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2025

La trombonista Lindsey McMurray de la orquesta de mujeres Las Chikas

22 julio, 2025 by Karina Garcia

Lindsey McMurray, líder de la agrupación Las Chikas, ha aceptado cordialmente nuestra invitación para conversar sobre la orquesta de mujeres que actualmente dirige, cosa que nos tiene muy contentos y complacidos, así que invitamos a nuestros lectores a disfrutar de esta entrevista de principio a fin y conocer el recorrido musical de esta joven artista.

Lindsay de Las Chikas cantando
Lindsey McMurray cantando en un concierto con Las Chikas

Cómo inicia Lindsey en la música

El proceso de Lindsey para convertirse en artista inició muy temprano en la escuela, cuando ella apenas contaba con unos 10 años y empezó a aprender a tocar el trombón. Previo a esto, ya había estudiado otros instrumentos como el teclado y la flauta dulce, pero terminaría probando luego con el trombón.

Poco después, a la edad de 11, entró a la banda de jazz escolar, pero no fue sino hasta la universidad que comenzó a experimentar con la salsa en orquestas que tocaban este género. Hasta ese entonces, Lindsey prácticamente no había tenido ningún tipo de contacto con la música latina, ya que solo había escuchado ritmos típicos de Estados Unidos. Sin embargo, una vez que descubrió la música de Latinoamérica, no pudo escapar a su amor por ella y la siguió tocando hasta el sol de hoy. 

Cabe destacar que la músico no tiene ningún familiar que también lo sea. Por lo que sería ella la primera que hace de la música su profesión y, desde luego, una de las áreas más importantes de su vida.

Experiencias profesionales previas a Las Chikas

Antes de siquiera llegar a saber de la existencia de Las Chikas, Lindsey estuvo en un programa de televisión llamado ‘‘Noches Con Platanito’’ en la parte musical, pero ella realmente no dirigió nada hasta que los directores de orquesta de los grupos que estaban allí se fueron. Su gran oportunidad llegó en 2017, cuando finalmente logró convertirse ella misma en una líder de orquesta y, a su vez, empezó dos agrupaciones al mismo tiempo. 

Esto debido a que Lindsey no quería depender de que nadie la llamara cuando fuese requerida, sino que, por el contrario, buscaba poder ir desarrollando su autonomía al punto de ser ella quien crea los empleos para otros y no buscarlos por otro lado.

Whitney and Gabby de Las Chikas
Cantantes Whitney Hernández y Gabby Tamez de Las Chikas en Carson City

Las Chikas 

Algo importante que aclarar es que Lindsey no es fundadora de Las Chikas, sino que era una grupo que ya existía desde antes que ella ingresara durante la pandemia. La propuesta de las Chikas nació durante ‘‘Noches Con Platanito’’ como parte del show, pero Lindsey y el resto de las integrantes querían tener actividades fuera del programa y lo que la producción del mismo les pidiera hacer. En ese entonces, la líder y fundadora del grupo era Eliana Rose, quien durante la pandemia, se quiso establecer al sur de California, así que le pidió a la artista que ocupara su lugar, cosa que ella aceptó.

Esto representaba un reto grande para ella, ya que jamás en su vida había dirigido una orquesta de música latina. Sin embargo, la novedad no la hizo echarse para atrás, sino al contrario, era una experiencia que quería vivir para aprender de ella.

Las actuales integrantes llegaron al grupo gracias a recomendaciones de amistades y otras personas de la industria. Ya en este punto, se puede decir que son todas sus amigas, al grado que han compartido todo tipo de ocasiones especiales como cumpleaños, viajes y mucho más. 

Por qué sólo mujeres en la orquesta

Una de las cosas que más llama la atención de Las Chikas es que, tal y como su nombre lo indica, solo está compuesta por mujeres. Una de las razones es que la industria, a pesar de los cambios sociales de los últimos tiempos, sigue estando dominada por hombres, así que estos jóvenes talentos femeninos encuentran apoyo entre ellas.

Lo que la fundadora original buscaba era promover la idea de que un grupo completo de chicas podían tocar música latina sin que esto fuese percibido como algo extraño. Lindsey comparte esta visión al cien por ciento y espera que las nuevas generaciones de mujeres no piensen en ningún momento en su género como una limitante para lograr lo que quieran en la música.

Las Chikas y su certificado
Marina Panzetta, Shirly Ace, Lindsey Murray, Whitney Hernadez, Gabby Tamez, Maria Vega, Mayelin Vazquez, Alisha Ard Vazquez, Dolores Duran-Cefalu y Anitta Garay de Las Chikas posando para la cámara con su certificado de la ciudad de Los Ángeles. Foto tomada por Craig Cochrane

Aunque la arista reconoce que ha habido cambios positivos en las últimas décadas, piensa que hay áreas que no tienen suficiente representación femenina como la percusión, el bajo, la producción, los arreglos, entre otros. Es muy común que mujeres sean vocalistas de una banda, pero todavía no es habitual verlas en otras áreas de ese proyecto.

Las Chikas como una mezcla de culturas y etnias

En el website de la banda, se puede leer que el grupo es una mezcla de culturas y etnias diversas. Al respecto, Lindsey señaló que, si bien es cierto que ella no es latina, siempre ha buscado crear algo lo más auténtico posible que tenga sus raíces en la cultura latina, por supuesto con el mayor de los respetos. ‘‘La música latina es demasiado alegre, inteligente y la capacidad de ser bella para cualquier ser humano que la oiga. También busco de cierta forma lograr que los no latinos puedan disfrutar de esta hermosa música tanto como yo’’ añadió Lindsey sobre el tema. 

Otra cosa que dijo es que la diversidad también juega un rol muy importante, ya que la audiencia no latina tiende a sentir que tiene el permiso de formar parte de la alegría emanada de esta música. Adicional a eso, el hecho de que las integrantes tengan diversos orígenes e historias musicales ayuda a que la banda tenga distintas perspectivas de lo que quieren hacer.

Hoy en día, Las Chikas está compuesta por la cantante cubana Mayelin Vázquez, la cantante cubana Whitney Hernández, la pianista estadounidense Dolores Duran-Cefalu, la bajista María Vega, la timbalera mexicana Anita Garay, la conguera mexicana Diana Teixeira, la trompetista americana Anne King, la saxofonista mexicana Marina Panzetta y la misma Lindsay en la parte de trombón.

También lee: Javi Jiménez de Barrio Manouche habla de su carrera en España y San Francisco

Publicado en: 2025, Agosto, Artistas, Entrevistas, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Bailarina de flamenco francesa Fanny Ara nos dejó saber detalles de su carrera

14 julio, 2025 by Karina Garcia

Son incontables los artistas de todo el mundo que han caído rendidos a los ritmos latinos e hispanohablantes debido a sus colores y riqueza, por lo que no podemos dejar de hablar de casos como el de la bailarina, coreógrafa y profesora de baile Fanny Ara, con quien hemos tenido la oportunidad de conversar durante unos gratos minutos sobre sus inicios en su natal País Basco Francés y su trayectoria actual. 

Esta talentosa mujer, a quien conocimos gracias a su trabajo junto a Javi Jiménez y su grupo Barrio Manouche, tiene una cantidad incontable de cosas interesantes para decir, así que invitamos a nuestros lectores a disfrutar de esta historia de principio a fin.

Bailarina Fanny Ara posando
La hermosa Fanny Ara posando para la cámara. Foto tomada por Tony Abello

Inicios de Fanny Ara en el baile

Con respecto a cómo Fanny empezó a tener interés por el baile, Fanny nos explicó que su tía era profesora de baile clásico español y convenció a sus padres de inscribirla en estas clases cuando tenía unos seis o siete años, a lo cual accedieron y así ocurrió. La niña quedó tan encantada con esta disciplina que supo de inmediato que quería dedicarse a esto por el resto de su vida.

Estudió piano, aunque hoy en día no lo ejerce, y obtuvo una licenciatura en música en la Escuela de Arte Bayonne y, una vez que culminó con todos sus estudios, quiso ir a probar suerte en España. Ya estando allí, tuvo la oportunidad de trabajar codo a codo con algunos de los mejores exponentes del baile en géneros españoles y el flamenco tales como Isabel Quintero y Antonio Najarro, lo que también le despertó la curiosidad por estudiarlo más profundamente y seguir especializándose en él. 

Al final, quedó residenciada en España durante algunos años más y no tuvo más incentivos para regresar a su país de origen. Ya había iniciado una nueva vida en otro lugar completamente distinto y una profesión que la retenía allí por el momento.

Mudanza a Estados Unidos

Mientras seguía viviendo en España, Fanny se enamoró de un estadounidense y se fue a vivir con él a San Francisco, lugar en el que su enamorado siempre había vivido. Tuvo la fortuna de haberse mudado a la que era nada más y nada menos que la ciudad con la mayor escena musical flamenca de todo el país, por lo que no se le hizo para nada complicado adaptarse a todo ese nuevo mundo que se abría paso ante ella.

De hecho, no pasó mucho tiempo para que ella lograse ingresar a compañías de baile, impartir clases y hacer presentaciones tal y como lo venía haciendo en Europa. La única diferencia es que San Francisco era una gran ciudad, mientras que su pueblo natal era muy pequeño y Sevilla, donde vivió en España tampoco era un poblado grande, por lo que este fue un gran cambio para ella.

San Francisco abrió muchísimo su mente en muchos aspectos que no había considerado, así que decidió que este sería su nuevo hogar indefinidamente.

Maria Elena y Fanny
La bailarina de flamenco  Marina Elena Scannell y Fanny Ara. Foto tomada por Timo Nuñez

Diferencias entre el mercado estadounidense y el europeo en cuanto al baile

En vista de que en San Francisco había mucha más variedad de culturas y música, Fanny pudo experimentar con muchas otras formas de arte como no lo había hecho antes, así pudo bailar géneros distintos al flamenco como lo eran el jazz y hasta la misma salsa, especialmente en eventos sociales. 

El hecho de que su nuevo hogar no tuviese las mismas barreras tradicionales que la bailarina encontró en España le ayudaron a expandir sus horizontes y probar géneros y bailes nuevos. Además, haber podido trabajar en Canadá y Latinoamérica también le ha permitido expandir sus conocimientos hasta niveles insospechados.

Premios y nominaciones 

Toda esta trayectoria también ha llevado a Fanny a ser reconocida por su talento. Fue así como la artista recibió unas seis nominaciones a los premios Isadora Duncan Dance Awards en algunas importantes categorías como Bailarina Individual Más Destacada y Presentación Musical Más Destacada. Adicionalmente, ganó un reconocimiento por parte del New York’s Vilcek Foundation como ‘‘Promesa Creativa del Baile’’. 

Se siente absolutamente feliz y afortunada de haber podido ser galardonada y reconocida por lo que ha logrado en varios de sus más grandes trabajos entre los que podemos mencionar ‘‘Magia Flamenca’’, ‘‘A Través de Tus Ojos’’, ‘‘Tattooed’’, ‘‘Lilith’’, entre otros.

Los mayores retos de ser bailarina y coreógrafa

Según Fanny, uno de los más grandes desafíos a los que se puede enfrentar una productora de eventos y coreógrafa como es su caso es la obtención de los recursos económicos necesarios para poder llevar adelante sus ideas, por lo que se le hace cuesta arriba conseguir el financiamiento para sus proyectos, especialmente luego de la pandemia.

A eso hay que añadir que muchos locales y restaurantes no están interesados en pagar lo que corresponde por un show flamenco, lo que reduce ampliamente las posibilidades de cerrar algunos acuerdos laborales.

Otro inconveniente con el que la artista y su equipo se encuentran es la negativa de algunos teatros a permitirles usar sus instalaciones, ya que el tablao flamenco requiere cierto tipo de calzado y zapateo, los cuales pueden ser un poco perjudiciales para los pisos de estos establecimientos. 

Sin embargo, estos inconvenientes no han sido impedimento para que siga adelante con su trabajo, aunque sí adaptándose a ciertas condiciones.

Fanny y Barrio Manouche
Fanny Ara bailando junto al grupo Barrio Manouche

Qué motiva a Fanny a crear sus coreografías

Una de las cosas que más mueve a Fanny a realizar alguna coreografía es darle voz a aquellos que no pueden hablar. En las últimas dos producciones que la coreógrafa ha hecho, se ha querido hablar del abuso sufrido por el ser humano, especialmente la mujer. El argumento de la obra va de tres bailarinas que han sufrido algún tipo de abuso a lo largo de su vida, mostrando lo importante que era para Fanny mostrar lo que muchas personas sufren hoy en día sin que nadie les escuche.

Lo que buscaba la artista era brindar un mensaje de esperanza a su público y dar voz a aquellos que han permanecido en silencio ante algún maltrato a su persona. Lo mejor de todo es que no se necesitaron palabras para dar el mensaje, ya que las bailarinas mostraron sus emociones a través de sus movimientos y gestos y eso fue más que suficiente.

En el caso de ‘‘Lilith’’, Fanny fue la bailarina principal junto a otros dos músicos que la acompañaban para ofrecer un sencillo pero poderoso performance sobre el duro camino de una mujer durante su vida, cosa que la francesa quería graficar a través de su trabajo.

Ara buscaba concientizar al público durante la hora u hora y media que durara su show y que los asistentes se fueran a su casa con una visión distinta de lo que habían creído hasta ahora. 

También lee: Javi Jiménez de Barrio Manouche habla de su carrera en España y San Francisco

Publicado en: 2025, Artistas, Entrevistas, Latino America, Musica Latina, Norte America

Caesar Vera Y Su Sexteto NuevoSon, música tradicional cubana con un toque de modernidad

28 junio, 2025 by Karina Garcia

Es muy importante para nosotros mostrar y dar cobertura a los artistas de música latina más importantes de la actualidad en todo Estados Unidos y hoy es el turno del chicagüence Caesar Vera, quien muy amablemente nos acompañó en esta Edición de International Salsa Magazine.

Caesar es el actual director del grupo Caesar Vera Y Su Sexteto NuevoSon, del cual hablaremos más adelante junto con otros tópicos de igual importancia para la carrera del músico.

Caesar con su bongó
Caesar Vera con sus bongós hace algunos años

Cómo Caesar inicia su camino en la música

Aunque Caesar ha hecho su vida profesional en Miami y vive allí actualmente, en realidad, nació en Chicago y pasó los primeros años de su vida en ese lugar. Sus padres llegaron de Cuba en 1966 a través de los vuelos de la libertad y, ya en Estados Unidos, la iglesia católica los ayuda y ubica en Chicago, que es donde nace y vive allí hasta el año 1978. Luego, la pareja se divorcia y su padre se va a vivir a Miami, por lo que Caesar pasaba largas temporadas vacacionales junto a él en esa ciudad.

Todo para Caesar con la música inicia en la secundaria, que es cuando se interesa mucho por el rock, al punto de crear una banda de este género junto con otros compañeros de clase. Él era el que tocaba la batería y le gustaba muchísimo la música de Led Zeppelin, Kiss, Van Halen y grupos de este estilo. 

La única cercanía que el joven tenía con la música latina era su abuelo que le encantaba bailar danzón y siempre ponía discos de la Orquesta Aragón para que ambos se movieran al compás de la melodía en la sala de su casa. Aunque estos ratos con su abuelo eran muy agradables, a él no le agradaba este tipo de música todavía, pero eso cambiaría con el pasó de los años.

En Miami, hubo una época en la que había muchísimas bandas latinas tocando y cada esquina tenía un nightclub con orquestas tocando. Caesar y sus amistades frecuentaban mucho estos lugares, lo que llevó al joven a interesarse finalmente por esta serie de géneros. Esto coincidió con la llegada de Cuba de un tío suyo que era músico y tenía un grupo allá, cosas de las que ambos hablaban constantemente y él hasta el enseñó a su sobrino a tocar instrumentos como la tumbadora, bongó, timbales y todas las percusiones menores.

En 1987, ocurrió lo que sería un punto de inflexión para Caesar musicalmente hablando, ya que finalmente se decidió a tocar la música cubana más seriamente y a estudiarse su historia para comprenderla mejor.

Caesar Vera y Luis Bofill
Cantante y director de orquesta Luis Bofill y Caesar Vera

Grupos anteriores a Caesar Vera Y Su Sexteto NuevoSon

Antes de crear su propio grupo, la esposa de un amigo que tenía un grupo lo invitó a tocar como percusionista junto a ellos, propuesta que Caesar aceptó y empezó a tocar la tumbadora junto a la orquesta. Algo nuevo en este caso era que él nunca antes había tocado con una banda ya establecida en presentaciones formales, así que era algo nuevo para él.

Ya para 1992, conoció al famoso bongosero cubano Juan Méndez, que había tocado con la Orquesta de Roberto Faz, Roberto Torres y Luis Santi. Méndez le dice que le hace falta un bongosero en una orquesta que estaba formando en ese entonces y le propuso a Caesar cubrir esa vacante, a lo que dice que sí y permanece en el grupo hasta el año 2003, es decir, durante unos 11 años aproximadamente.

Adicional a eso, hizo muchas suplencias en diversas orquestas en Miami durante un tiempo más y uno de esos grupos fue el de Gilberto Díaz Y Su Conjunto Los Profesionales. Estuvo con ellos dos años, pero ya la música tradicional cubana, más específicamente el son cubano, había capturado toda su atención. Da la casualidad que uno de sus compañeros de orquesta le comenta que le llamó Norberto de la agrupación Norberto Y Marcela Y El Septeto Caribe porque necesitaban un bongosero y le pregunta si le interesa la vacante. Caesar no lo pensó dos veces y se fue a tocar con la orquesta a pesar de que no tenía mucha experiencia con el bongó, pero de todos modos se arriesgó. Fue junto a este grupo que comenzó a tocar música tradicional cubana y se preparó para hacer lo propio una vez que lograra independizarse.

Caesar y sus compañeros
Estos son los miembros del grupo de izquierda a derecha: el bongosero Caesar Vera, el cantante Billy Velazquez, el tresero Roberto Acosta, el bajista Arturo Senti, el conguero Hebert Garcia y el trompetista player Orlando Fraga

Fundación de Caesar Vera Y Su Sexteto NuevoSon

Estando aún con Norberto y Marcela, Caesar comenzó a tener sus propias ideas creativas sobre cómo conducir una orquesta, pero no podía llevarlas a cabo debido a que él solo era un músico que colaboraba con dicha orquesta, cosa que empezó a molestarlo y causarle una inconformidad enorme. Un día, su mujer lo vio estresado y frustrado por la situación, llevándola a preguntarle por qué no se independizaba y creaba su propio proyecto. 

Es ahí cuando él comienza a pensárselo seriamente hasta que, a comienzos del 2007, finalmente funda el conjunto Fusión 4 junto a Carlos Alberto ‘‘El Flaco’’, quien previamente había cantado con Fajardo Y Sus Estrellas, Larry Harlow y La Fania. Lograron quedar fijos para tocar todos los sábados en el Deauville Jazz Club durante un año.

Sin embargo, el sexteto como lo conocemos hoy en día fue creado hace apenas dos años debido a que a Caesar le estaba costando mucho encontrarle trabajo a una orquesta tan grande, especialmente luego de la pandemia cuando mucha de la música en vivo que había se fue a pique. 

Hoy en día, algunos de sus integrantes son el tresero Roberto Acosta, el bajista Arturo Santi, el conguero Hebert García, el trompetista Orlando Fraga y el cantante Billy Velázquez. 

También lee: La joven promesa de la música Sofia Grace Doellefeld nos habla de sus sueños

Publicado en: 2025, Artistas, Entrevistas, Julio, Musica Latina, Norte America

Alain Pérez triunfa en Puerto Rico con paso firme

25 junio, 2025 by International Salsa Magazine presenta

El exclusivo Club Tropicoro del Fairmont El San Juan Hotel, de Isla Verde se desbordó para darle la bienvenida al polifacético músico cubano Alain Pérez, quien se presentó en Puerto Rico por primera vez en solitario. Antes del concierto bailable, celebrado en suelo boricua, que cerró la primera gira de Alain en calidad de solista por Estados Unidos, este se presentó en Nueva York, Los Ángeles, Miami y Tampa.

Alain Pérez
Alain Pérez

Para abrir el concierto, el concepto Cubanísimo, liderado por el bajista y cuatrista puertorriqueño Jesús Algarín, llevó a la concurrencia a entrar en ambiente. El joven músico caminó con paso firme acompañándose de la contundente interpretación de sus instrumentos, dirigiendo con seguridad su propia orquesta.  Previo al show de Alain Pérez, los músicos de Cubanísimo -el cuatrista, cantante y director Jesús Algarín, el trompetista Miguel Ortiz, los vocalistas Carmen Jiménez y Gilberto Félix, el bajista Félix Juan Algarín, el bongosero Freddy Camacho, el tumbador Jeren Guzmán y el flautista Juan Ortiz- dieron vida a ‘El yerbero moderno’, ‘Esa niña’, ‘El bodeguero’, ‘La rosa oriental’, ‘El paralítico’, ‘Así fue’, ‘Parampampam’, ‘Lo que fue no será’, ‘Que te pedí’ y ‘El cuarto de Tula’. Una vez los músicos, dirigidos por Algarín, culminaron su intervención Alain Pérez hizo su entrada triunfal.

El cantante, bajista, guitarrista, percusionista, pianista, director de orquesta, arreglista y productor musical había estado en Puerto Rico en un puñado de ocasiones como músico de acompañamiento de artistas de la talla de Issac Delgado y de Chucho Valdés, por mencionar algunos. Claro que esta vez llegó en calidad de solista y con contundencia, a ritmo de ‘El cuento de la buena pipa’. Ya en escena el guajiro, que confesó en entrevista haberse «convertido al flamenco», demostró sentirse en casa mientras cantó, bailó, guarachó, tocó el bajo, soneó y rumbeó. Una vez Alain y su orquesta calentaron el lujoso recinto, que lucía desbordado de público, el virtuoso multiinstrumentista interpretó temas como ‘ADN’, ‘El sabor de mi rumba’, ‘Amor fugaz’, ‘Son con moña’, ‘Hablando con Juana’, ‘Shorcito’, ‘Modo avión’, ‘Batilongo’, ‘La lámpara’, ‘Pa’ to’ la vida’, ‘La moneda’, el tema que le da título a su más reciente producción: ‘Bingo’, ‘Andaba solo’ -a dúo con El Caballero de la Salsa, Gilberto Santa Rosa-  y ‘Pistolero’, este último solicitado a gritos por la elegante concurrencia.

Alain Pérez acompañado de su bajista Mauro Cabrejas
Alain Pérez acompañado de su bajista Mauro Cabrejas

Gilberto se unió a Alain para cantar a dúo ‘Andaba solo’, no sin antes darle la «bienvenida a esta bestia de la música, con quien tuve la oportunidad de grabar y a quien tuve la oportunidad de conocer en persona hace poco», haciendo la salvedad de que musicalmente ya lo conocía, añadiendo que cantarían «sin ensayo, pero con cariño».

Durante el show, el músico que se autodefine como guajiro, sonero, guarachero y rumbero, entregó fusiones características de la gran contribución de Alain a la música latina, dentro de las vertientes afrocubanas influenciadas por su exposición al folklor hispano. Pérez fue construyendo el espectáculo, valiéndose de un repertorio variado, que incluyó salsa, timba, son y bolero en interesantes fusiones. Acompañándose de su agrupación -compuesta por Mauro Cabrejas, Josué Puig, Roberto Medina, Víctor Oliva, Alejandro Sosa, Robelis Arévalo, Julio Puig, Yunnier Stoker, Cristhian Díaz, Darío Andrés, Alejandro Fernández e Isaac Cambar- Alain Pérez cumplió con lo que prometió: «una noche llena de sabor, ritmo y energía caribeña».

Alain Pérez y su orquesta
Alain Pérez y su orquesta

Desde que Alain dio por iniciado el bailable, la energía no mermó. El público conectó con el artista y con el ser humano, quien visiblemente emocionado agradeció en repetidas ocasiones «por el cariño recibido y la nobleza percibida», agregando que desde que pisó suelo boricua ha «sentido mucha paz» y que va a tener que comprarse «un ranchito aquí».

Con la función de Puerto Rico, Alain cerró con éxito rotundo su primera gira en solitario por Estados Unidos. Esa era la idea. Acá en Borinquen bella, el público -a la vez que es exigente- se asegura de que el artista sienta el amor y el respeto con el que se le recibe y se le celebra. ¡Enhorabuena!

Cubanísimo
Cubanísimo

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Bella Martinez PR

Publicado en: 2025, Artistas, Clubes, Julio, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Un argentino con sabor a Cuba, dijo Rogelio Martínez a Carlos Argentino, el Rey de La Pachanga

25 junio, 2025 by Augusto Felibertt

El 23 de junio de 1929, en Buenos Aires, Argentina, nació Israel Vitenszteim Vurm, más conocido en el ambiente musical como “Carlos Argentino”.

Fue un excelente cantante argentino de música tropical que formó parte de la banda cubana Sonora Matancera. También fue conocido en el argot musical como «El Rey de la Pachanga».

Un argentino con sabor a Cuba, dijo Rogelio Martínez a Carlos Argentino, el Rey de La Pachanga Imagen Discogs
Un argentino con sabor a Cuba, dijo Rogelio Martínez a Carlos Argentino, el Rey de La Pachanga Imagen Discogs

Nacido en el barrio porteño de La Paternal, sus padres se dedicaban a la confección textil, y desde sus primeros años mostró un espíritu emprendedor. A pesar de pertenecer a una familia acomodada social y económicamente, se desempeñó como vendedor callejero, vendiendo diarios, revistas y hasta café en los tranvías y en los hipódromos.

Haciendo caso omiso a los deseos de sus padres sobre su futuro profesional, se lanzó al ruedo del canto bajo el seudónimo de Carlos Torres. En 1946, con tan solo diecisiete años, viajó a Brasil con una orquesta desconocida. Los problemas no se hicieron esperar, ya que tuvo que pedir la intercesión del embajador de Argentina para regresar a Buenos Aires, con la intención de dedicarse al estudio de la medicina en la Universidad Otto Krausse, como era deseo de sus padres.

Estando allí, hizo su servicio militar obligatorio y, al culminar este, volvió al ruedo musical, abandonando definitivamente su carrera profesional. Se incorporó a las orquestas de Luis Rolero y la de Raúl Marengo, realizando presentaciones en Perú y Chile. Luego viajó a Colombia con la orquesta de Efraín Orozco. Algo muy curioso pasó en dicho viaje: había un cantante colombiano llamado Carlos Torres, y para poder diferenciarse, se agregó su patronímico, quedando como Carlos Torres Argentino, para luego consagrarse artísticamente como Carlos Argentino.

Carloa Argentino También fue conocido en el argot musical como «El Rey de la Pachanga».
Carloa Argentino También fue conocido en el argot musical como «El Rey de la Pachanga».

También viajó en 1952 a La Habana, donde trabajó con las orquestas de Felo Bergaza, Arnoldo Nalli y Julio Cuevas. Estudió canto con el profesor italiano Eduardo Bonessi.

En junio de 1954 visitó Bogotá, y en diciembre viajó a Medellín. En febrero de 1955, la Sonora Matancera (de Cuba) hizo una gira por Colombia. Se encontraron en el Teatro Colombia, de Bogotá. Según el mismo Carlos, Rogelio Martínez, director de la Sonora, le preguntó si provenía de Cuba, y Carlos respondió: «¡Yo soy argentino!». Martínez le replicó: «¡Pues tú eres un argentino con sabor a Cuba, te tienes que montar en el vehículo!». «¿Qué vehículo?», le preguntó Carlos. «¡El nuestro!», le respondió don Rogelio y le propuso viajar a La Habana, a lo que él accedió.

Luego de varios meses de ensayo, el 17 de agosto de 1955 grabaron su primer disco de 78 RPM. Su primer sencillo fue el bolero-tango «Una canción» (de Aníbal Troilo), y en el otro lado la guaracha «Las muchachas caraqueñas» (de Billo Frómeta). Más tarde, grabaría otros temas como: «Ave María Lola», «El solterito», «Cuartito 22», «¡Ay, cosita linda!», «Un poquito de cariño», «Tu rica boca», «En el mar», «Boquita golosa», «El novio celoso», «Apambichao», «Lamento náufrago» y «La mamá y la hija», entre otros; además de los boleros: «Alma Vendida», «No pidas más perdón», «El amor no existe», «Cruel indiferencia» y «Cuando tú seas mía».

El Rey de la Pachanga
El Rey de la Pachanga

Con la Sonora Matancera, viajó por toda América Latina y permaneció en la agrupación hasta noviembre de 1959. En 1960 abandonó Cuba y viajó a México. Tras esto, en 1961, regresó a la Argentina, donde fue recibido con júbilo. Volvió a radicarse en su barrio natal de La Paternal, en Buenos Aires.

Como destacado turfman, se hizo propietario de varios caballos pura sangre, a los cuales bautizó con nombres de sus temas musicales: «Pachangueando», «La Espumita» y «El Manotón». Aparte de la hípica, Carlos fue aficionado al fútbol y simpatizante del club de su barrio: Argentinos Juniors (club que vio nacer a Diego Armando Maradona), y de Boca Juniors, al que dedicó la «Pachanga de Boca», festejando el título que obtuvo el equipo «Xeneize» en 1962, y el disco Somos la mitad más uno, celebrando el campeonato Metropolitano del Boca de Maradona en 1981. Dedicó también canciones a otros equipos, por ejemplo, al «Equipo de José» (el Racing campeón de 1966-67); el que grabó en ocasión de consagrarse Estudiantes de la Plata campeón del mundo en 1968, con la dirección técnica de Osvaldo Zubeldía; o a Chacarita Juniors (campeón Metropolitano de 1969), entre otros.

A lo largo de su vida llegó a residir además de Cuba en Colombia, México y Venezuela, donde actuó en 1978 como cantante de la orquesta Los Solistas de Renato Capriles, y participó en sus dos primeros LP, pero siempre regresaba a su Argentina.

En una tarde para el recuerdo, el 1 de julio de 1989, se reencontró con la Sonora Matancera en el Central Park de Nueva York, para celebrar con sus viejos compañeros de grabación los 65 años de la agrupación. En esa ocasión compartió escenario con Celia Cruz, Daniel Santos, Vicentico Valdés, Welfo Gutiérrez, Leo Marini y Nelson Pinedo, entre otras figuras.

Argentino El Rey de la Pachanga con La Sonora Matancera
Argentino El Rey de la Pachanga con La Sonora Matancera

Fue la última vez en que sería visto en presentaciones, ya que el 20 de junio de 1991 falleció de un infarto al miocardio, mientras presenciaba una carrera de caballos en Buenos Aires. ¡Que en paz descanse y gloria eterna para él!

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Dj. Augusto Felibertt

Los Mejores Salseros del Mundo

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La Noche que Héctor Lavoe: “El Cantante de los Cantantes” se negó a complacer a Pablo Escobar

25 junio, 2025 by Augusto Felibertt

1 de enero de 1981. El aire estaba impregnado del aroma de un nuevo año, pero para Héctor Lavoe, diferenciaba mucho de ser una celebración.

La Noche que Héctor Lavoe: “El Cantante de los Cantantes” se negó a complacer a Pablo Escobar
La Noche que Héctor Lavoe: “El Cantante de los Cantantes” se negó a complacer a Pablo Escobar

Recordamos cuando Pablo Escobar quiso que la orquesta de Héctor Lavoe siguiese con su presentación durante una fiesta de Año Nuevo en Medellín.

El incidente en el que Héctor Lavoe se negó a seguir cantando el tema «El Cantante» para Pablo Escobar,

Esto no es solo un rumor; es una anécdota escalofriante que ha cimentado su lugar en la historia de la música. Fue una noche en la que el Rey de la Impuntualidad el Cantante de los Cantantes se enfrentó al Rey de la Cocaína y vivió para contarlo.

La huida.

La historia comienza con un encuentro frenético relatado por un cronista colombiano, Juan José Hoyos, quien lo escuchó directamente de un taxista.

Pasada la medianoche, un hombre, impecablemente vestido con un traje pero descalzo, apareció de repente a un lado de la carretera.

Estaba claramente aterrorizado, y el conductor, incapaz de ignorar su angustia, se detuvo.

El hombre, despeinado y sin un dólar, suplicó que lo llevaran a su hotel. Explicó que había estado cantando en una fiesta de «mafiosos» y que las cosas habían tomado un giro oscuro. «Me llamo Héctor Lavoe», susurró el cantante.

Héctor Lavoe: “El Cantante de los Cantantes”
Héctor Lavoe: “El Cantante de los Cantantes”

El taxista se mostró escéptico. «Tendrás que cantar ‘Yo Soy El Cantante’ si quieres que te lleve al hotel», lo desafió.

Héctor, ya dentro del taxi, se erizó. «¡Amigo, por eso estoy en este lío! ¡Uno de esos tipos me hizo repetir esa canción como diez veces, amenazándome con una pistola! ¡Me harté y le dije a la orquesta: ‘¡No canto más, apaguen los equipos!'».

El conductor insistió, recordándole al pequeño hombre de traje que le estaba haciendo un favor. Entonces, una voz, etérea e inconfundible, llenó el taxi:

«🎵 Yo soy el cantante / que hoy han venido a escuchar / lo mejor del repertorio a ustedes voy a brindar. / Y canto a la vida / de risas y penas / de momentos malos / y de cosas buenas. 🎵«

No había duda. Era Héctor Lavoe.

La terrible experiencia, corroborada

Lo que podría haberse descartado como otro cuento de taxistas cobró una escalofriante veracidad cuando los miembros de la banda de Lavoe corroboraron la historia.

Eddie Montalvo, el conguero del grupo, recordó vívidamente la noche. El concierto con Pablo Escobar había sido arreglado por Larry Landa, un promotor musical con profundos lazos con el mundo de las drogas. El contrato estipulaba que tocarían hasta las 2 de la madrugada, pero Escobar tenía otros planes, exigiendo que continuaran hasta las seis de la mañana.

Eddie Montalvo
Eddie Montalvo

«Cuando eran las dos de la mañana, Héctor le dijo a la banda que parara», relató Montalvo. «El organizador los amenazó a punta de pistola para obligarlos a seguir cantando. Quería que Héctor repitiera el tema ‘Yo Soy El Cantante'».

En medio del caos, el legendario cantante de salsa Ismael Rivera, quien también estaba presente, se enfrentó valientemente a los agresores. Incluso los guardaespaldas se involucraron. Finalmente, Lavoe y sus músicos fueron encerrados en una pequeña habitación por el resto de la noche.

El Sonero Mayor Ismael Rivera
El Sonero Mayor Ismael Rivera

Después de una hora, en un movimiento desesperado, Héctor rompió una ventana. Con la ayuda de los otros músicos, se deslizaron uno por uno en la oscuridad, dejando sus instrumentos atrás, consumidos por el miedo. «Durante treinta minutos se resbalaron y cayeron hasta llegar a la carretera», reveló Montalvo.

Y así fue como Héctor Lavoe terminó en ese taxi, en una fría mañana de enero de 1981.

Una extraña resolución

Pero la saga no terminó ahí. Al día siguiente, un individuo misterioso visitó a Héctor y su banda en su hotel. Les entregó un cheque, les devolvió sus pasaportes confiscados y los instrumentos retenidos, y les ofreció una sorprendente disculpa.

Reseña de la Epoca (Flash)
Reseña de la Epoca (Flash)

Este dramático incidente sigue siendo un crudo recordatorio del mundo volátil en el que navegó Héctor Lavoe y de su inquebrantable espíritu frente a un peligro inmenso.

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