qué opinión tiene de la salsa que se hace en la actualidad?
Hay bastantes orquestas aquí en Los Ángeles, las cuales se presentan en el Mayan, el Granada y el Steve’s Steak House. Hay muchas orquestas que se promueven y proyectan a través de sus presentaciones, pero ahora con el COVID-19, todo se ha ido abajo en lo que se refiere a conciertos. Estamos haciendo conciertos, pero de forma muy limitada porque hay un temor muy grande en la comunidad de salir a los lugares, especialmente ahora que se habla de la variante Delta. La gente está muy asustada y es increíble lo que está pasando en el ambiente artístico de California y el mundo con el problema del COVID y el miedo de la gente a contagiarse. Es por eso que la mayor parte de la población no va a los conciertos, salvo la juventud que sí acude, desafía el momento y no tiene temor.
Póster hecho por KFOX 93.5 FM, la estación en la que Martínez trabajaba
¿Podría indicarme qué locales están abiertos para ir a bailar salsa en Los Ángeles?
El Granada, el Steve’s Steak House y el Mayan son los lugares que están más activos con la música trópical. El Mayan es el que más está albergando conciertos. El de Toño Rosario fue un éxito y pronto vendrá Jerry Rivera, así que vamos a ver qué pasa. Otros promotores van a traer a La Sonora Ponceña y diferentes cantantes, pero no existe la seguridad de que la gente va a acudir por todo lo que está pasando.
¿Podría decirme cuál es la experiencia más memorable que ha tenido en su carrera?
La experiencia más memorable fue cuando Frankie Ruíz tenía un concierto en el Bonaventure Hotel y el hombre cayó preso (risas) el mismo día. Eso fue el desastre y el disgusto más grande porque había mucha gente interesada en verlo y no llegó nunca. Esa fue una experiencia muy mala en la vida. Yo hacía muchos bailes con Oscar D’ León, Eddie Santiago, La Orquesta Inmensidad. La primera vez que llegó el Grupo Niche aquí en 1986, con quienes hicimos bailes junto a Oscar D’ León y La Misma Gente en el Hollywood Palladium. Tmabién trabajamos con Ray Barreto, Pastor López, Santiago Cerón, La Orquesta Inmensidad, Andy Montañéz, Lalo Rodríguez y muchos otros artistas. Antes había muchas orquestas en un solo evento, pero ahora la gente se ha acostumbrado a una sola orquesta y varios DJs.
Un mensaje final a quienes se dediquen al arte
Tenacidad y constancia en el trabajo, Mucho trabajo, mucho trabajo, mucho trabajo. Estudiar el terreno cuando se desea hacer algo y estar seguro de que su idea sea buena para que no fracase.
Póster anunciando el concierto de Frankie Ruíz en el Bonaventure Hotel in 1989
El Dallas Bachata Festival es una celebración en la que la música latina y el baile tienen un rol protagónico, aunque hay muchas otras cosas más por ver además de eso. Entre las muchas cosas que este grandioso evento ofrece a sus asistentes, podemos incluir espectaculares talleres de baile especializados en salsa, bachata, kizomba, zouk y muchos otros géneros musicales bailables. Es por eso que su equipo organizador ha hecho un gran esfuerzo en conseguir a los mejores instructores con los que impartir las mejores clases que sus alumnos hayan tenido jamás.
Había muchas dudas sobre la realización del festival para el año 2021, ya que el Dallas Bachata Festival había sido previamente suspendido el año pasado. Sin embargo, recientemente se ha dado a conocer la gran noticia de que sus organizadores han decidido realizarlo este año sin más demoras. Se ha hecho todo lo posible para poder llevar a cabo este gran conjunto de actividades, incluyendo la obediencia de todos los protocolos exigidos por las autoridades sanitarias con el fin de evitar la expansión del COVID-19 entre los asistentes.
Algunos bailarines en el Dallas Bachata Festival
En vista de que el evento ya tiene fechas programadas específicas, los costos, invitados y actividades han sido anunciados a través de la página de Facebook oficial del festival. Según la información publicada en la ya mencionada red social, la entrada general tiene un costo de 125 dólares y la misma te da acceso a todas las actividades programadas durante los tres días de duración que tendrá este evento. Teniendo en cuenta que todo ocurrirá en un lujoso hotel de la ciudad, los interesados también podrán reservar una habitación cuyo costo será de 109 dólares por noche. En caso de querer pagar la habitación doble, el precio asciende a 129 dólares por noche.
Desde ya mismo, quienes quieran vivir esta grata experiencia podrán reservar sus lugares en el evento los días de su realización, incluso si tocara posponerlo una vez más. Tal cual como ya ocurrió en una ocasión, el festival tuvo que ser pospuesto debido al avance de la pandemia, pero los organizares fueron rápidos al momento de responder ante la reposición del dinero invertido por los asistentes o usar los pagos hechos para las nuevas fechas. Ahora ocurre los mismo. Si el evento llegase a ser cancelado por cualquier razón, los compradores pueden estar seguros de que su dinero se les va a devolver o abonar para los nuevos días.
El día 8 de agosto, el equipo organizador ha hecho algunos anuncios importantes sobre el evento. Uno de ellos hace referencia a la rapidez abrumadora con la que los últimos pases restantes se están vendiendo, por lo que hay que darse prisa para conseguir uno. El 4 de octubre será el día en el que se considerará que todos los boletos han sido vendidos, ya que no habrá taquillas de entradas en las puertas del festival.
Otro de los anuncios que se hizo fue el de la implementación de un protocolo sanitario que garantice la protección de los asistentes ante el COVID-19, en el que se incluye el resultado de una prueba de PCR negativa o prueba rápida de antígenos para detectar la presencia del virus.
Estudiantes en un taller de baile
Para mayor información al respecto, se puede ingresar al portal web oficial del Dallas Bachata Festival www.dallasbachatafestival.com o llamar al número 956-497-3450.
A lo largo y ancho de todo Estados Unidos, han venido celebrándose un buen número de eventos de música latina cuyo propósito mayor es el de inspirar a artistas y bailarines de todo el mundo a visitar esas ciudades y mostrar a todos los presentes lo talentosos que son. Desde luego que Burlingame Village, California no se ha quedado por fuera.
Por tercer año consecutivo, los organizadores del San Francisco Salsa Bachata and Kizomba Congress han invertido toda su energía en ofrecer uno de los más grandes festivales latinos que los asistentes hayan visto jamás. Luego de haber tenido dos ediciones anteriores increíblemente exitosas y concurridas, los encargados de organizar el congreso vuelven a la acción con una gran cantidad de invitados muy talentos, quienes están más que ansiosos por compartir sus destrezas de baile con quienes deseen aprender.
Estamos hablando de un nutrido grupo de instructores provenientes de varios países completamente listos para impartir espectaculares talleres y shows en los géneros latinos más populares del momento como la salsa, la bachata y la kizomba. Todo esto acompañado de grandiosas fiestas y reuniones sociales en las que los alumnos podrán poner en práctica todo lo que vayan aprendiendo durante los tres días que dure esta gran experiencia.
Dichos talleres estarán acompañados de unos fabulosos shows en los que algunos de los mejores DJs amenizarán el ambiente haciendo uso de un repertorio tan diverso como alegre. Desde luego que toda la música usada estará enteramente basada en los géneros que se enseñarán durante las clases de baile.
Un grupo de mujeres bailando en el San Francisco SBK Congress
Qué decir de los costos y la pandemia
Aunque las ediciones pasadas fueron un rotundo éxito y los organizadores hacen lo que pueden para maravillar a los asistentes, también es cierto que se enfrentan a la pandemia del COVID-19, la cual ha ocasionado que todos replanteásemos nuestras vidas y proyectos hasta que las cosas mejoren. Esto ha hecho que el equipo del congreso haya tenido que hacer un gran conjunto de cambios afín de lograr que todo aquel que desee asistir al evento se sienta seguro y protegido en todo momento. Luego de haberse asegurado de que todo estará bajo control para los tres días del festival, iniciaron la venta de boletos y reservaciones para cuartos en el hotel Hyatt Regency San Francisco.
Según los portales web que ofrecen información del San Francisco SBK Congress, el costo de las entradas puede variar de los 30 a los 210 dólares dependiendo de lo que cada pase incluya. También se informó que no habrá ningún tipo de devolución del dinero, por lo esta venta de boletos es definitiva. Se tiene previsto que la venta se lleve a cabo durante todo este mes hasta el viernes 31 de octubre, día en el que ya no se aceptarán más compras.
Las fechas previstas para la realización del congreso serán el 19, 21 y 21 de noviembre del presente año y los afortunados en asistir tendrán la oportunidad de convivir con personas provenientes de muchas otras partes del mundo, lo que hace de este evento una experiencia única e irrepetible.
Gente calentando antes de bailar en el San Francisco SBK Congress
Quien desee mayor información sobre el festival, puede dirigirse a su portal web oficial www.sfsbkcongress.com. En ese enlace, hay todo tipo de datos importantes sobre los boletos, sus costos, los géneros presentes, los instructores, los DJs invitados, la locación y mucho más.
