Augusto Felibertt

Gabriela Anders estudió guitarra clásica en forma privada, y música y piano en un conservatorio de Buenos Aires

30 octubre, 2024 by Augusto Felibertt

Gabriela Anders nació en la música, en medio de la gracia, la paradoja y la tradición de Argentina.

Estudió guitarra clásica en forma privada, y música y piano en un conservatorio de Buenos Aires.

A esta mezcla musical se sumó la influencia de su padre (un conocido saxofonista y arreglista de jazz), que se hizo aún más fuerte que sus estudios de música clásica.

Los Dukes de Gabriela después de un show en Nueva York

Después de terminar la escuela secundaria, Gabriela decidió mudarse a Nueva York.

Allí estudió orquestación para instrumentos de viento y cuerda en una clase dirigida por Don Sebesky y composición en el Hunter College.

Gabriela comenzó a escribir su propio material. Su trabajo en el estudio y en clubes despegó y la llevó a firmar un contrato discográfico con el importante sello Warner Brothers Jazz.

El álbum debut de Gabriela Anders en Warner Bros. Records, (1999) «Wanting» está repleto de sutileza vocal; aunque suave, es todo menos simple. Cuenta con arreglos y producción de Paul Brown, George Duke, Allain Mallet y la propia Anders.

El álbum recibió muchos elogios por la visión de Anders y su apasionado estilo vocal.

Grabación con Questlove y Christian Mcbride

Su singular combinación de música brasileña, latina y jazz llevó a que Vogue y People Magazine describieran a Anders y su música como “exótica y audaz”, “maravillosamente conmovedora” y “una de las nuevas voces más distintivas que han llegado a la escena musical en años”.

Su segundo disco para Warner Bros Records fue un lanzamiento europeo titulado “Gabriela”, que contó con una serie de músicos de talla mundial, entre ellos Christian McBride, Amir “Questlove” Thompson y Kirk Whalum.

Una vez más, ella contribuyó con diez de las doce pistas del álbum.

Su siguiente CD, “Last Tango in Rio”, fue lanzado en 2005 por el importante sello discográfico EMI.

“Last Tango in Rio” es una colección de canciones estrechamente asociadas con Billie Holiday que han sido transformadas de manera única por la interpretación y orquestación de Gabriela.

Aclamada por los críticos (Los Angeles Times, la revista Billboard y la revista People) como una presentación sumamente original y creativa de los estándares, “Last Tango in Rio” representa una versión fresca y efervescente de un cancionero clásico que anteriormente había desafiado la reinvención.

En octubre de 2009, JVC Japan lanzó su CD “Bossa Beleza”. “Bossa Beleza” combina su propio sonido inmediatamente reconocible con el de su primer amor musical, la clásica Bossa Nova.

Cantando con Rihanna para la fundación Bone Marrow de Nueva York

El álbum de 2015 de Gabriela Anders, “Cool Again”, muestra hermosamente los importantes dones como cantante, orquestadora vocal, compositora y líder de banda que ha desarrollado de manera constante a través de sus lanzamientos anteriores.

La mezcla de canciones originales y versiones en “Cool Again” encuentra a Gabriela en su mejor momento. El funk conmovedor de la canción principal original es un ejemplo clásico.

Su mensaje de empoderamiento puede considerarse un tema central en las letras de Gabriela y una fuente de su atractivo resonante como intérprete, animadora y artista.

CD de 2020 ‘The Ring‘: Mientras enfrentaba el miedo y la incertidumbre del virus en la ciudad de Nueva York, Gabriela grabó una colección de canciones de piano / voces en el estudio de su casa, creando retratos íntimos de lucha interna y redención en el extraño contexto de la pandemia.

Los tres pianistas del proyecto –Jim Ridl, Jean-Michel Pilc y Jon Cowherd– son estilistas radicalmente diferentes de distintos rincones del mundo, y cada uno de ellos ofrece aquí su sensibilidad única a la voz y la música de Gabriela.

Lanzamiento en CD de 2021 de “Los Dukes” de Gabriela Anders! Los Dukes es una nueva banda de 9 integrantes arreglada y dirigida por Gabriela Anders, que presenta canciones del catálogo de Duke Ellington interpretadas en estilos latinoamericanos tremendamente distintivos.

Un tributo latino a la música de Duke Ellington. Los Dukes rinde un cariñoso homenaje al elegante GENIO de Duke Ellington e incluye a algunos de los mejores músicos de jazz latino de la escena neoyorquina.

Aclamado por los críticos (Los Angeles Times, la revista Billboard y la revista People) como “un artista sumamente original y creativo”, un “artista polifacético que está destinado a dejar su huella en el mundo del jazz” y el “artista más prometedor con influencia del jazz en la actualidad”.

Gabriela Anders – Last Tango In Rio (2004)

Temas:

You Go To My Head
Abracadabra
Love Is Here To Stay
God Bless the Child
Embrace Me
Buenos Aires Mix, The
Body and Soul
All Your Love
Meant To Be
‘Til The End of Time

Músicos:

Gabriela Anders (Voz, teclados)

Romero Lubambo (Guitarra)

John Benitez (Bajo)

Wayne Krantz (Guitarra)

Portinho (Batería, percusión)

Gabriel Rivano (Bandoneón)

H. Martignon (Teclados)

Tito Castro (Bandoneón)

Donald Edwards (Batería)

Jorge Anders (Saxo)

Jorge Alfano (Flauta, flauta andina, charango)

Información realizada (22 de abril de 2009)

Tambien Lea: Samuel Quinto Feitosa es un virtuoso pianista brasileño de jazz y música clásica

Mulatu Astatke el primer africano en conseguir un doctorado del Berklee College of Music

30 octubre, 2024 by Augusto Felibertt

Mulatu Astatke (o Astatqé) (Jimma, Etiopía, 19 de diciembre de 1943) es un músico, compositor y arreglista etíope. Se le considera el padre del Ethio-Jazz.

Su formación musical se realizó en el Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance de Londres, donde estudió clarinete, piano y armonía, Nueva York y Boston, donde fue el primer estudiante africano y también el primer africano en conseguir un doctorado del Berklee College of Music; allí estuvo formándose en vibráfono y percusiones

Mulatu Astatke el primer africano en conseguir un doctorado del Berklee College of Music

Posteriormente combinó la influencia del jazz y la música latina con la música tradicional etíope.

Mi deseo de empezar a hacer Ethio-jazz empezó en Londres mientras estudiaba allí en los años 50; entonces supe que quería ser diferente con mi música. Busqué músicos de distintos orígenes africanos y vi que tenían éxito y promocionaban la cultura de su país.

Sin embargo, había muy poco de África Oriental y Etiopía, así que decidí en ese momento que crearía algo único basado en el rico patrimonio de nuestra música y mostraría lo mucho que hemos contribuido al mundo de la música en general.

Ese viaje empezó a tomar forma en el Berklee College de Bastan. Fui el primer músico africano que estudió allí y ese periodo fue muy importante para mí.

Aprendí los aspectos técnicos de muchas formas musicales diferentes y mis profesores me dieron la confianza necesaria para avanzar en mi propia dirección, enseñándome que estaba bien ser diferente en mi música y probar algo completamente nuevo.

La música cultural etíope se basa en cuatro modos -tezeta, bati, anchihoy y ambassel- y, dentro de mi música, sabía

que esos modos no se podían tocar.

Tenían que permanecer en el centro de mi música o todo el carácter del sonido cambiaría y se distorsionaría. Empecé a añadir hermosos colores con acordes, voicings, líneas de bajo y secciones rítmicas, escribiendo progresiones que encajaran bien. Es muy difícil escribir música de 12 notas en torno a los modos etíopes sin destruirlos.

A mediados de los 60 volví a Addis, pero seguía yendo y viniendo a Estados Unidos.

En aquella época, nadie fusionaba la música etíope con el jazz.

En mi país existía la Primera Orquesta del Teatro Nacional y tanto la policía como el ejército tenían sus propias orquestas.

También había bandas como la Echoes y la Ras Band.

Los músicos de entonces basaban sus melodías estrictamente en los cuatro modos etíopes, utilizando técnicas como el «canon», con líneas melódicas que se hacían eco unas a otras.

Con el Ethio jazz, quise conscientemente ampliar y explorar los modos de diferentes maneras.

Mulatu Astatke (o Astatqé) (Jimma, Etiopía, 19 de diciembre de 1943) es un músico, compositor y arreglista etíope. Se le considera el padre del Ethio-Jazz.

Formé un grupo llamado The Ethiopian Quintet en Nueva York, compuesto por una mezcla de músicos etíopes, latinos y afroamericanos (en aquella época no había muchos músicos etíopes en Estados Unidos).

La banda incluía al trompetista y pianista Rudy Houston, que más tarde tocó con Yambu, y a Félix Torres, que tocó con la Sonora Ponceña.

Siempre he sentido una profunda conexión entre la música latina y la africana; viajé a Cuba para averiguar dónde desembarcó el primer americano, escuché a sus músicos tocar y bailar y, aunque cantaban en español, el tempo, el ritmo y el sentimiento eran muy similares a aspectos de la música africana.

Así que, con el Quinteto Etíope, quise mostrar la contribución africana a la música latina y fue mi primera oportunidad de experimentar y empezar a desarrollar mi visión del Ethio-Jazz con esta banda.

Con los músicos estadounidenses y puertorriqueños en el grupo creamos un ambiente y unos arreglos diferentes.

Fue una gran oportunidad para mí y a ellos les encantó lo que componía y la dirección que intentaba tomar.

Hicimos bastantes conciertos, algunas bodas españolas, eventos al norte de Nueva York y en Manhattan.

Tocamos en el Village Gate con Dave Pike, un gran amigo mío por aquel entonces, uno de los mejores músicos de vibráfono del mundo. Tocaba mucho con Herbie Mann y recuerdo que me senté a ver una de sus sesiones de grabación.

Vi a muchos otros grandes músicos en conciertos, desde Coltrane a Bud Powell y Bill Evans. En el live circ uit de Nueva York conocí a un productor llamado Gil Snapper.

Su formación musical se realizó en el Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance de Londres,

Gil era un tipo muy agradable e interesante y trabajaba con músicos de muchos estilos diferentes.

Entendió mi música muy rápidamente; nos llevamos bien y me invitó a grabar con The Ethiopian Quintet, así que nuestros primeros álbumes con él fueron ‘Afro Latin Soul’ Volúmenes 1 y 2, ambos grabados durante 1966.

En el primer volumen, interpreté una adaptación de una antigua canción guerrera etíope, «I Faram Gami I Faram».

Me habría gustado contar con un cantante etíope para el tema, pero estaba cantado en latín y la letra se tradujo al cantante para que pudiera cantarla en español.

No obstante, resultó una bonita combinación. El álbum incluía otras composiciones que fueron pasos importantes para mí: ‘Mascaram Setaba’ (Viene el verano) ‘Shagu’ y ‘Almaz’. En el segundo volumen, Rudy Houston sugirió una pieza musical que llamamos «The Panther» (La pantera), en referencia al animal, pero también en reconocimiento a las Panteras Negras, muy activas en la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos en aquella época.

En este álbum, una de mis favoritas es mi composición «Girl From Addis Ababa», que funcionaba muy bien como fusión de modos etíopes y ritmos R&R, un indicador del sonido de jazz etíope más afinado de mi álbum posterior para Worthy, «Mulatu Of Ethiopia» (1972). También incluía mi nuevo arreglo de la melodía de los años 50 «Lover’s Mambo».

Ambos álbumes incluyen bonitos arreglos también por Osear García, Rudy Houston y Gil Snapper también.

Me siento orgulloso de la grabación cuando la escucho de nuevo. Fue un momento importante en mi carrera y fue una época muy interesante y progresista estar en Nueva York a mediados de los años 60.

Estuve allí al mismo tiempo que Hugh Masekela, Miriam Makeba y Fela Kuti y, cada uno a su manera, intentamos hacer nuestra parte para poner a África en el mapa del jazz contemporáneo.

Mulatu Astatke, abril de 2018
Mulatu Astatke & His Ethiopian Quintet – Afro-Latin Soul (1966, R-2018)
Temas:
Afro Latin Soul:
01. I Faram Gami I Faram (Mulatu Astatke)
02. Mascaram Setaba (Mulatu Astatke)
03. Shagu (Mulatu Astatke)
04. One For Buzayhew (Mulatu Astatke)
05. Alone In The Crowd (Gil Snapper)
06. Almaz (Mulatu Astatke)
07. Mulatu’s Hideaway (Mulatu Astatke)
08. Askum (Rudy Houston)
09. A Kiss Before Dawn (Gil Snapper & Weiss)
10. Playboy Cha Cha (Oscar Garcia)

Afro Latin Soul Vol. 2:
11. The Panther (Boogaloo) (Rudy Houston)
12. Konjit (Pretty) (Oscar Garcia)
13. Soul Power (Rudy Houston)
14. Lover’s Mambo (Tradicional, Arr. Mulatu Astatke)
15. Love Mood For Two (Rudy Houston)
16. Jijiger (Rudy Houston)
17. Girl From Addis Ababa (Mulatu Astatke)
18. Karayu (Oscar Garcia)
19. Raina (Rudy Houston)

Músicos:
Mulatu Astatke (Vibráfono, piano, batería)
Rudy Houston (Piano, trompeta)
Robert Cuadrado (Bajo)
Felix Torres / John Perez (Congas / Bongos en Vol.1)
Pete Iglesias (Congas en Vol.2)
Tony Pearson (Timbales)

Información realizada (5 de octubre de 2024)

DiscoGS

Tambien Lea: Flora Purim le ha valido dos nominaciones a los Grammy como Mejor Interpretación Femenina de Jazz

Louie Ramírez. El Talento Escondido de la Salsa adelantado a su época

19 octubre, 2024 by Augusto Felibertt

Norte America / USA / Nueva York

Louie Ramírez.

La música requiere, con frecuencia, de personajes que siempre estén detrás de bambalinas y apoyen con su talento el trabajo de los cantantes e intérpretes, quienes finalmente son los que «ponen la cara» y asumen la popularidad. A veces, sin embargo, estos personajes anónimos saltan a la fama a fin de poder interpretar su propia obra y llegan, incluso, a ser más populares que cualquier cantante de moda.

En el caso del Pop, este personaje se llama Quincy Jones, de quien sólo basta decir que ha sido arreglista de Frank Sinatra y productor de Michael Jackson. Un «don nadie». En el caso de la Salsa, esos personajes han sido simbolizados por el émulo de Jones, un tipo llamado Louie Ramírez que ha hecho de todo con todos.

Una tarde de 1994, Ramírez conducía su auto por la autopista que lo llevaría a los Estudios Variety en New York. Iba a ser una sesión rápida ya que sólo le faltaba un tema para completar su disco número 20 como director de orquesta. Tal vez por ello estaba nervioso y eso lo llenó de ansiedad. Minutos después no resistió la sensación y tuvo que orillar el automovil. No había acabado de hacerlo cuando un paro cardíaco acabó con su vida.

Louie Ramírez era un genio. El clásico hombre a quien todos acuden para pedir consejos y soluciones a sus problemas. No importaba que fueran músicos jovenes o viejos. El hecho era que Louie tenía la respuesta y visitarlo era como frotar la lámpara de Aladino. Esa fue una característica que lo acompañó siempre, desde aquella primera grabación «Conozca a Louie Ramírez» en 1963.

Tenía 20 años entonces y ya se había destacado por componer algunas pachangas y hacer arreglos para las orquestas de Pete y Tito Rodríguez. El comentarista Dick Sugar lo presentó entonces así: Ramírez rompe la imágen del director de un grupo que utiliza el talento de otros compositores y se convierte en seguidor de un rítmo. No, Louie Ramírez es un creador en su género.

Louie Ramirez - Foto — Louie Ramirez – Foto

Ese talento no pasó inadvertido para el nuevo Zar de la música latina en Nueva York, Jerry Masucci, quien lo contrató como estrella de Fania Records y al mismo tiempo, como arreglista de las orquestas y conjuntos que pertenecían a la compañía discográfica. Ramírez pronto se vio envuelto en trabajo y sólo pudo grabar dos discos durante los sesentas, «Good news» y «Alí Babá».

En ese último disco apareció el hit que le permitió ser un artista famoso, El Títere, un verdadero clásico de la Salsa. El tema lo cantó Rudy Calzado, el tercero de los soneros que Louie había utilizado sin encontrar el ideal. Ese fue un lastre que lo acompaño como director durante los setentas, cuando recurrió cantantes de la talla de Pete Bonet, Tito Allen, Jimmy Sabater, «Azuquita» Rodríguez, Adalberto Santiago, e incluso Rubén Blades.

Fue con Blades, precisamente, que hizo un disco antológico, «Louie Ramírez y sus amigos», en el cual se incluía el tema Paula C, con un arreglo de esos que ameritan -quitarse el sombrero-. Ya para entonces, Ramírez era considerado en New York como el arreglista más progresivo que tenía la Salsa, gracias a los brillantes trabajos hechos para la Fania All Stars. Un trabajo excelente había sido el arreglo instrumental de Juan Pachanga, para ser cantado por Blades, de Canta Canta para una interpretación de Cheo Feliciano, y de todo el disco «Algo nuevo» que cantó Tito Rodríguez con la orquesta de Louie.

Pero el momento cumbre de la carrera de Ramírez llegó en 1980 cuando Joni Figueras, representante del sello K-Tel International, lo contrató para hacer los arreglos de las baladas Todo se derrumbó y Estar enamorado de Manuel Alejandro. El disco, que incluía estos y otros temas, se publicó dos años más tarde con el título de «Noche caliente» y fue grabado por la propia orquesta de Louie.

Louie Ramírez - Salsa Progresiva — Louie Ramírez – Salsa Progresiva

Así nació la Salsa-balada o Salsa-romántica en un trabajo que Ramírez prolongó hasta su muerte, haciendo de vez en cuando intentonas en el Latin Jazz, cosa que le encantaba. Por eso grabó un disco en homenaje a Cal Tjader, donde Louie fue director, productor, compositor y arreglista, además de interpretar los timbales y su instrumento predilecto: el vibráfono.

Louie Ramírez fue un genio de los arreglos, en una carrera donde se destacan los de Guantanamera e Isadora para Celia Cruz, El Guiro de Macorina para Johnny Pacheco y El Caminante para Roberto Torres. Aparte de ello están sus trabajos para la Alegre y la Cesta All Stars. Respecto a ese perfil de Ramírez, el crítico Eleazar López lo definió muy bien:

Louie Ramírez - salsero — Louie Ramírez – salsero

No es facil arreglar para una orquesta de baile, sobre todo cuando se trata de una agrupación que cultiva el género tropical caliente. Muchos músicos se sienten influenciados por el Jazz y el resultado de sus orquestaciones deja un vacío en el bailador. Otros arreglan sencillo, pero tan sencillo que se repiten y se copian a sí mismos, y el resultado es una música cansona, sin ningún grado de creatividad: una música que no dice nada, que no deja nada. Louie Ramírez ha encontrado el balance perfecto… por eso siempre se mantiene vigente.

Andrea Brachfeld

19 octubre, 2024 by Augusto Felibertt

Norte America / USA / Nueva York

Andrea Brachfeld (Flautista), graduada de la Escuela Superior de Música y Arte y Manhattan School of Music. Durante estos últimos 20 años ha grabado más de una docena de CD con muchos artistas, incluyendo, Africando, Noel Pointer, y Timbalaye. Su gran oportunidad como el flautista de la banda latina popular Charanga 76, la catapultó a la historia de Salsa y la fama como el flautista primera mujer en tocar esta música en los Estados Unidos.

Si bien en la escuela secundaria recibió el «Premio Louis Armstrong por Alumno Destacado» de las interacciones de Jazz. Estudio con Hubert Laws, Jimmy Heath, y Mike Longo le ayudó a desarrollar su propio estilo revista Downbeat que se refiere a Andrea como «uno de los mejores flautistas de jazz en todo».

Ha sido dos veces ganadora del Premio Latino de Nueva York, como flautista. Ha actuado con Dave Valentín, Néstor Torres, y Ray Barretto, entre otros. Mientras que en Venezuela, tuvo el honor de abrir para Chick Corea y Paco de Lucía. Ella recibió recientemente el Chico O’Farrill Lifetime Achievement Award de la Latin Jazz EE.UU.. Su primer CD de jazz latino, «Remembered Dreams» combina originales América con cortes de jazz contemporáneo. Su segundo CD, «Back With Sweet Passion», es una dinámica de grabación de salsa con el ganador del Grammy Oscar Hernández en el piano, y Alfredo De La Fey en el violín.

Su tercer CD «Beyond Standards”» es un esfuerzo de colaboración con Chembo Corniel, con grandes del jazz Hilton Ruiz en el piano y Steve Turre en trombone.

She ha aparecido con la Orquesta de Jazz Winnepeg como solista interpretando sus propias composiciones, así como los de Mike Longo , director de toda la vida musical de Dizzy Gillespie. Actualmente está actuando con su propio grupo, incluyendo Phoenix Rising, con una salida nuevo CD, «Into The World: Una Ofrenda Musical» con artistas invitados Mike Longo, West Paul y Brian Lynch.

Red Profile Andrea Brachfeld

Ronald Borjas es cantante, músico y compositor venezolano

1 octubre, 2024 by Augusto Felibertt

Ronald Borjas es actualmente considerado uno de los mayores exponentes de la salsa en Venezuela con una proyección internacional que cada año crece más.

Es cantante, músico y compositor venezolano, nacido en Maracaibo, la capital del estado Zulia, el 19 de noviembre de 1981.

Ronald Borjas es cantante, músico y compositor venezolano

A los 10 años de edad nació su amor por el timbal, pocos años después, a sus 14 años empezó a cantar como solista en la Orquesta Bochinche.

A través de su adolescencia se destacó como solista en bandas como: Caribe, Asterisco, VHG y Bacanos.

Cursó estudios superiores en la Universidad Cecilio Acosta (UNICA) donde obtuvo el título de Licenciado en Música Educación Musical en el año 2002.

En el mismo año se subió al escenario con la Super Banda de Venezuela GUACO, donde debutó como solista y compositor con el tema “Te vas” del álbum «El Sonido de Venezuela».

No sólo se desarrolló como compositor, Ronald también toca otros instrumentos de percusión como el bajo, la guitarra y paralelamente también la trompeta.

Luego de 11 años siendo una de las voces principales de Guaco, en el 2014, Ronald decide tomar otro camino y es ahí cuando empieza el gran proyecto de su vida, desarrollar su carrera como solista en géneros como la Salsa, Bachata y Pop.

Ronald debuta en solitario con el tema “Te Doy Mi Voz” dedicado a sus fans, con el que recibe la nominación al Grammy Latino de “Mejor canción tropical”.

Ese mismo año, su padrino musical, la leyenda de la Salsa, Oscar D´ León lo invita a su show en el Madison Square Garden de Nueva York, donde lo presenta ante miles de personas y lo bautiza como su “ahijado”.

Ese mismo año, lanza “Te Encontraré” un tema que alcanzó el #1 de la cartelera radial venezolana Récord Report y su videoclip, filmado en New York logra entrar en el ranking de los videos más vistos del canal HTV.

En 2015 inicia su expansión musical hacia otras fronteras, logrando éxito en países como Ecuador y Colombia donde su tercer single titulado “Dame Tu Amor” se posiciona en los primeros lugares de las emisoras radiales al igual que en su natal Venezuela, mientras que, en Perú, fue nombrado el tema “tropical del verano”.

Ronald Borjas es actualmente considerado uno de los mayores exponentes de la salsa en Venezuela con una proyección int

A finales de ese año lanza oficialmente su primer disco “Da Capo” con un evento que congregó en Caracas, Venezuela a un centenar de figuras del espectáculo nacional, así como la prensa, radio y tv del país en un evento sin precedentes. Este lanzamiento en sus primeras semanas, logró acumular más de 10.000 descargas digitales en su página web oficial www.ronaldborjas.com.

“Da Capo” contó con valiosas colaboraciones y un primer featuring con su padrino Oscar D´León, con quien grabó “La Quiero Para Mi”. Además, este álbum cuenta con temas de Amaury Gutierrez, Robert Vilera y su tío Neguito Borjas, entre otros.

En 2016 inicia lanzando su tema “Cántalo” el cual se convirtió rápidamente en un himno de la alegría y logró posicionarse en el primer lugar de la radio venezolana.

Ese año se alzó con varios premios nacionales de gran importancia como “Mara de Oro Internacional”, “Cacique De Oro”, Explosión Creativa y Supremacy, todos lo reconocieron como el “Cantante Salsa del Año”.

Ese mismo año firma contrato con Sony Music como artista de la Región Andina y emprende su primera gira de conciertos internacional titulada “Da Capo tour” con la que visitó Aruba, Panamá y varias ciudades de Estados Unidos.

En 2018 lanza “Loco por Volverte a Ver” tema que escribió junto a Nacho Mendoza, Cáceres y Sharo Torres, además hizo su segundo featuring junto al “Caballero de la Salsa” Gilberto Santarosa con quien estrenó “Ellas te van llevando” la primera colaboración con un artista internacional que también logró posicionarse como el número uno de las carteleras radiales.

Ronald Borjas es actualmente considerado uno de los mayores exponentes de la salsa en Venezuela

Poco después, en el año 2019, recibe doble nominación por “Álbum del año” con el tema “Lo que pase aquí” al ser uno de los temas del disco de Tonny Succar titulado “Más de Mi” y “Salsa del año” con el tema “No Queda Nada”. Además de la colaboración que hizo junto a “Quintero´s Salsa Proyect” que fue nominado a “Album Salsa del Año”.

También en 2019 saca su segundo disco titulado “Bailamos Otra Vez” donde graba canciones de su autoría, así como también de Servando Primera, Oscarcito y repite Amaury Gutiérrez. De esta placa se desprenden éxitos como “Amor Demente” “Estoy Dispuesto” “Tu y Yo Tenemos” “Te Quiero para Mi” entre otros.

Poco después anuncia su colaboración junto a otro compañero ex Guaco, Nelson Arrieta con quien estrena la canción “Sobran Los Momentos” que también da nombre al tour que harían juntos donde recorrieron países como Argentina, Chile, Ecuador, México, Colombia, España, Perú, Panamá y Estados Unidos logrando una gran aceptación por parte del público.

Inicia el año 2020 con varios lanzamientos en colaboraciones. “Para Ustedes” del disco orígenes donde participó como invitado y logró el #1 de la radio en Venezuela, luego estrena junto a Victor Muñoz el tema “Juegos Eróticos” y hace promoción en su país con gran aceptación.

Inicia la etapa de “pandemia” y el confinamiento no lo detuvo. En marzo lanza la versión del tema “María Antonia” del cantante venezolano Gualberto Ibarreto, en abril estrena “Aunque Parezca Extraño” junto a Manuel Petit quien lo invita a esta colaboración. En mayo, junto a su tío Neguito Borjas, Jorge Luis Chacín y Nelson Arrieta se unen en un proyecto titulado “Los Mágicos”. En junio sale “Ahora Me Llama”, una canción que había grabado para Rumberos del Callejón.

Por si fuese poco, en julio graba un concierto en íntimo donde invita a Victor Muñoz, su tío Neguito Borjas y a Nelson Arrieta para lanzarlo como regalo a sus fans a través de su canal de YouTube.

Cierra los últimos meses de 2020 con el tema “Mía” escrito por Ronald y Salvador Solano que se convirtió en el himno de la ´Zumba´ logrando llegar a varios lugares del mundo. Luego de esto, estrena uno de sus temas “Ya Lo Decidí” con el que logra nuevamente el primer lugar de la radio y la aceptación de todo el público.

Inicia el 2021siendo invitado especial al concierto de Gilberto Santarosa en el Teatro Filmore de Miami, donde interpretaron juntos el tema “Ellas Te Van Llevando”. Meses más tarde, lanza la canción que grabó a dúo con José Alberto “El Canario” titulado “A Mi Me Gusta” que logró rápidamente posicionarse en las principales listas de reproducción de las plataformas digitales en el mundo. Cierra ese año con el tema “Dime Cómo Hago” que grabó junto a Nelson Arrieta y Oscarcito, una salsa que se apoderó del gusto del público y hoy es una de las más coreadas en sus conciertos.

2022 arranca con otra importante colaboración junto a Motiff, una canción titulada “Me Descontrola” que entró rápidamente en los primeros lugares de carteleras radiales y listados de plataformas digitales, además fue el tema escogido por la reconocida empresa Zumba para usarla como canción oficial en sus eventos mundiales.

En 2022 también lanza un proyecto musical muy ambicioso que realizó junto a sus amigos y coterráneos Adelmo Gauna y Nando De La Gente llamado “Los Pikis” con el que estrenaron una serie de videos donde recopilaron éxitos de la salsa erótica de los años 80 y 90. Tal fue el éxito que en sólo dos meses lograron más de el millón de reproducciones en YouTube.

En mayo de 2022 se estrena el concierto en vivo titulado “Sobran Los Momentos” donde Nelson Arrieta y Ronald Borjas invitan al fundador y voz líder de Guaco, Gustavo Aguado e interpretan juntos varios de los éxitos de la super banda de Venezuela, tales como “Vivo” “Pídeme” “Eres Más” y “Lo Eres Todo”. También estuvo Oscarcito intrepretando su éxito “Si Tu Me Besas” y el que tiene junto a Arrieta y Borjas “Dime Cómo Hago”. Todo este increíble material puede disfrutarse en la canal oficial de YouTube de Ronald Borjas y Nelson Arrieta.

Para cerrar el año, estrena junto a su amigo musical, Acosta, el tema “Se prendió el Parampampan” una divertida salsa que une sus estilos musicales, que junto a un video grabado en Puerto Rico, lograron entrar al gusto del público convirtiendo esta canción en un himno de las fiestas venezolanas. Por su parte, Ronald Borjas, lanza un single en solitario titulado “Los Vecinos” que viene acompañado por un jocoso video dirigido por Alex Galán.

2023 comenzó para Ronald Borjas con su tercer featuring con artista internacional, esta vez junto a la leyenda puertorriqueña, Tito Nieves. Una salsa romántica titulada “Te Busqué” que estuvo acompañada de un video donde se aprecian los dos cantantes en un performance e historia. El video cuenta actualmente con más de medio millón de reproducciones en el canal de YouTube oficial de Ronald.

A los meses, Ronald se reencuentra con su primo Luis Fernando Borjas y graban el tema “Cuestión de Tiempo”, el cual alcanzó una gran aceptación por parte del público superando las dos millones y medias de visualizaciones del video y en las plataformas digitales se posicionó como uno de los más escuchado de “Lo Borjas”. Nombre que dio pie a una gira en conjunto con la que han recorrido las principales ciudades de Venezuela logrando sold out en cada una de ellas.

Cierra el año con un gran concierto “Live in Miami” donde reúne nuevamente varios de sus compañeros musicales y amigos, como Oscarcito, Victor Muñoz, Motiff, Los Pikis y por primera vez desde su separación se unieron, Toto y Beet, del grupo Caibo con el que interpretaron junto a Ronald los éxitos “La Despedida” y “La Promesa”. Esta gran reunión de artistas se encuentra en el canal de YouTube de Borjas y también ha superado en menos de un año más de 600.000 reproducciones.

2024 inició con su cuarto tema a dúo con un artista internacional, esta vez con el nicaragüense, “el príncipe de la salsa” Luis Enrique con quien graba “Y Si Mañana”. Se realizó un gran lanzamiento a través de los medios de comunicación en Venezuela y ha sido un tema que rápidamente se convirtió en el favorito del público de ambos cantantes y en pocas semanas se posicionó en las principales listas de salsa en Spotify.

Luego de este éxito, Ronald inicia su “Tour LATAM 2024” por Colombia, Chile, Argentina, Perú, Panamá y Uruguay, países donde logró sold out en todas sus presentaciones y reencontrándose con su público luego de varios años. El éxito de esta gira, lo llevará muy pronto a Europa donde estará realizando varias presentaciones en España y otros países que aún no han sido anunciados.

Tambien Lea: Homenaje a Johnny «Dandy» Rodríguez Jr. Su primera grabación profesionalmente fue con Tito Puente en el año 1964 y se tituló “Excitante Ritmo De Tito Puente”

Chick Corea Pianista, compositor, arreglista, productor, maestro. Acústico y Eléctrico

30 septiembre, 2024 by Augusto Felibertt

Rodeado de música desde pequeño, Armando Anthony Corea transitó un camino en el que brilló como pocos, acompañado por músicos que conforman una enciclopedia del jazz.

Pianista, compositor, arreglista, productor, maestro. Acústico y eléctrico. Chick Corea fue uno de los músicos más influyentes de ese amplio universo que es el jazz y seguramente una de las figuras más importantes de la música global de este tiempo. Además de fecundo artísticamente fue comercialmente exitoso. También por eso sería imposible explicar la música de este tiempo sin el ejemplo de Chick Corea.

Chick Corea Pianista, compositor, arreglista, productor, maestro. Acústico y Eléctrico

Armando Anthony “Chick” Corea nació Chelsea, en Massachusetts, el 12 de junio de 1941, en una familia de origen calabrés. A los cuatro años comenzó a tocar el piano, estimulado por su padre, trompetista de jazz que dirigió una banda de Dixieland en Boston en las décadas del ’30 y ’40. Rodeado de música, el pequeño Armando conoció enseguida a los héroes del bebop.

La música de Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Bud Powell, Horace Silver, Lester Young, dejarían una marca notable en su formación. A los ocho años, comenzó a estudiar piano clásico con Salvatore Sullo, un concertista de origen italiano que además del amor por Mozart la abrió el universo de la composición.

Siempre ligada a una confusa línea temporal, la primera grabación publicada de la configuración original de Return to Forever fue en realidad su segunda sesión.

Una fecha inicial de estudio del sello ECM realizada en febrero de 1972 no se publicó hasta después de que la banda hubiera cambiado en 1975.

La grabación de Polydor/Verve de octubre de 1972 es en realidad esta edición de 1973, en la que aparece la misma banda con Chick Corea, Stanley Clarke, Airto Moreira, Joe Farrell y Flora Purim. No hay por qué hacer distinciones, ya que ambos son álbumes de cinco estrellas, que muestran muchas de las composiciones del teclista, duraderas, inmediatamente reconocibles y muy melódicas.

La alegre flauta de Farrell, las voces sin palabras de Purim, la electrizante percusión de Airto y las hábiles líneas de bajo eléctrico de Clarke se envuelven en un guiso de samba brasileña y el piano eléctrico Fender Rhodes de Corea, y sin duda marcan la pauta y el listón más alto para la música de los grupos que vendrán después. «Captain Marvel» la semilla de la banda sin Farrell y Purim que se expandió en un álbum conceptual completo con Stan Getz está aquí como una vaporosa samba de fusión con Corea bailando en las teclas.

A estas alturas, la hermosa «500 Miles High» se ha convertido en la canción emblemática de Purim con la letra de Neville Potter y los acordes punzantes de Corea, y desgraciadamente se convirtió en un himno hippie contra las drogas.

Quizás la canción definitiva de Corea de todos los tiempos, y versionada ad infinitum por bandas profesionales y escolares, «Spain» conserva la extravagante melodía, el interludio de palmas, la dinámica de arriba abajo, la emocionante sección de improvisación y la variación en el tiempo, el tempo y las coloraciones que siempre despiertan interés a pesar de una duración cercana a los diez minutos.

«You’re Everything» es un clásico romántico que seguramente se ha escuchado en muchas bodas, con otra letra de Potter cantada en el cielo por Purim, mientras que la canción que da título al disco es la letra de Purim en un marco musical más suelto, con la gráfica de Clarke fusionándose con Corea y el punzante trabajo de flauta de Farrell.

Chick Corea - John Patitucci - Dave Weckl — Chick Corea – John Patitucci – Dave Weckl

Por mucho que los otros se hayan convertido en iconos, el extraordinario sonido de Farrell en esta cita nunca debería trivializarse ni subestimarse.

El tema final, «Children’s Song», fue un trampolín para varios de los proyectos de álbumes completos de Corea, y se escucha aquí por primera vez en formato de trío con un motivo lento y natalicio.

La versión ampliada de esta grabación incluye muchas tomas alternativas de cuatro de estas selecciones, pero también incluye «Matrix», que no estaba en ningún álbum de RTF, y hay cuatro versiones de «What Game Shall We Play Today?», que sólo estaba disponible en el lanzamiento de ECM.

Desde una perspectiva histórica, éste es el trabajo más importante de la carrera de Corea, muy diferente de sus anteriores esfuerzos progresivos o de improvisación, y el comienzo fundamental de su carrera como el teclista de jazz contemporáneo más popular de la historia. Michael G. Nasto.

Chick Corea And Return To Forever – Light As A Feather (1973

Temas:

You’re Everything
Light As A Feather
Captain Marvel
500 Miles High
Children’s Song
Spain

Músicos:

Chick Corea (Fender Rhodes, piano eléctrico)

Stanley Clarke (Contrabajo)

Joe Farrell (Saxo tenor, saxo soprano, flauta)

Flora Purim (Voz, percusión)

Airto Moreira (Batería)

Chick Corea And Return To Forever - Light As A Feather (1973) — Chick Corea And Return To Forever – Light As A Feather (1973)

Información realizada (21 de febrero de 2009)

Fuentes:

L’Òstia Latin Jazz

Santiago Giordano: Es músico, docente y crítico musical.

Tambien Lea: Yilian Cañizares excelente músico cubana estudio en su ciudad natal, en la más estricta tradición de la escuela rusa del violín