Irakere se conforma como tal en 1967 pero había empezado a trabajar mucho antes; en ese año precisamente van a una selección convocada en La Habana para organizar con los mejores músicos de entonces la Orquesta Cubana de Música Moderna; ya en 1972 se acercaban a lo que actualmente producen decidiendo en 1973 llamarle Irakere, que en lengua Yoruba quiere decir Vegetación y es así como partiendo de su nombre trabajan con base en las raíces musicales afrocubanas.

De esta manera, a través de la combinación, mezcla e interrelación de lo clásico, el impresionismo, el jazz, el rock y varias técnicas de composición logran pasearse por todos los estilos tales como la música bailable, la de concierto, la tradicional y la popular cubana.

Gracias al impulso del pianista Chucho Valdés, el grupo cubano Irakere levantó vuelo en 1973, nutrido del bop de Thelonious Monk.

Fundadores

Grupo Irakere: Fue fundado en La Habana en 1973, por:

Jesús Valdés(Chucho)compositor, director y pianista;

Paquito D’Rivera (Paquito), saxofón alto, tenor, flauta y clarinete;

Carlos Averhoff, saxofón tenor, soprano, flauta y clarinete bajo;

Jorge Varona, trompeta, trombón de pistones y percusión;

Carlos del Puerto, bajo, guitarra bajo y tuba;

Carlos Emilio Morales, guitarra;

Bernardo García, drums y tambores batá;

Jorge Alfonso, tambores batá;

Enrique Plá, batería;

Carlos Barbón, güiro, chekeré y pandereta, y

Oscar Valdés, cantante, tumbadora (conga), tambores batá y bongó.

Gracias al impulso del pianista Chucho Valdés, el grupo cubano Irakere levantó vuelo en 1973

Sobre la fundación de Irakere, expresó Chucho Valdés:

«Para nosotros el Grupo siempre existió, estuvo presente en todo momento; era como algo pendiente. Al inicio no tenía nombre, sólo era una idea en la que trabajábamos: utilizar la percusión folclórica cubana en la música bailable, y buscarle timbres distintos y con una característica común: “nuestros”.

Entonces a Oscar Valdés se le ocurrió combinar el nada fácil y poco conocido tambor batá con tumbadora, güiro y cencerro y así, paso a paso llegamos al actual Grupo…»

Sobre primera etapa de Irakere, el musicólogo Leonardo Acosta apunta: «uno de los aciertos de Irakere había sido no tratar de inventar e identificarse con un “nuevo ritmo”, según las viejas pautas de reclamo publicitario tan socorridas desde los años cuarenta hasta los propios sesenta.

El slogan sobre el “nuevo ritmo” fue hasta fecha reciente el “ábrete sésamo” con el que los músicos contaban para hacerse famosos de la noche a la mañana, y por ese camino se llegó a veces a resultados bastante comerciales.

Aparte de que ningún “nuevo ritmo” es tan nuevo, todos proceden de la alteración o de la amalgama de ritmos preexistentes.

La única alquimia de Irakere procede de la espontánea creatividad de sus integrantes. Al no existir ningún empeño comercial, se hacen innecesarias las prácticas de laboratorio, y el grupo puede interpretar una contradanza, un danzón, un son montuno o un cha cha chá sin temor a parecer “anticuados”, ya que de hecho están tocando al mismo tiempo otra cosa. Y sin proponérselo como meta, ni tener que inventar un nombre de “pega”, casi por un imperativo del propio material que trabajan, van surgiendo nuevas combinaciones rítmicas, hasta el punto en que el ritmo de Irakere resulta inconfundible entre los oyentes o bailadores cubanos.

Ciertamente, y a pesar de sus triunfos en festivales internacionales de jazz, Irakere no es un grupo de jazz. Pero tampoco esos éxitos son gratuitos, pues como hemos visto, cuentan con formidables músicos de gran experiencia en el terreno jazzístico, sobre todo en el aspecto de la improvisación, el gran hallazgo del jazz y quizás su mayor aporte a la música del siglo XX .

“Paquito D’Rivera: Irakere nació contra la voluntad de las autoridades cubanas”.

Cuando se habla de música cubana surge el nombre de una de las agrupaciones más emblemáticas de la historia musical del país, Irakere, que en lengua yoruba significa vegetación, selva.

Y es que Irakere se convirtió en la semilla que haría germinar un frondoso bosque de ritmos y sonidos, una escuela por donde han desfilado muchas de las grandes estrellas de la música cubana.

Con más de cuatro décadas de fundada esta legendaria banda ha sido pionera del jazz afrocubano e iniciadora de la revolución musical en los años setenta.

Irakere surgió en una época en la que por exigencias políticas en la Isla, la música y la cultura eran tratadas como instrumento de identificación revolucionaria y en el que el jazz estaba tildado de música imperialista.

Fue en estos momentos, finales de la década de los sesenta e inicios de los setenta, que un grupo de grandes músicos fundaron una banda cuya principal apuesta era enriquecer la música popular bailable cubana junto al jazz latino como elementos esenciales.

Bajo la dirección del destacado pianista Jesús “Chucho” Valdés se reunieron músicos de excelencia que buscaban una sonoridad diferente, a partir del uso de la percusión folclórica afrocubana junto a los timbres renovados de los ritmos populares de la época que fusionaban el jazz, el rock, el funk y los ritmos populares cubanos como el son, el mambo o el cha cha chá, junto a la música clásica o de concierto.

“Irakere fue la Generación Musical del cambio”

Fuentes:

https://www.ecured.cu/Irakere

Leonardo Acosta

Radio Televisión Marti

Mirna Guerra

Irakere

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Uno de los himnos salseros de Puerto Rico es, sin duda, ‘Borinquen’. A continuación, Papo Lucca, líder de la famosa agrupación salsera, nos cuenta por qué incluyó al percusionista peruano en aquella canción.

Papo Lucca necesitaba un percusionista experto en danza puertorriqueña para el tema ‘Borinquen’, escrito por Johnny Ortiz, y que incluiría en el LP ‘Unchained Force’.

Era 1980 y por esos días Carlos Peluzza Del Carpio, el versátil músico peruano, estaba en San Juan.

Papo no dudó en convocarlo. “Él vivió mucho tiempo aquí en Puerto Rico”, nos dice el líder de la Sonora Ponceña al teléfono. “Es que en la Sonora yo no tengo redoblante.

Y como Peluzza estaba aquí y compartía sus jornadas musicales con muchos artistas de Puerto Rico, sí sabía de esos secretos de la danza puertorriqueña. Fue por esa razón que lo invité para que estuviera en esa grabación, recuerda Papo, 37 años después.

El encargado de ir a buscar al músico peruano fue Wison Torres Jr., quien de paso se encargó de los arreglos del tema (junto a Papo). A ‘Peluzza’ solo se le informó que lo requerían en una sala de grabaciones. Al llegar vio la percusión lista, un bajo y un piano.

A los minutos llegó Papo, lo saludó y empezó la memorable sesión. El percusionista recuerda aquello como uno de los momentos más bellos de su vida. ‘Borinquen’, en sus 6.56 segundos, fue un éxito.

La voz la puso Yolandita Rivera, una de las más grandes soneras que ha nacido en la Isla del Encanto. Los coros estuvieron a cargo de Toñito Ledee, Miguelito Ortiz y Edwin ‘Caneca’ Rosas. Papo quedó satisfecho. Y Carlos ‘Peluzza’ atesora con cariño la historia.

Esa es solo una de las tantas anécdotas que tiene el famoso pianista con los peruanos. Recuerda que un día en la televisión de su país una muchacha y su padre cantaban el tema ‘Fina estampa’. Le gustó.

Por eso, en 1979, en el disco ‘La Ceiba’, en el que canta Celia Cruz, decide incluir aquel famoso vals de Chabuca Granda. “A partir de ahí conocí otras piezas de la música criolla peruana”, nos dice.

Papo ha visitado muchas veces Lima. Ya perdió la cuenta. Tiene amistades. Por ejemplo, es compadre de Carlos Aparicio, el entrenador de vóley. Asegura que alguna vez hasta participaron en un juego de las chicas de Alianza Lima. Además, nos recuerda que Edwin Caneca Rosas es también árbitro de ese deporte. Así que todo conspiraba.

Es una mañana de junio en La Perla, Callao, y la charla prosigue bajo la mirada de Juan Núñez, cantante peruano que justamente estuvo hace unas semanas en Ponce, Puerto Rico, cumpliendo un sueño: ensayando con la misma Sonora Ponceña. Papo es generoso con Juan, resalta sus cualidades para el canto y subraya la amistad que ha crecido entre ambos.

Precisamente, aprovechamos para preguntarle por el reciente hit de la orquesta titulado ‘Canción a mis amigos’. Esta salsa nació luego de los terribles desastres naturales que enfrentaron Perú y Colombia a inicios de este año con el fenómeno de El Niño Costero.

La composición es de Francisco Alvarado, quien la escribió en dos días. Las voces la pusieron Jorge Nicolai y Darvel García. Lo que les pasó a ustedes nos identificó mucho”, expresa Papo.

El músico añade que sintió que la Ponceña debía hacerse sentir con una canción de solidaridad. Ahora toca que suene en las radios limeñas. ¿Se popularizará?

Los veinte minutos de charla se terminan y con Papo quedan muchos temas en el tintero. Él es muy agradecido y Juan Núñez nos cuenta que detrás de su apariencia de solemnidad hay un ser humano que disfruta, que vive apasionado por la música y que siempre está observando cómo amalgamar sonoridades. La Sonora Ponceña sigue vigente y ojalá pronto podamos verla descargar en Lima.

Necesitamos corear ‘Canción a mis amigos’. Y que Carlos Peluzza, en una de esas, vuelva a redoblar en ‘Borinquen’. ¿También que cante Yolandita Rivera? Ojalá.

Fuentes:

Martín Gómez V.

Papo Lucca

Carlos Peluzza

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Edgar “Balín” Ocando, músico venezolano nacido en Caracas en la parroquia El Recreo, específicamente del bloque 7y8 de Simón Rodríguez.

Estudió música en la escuela José Reyna ubicada detrás del mismo edificio en donde habitaba, también estudió en el Conac de Sarria con el maestro Orlando Poleo.

En su infancia se reunía con amigos qué tenían la misma inquietud y pasión por la música, reuniéndose todos los fines de semana para hacer ruido como decía la vecina al que fin tras fin debía aguantar la música.

A raíz de esos ensayos fue a parar en una agrupación con el cual comenzó su carrera música ya recibiendo su primer pago como profesional a la edad de los 14 años con el grupo Ases de la Gaita, grupo formado por amigos de la infancia con la finalidad de alejarse de las drogas, que para los años 80 estaba muy  fuerte.

En el secundario ingreso a las filas del Coro Infantil Venezuela bajo la dirección del maestro Raúl Cabrera, en ese paso por el coro el hijo del profesor Cabrera conocido como Raulito, formo el grupo de salsa Sabor Latino pasando a formar parte del mismo.

Proveniente de una familia musical, siempre buscaba la manera de estar pegado a sus tíos Rafael y Yelitza Sivira,  los cuales eran cantantes del Polifónico Rafael Suarez y siempre buscaba la manera estar presente en los ensayos, siendo Yelitza Sivira la que toma la responsabilidad de llevarlo y solamente se limitaba a sentarse ver como vocalizaban con el piano de la mano de la directora María Cabrera, fue entonces cuando crean el Polifónico Infantil Rafael Suarez pasando a formar parte de la filas como barítonos.

Ya en la adolescencia a la edad de los 17 años entra a trabajar en un banco por medio de una beca que le otorga la institución Insbanca, y estando trabajando se crea la Coral del Banco Italo Venezolano participando así en encuentros coral bancario, fue entonces que vuelve a la música como instrumentista al ver en un anuncio de   prensa que solicitaban tamborero para formar parte de un grupo de gaitas, para lo cual fue a la audición donde habían infinidades de tamboreros y que del cual se quedó  con el puesto pasando a así a formar filas de Estrellas de   la Gaita.

Al año siguiente fue invitado por un amigo a formar parte del grupo Santoral de Freddy Rangel, llegando a grabar por primera vez en los Estudios Requena, al año siguiente en pleno ensayo con Santoral   fui llamado a formar parte del grupo Los Caracuchos de Joseito Rodríguez, formando parte como tamborero por 2 años y grabando en los Estudios Manoca, fue entonces donde ingresa a los talleres de percusión de la Fundación   Bigott con los maestro Alexander Livinali y Williams Troconis.

Estuvo en las filas de importantes grupos y orquestas Venezolanas como Los Caracuchos, Catatumbo, Los Casanovas, Melody Gaita, Sabor Latino, Orquesta La Moderna etc.

En el año 1999 cambia de rumbo y se traslada a México en donde ha participado como percusionista y corista en agrupaciones como Cokodrilos, Kumbia Kings, Sonora 100% Dinamita, Alicia Villarreal y hoy en día tiene su propia orquesta llamada Rumba Latina de Venezuela, la cual formó en 2005 y a abierto conciertos de grandes figuras internacionales como: Oscar D’ León, Willie Colon, Víctor Manuelle, Porfi Baloa y sus Adolescentes, Nigga, etc.

Al igual que a artistas mexicanos de la talla de Julión Álvarez, Los Tucanes de Tijuana, Mariana Seoane, El Grupo Pesado, Germán Montero, El Poder del Norte, Emilio Navaira entre otros.

Integrada por músicos de diferentes nacionalidades tanto  de Venezuela, Cuba, República Dominicana, México y de  la mano de nuestra oficina de Representaciones y sello disquero Indepe Music, seguiremos llevando nuestra música a más y más personas en cada rincón del país.

Edgar Ocando Manager

Phone(52)-8132179324

email. [email protected]

Edgar Balin Ocando

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Renato Capriles, el hombre que impuso el ritmo con “Los Melódicos”

Las orquestas bailables siempre le han puesto sabor y ritmo a las fiestas en el Caribe, pero una de las grandes nació en Venezuela de la mano de Renato Capriles, “Los Melódicos”. Un empresario con una visión interesante sobre la música, que supo adecuarse a lo que el público deseaba, a lo largo de las décadas que acompañó a su más grande proyecto. En las siguientes líneas, te contaremos sobre su vida y lo que él opinaba de sus vivencias.

Primeros años de Renato Capriles

Al contrario de lo que muchos creen Renato no nació en Caracas, sino en un pequeño pueblo llamado San Esteban ubicado en Puerto Cabello, estado Carabobo, un 28 de diciembre del año 1931. En sus propias palabras:

“Era un pueblo en donde solo vivían seis o siete familias. El resto de los habitantes eran personas que servían en esas casas. San Esteban queda como a una hora de Puerto Cabello y sigue siendo una zona muy bonita.”

Su llegada a Caracas se debe a la muerte de su padre, momento en que su hermano mayor Miguel Ángel, decide trasladar a la familia a la capital y desarrollar los negocios por los que luego la familia Capriles sería muy conocida en Venezuela. Además es por eso que se sabe que él nació en el seno de una familia acomodada, por lo que los negocios es algo que llevaba en su sangre. También eran una familia numerosa, siendo Renato el hermano 13 de 14, por eso siempre consideró este su número de suerte.

Al llegar a Caracas se asentaron en La Pastora, donde los Capriles pasaron su infancia y adolescencia. El propio Renato llegó a comentar que transitaba esas calles con un velocípedo que le regalaron para su cumpleaños. Durante su adolescencia comenzó a tener más cercanía a las orquestas bailables de la época, aunque la música siempre lo acompañó mostrando un oído innato desde pequeño. Pero fue de adolescente que iba a las fiestas en la plaza y escuchaba la radio:

“Ya un poco mayor – 16, 17 o 18 años- los programas que escuchaba eran “A Gozar Muchachos”, el de Billos, por supuesto; y el programa que tenía Luís Alfonso Larraín. Esas eran las dos grandes orquestas…”

En esa época también comenzó su etapa laboral, primero como office boy en Inex S.A., propiedad del empresario alemán Gustavo Zingg. Gracias a su simpatía y saber tratar a la gente conoce a Zingg y sus hijos, que al ver su duro trabajo lo ascienden a vendedor de la tienda y luego vendedor itinerante a bordo de un Land Rover, con el que recorrió gran parte del territorio venezolano vendiendo de todo, incluso plantas eléctricas.

Luego decidió seguir la vena de su familia y montar su propio negocio en Valencia, un almacén de ropa que le compró a su cuñado quien era agente de viajes de dos fábricas de ropa. Sin embargo esto solo duró 2 años, siendo este el único negocio de Renato que fue un fracaso. Su mamá le pidió a su hermano Miguel Ángel que se lo llevara a la empresa, conocida en ese momento como la Cadena Capriles, que poco a poco se volvía un conglomerado editorial.

Renato llegó a la Cadena y formó de cero el departamento de Relaciones Públicas de la empresa, algo de lo que siempre estuvo muy orgulloso y que no dejaba de recordar en cada entrevista. De hecho esa vena de relacionista público es lo que lo llevó a lograr ese éxito impresionante que poseen “Los Melódicos”:

“Yo creo que yo nací con eso. Siempre hago el comentario de que más que músico yo  me  siento  un  relacionista  nato.  Toda  mi vida  lo  he  hecho  y  lo  he  aplicado…”

Fundación de “Los Melódicos”

Aunque parezca chiste, debido a la supuesta enemistad entre ambos, fue la orquesta de Billo Frómeta, la que impulsó a Renato a formar “Los Melódicos”. El joven Capriles pasó su adolescencia escuchando a la Billo’s Caracas Boys en su programa de radio “A Gozar Muchachos”, también escuchaba otras orquestas que competían con la Billo’s por la popularidad de los Venezolanos y los países vecinos.

Sumado a esto, Renato Capriles siempre estuvo ligado de una forma u otra a la música, no solo tenía ritmo y oído innato, sino que su mente de hombre de negocios lo llevó a darle una organización diferente a su propia orquesta. De hecho, en el tiempo que la familia Capriles vivió en La Castellana, él junto a su hermano menor Juan Felipe tenían una pequeña banda de 5 músicos. Por lo que Renato ya tenía experiencia en la formación de bandas y orquestas.

En 1958, Renato finalmente decide seguir su sueño más anhelado: tener su propia orquesta. Aprovechando el veto que le dieron al maestro Billo por situaciones políticas de la época, Renato lo busca para que lo ayude en la parte de composición y arreglos. Como lo comentó a la entrevista que le concedió a Alfredo Churión D. y su espacio “Aquí están todavía”:

“Hay un poco de fantasía acerca de la creación de mi orquesta. Yo era gran admirador de Billo y siempre quise tener una orquesta que sonara como la de él. ¡Siempre lo he dicho!… (Billo) Había abierto un negocio en Sabana Grande al que bautizó como El Rincón de Billo en donde tocaba el piano para la gran cantidad de amigos que lo visitaban allí. Y allí me le presenté un día junto a Tere, mi primera esposa, para dar salida a la inquietud que tenía desde muchacho que era tener una orquesta.

Y mis palabras fueron: ‘Billo, el motivo de mi visita no es venirte oír a tocar el piano ni a echarme tragos en el bar, sino proponerte que me hagas los arreglos para una orquesta que voy a sacar y yo te doy el 50% de las ganancias’… Total que a los siete meses apareció mi  orquesta con sus arreglos. Él no podía aparecer en ninguna parte junto a ellos porque ningún músico podía acercarse al Billo de esa época so pena de que lo vetaran de por vida también.”

“Los Melódicos” debutaron en un programa de televisión que estaba patrocinado por la Cadena Capriles, se llamaba Su Revista Musical. Renato era el productor del show y ahí debutó el animador Henry Altuve quien solo había trabajado en la radio hasta ese momento. El primer LP de la orquesta venía con arreglos y una composición de Billo. Por lo que tenía su sonido pero al mismo tiempo no:

“El arregló muy vivamente con un sonido muy comercial, pero que no se pareciera a él. En el primer LP de mi orquesta, aunque son sus arreglos, no es su sonido.”

Otra cosa importante para destacar era la forma de trabajar y cómo organizaba la orquesta Renato, junto con su novedoso sistema de pago a los músicos:

“Creé una forma de pago a los músicos que no existía en la época y que llamó la atención de Billo al reaparecer con su orquesta en 1960. Yo inventé las tarifas para los músicos y te lo puedo probar porque tengo guardados los contratos. Un primer alto ganaba ochocientos bolívares al mes y un buen segundo tenor ganaba seiscientos. Era la primera orquesta que ganaba sueldos. No era como la Billo’s en donde cada músico ganaba un porcentaje. Yo creé la orquesta como una empresa. Tenían, y siguen  teniendo, Seguro  Social, Caja  de  Ahorros, préstamos sin intereses, etc.”

Época de oro de Renato junto a “Los Melódicos”

La orquesta “Los Melódicos” ha sido fiel al lema que la ha acompañado a lo largo de esa extensa carrera musical: “La orquesta que impone el ritmo en Venezuela”. Comenzaron con los cantantes Víctor Piñero «Rey del Merecumbé» y Germán Vergara, pero fueron innovadores al tener por primera vez en las filas de una orquesta a una mujer: Emilita Dago.

Desde ese momento por sus filas a lo largo de las décadas han pasado cantantes y músicos de la talla de Rafa Pérez, Manolo Monterrey llamado el «Ciclón Antillano», Niro Keller, Cherry Navarro, Cheo García, Roberto Antonio y Miguel Moly; mientras que entre las chicas estuvieron Norma López, Diveana, Floriana y Liz.

Lo que diferenció a “Los Melódicos” de otras orquestas en esas décadas, fue la innovación que Renato le puso. Uno de esos grandes ejemplos es presentar ritmos variados fuera del ritmo bailable latino. Ellos llegaron a tocar el twist con la cantante Teresita Martí, lo que les trajo grandes problemas ya que se consideraba “… un ritmo vulgar y ordinario.” También llegaron a tocar temas con toques de rock, pero su sonido más significativo es el tecno con temas como “Papachongo” y “Que Rico”, donde Diveana logró capturar más de un corazón.

Durante todos los años que Renato estuvo al frente de la orquesta, fueron muchos los rumores de amores románticos con sus cantantes a lo que él mismo respondió:

“Por mi orquesta han pasado 17 figuras femeninas y con 7 de ellas he mantenido  relaciones amorosas. Algunas tormentosas y otras muy bonitas. La gente cree que yo me he enredado con todas, pero no es así. Cría fama y échate a dormir.”

El ritmo de Renato se apagó antes de tiempo

Renato Capriles nos dejó la mañana del 8 de julio del año 2014, tenía ya días internado en una clínica en Caracas, todo debido a una neumonía. Actualmente, la dirección de la orquesta la lleva Iliana Capriles hija de Renato, quien desde hace 11 años trabaja arduamente para seguir contribuyendo con el éxito de la orquesta bajo el puesto de directora. Pero toda su vida ha estado de una forma u otra ligada a la orquesta, y como buena Capriles ha pasado por todos los puestos de la empresa que fundó su padre.

“Desde hace 30 años formo parte de la organización musical Renato Capriles, he sido la mano derecha de mi padre, su productora, promotora, ventas, entre otros, hasta que desde el 2014 me tocó asumirlo, y ha sido una responsabilidad enorme, y aquí estamos rindiéndole homenaje, honor a quien honor merece, y manteniendo el legado de gran importancia en la música latina”.

“Los Melódicos” son una parte clave de la historia musical de Venezuela, con más de 100 producciones bajo su autoría, además no se puede olvidar que su cierta enemistad profesional con la Billo’s Caracas Boys era lo que mantenía interesante el panorama de las orquestas bailables. Como siempre lo han demostrado, se mantienen al día en las nuevas tendencias y las redes sociales no son la excepción, por lo que los pueden encontrar en todas como @orquesta_losmelodicos o La Orquesta Los Melódicos, porque ahora son “la orquesta que impone el ritmo” en el mundo digital.

Yolanda Moreno “la Bailarina del Pueblo”

Venezuela ha sido un país caribeño y sudamericano que siempre ha mostrado tendencias artísticas entre sus habitantes. El baile no es una excepción, y una de las grandes representantes de la danza típica venezolana es Sixta Yolanda Moreno de Rodríguez, mejor conocida como Yolanda Moreno “la bailarina del pueblo”. En este artículo te hablaremos más de ella, sigue leyendo.

Los inicios de Yolanda Moreno

Esta gran bailarina venezolana nació un 6 de agosto de 1936, en el barrio El Guarataro de la parroquia San Juan, en Caracas. Sus padres la nombraron Sixta Yolanda, un dato que pocos conocen a menos que se investigue de su vida, ya que ella consideró que Yolanda era más sencillo de decir y pronunciar.

Creció en el seno de una familia de bajos recursos, pero eso no impidió que persiguiera su pasión por el canto y el baile. A los 13 años se unió como corista en la agrupación musical el “Retablo de Maravillas” creada por el Ministerio de Trabajo. En este grupo demostró su talento para la música y una voz maravillosa, además de cumplir un sueño infantil: «De pequeña quería ser cantante de flamenco, yo oía a la «Gitana de Color». Con este grupo conoció a su primera mentora, la bailarina austríaca Margarita Brenner.

Durante esta etapa Yolanda conoció al que es el amor de su vida, su esposo Manuel Rodríguez Cárdenas. Al que también le agradece todo el apoyo que le ha brindado a lo largo de su carrera, al punto de asegurar que no sería la bailarina y mujer que es hoy en día sin su total confianza y compañía. Aunque su relación fue una sorpresa ya que el matrimonio se dio cuando ella solo contaba con 16 años.

La fundación de “Danzas Venezuela”

Otro de los grandes logros con su esposo Manuel, es la fundación de la agrupación “Danzas Venezuela” en 1962. Con ella Yolanda logra modernizar la danza y el folclore del país, al cambiar la imagen de las bailarinas con faldas muy amplias y el cabello recogido, de esa forma se ven más refinadas; también cambió el calzado para dar más fuerza al zapateado.

Aunque al principio estos cambios no fueron bien recibidos, Moreno con su esposo Manuel lograron la aceptación del público, y también cautivaron al público internacional. Entre los lugares que lograron visitar están: China, Japón, Corea, Hawai, San Francisco, Washington, Nueva York, Canadá, Unión Soviética y Latinoamérica, desde México hasta Argentina. Uno de los lugares especiales fue Puerto Rico, donde nació su apodo de “La Bailarina del Pueblo”.

También tiene grandes recuerdos de China, en especial quedó asombrada por el respeto a los mayores y la gran cantidad de expresiones artísticas que existen en este país. «La danza es un trabajo permanente, muy agradable, trabajo hasta dormida. Yo me acostumbré al trabajo duro, aunque me dolía, bailaba» sus palabras resumen su amor por la danza y el arte.

Y llegó el retiro de Yolanda Moreno

A pesar de que siempre será “La bailarina del pueblo venezolano”, Yolanda ha aceptado que sus días en el escenario se han acabado, esto por supuesto no quita que siga dirigiendo a bailarinas y dando sus consejos con aportes en materia de coreografías. Pero activamente Yolanda ya no sigue su carrera, su gran despedida fue en el 2008 con dos funciones en la Casa del Artista.

Por supuesto que ha tenido apariciones especiales cómo la que presentó en el homenaje póstumo a Joaquín Riviera, el cual fue parte del pre-opening del Miss Venezuela del 2013. Han habido otros eventos especiales, pero ninguno de forma tan esplendorosa como lo fueron los años dorados de su carrera.

Es más que entendible que Moreno se retirara, con 86 años es una mujer que desde niña le ha dado todo al arte y el folclore de su país natal. Además, tuvo que enfrentar con valentía la despedida terrenal de su esposo Manuel, acontecida en 1991 acompañada de sus dos hijos Manuel Rodrigo y Fernán. Solo queda esperar poder disfrutar unos cuantos años más de sus grandes ideas para la preservación, y a la vez de modernización, de la danza típica de Venezuela.

El pasado domingo 22 de septiembre de 1974 (Un día como hoy, Fania All-Stars hacía historia presentándose por primera vez en África ante 80 mil espectadores.

Una noche mágica que incluyó momentos maravillosos. Esta es su historia.

A mediados de 1974, el promotor de boxeo estadounidense Don King organizó en Kinshasa, el Congo, una pelea para que Muhammad Ali recuperara la corona contra el entonces campeón del mundo de los pesos pesados, George Foreman, combate que fue llamado ‘The Rumble in the Jungle’.

Paralelo a la pelea de box, el músico Hugh Masekela y el reconocido productor Stewart Levine programaron una serie de conciertos en el estadio 20 du Maipara de Kinshasa (Zaire) en el marco de un festival que duró 3 días (del 22 al 24 de septiembre de 1974) que luego se convertiría en uno de los acontecimientos musicales más importantes del siglo en África al que los organizadores llamaron: ‘Zaire 74’.

Pero, lamentablemente una lesión que sufrió George Foreman mientras entrenaba obligó a posponer la pelea por casi seis semanas, sin embargo el festival de música sí se llevó a cabo.

En el evento actuaron 31 agrupaciones (17 locales y 14 extranjeras) en dicha ocasión estuvieron presentes artistas de la talla de James Brown, BB King, Bill Withers, Manu Dibango, Míriam Makeba, Fania All-Stars, entre otros.

La plana de músicos de Fania que viajaron a África y actuaron en el festival fueron: Johnny Pacheco (Flauta), Larry Harlow (piano), Bajo: Bobby Valentín (bajo), Nicky Marrero (timbales), Ray Barretto (congas), Roberto Roena (bongos), Yomo Toro (Cuatro), Pupi Legarreta (Violín) Jorge Santana (Guitarra eléctrica), Víctor Paz, Kurt Ranno, Luis ‘Perico’ Ortiz (Trompetas), Lewis Kahn (Violín y trombón), Ed Byrne (Trombón), y 6 cantantes: Celia Cruz, Ismael Miranda, José ‘Cheo’ Feliciano, Héctor Lavoe, Santitos Colón, Ismael ‘Pat’ Quintana (voces y coros).

Todo estaba preparado para volver a La Gran Manzana, New York pero un infortunio mayor obligó a Johnny Pacheco y compañía a permanecer.

Aunque considere increíble, músicos y cantantes tuvieron que quedarse 11 días adicionales debido a un problema político y social en dicho país, sin poder salir del hotel donde estaban hospedados. Así lo cuenta Bobby Valentín en una entrevista exclusiva a Rafael Vega Curry, periodista de elnuevodia.com

“No alcanzábamos a salir. Entonces nos quedamos consumiendo en el hotel. Jerry Massucci tuvo que pagar $18,000 extras porque nos reuníamos en los cuartos a pedir comida y vaciar las neveritas (risas). Siempre había alguien que decía “mañana nos toca en el cuarto mío”, cuenta el conocido ‘Rey del bajo’.

Con el concierto en Zaire, Fania All Stars se había convertido en la primera orquesta tropical en pisar suelo africano. Al show, realizado en el Estadio Statu Hai de Kinshasa, asistieron más de 80 mil espectadores.

Fue parte del evento «Zaire 74» realizado desde el 22 al 24 de septiembre de ese año, y también participaron artistas del género R&B y Soul como James Brown, Bill Withers y BB King.

En 1974, la salsa estaba en su máximo crecimiento en Nueva York. Sin embargo, sus máximos representantes estaban cercados entre cuatro paredes.

Entre los genios musicales se encontraban Johnny Pacheco, Ray Barretto y muchos más que hicieron de esta orquesta la más importante de la salsa en toda su historia. En ese directorio no podía faltar Héctor Lavoe.

Nota Importante:

La República Democrática del Congo, también conocida popularmente como R. D. Congo, Congo Democrático, Congo-Kinsasa​ o Congo del Este, y denominado Zaire entre los años 1971 y 1997, es uno de los cincuenta y cuatro países que forman el continente africano. Su capital y ciudad más poblada es Kinsasa.

Con el nombre de la República del Zaire (en francés, République du Zaïre) fue conocido entre el 27 de octubre de 1971 y el 17 de mayo de 1997 el país africano actualmente llamado República Democrática del Congo.

El nombre del Zaire le fue dado durante el gobierno de Mobutu Sese Seko, quien lo gobernó con mano de hierro durante una larga dictadura, y de quien emanaba el sistema político y la ideología característica del Estado.

La inestabilidad y las rebeliones que asolaron al Congo hasta 1965 culminaron con la toma del poder por parte del Teniente General Mobutu Sese Seko, entonces Comandante en Jefe del Ejército congoleño.

Mobutu se autoproclamó presidente por cinco años y en 1970 consolidó su poder al ser elegido presidente sin oposición.

En 1971 se adoptó el nuevo nombre del Estado, con la proclamación oficial de la denominación: República del Zaire. Este nombre y los nuevos símbolos nacionales se mantendrían hasta 1997, cuando al final de la Primera Guerra del Congo Mobutu fue derrocado y huyó del país.

Al asumir la presidencia del país el líder guerrillero Laurent-Désiré Kabila proclamó la República Democrática del Congo, recuperando su propio nombre.

Fuentes:

Bobby Valentín

Salserisimo Peru

https://es.wikipedia.org/wiki/Zaire

Enlace Externo:   Fania All Stars

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