Augusto Felibertt

Son Marín de la Parroquia San Agustín del Sur ¡Aquí Empezó la Cosa…!!

29 abril, 2024 by Augusto Felibertt

Para poder adentrarnos un poco en lo que fue el grupo Son Marín, necesariamente hay que referirse al extinto músico Jesús Blanco o “El Pure” como todos le llamaban.

Jesús Giselo Blanco era su nombre de pila, mirandino de nacimiento, pero radicado en Caracas apenas siendo un infante.

Tratar de hablar de sus inicios musicales es evocar parte de la historia del Son en nuestro país, puesto “El Pure” antes de llegar a la Parroquia San Agustín ya había participado con agrupaciones algo añejas como el Conjunto Rex y la recordada Sonora Caracas.

Son Marín ¡Aquí Empezó la Cosa...!! — Son Marín ¡Aquí Empezó la Cosa…!!

El Pure Blanco fue reconocido en San Agustín Marín como un verdadero constructor de músicos ya que, con sus labores de artesano musical, amén de haber creado la primera escuela de música en Marín, muchos jóvenes se nutrieron y formaron con sus enseñanzas.

Jesús “el Pure” Blanco fue un personaje clave en la formación e integración de varios grupos en el Barrio Marín, entre ellos recordamos al grupo de aguinaldos Los Juveniles, Los Gaitetricos, Los Super Cremas, la Nueva Generación y por supuesto su sueño más grande el “Son Marín”.

El grupo Son Marín tuvo varias etapas, comenzando desde el año 1981 cuando en el Barrio Marín se organiza un grupo musical si se quiere improvisado para recibir en el Aeropuerto Internacional de Maiquetía al Grupo Madera que llegaba de realizar una importante presentación en un Festival Internacional en la ciudad de Aviñón, Francia.

Aquel pequeño grupo estaba conformado por: Eliel Rivero (trombón), Jorge Rondón(flauta), Enrique Palacio (Bajo), Arnaldo Blanco(tres), Renny Mendoza (Bongó), José Luis Mendoza (Tumbadora) Luciano Reyes (cantante), Pablo” Pabloco” Martínez (cantante) y Jesús “Pure” Blanco era el director.

Por cosas del destino aquel grupo que tan solo era un “vente tú” provisional organizado por el Pure, se convierte más adelante en otra de las agrupaciones emblema de San Agustín, SON MARÍN.

En lo particular recordamos gratamente la participación de Son Marín como representación de la Parroquia San Agustín del Sur, en el Festival de Música Afrocaribe “La 5ta Esencia de la Salsa” realizado el 17 de Junio de 1983 en el Nuevo Circo de Caracas, para entonces el grupo aún no había grabado su primer disco, pero ya habíamos tenido la oportunidad de escuchar un demo con un par de números que llegó a promocionar el locutor Héctor Castillo en su programa radial en la desaparecida Radio Aeropuerto.

Con el tiempo el grupo fue creciendo le fueron añadiendo nuevos instrumentos; y por supuesto la inclusión de otros músicos, tal es el caso de Jesús Guzmán el popular “Paicosa” quien entra como guitarrista para luego convertirse en el bajista y director musical del grupo, fue idea de “Paicosa” con el apoyo de “Pabloco”, ampliar la dotación del grupo incorporando así el saxo de Hugo Olivero, la trompeta de Josue Silva, el piano de Randal Monasterio, mientras que la percusión era reforzada con Juber Ramírez.

Ya con una agrupación más sólida y con miras a una mayor proyección dentro del ambiente musical salsero venezolano, solo faltaba la grabación del disco, la cual comienza en septiembre del año 1986, con la colaboración de Mauricio Silva en los arreglos y la inclusión de varios músicos invitados.

Lamentablemente a un mes de haber comenzado la grabación y sin ser finalizada aún muere Jesús “el Pure” Blanco, sin embargo su voz y sentimiento quedaron reflejados en ese disco que sale finalmente al mercado en el año 1987, tomando rápidamente fuerza y penetrando en el gusto del público melómano tras la composición de Pablo Martínez, AQUÍ EMPEZO LA COSA, un homenaje a ese barrio que ha dado tantos e importantes músicos, una cuna de soneros como lo dice Gonzalo Martínez en la canción.

La voz del Pure Blanco quedo registrada en el tema LA CAÑA; todos los números fueron piezas originales a excepción de la canción “Sin Compromiso” del brasilero Chico Buarque, pero con una excelente adaptación en la letra por parte de Pablo Martínez y Joseito Romero.

Ya para finalizar esta semblanza dejo aquí parte del agradecimiento contenido en la contraportada del disco de parte de Son Marín.

JESUS BLANCO “Pure” cada alegría vivida con este trabajo, nos hace sentirte más.

SON MARIN… ¡Aquí empezó la cosa!!! (1987) Mucer Internacional DL-7140

LADO A

1.- AQUÍ EMPEZO LA COSA (Pablo Martínez)

2.- SIN COMPROMISO (Chico Buarque) Adaptación letra: Pablo Martínez/Joseito Romero

3.- TU SANTA BENDICIÓN (Pablo Martínez)

4.- EL BUHONERO (Pablo Martínez)

LADO B

1.- LA CAÑA (Rafael Quintero/Pablo Martínez)

2.- RECUERDOS (Rafael Quintero/Pablo Martínez)

3.- VOLVAMOS A EMPEZAR (Rafael Quintero/Pablo Martínez)

4.- BENITO EL CHICHERO (Jorge Rondón)

Integrantes:

Randal Monasterio (Piano)

Arnaldo Blanco (Tres)

Jesús Guzmán (Bajo, Director)

Josue Silva (Trompeta)

Hugo Salinas (Trombón)

Hugo Olivero (Saxo)

Jorge Rondón (Flauta)

Jimmy Fariñas (Congas)

Fidel Martínez (Bongo/Campana)

Juber Luis Ramírez (Timbales, bongo, campana)

Gonzalo Martínez (Vocal)

Pablo Martínez (Vocal)

Jesús Blanco (Vocal)

Pablo Martínez/Gonzalo Martínez/Arnaldo Blanco/Mauricio Silva/Daniel Silva (Coros)

Músicos Invitados:

José Pepe Vera (Saxo)

Raúl Agras (Trompeta)

Mauricio Silva (Piano/Trombón)

Felipe Blanco (Conga/Güiro)

José”Cheo” Escobar (Conga)

Douglas Guevara (Tumbadora)

Daniel Silva (Bajo)

Otros Créditos:

Arreglos y Dirección Musical: Mauricio Silva

Técnico de grabación: Fernando Hernández

Matrizaje: Fernando Hernández y Mauricio Silva

Producción Ejecutiva: Wolfgang Roldan

Dirección General: Mauricio Silva (Cortesía Sonográfica)/Son Marín (Mucer Internacional)

Estudio de grabación: Sonomatrix

Fotos: Pedro Hernández.

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Pancho Quinto es considerado como uno de los grandes rumberos de Cuba

28 abril, 2024 by Augusto Felibertt

Un 23 de abril de 1933 en el habanero barrio de Belén, nació Francisco Hernández Mora, conocido como «Pancho Quinto».

Recordado hombre de la rumba cubana a la cuál le imprimió sus propios estilos.

Pancho Quinto es considerado como uno de los grandes rumberos de Cuba

Acompaño por mucho tiempo con su percusión al Cuarteto Las D’Aida y a la artista canadiense Jane Bunnett.

Considerado como uno de los grandes rumberos de Cuba al introducir nuevos estilos en la rumba cubana cuyo bautizo artístico se dio en la famosa comparsa de Los Dandys.

Actuó en varias agrupaciones como Los Componentes de Batea, Los Guaracheros de Regla y otros grupos que tenían como bandera el tambor bata, tuvo un leve paso por la Sonora Matancera e intervino en la orquesta que acompañaba al Cuarteto Las D’Aida en el Tropicana Club.

Más tarde fundó el Guaguancó Marítimo Portuario, agrupación que se convierte en el popular grupo yoruba Andaba que actuó con la artista canadiense Jane Bunnett, a quien Pancho Quinto colaboró en otras producciones, y en el ocaso de su carrera logró tres producciones como solista. Este rumbero percusionista vivió 71 años.

Estuvo precedido por el eco sonoro de los bata lucumí juramentados de Pablo Roche. Tal fue la herencia que recogió el pequeño Pancho al llegar a este mundo en los brazos de su bisabuela Camila, sin otra identidad que su sangre africana y sus marcas diagonales en el rostro, como era la ancestral costumbre de su Ilé familiar en la Costa de Oro.

Esa noche hablaron los caracoles, y desde ese instante el niño fue consagrado a la deidad de Shangó, dios de la música y el tambor.

Recibió sobre la muñeca derecha una correa de piel con finos cascabeles, que, según las costumbres, lo protegerían a él y a sus tambores de las malas influencias del destino.

Quizás esa sea la razón por la que Pancho Kinto cuando tocaba, sabía que su música llegaba hasta sus ancestros en Oyó, más allá del tiempo, la luz y el Atlántico.

Este hombre, portuario la mayor parte de su vida, heredó la sabiduría natural de aquellos príncipes que llegaron como esclavos a Cuba.

Por las venas de Pancho anda la sangre de Añadí, un respetable guerrero en su tribu que adoptó el nombre de año Juan en los ingenios cubanos, la de Atandá, olú batá y escultor de tambores en el pueblo Yoruba. Se le conoció aquí como ño Filomeno.

Ambos construyeron y dotaron de fundamentos religiosos el primer juego de tambor de bata que nació en la isla, y desde esa remota época se escuchó el canto sagrado de la orquesta consagrada al altar lucumí.

Un 23 de abril de 1933 en el habanero barrio de Belén, nació Francisco Hernández Mora, conocido como Pancho Quinto.

Se podría decir que fueron los sobrevivientes del total de esclavos que llegaron a la América, hay un estimado de quince millones según datos que le escuché decir al investigador cubano Leovigildo López cuando el primer congreso Yoruba, celebrado en el Palacio de las Convenciones en La Habana.

Pero a esa fantasía que lleva a los hombres a la inspiración de ese amor misterioso y mítico hacia la vida, a esa renovada y novedosa manera de cantar, bailar, tocar, convertir lo palpable en espiritual y lo intangible en vital, le rinden tributo hombres como Francisco Hernández Mora, exponente de aquellas tradiciones que se fusionaron en nuestro continente y cuyo resultado no es otro que el abrazo entre negros y blancos, aunque haya grupos o castas que no lo asimilen como es.

Yo aprendí mucho junto a Pablo, dijo Pancho en esta entrevista realizada en 1994, cuando recién comenzaba a tocar con la flautista Janet Brunet con quien hizo giras internacionales, grabó y filmó en Canadá.

A Pablo le decían Akilakua, brazo poderoso, era un negro grandísimo, continúa hablando, con toda la dentadura de oro, feo como el coño de su madre, pero con algo especial en su personalidad.

De los históricos tambores comentó que pasaron de manos del olú batá Andrés Roche a las de su hijo, considerado después uno de los bataleros más grandes de estos tiempos.

Al padre de Pablo le decían el Sublime, por la manera de percutir los bata originales africanos, hacía lo que le daba la gana con aquellas manos. Agregó.

Paradójicamente la vida de ambos ha sido siempre una incógnita para quienes intentan desentrañarla o buscarle un orden cronológico, como ha sucedido casi siempre con muchos rumberos y compositores, pienso ahora en el Tío Tom o Chavalonga, pero ese no es el tema ahora, lo que quiero decir es que estos músicos han sido maestros e inspiración de una pléyade de artistas cubanos y de otras nacionalidades que con suerte han escuchado hablar de los toques de aquellos tambores que oficiaban en las ceremonias sagradas de los panteones orichas.

De esos tambores, comentó, nacieron todos los juegos de tambores de fundamento secreto, porque de uno nace otro, como los hijos.

Entre los batá existe dos formas, el religioso y los aberikula o judíos, que hasta los pueden tocar las mujeres. De los batá aña consagrados antiguamente quedan unos cuantos juegos en Cuba, pero han surgido muchos judíos, y han perdido su carácter ortodoxo al servir en muchos casos para fiestas laicas o para acompañar orquestas en público.

Recordado hombre de la rumba cubana a la cuál le imprimió sus propios estilos

Pancho kinto tocó con esos tambores juramentados cuando en el cabildo de Regla sacaron la procesión de la virgen, aunque fue Jesús Pérez, otro de los alumnos de Roche, a quien le correspondió ofrecer el primer concierto público con una orquesta de bata, un sacrilegio para muchos por aquel entonces, y mucho más si se tratara de un acto en el Aula Magna de la Universidad de La Habana.

No obstante, cinco décadas después de que el escritor y etnólogo Fernando Ortiz auspiciara aquel concierto, Pancho Kinto tocó los bata en el mismo recinto universitario para homenajear con su sonoridad la memoria de sus antepasados.

Pancho fue un músico cubano que aprendió a quintiar desde muy niño y junto a esto fabricaba sus tambores y cajones a su modo, inventos propios, según decía, tocando el tumbador con una cuchara en la mano izquierda, él solo era una fiesta de bata y cajón, yo lo vi hacer eso muchas veces en las fabulosas rumbas que se celebraban en un solar de Campanario, donde se reunía en sus albores el grupo Yoruba Andabo.

Ahí se da a conocer por ser integrante del grupo de Cayo Hueso, pero Pancho venía tocando con ellos desde que eran Guaguancó Marítimo Portuario en el puerto de La Habana.

Originalmente fueron Geovani del Pino, Chang, el Chori, Palito, Fariñas, Callava, Marino, Pancho y otros, muchos se han ido para siempre como Pancho, a quien su inesperada muerte sorprendió a todos el 11 de febrero de 2005.

De aquellos antológicos sarayeyeos queda el placer del recuerdo, la agradable memoria de las controversias del quinto y el bailador de columbia, las fraternales reyertas entre los improvisadores de guanguancó y el magistral recital de Pancho Kinto con el batá y el cajón.

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José Antonio «Maceo» Rodríguez fiel cultivador del Son Cubano y participó en el proyecto Afro Cuban All Stars

28 abril, 2024 by Augusto Felibertt

José Antonio «Maceo» Rodríguez nació el 17 de abril del año 1950 en Holguín, Cuba.

Afamado sonero voz líder del grupo Sierra Maestra, inició su carrera a comienzos de los ochenta del pasado siglo con el conjunto Sierra Maestra, integrado por antiguos alumnos de la Universidad Politécnica José Antonio Echeverría, de La Habana, con el que ganó un concurso televisivo de músicos noveles.

José Antonio Maceo Rodríguez fiel cultivador del Son Cubano y participó en el proyecto Afro Cuban All Stars

Falleció a los 55 años el 06 de noviembre de 2005 en Copenhague, Dinamarca a causa de un infarto, después de ofrecer un concierto con su agrupación al finalizar una gira por Europa.

Nació el 17 de abril de 1950 en una modesta campesina en las cercanías del Central Azucarero Antonio Maceo, en Cacocun, en la oriental provincia de Holguín.

Cuentan familiares y vecinos que desde niño le encantaba el arte, la música, hacer piruetas y llamar la atención

20 de octubre de 1976 en La Habana, junto a sus compañeros de clases el Centro Universitario José Antonio Echevarría, funda el grupo musical Sierra Maestra, llamado en aquel entonces Grupo de Sones de la Facultad de Ingeniería Eléctrica.

Aquellos jovencitos soñadores se presentaron en el popular concurso «Todo el Mundo Canta», donde despegaron a una espiral de éxitos en Cuba y el mundo.

Viajaron a muchos países promocionando la música cubana. Participaron en Festivales de relevancia internacional en Australia, Bosnia, Canadá, Croacia, Chipre, Reino Unido, Grecia, Irlanda, Israel, Italia, Macedonia, México, Portugal, Puerto Rico, Singapur, Eslovenia, Turquia, Yugoslavia y Estados Unidos.

Fiel cultivador del Son, Rodríguez participó en el proyecto Afro Cuban All Stars, nominado a un Grammy en 1998 y paralelo al Buena Vista Social Club.

Su excelente voz, equiparable según los críticos a la de los grandes cultivadores del género, era una de las emblemáticas del panorama de la música bailable cubana actual.

Inició grabando en 1981 su primer álbum, «Sierra Maestra Llegó con El Guanajo Relleno», fue disco de plata y recibió excelentes críticas. Participó en el proyecto Afro Cuban All Stars, y paralelo al Buena Vista Social Club.

El trompeta José Alemañy, Cubanisimo, y Juan de Marcos González, fundador del Buena Vista Social Club, fueron sus compañeros en la agrupación durante años, y juntos emprendieron la labor de recuperar la tradición de sones y soneros famosos, revitalizando el género en momentos en que otros músicos se decantaban por la salsa y ritmos más comerciales.

Según el compositor cubano, José Antonio Rodríguez no sólo fue poseedor de una de voz muy especial, «también tuvo el coraje y la calidad humana de seguir fiel a ese estilo, al estilo del son, que es la madre de la música cubana».

El repertorio de Rodríguez, conocido por Maceo entre sus amigos y admiradores, incluía, además de los grandes clásicos del son tradicional, piezas que se hicieron muy populares en su voz, como Dame un traguito ahora o Esa mujer lo que quiere es que la miren.

Maceo, aunque pequeño de estatura, fue un hombre inmenso, alguien al que no podía concebirse donde guardar el torrente de voz del que hacía gala sin ostentación, tanta musicalidad, afinación y amor por la música cubana.

José Antonio fue, no solo un gran músico, fue una gran persona, muy querido entre sus más allegados y en general por el pueblo del que se ganara el cariño y admiración desde la participación de Sierra Maestra en el concurso Adolfo Guzmán y que gracias a su manera tan especial de interpretar el son cubano, reverdecieron en el gusto popular grandes como el Septeto de Ignacio Piñeiro.

El cantante falleció el 06 de noviembre de 2005 sólo unas horas después de terminar la gira europea de Sierra Maestra con un concierto en la sala de espectáculos de Amager, en Copenhague.

Con esta presentación, la popular banda puso fin a la actuación de todos los artistas cubanos que participaron en el Primer Festival Internacional de Música Latina de esa capital. Los restos de sonero fueron repatriados a Cuba, donde fue enterrado.

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Virginia Ramírez es la artista del siglo XXI, la Princesa del Piano y la Voz, la esperanza que salvara las nuevas generaciones de la anti música

28 abril, 2024 by Augusto Felibertt

Virginia Ramírez, la talentosa concertista, pianista y cantautora, viene impactando por sus aportes a la música de su país y el mundo, nació en la ciudad de San Cristóbal, Venezuela y creció en una familia donde el arte, la poesía y la música eran el lenguaje de todos los días.

Virginia Ramírez es la artista del siglo XXI

Su madre poeta (Etha, la Dama del amor), la Dra. Enriqueta Martínez su padre Asdrubal Ramírez arpista, guitarrista y cantante de música popular venezolana, autodidacta.

Desde los 7 años toca el piano y desde muy pequeña comienza a desarrollar sus habilidades musicales, inicio su formación en la Escuela Miguel Ángel Espinel con los conocidos profesores Edgar Vásquez (Piano) y Heliodoro Contreras (Teoría y Solfeo).

Se graduó como pianista, concertista y profesora de piano en la Escuela Nacional de Música de la Habana (Cuba) dónde se gradúa con las máximas calificaciones y estudió en la Escuela José Lorenzo Llamozas y el Conservatorio de Música Simón Bolívar.

Ha realizado cursos de armonía e improvisación con los profesores Gerry Weil, y Andrés Alen Rodríguez y Mike Orta en la “Fiu de Miami” en la catedra de jazz.

Ramirez Cursó estudios de perfeccionamiento en piano clásico con el profesor Igor Lavrov, grabó en el programa “Jazz” del canal “Venezolana de Televisión” en Venezuela en varias oportunidades sus proyectos de jazz, con el baterista Willy Díaz y el bajista José Velázquez, y su primer disco espiral de fuego.

Participo como invitada especial de otras agrupaciones como Alberto Borregales y Fredy Roldán y El grupo la Calle.

Participo con una nueva propuesta como compositora y pianista en importantes festivales de Jazz en Venezuela como el “Latín Festival”, del Teatro de la Opera de Maracay (junio 2003) y el “Prehot” del 5to.

Festival de Jazz del Hatillo (octubre 2003), donde alternó y compartió el escenario con las bandas norteamericanas de Aarón Thurston (baterista) y Jaime Baum (flautista), recibiendo excelentes críticas de la prensa radio y televisión.

Alterna su actividad de concertista de Jazz con la docencia, como profesora de piano y canto en su escuela de música la clave de Vicky.

Su formidable trabajo en la música, y en la composición es muy hermoso y colorido, porque en su propuesta ha fusionado elementos jazzísticos y afro-venezolanos resaltando los valores de la música venezolana y latinoamericana y usando una variedad de tambores como los Culo’e Puya, Quitiplas, Clarines, Cumaco y Chimbangles combinándolos con los cantos de los pueblos de la Costa de Venezuela haciendo excelentes aportes armónicos personalísimos.

Ha logrado un elevado concepto musical que ha sido reconocido en el continente y el mundo, por esa capacidad increíble de unir la idea del concierto con las características del Espectáculo y por ello aporta mucho más del elemento puro musical en cada una de sus actuaciones.

Con un nutrido repertorio y una originalidad sin parangón en el mundo del Jazz Femenino Venezolano esta excelente artista es motivo de gozo y un excelente aporte para las nuevas generaciones del Jazz.

Ha ganado innumerables premios y reconocimientos nacionales e internacionales, entre los que destacan: Premio Mundial «César Vallejo» a la Excelencia Artística, Premio Mundial «El Águila de Oro» a la excelencia Artística 2022, 2023, premio almo Chispeante 2024, otorgados por la UHE, unión hispano mundial de escritores, mil mentes por México, y academia mundial de literatura, historia, arte y cultura Primera Mención en el Concurso Juan Sebastián Bach en la Habana Cuba.

1993 como docente, pianista, concertista ha participado en distintos festivales y conciertos como el Fitztrovia Festival de Londres, en México, Madrid, el sur de Francia, en Colombia con su agrupación de salsa tabaco latino, dónde se presentó en distintas ciudades, Cali, Bogotá y Medellín.

Dentro de la salsa acompañado artistas como: Cheo Feliciano, Hernán Olivera, Meñique Lena Burke el cantante Alfredy Bogado del grupo venezolano” La Calle” y justamente con este Grupo la Calle en el Juan Sebastián Bar cuando ella trabajaba ahí en el año 2000 fue donde comenzaron sus actividades con la salsa en varios ciclos de pianistas, compositores y arreglistas.

En el Museo del Teclado de Caracas, en trio de jazz con nene Quintero y William Velázquez en el Bajo, en el Festival a toda Música Caracas, en el teatro de la ópera de Maracay y la universidad Simón Bolívar, entre otros.

Excelentes comentarios en la crítica nacional e internacional, han generaron la presentación de su CD “Espiral de Fuego” presentado por Otmaro Ruiz Jaquest Braunstein y Gerry Weil en su disco “Manos y Alma” grabaron, destacados músicos como: Nene Quintero, Aquiles Báez, Roberto Koch, Gonzalo Teppa.

Invitados especiales: Vasallos del Sol, Aquiles Baez y C4 trio este disco manos y alma fue presentado por Aquiles Báez, Luis Perdomo y Pablo Aguirre de la BBC de Londres, recibió excelentes críticas de la prensa en el sur de Francia.

Su actuación en la iglesia La Canourgue en el sur de Francia acompañada de los músicos Didier Hennot y Tonny Margalejo y su gira de conciertos sucesivos, realizada por Francia en distintas ciudades Mende , Saint Privat Des Vieux, Lozere, Ispagnac presentando sus discos antes mencionados.

Participo en el montaje y producción de la obra Cabaret con importantes artistas de teatro como Francis Rueda , Cayito Aponte , Natalia Martínez , Adrián Delgado , Karl Hoffman, Luis Fernández presentándose en la sala Ríos Reyna del Teresa Carreño en Distintas ciudades de Venezuela.

Virginia se dio el lujo de participar ejecutando los teclados en la Banda del Kit Kat Club Dirigida por Armando Lovera.

Gran impacto tuvo su disco “jazzguinaldos” producido a trio con los músicos Gonzalo Teppa y Nene Quintero, incluyendo como invitados especiales a Enio Escuariza compositor de todas las letras del disco.

Su Proyecto “Acro Jazz” abre el horizonte hacia el mundo de las artes circenses presentándose en distintos centros culturales de Venezuela musicalizando con el piano obras circenses y participando ella misma como artista de circo junto al artista Jesús piña en una obra de pulsadas en el museo del teclado, Trujillo ,Valencia entre otras ciudades con una nueva banda integrada integrada por Rubén Rebolledo Guitarra , Willy Díaz Batería , David Rubio Bajo y como invitados especiales Jesús Piña y Kerlly Garcia.

Se presentó en la ciudad de Morelia y México, fundó en el 2015 un trio con los músicos Fernando Mendoza Batería y Flavio Meneses bajo, presentando la Música de sus Discos en distintos clubs Nocturnos como Amati, el Café de las Rosas, Casa de la cultura de Uruapan, y otras ciudades de Morelia.

Virginia Ramírez, la talentosa concertista, pianista y cantautora

Acompaño al baterista Antonio Sánchez en la casa de la música de Morelia.

Virginia Ramírez ha colaborado con distintos artistas del escenario musical venezolano como el grupo facundo Project un grupo de Rock venezolano, el cantante Cheo Linares en su disco llegó la Navidad la cantante Amarilis Bolaño en su disco cantando Henry Martínez, la cantante Alejandra Gonzáles en su disco Joyas de mi País en el disco Tierra Liberada y en el proyecto Venezuela demo.

Ramírez ha hecho de la música una cuestión de vida y en su hábitat de pianista y concertista, prepara para este año un vasto plan para musicalizar la poesía de los más grandes poetas del mundo y un Programa titulado “La Totalidad de Virginia Ramírez”, por Cabina 11, Canal Global de Querétaro, México, país que ya ha conocido de su belleza y gran talento.

Veo en Virginia Ramírez, la artista completa con infinitos talentos como pianista, cantante, compositora, cantautora y artista circense, que se proyecta intencionalmente, iluminando el firmamento artístico del mundo con proyectos atrevidos y mágicos que siempre sorprenderán a la audiencia y le harán sentir el deseo de pedir más.

Sin duda Virginia Ramírez es la artista del siglo XXI, la princesa del piano y la voz, la esperanza que salvara las nuevas generaciones de la anti música.

Dr. Carlos Hugo Garrido Chalem presidente de mil mentes por México y de la UHE unión hispano mundial de escritores. Pte. de la academia mundial de literatura, historia arte y cultura.

Alterna su actividad de concertista de Jazz con la docencia, como profesora de piano y canto en su escuela de música la clave de Vicky.

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Danilo, dice siempre existió el gusto por la buena música: los tangos y las baladas de los años 50 y 60

28 marzo, 2024 by Augusto Felibertt

Danilo Cajiao nace un 9 de febrero de 1969 en Cali Colombia hijo de Marina Munevar y de Antonio Cajiao familia con tres hermanos Walter, Patricia y Raúl.

De su padre heredo el gusto musical por los ritmos afro antillanos, escuchábamos en mi casa a la Sonora Matancera, Benny More, Arsenio, Daniel Santos y muchos más.

Siempre existió el gusto por la buena música: los tangos y las baladas de los años 50 y 60.

En mis tiempos de estudiante participé en el colegio en varios festivales musicales e hice parte de varios grupos de Danza y de música Andina.

Siempre me gustó la salsa y mi artista preferido del género siempre será Ángel Canales.

A raíz de la aparición del programa “YO ME LLAMO” en Colombia me motivé a iniciar el proceso para alcanzar la imitación perfecta de Ángel Canales.

Comencé mis presentaciones en bares salseros pequeños con pista y hacia unas 4 canciones del Diferente, sobre la marcha se fue perfeccionando el personaje y ya el público y los dueños de los bares pedían algo más.

Creo entonces la Orquesta «SON DE LA 8» en el año 2013 con la finalidad de hacer el acompañamiento y montar toda la música del diferente Ángel Canales.

El mercado se fue abriendo y el respaldo de los salseros era muy grande, Hemos tenido mucha aceptación en el medio salsero en Colombia.

Participando en grandes eventos a nivel local, nacional e internacional:

Leyendas Vivas De la Salsa en Medellín Colombia, Salsa al Parque Cali, Salsa al parque Bogotá, Homenaje a la Salsa, Tributo a los salseros y Noche Blanca.

He alternado y compartido tarimas con varios artistas y orquestas nacionales e internacionales.

Orquesta Brodway, Orquesta Colon, Nelson y sus Estrellas, Gran Combo de Puerto rico, Henry Fiol, Adalberto Santiago, Luisito Carrión, Papo Cocote, Cano Estremera, Moncho Santana, Orquesta Zodiac, Luigui Texidor, Frankie Vásquez, Tony Molina, Orlando Marín, Orquesta la Inmensidad y Orquesta la 33.

Danilo Cajiao, dice siempre existió el gusto por la buena música los tangos y las baladas de los años 50 y 60

Presentaciones internacionales:

Guayaquil Ecuador y Caracas Venezuela.

Avalado y apoyado por la familia de ÁNGEL CANALES y por el mismo he llevado mi tributo a los más reconocidos lugares y Discotecas salseras en Colombia.

Aparte de hacer el acompañamiento al Diferente Angel Canales con la orquesta Son de la 8 hemos hecho nuestra propia música manteniendo siempre la línea de la salsa pesada y con buen sabor.

Ángel Luis Canales “El Diferente”

Hubo nueve producciones discográficas de Ángel Canales entre 1975 y 1987, doce años productivos.

«Para 1970 Ángel Luis Canales había puesto su voz en un disco del pianista afroamericano Mark Dimond, y cinco años más tarde esa orquesta de Dimond pasó a llamarse “Ángel Canales y Sabor”.

La inmensa libertad musical de Ángel Luis Canales Canales tiene mucho que ver con la determinante influencia que sobre él ejercieron Rafael Cortijo, Ismael Rivera y la irreverencia del Combo de Cortijo en su conjunto.

La diferencia estuvo en que aquél par de albañiles no tenían para sustentar económicamente sus ideas (discográficamente hablando) mientras que Canales tenía suficiente debido al dinero ganado con su profesión de joyero tallador de Diamantes.

Por eso no le bajó la cabeza a nadie, por eso no se plegó a contratos discográficos nada ventajosos e hizo su propio sello disquero, por eso jamás pagó ni sobornó a productores radiales, y se vistió como quería.

Por eso los salseros conservadores lo vigilaban tipo CIA. Y Canales revolucionó todo a su paso: desde la vestimenta hasta los arreglos vocales y orquestales, las presentaciones y la escogencia de su repertorio.

Para 1970 Ángel Luis Canales había puesto su voz en un disco del pianista afroamericano Mark Dimond, y cinco años más tarde esa orquesta de Dimond pasó a llamarse “Ángel Canales y Sabor”, y con ella sellaría una impronta como pocas en el mundo de la salsa, desde su independencia total, hasta la libertad para los músicos, su revolucionaria cabeza rapada, y un vestuario que nada tenía que ver con los salseros, además de su voz, repertorio y arreglos. Ángel Canales grabó en 1979 el álbum “El sentimiento del latino en Nueva York”, y una exquisita versión de “Dos Gardenias”, de la compositora cubana Isolina Carrillo.

“El sentimiento del latino en Nueva York” fue una clarinada similar a la de “Imágenes Latinas”, el tema del argentino Bernardo Palombo presentado un año antes por el Conjunto Libre, en cuanto a sus contenidos de denuncia y clamor de justicia. “Es el sonido que el americano oye/ y no entiende”.

Musical infancia

Ángel Luis Canales nació el 29 de junio de 1950 en Santurce, Puerto Rico, siendo hijo de Ángel Luis Canales y Ana Ilda Canales.

A los 8 años de edad ya estaba en Nueva York con sus padres, quienes gustaban de escuchar música romántica y también a Cortijo y su Combo.

La canción campesina boricua también estuvo entre sus favoritas; era la canción jíbara de su pueblo. Con el tiempo Canales indicaría que Cortijo e Ismael fueron influencias determinantes para su periplo musical y social.

Mucho se ha comentado que su actual retiro se debe al mal de Parkinson, pero Ángel Luis Canales está ahí, acude a invitaciones privadas de sus amigos y se mantiene en la línea de batalla de la salsa y de la vida. En la actualidad cuenta con 73 años de edad.

En esos años y en la escuela se inclinaba más por los talleres prácticos que por los libros y por eso se presentó a trabajar, recomendado por uno de sus profesores en una joyería donde a partir de ser mensajero aprendería todos los secretos del arte del tallado, pulitura y montaje de Diamantes. Se hizo todo un profesional, solvente, y con un extraordinario ojo clínico que le serviría de mucho posteriormente.

Vista larga, sus nuevas amigas no hablaban en castellano, su idioma natal, pero por fortuna Ángel Luis contó con compañeros de su generación, y latinos como los hermanos Lebrón y el propio Willie Colón.

También aplicó vista larga a su pasantía por el ejército estadounidense y posteriormente supo asimilar las nuevas tendencias surgidas en la música que se hacía en Nueva York.

Arrancó en firme, como ya apuntamos, con el pianista Mark Dimond, (Markolino) quien había estado vinculado a Willie Colón. Con Mark puso su voz a algunos temas del álbum “Brujería” y luego, con la partida del pianista, la orquesta fue rebautizada como “Ángel Canales y Sabor”.

Con esta Banda grabaría “Sabor” en 1975 y otros álbumes hasta llegar “El Sentimiento del latino en Nueva York” en 1979.

Dos años antes de la grabación de este álbum, en 1977 Ángel Canales hizo su primera visita a un país latinoamericano, Panamá, y el recibimiento que le dieron fue tal que luego escribiría un tema dedicado a ese país.

Igual pasaría en su visita a Venezuela el 13 y 14 de noviembre de 1981 y que se convirtió en una conmoción musical de grandes proporciones en el Poliedro de Caracas.

De igual manera en Colombia y Perú sintió la devoción del público de esas naciones. Tal vez no conocía el alcance de su trabajo y la proyección que ya tenía.

Angel Canales "El Diferente" recibiendo la produccion de Danilo Cajiao Titulada "Mi Perdicion" año 2020 — Angel Canales «El Diferente» recibiendo la produccion de Danilo Cajiao Titulada»Mi Perdicion» año 2020

Mucho se ha comentado que su actual retiro se debe al mal de Parkinson, pero Ángel Luis Canales está ahí, acude a invitaciones privadas de sus amigos y se mantiene en la línea de batalla de la salsa y de la vida. En la actualidad cuenta con 73 años de edad.

Fuente: TeleSurTv

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Oskar Cartaya “My Music, My Friends, My Time” Contó con la colaboración de amigos ilustres como Eddie Palmieri, Giovanni Hidalgo, Dave Valentín y Justo Almario

28 marzo, 2024 by Augusto Felibertt

La amistad y las relaciones personales parecen haber desempeñado siempre un rol clave en la carrera discográfica de Oskar Cartaya.

Así lo demostró Cartaya su primera grabación, “My Music, My Friends, My Time” (2004) en la que contó con la colaboración de amigos ilustres como Eddie Palmieri, Giovanni Hidalgo, Dave Valentín y Justo Almario.

Así también lo demuestra la segunda, “Lifetime Friends”, que colideró junto al trompetista Humberto Ramírez y que fue elegida como una de las mejores producciones puertorriqueñas del 2015.

Y es que para el bajista, arreglista, compositor y productor neoyorquino de nacimiento y bayamonés de crianza- las conexiones con otras personas son un elemento vital para el desarrollo de cualquier músico.

Esas conexiones unidas al tesón que Cartaya siempre ha demostrado tener para mejorarse continuamente como músico le permitieron formar parte durante cinco años del legendario grupo de jazz-rock progresivo Spyro Gyra, producir álbumes para Willie Colón o Herb Alpert, y tocar con una larga lista de estrellas que incluye a Jennifer López, Christina Aguilera, Rubén Blades, Héctor Lavoe, Tito Nieves, Tania María, Arturo Sandoval, Steve Winwood y Randy Brecker, entre otros.

A todos ellos les ha prestado el sonido de su bajo eléctrico, capaz de insertarse con total naturalidad en el jazz moderno, la rumba cubana, el flamenco español o las cadencias brasileñas, pero sin perder nunca su esencia funky, que le brinda impulso rítmico al género musical que tenga ante sí. Para Cartaya, la música no es un oficio, sino una pasión de vida.

Esa pasión se manifestó desde muy temprana edad, cuando le dijo a su padre, de nacionalidad cubana, que quería ser músico con apenas 10 años. Sus estudios iniciales los llevó a cabo en la Escuela Libre de Música de San Juan, que recuerda con orgullo y cariño.

Sin embargo, ha afirmado que su verdadera primera escuela musical fueron los discos de Willie Colón y Héctor Lavoe, los cuales escuchaba a todo volumen en su cuarto.

En la Escuela Libre de Música pudo conocer a maestros y compañeros que hoy son grandes maestros de la música latina y colegas suyos, tales como el propio Humberto Ramírez. También estudió en el Conservatorio de Música de Puerto Rico.

Cartaya recuerda que, aunque en la escuela estudiaba música de cámara, su pasión real era la música latina…hasta que descubrió el jazz, gracias a un disco del gran bajista Stanley Clarke. Un mundo nuevo se abrió a sus oídos.

“Encontré en el jazz una libertad que no encontré en los estilos latinos”, dijo el músico en una entrevista. “En la salsa, por ejemplo, lo máximo es cuando tú estás tocando como parte de una unidad. A diferencia del jazz, cuyo pináculo es cuando todos los músicos improvisan y se vuelven locos tocando, pero todos saben lo que están haciendo”.

A los 18 años, Cartaya se mudó a Los Ángeles, donde comenzó a estudiar en el Musicians Institute of Technology. Allí practicaba durante 15 horas diarias, una devoción que le produjo su primer reconocimiento: ser aceptado como profesor de la prestigiosa institución, dos años después de haberse graduado de la misma.

Sin embargo, su espíritu inquieto y sus continuos deseos de mejoramiento lo llevaron a tomar la que ha calificado como la mejor decisión de su vida, mudarse a la ciudad de Nueva York. En la Gran Manzana –el lugar que muchos consideran la capital mundial del jazz- tuvo el privilegio de tocar y grabar con el fenecido pianista argentino Jorge Dalto; con Willie Colón y Rubén Blades; Celia Cruz, Tito Puente y Dave Valentín.

“Aprendí mucho, maduré y vi de cerca lo que era estar solo”, expresó el bajista en una entrevista sobre este periodo de su vida. “Si la oportunidad se me iba a dar, esta no iba a llegar a mi casa. Yo tendría que buscarla”. Y así hizo.

En esa época tuvo también la oportunidad de conocer al desaparecido icono del rock Prince, en sus estudios de Paisley Park, Minneapolis, y de comenzar a formar parte de Spyro Gyra. Al ser aceptado en dicha agrupación, por encima de otros 10 bajistas que estaban audicionando para el puesto, Cartaya comprendió que el éxito les pertenece a aquellos que trabajan con dedicación y tienen fe en sí mismos.

“Pude demostrarles a muchas personas que no hay cosa peor que sentirse mal con uno mismo si no se hace el intento”, manifestó en una entrevista. “Todas las noches que toqué gratis o por cinco dólares para ganarme una oportunidad, bien valieron la pena”.

En 1997, el bajista produjo el proyecto discográfico “Passion Dance”, para el veterano trompetista Herb Alpert, experiencia que ha descrito como un nuevo aprendizaje en su carrera, así como la ocasión para exponerse ante un público más amplio.

“My Music, My Friends, My Time”, estrenado en 2004, es una fusión de ritmos latinos, brasileños, estadounidenses y flamencos que fue muy bien recibida por la crítica.

“Quería hacer un proyecto que llenara ese espacio que existe entre la música latina y el mundo. Creo sinceramente que el mundo necesita conocer que los músicos latinos pueden hacer dentro de la música un sinnúmero de cosas, sin echar a un lado sus raíces”, dijo Cartaya con respecto de esta grabación.

“Lifetime Friends”, producido junto a Ramírez, fue descrito en su estreno en 2015 como “un álbum de una banda cohesiva y jubilosa”, en el que todos los músicos participantes -representantes de la nueva generación jazzística en Puerto Rico- tienen oportunidad de destacarse. “Es el disco que siempre quisimos hacer… para describir casi 40 años de amistad”, indicaron Cartaya y Ramírez.

En 2017, Oskar presentó la producción “Bajo mundo” en homenaje al gran bajista cubano Israel “Cachao” López. Este disco intenso, exuberante, con multiplicidad de ritmos, colores y músicos invitados fue distinguido como una de las producciones más sobresalientes del año por la Fundación Nacional para la Cultura Popular.

Igualmente ganó una nominación al Premio Grammy Latino en la categoría de Mejor Álbum de Jazz Latino.

Fuente: Rafae Vega Curry
Fundación Nacional para la Cultura Popular

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