Enero

Crítico musical y fotoperiodista Ricky Ricardo nos describe su trabajo de los últimos 35 años

16 diciembre, 2025 by Karina Garcia

Ricky Richardson, mejor conocido como Ricky Ricardo, es uno de esos importantes personajes a los que hay que prestar atención debido al gran aporte que hacen a la música latina, aunque no sea del todo apreciado por el público. El fotógrafo, escritor y crítico musical nacido en Tampa nos ha hecho el honor de conversar con nosotros sobre su carrera y experiencia cubriendo eventos relacionados con la cultura y la música latina, así que invitamos a nuestros lectores en este inicio de año nuevo a disfrutar de las revelaciones de nuestro talentoso invitado.

Ricky en la entrada del festisval — Ricky Richardson en la entrada del New Orleans Jazz & Heritage Festival

Cómo Ricky se inició en la cobertura y crítica a eventos musicales y culturales de origen latino

Primero que todo, Ricky agradeció por la entrevista y prosiguió a contar que se inició como fotógrafo en un periódico local conocido como California Crusader News. Con el tiempo, sus superiores le solicitaron que comenzara a escribir artículos, los cuales acompañarían su trabajo fotográfico, lo que dio lugar a reseñas musicales producto de su asistencia a muchísimos eventos y festivales a lo largo y ancho de Los Ángeles y hasta más allá.

Su trabajo también incluía reunirse con editores de periódicos y revistas que siempre andaban buscando contenido para sus propias publicaciones, lo que llevó a Ricky a enviar críticas y fotos a todo tipo de publicaciones.

Grandes publicaciones con las que Ricky ha trabajado

Entre las publicaciones más importantes con las que Ricky ha llegado a colaborar, podemos mencionar a Latin Beat, que era el principal medio de comunicación relacionado con la música afrocubana. El fotógrafo se reunió muchísimas veces con Rudy e Yvette Mangual en diversos conciertos y festivales. Se llegaron a encontrar tras bastidores en el Hollywood Bowl del Blue Note Jazz Festival, evento que él cubrió junto con todos los artistas que allí se presentaban.

Del mismo modo, también cubrió eventos en otras partes de Estados Unidos como el New Orleans & Jazz Heritage Festival y el French Quarter Fest.

Kathy, Lázaro y Nelson. Foto tomada por Ricky — Kathy “La Rumbera” Diaz, Lázaro Galarraga y Nelson Rodriguez (Foto tomada por Ricky Richardson)

En el caso de Vidasalsera, Ricky escuchó por primera vez ese nombre de boca de un músico en un festival puertorriqueño en Long Beach mientras que solía coincidir en muchos lugares con el fotógrafo y videógrafo de este medio, Cal Sakaniwa. Fue entonces cuando contactó a la administradora web de Vidasalsera.com Dena Burroughs y comenzó a proveerle galerías fotográficas a su website, a pesar de que nunca se conocieron en persona.

Qué enamoró a Ricky de la música afrocubana

Durante su niñez y juventud en Tampa, Ricky estuvo muy expuesto a latina debido a la enorme cantidad de población cubana que vivía en el área de Ybor City y tanto él como varios de sus amigos solían frecuentar muchos lugares y tiendas donde sonaba esta música.

El momento en el que el joven escuchó la música afrocubana por primera vez en las estaciones radiales KACE y KKGO (hoy en día conocida como KJAZZ) fue un punto de no retorno para él. Ese amor por este tipo de música se vio ampliamente reforzado por programas como Alma Del Barrio, Jazz on the Latin Side, Canto Tropical, Groove Time y Canto Sin Fronteras. Eso sin contar que muchos artistas internacionales se la pasaban ofreciendo conciertos en locales y festivales.

Eventos cubiertos por Ricky hasta la fecha

A lo largo de su carrera como fotógrafo, Ricky cubrió una enorme cantidad de eventos entre los que podemos mencionar el Long Beach Jazz Festival, el Monterey Jazz Festival, el Central Avenue Jazz Festival, Los Angeles Street Scene, el San Diego Street Scene, el Simon Rodia Watts Towers Jazz Festival, el Watts Towers Day of The Drum Festival, el Cuban-American Festival, el Puerto Rican Festival y muchos otros más.

Cuando quisimos conocer qué experiencias había podido vivir en esos lugares, nos respondió que se sentía muy honrado de haber podido compartir con artistas establecidos y emergentes de una gran variedad de eventos durante los últimos 35 años. También se siente muy afortunado de haber podido presenciar tan maravillosas presentaciones de artistas que siempre lo saludan y le dedican cálidas sonrisas siempre que se lo encuentran.

Dionne, Mónica y James. Foto tomada por Ricky — Concejal Dionne Faulk, Monica Bracho, Alcalde James T. Butts Jr., Concejal, and Brendt Stallings, Director Ejecutivo y Jefe de Inversiones-Inglewood Park Cemetery (Foto tomada por Ricky Richardson)

Alma Del Barrio Fest 2025

Ricky nos contó que tuvo el honor de asistir a la primera y segunda iteración del Alma Del Barrio Salsa Festival, el cual se llevó a cabo en distintas ubicaciones del campus de la Loyola Marymount University. Los posibles asistentes se entusiasmaron mucho con el actual lugar elegido por la organización para hacer el evento que es Lawton Plaza con el anfiteatro, la disposición de asientos, la abundancia de grama y la pista de baile.

‘‘Un detalle que a mi me gusta mucho de este festival es que mucha gente tiene la oportunidad de conocer y saludar a los conductores del programa Alma Del Barrio en persona. También me agrada que el Alma Del Barrio Salsa Festival atrae a muchas generaciones de salseros que son diversas, multiculturales y provenientes de todos los ámbitos de la vida’’ dijo Ricky sobre este tema.

Por qué Ricky se retiró el año pasado

El año pasado, finalmente Ricky tomó la decisión de retirarse de la crítica musical y la fotografía luego de haber cubierto la escena musical latina por tantos años con el fin de permitirle a las nuevas generaciones de talentosos periodistas tomar el relevo y mantener a la música afrocubana viva.

En la actualidad, busca oportunidades para trabajar en relaciones públicas y marketing relaciones con eventos deportivos que se estarían realizando en los próximos tres años así como la NBA All-Star Weekend, La copa Mundial de la FIFA, el Super Bowl y los Juegos Olímpicos.

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El Cajón a lo largo de la historia

11 diciembre, 2025 by Karina Garcia

Siempre quienes tienen el protagonismo en escena son los artistas principales que ejecutan un show, pero no se habla suficientemente de los instrumentos que los acompañan, los cuales son una parte fundamental de la música tal cual como la conocemos y la disfrutamos. Uno de esos es el cajón, el cual tienen un origen muy interesante y no exento de cierta polémica, por lo que hay ciertas consideraciones que hacer al respecto

Así es el cajón — Así es como el cajón luce hoy en día

Qué es el cajón

El cajón, también conocido como cajón paruano o cajón flamenco, es un instrumento musical de percusión que consiste en una caja de madera sobre la que el músico debe sentarse y golpear con sus dedos y palmas para producir los sonidos deseados en el momento, ya sean graves o agudos. Hay ciertas ocasiones en las que se usa como una imitación de la batería y ha ganado popularidad en el jazz, el flamenco y algunos géneros latinos.

Una de las razones por las que es tan preferido es por su versatilidad, transportabilidad y facilidad para ser tocado incluso si el músico no cuenta con mucha experiencia. Por lo mismo, muchos prefieren su uso al de la batería, que es mucho más grande y aparatosa en ciertos casos.

Origenes del cajón

Lo que se sabe hasta el momento del orígen del cajón es que, a finales de la colonización española, los esclavos provenientes de África con destino a América no tenían permitido usar sus tambores debido a que la Iglesia Católica los veía como herramientas pecaminosas y paganas. Eso sin contar que los prisioneros también usaban dichos tambores para tener comunicación entre ellos, razón por la cual los españoles los bautizaron como tambores parlantes.

Esto llevó a que los ya mencionados instrumentos y varios de sus músicos fueran incinerados. Eso sin mencionar que se quería evitar el toque de canciones negras que mandara mensajes sobre la esclavitud a través de sus melodías.

Para inicios del 1800, no había ni un solo registro de que el tambor hubiera existido en lo que hoy en día conocemos como Perú y cualquier documento virreinal que tuviese alguna referencia al respecto desapareció. Sin embargo, de lo que sí hay constancia es de la aparición de un tal cajón a partir de 1840 y se cree que los primeros en usarlo fueron los afroperuanos.

Fiesta de Amancaes con cajón — Retrato del pintor alemán Mauricio Rugendas con motivo de la “Fiesta de Amancaes”

Los Afroperuanos engloban a un conjunto de etnias africanas que, al no poderse expresar con música como antes lo hacían, no les quedó de otra que buscar otros implementos con los cuales poder hacerlo. Entonces, vieron en los cajones de madera destinados a transportar mercancía una forma de hacer percusión y, de este modo, continuar honrando sus ritos sagrados y tocando su música.

En un inicio, los cajones se usaban para tocar danzas costeñas y bailes típicos de las costas peruanas al centro y norte del país, lo cual fue popularizándolo poco a poco. También se empezó a usar para tocar la ‘‘Fiesta de Amancaes’’, una festividad de origen limeño que se celebraba durante la época del Virreinato. Dicho evento, por lo general, reunía a los hacendados criadores de caballos, artesanos y músicos bohemios provenientes del norte y el centro.

Llegada del cajón a España

Muchísimos años después, más concretamente en el año 1977, el cajón llegó a tierras europeas y fue el compositor y guitarrista de flamenco español Paco de Lucía quien descubrió el instrumento durante una gira por Latinoamérica al asistir a una recepción organizada por el embajador de España en aquel entonces. En aquella ocasión, Paco escuchó al músico brasilero Rubem Dantas tocarlo durante un show de la cantautora Chabuca Granda, dejándole claro al instante que esos sonidos combinaban muy bien con la percusión del flamenco, la cual se hacía solo con las palmas desde siempre, aunque no eran tan consistentes y precisas como se necesitaba. Esto el cajón lo lograba sin ningún problema.

Es por lo anterior que Paco decidió transportar el cajón a su país y solo le añadió unas cuerdas interiores para adaptarlo y matizar un poco sus sonidos, convirtiéndose así en uno de los elementos más importantes de un show flamenco en la actualidad. Tanto Paco como Rubem decidieron estrenarlo en un concierto al aire libre en el Parque de Atracciones de la Casa de Campo de Madrid y el instrumento peruano fue un éxito total, siendo este el inicio de su adición a los shows de los guitarristas flamencos.

En su momento, Paco aseguró que este aporte a la cultura flamenca del país lo enorgullecía muchísimo y con mucha razón, ya que fue una gran revolución que aún sigue dando sus frutos.

Paco de Lucía tocando un solo de guitarra

El cajón en la actualidad

Hoy en día, el cajón flamenco tiene tres tornillos que le permiten a su músico graduar el tono y un sistema de cuerdas que le otorga una resonancia distinta al peruano y le permite una gama de muchos sonidos distintos en los que el cuerpo del músico tiene un rol muy importante. La versión peruana sigue siendo la más tradicional de todas porque no lleva cuerdas y sus sonidos son más profundos, mientras que la versión española incorpora las cuerdas o bordones con el fin de lograr sonidos más rasgados y vibrantes.

También hay otras versiones más modernas que incluyen el uso de baquetas y pedales para expandir su rango sonoro mucho más.

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Toña La Negra El Terciopelo Inigualable de la Canción Tropical

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

Un 19 de noviembre de 1982, en Ciudad de México, falleció Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, mejor conocida como “Toña La Negra”.

Fue una destacada cantante y actriz mexicana de origen africano, famosa por sus interpretaciones de boleros y canciones tropicales del compositor Agustín Lara, quien la consideró «la más grande cancionera de todos los tiempos» por su «estilo personalísimo», «la fuerza de su expresión y el terciopelo de su garganta privilegiada».

Toña La Negra El Terciopelo Inigualable de la Canción Tropical

Antonia Peregrino nació en la ciudad de Veracruz, en el barrio de La Huaca, el 2 de noviembre de 1912.

Su padre, don Timoteo Peregrino Reyes, tocaba la guitarra y trabajaba como abridor de las cajas que llegaban al puerto; fue, además, uno de los fundadores del Gremio de Cargadores y Abridores de Comercio del Puerto de Veracruz.

Su madre, doña Daría Álvarez Campos, cantaba en las reuniones familiares.

Su abuelo paterno, don Severo Peregrino, era haitiano, y había emigrado a México en el siglo XIX.

Para 1927 ya se había casado con Guillermo Cházaro Ahumada, quien la llevó a Ciudad de México con su primer hijo, de solo cuarenta días de nacido.

El 16 de julio de 1929 debutó en el cabaret El Retiro y, haciendo temporada en ese lugar, donde se la conocía como la Peregrina, la conoció don Emilio Azcárraga Vidaurreta, quien fue, junto con Enrique Contel, quien la bautizó como Toña la Negra.

Un 19 de noviembre de 1982, en Ciudad de México, falleció Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, mejor conocida como “Toña La Negra”

Empezó a ser reconocida con su interpretación de la canción “Enamorada” de Agustín Lara, quien también produjo para ella temas como “Lamento Jarocho”, “Veracruz”, “Noche criolla”, “Oración Caribe”, “Palmera”, “La clave azul” y “La cumbancha”, que presentaron juntos en una revista musical en el Teatro Esperanza, en diciembre de 1932, con tanto éxito que debieron prolongar sus presentaciones por mucho tiempo.

Su tono de voz era más bien grave, con un sonido aterciopelado y redondeado, e impecable técnica vocal, característica que se convirtieron en su sello interpretativo.

Azcárraga la incorpora al elenco de la emisora XEW, donde se presentaba a veces acompañada por Lara y otras por la orquesta de Alfredo Girón.

Poco después empiezan sus fastuosas presentaciones en el Teatro Politeama, frente a las Vizcaínas y al lado de la calle San Juan de Letrán.

Sus grabaciones para el sello RCA Victor constituyen uno de los más preciosos legados musicales en la historia del bolero.

Uno de los primeros discos que grabó para este sello contiene el tema «El cacahuatero»; esta grabación data de la década de los treinta. Para RCA Víctor, grabó varios discos de larga duración, entre ellos Caleidoscopio musical con Toña la Negra, Noche criolla, vol. II y La sensación jarocha, vol. III.

A mediados de los sesenta, firmó un contrato de exclusividad con Discos Orfeón, donde grabó los últimos álbumes de su carrera.

“Este amor salvaje”, “Por qué negar”, “Obsesión”, “Mentiras tuyas”, “Y sin embargo te quiero”, “Noche criolla”, “Pesar”, “Vereda tropical”, “Cada noche un amor”, “Angelitos negros”, “Lágrimas de sangre”, “Estás equivocado”, “De mujer a mujer”, “Como golondrinas”, “Diez años” y “Cenizas” son algunos de sus títulos de éxito que grabó en más de 75 discos LP, algunos de ellos para el sello Peerless. Ya famosa durante muchísimos años, llegó a grabar dos canciones con la legendaria Sonora Matancera en 1974.

En los últimos años, con algunos achaques de salud, se fue retirando de los escenarios y grabaciones.

Toña la Negra llevó siempre una vida personal muy reservada. Con su primer marido, el músico Guillermo Cházaro Ahumada, tuvo tres hijos: Ramón (n. 1932), Guillermo (n. 1933) y Ernesto (1935-1979). Toña y Cházaro Ahumada se separaron en 1945.

Posteriormente, en 1955, se casó de nuevo con el bajista veracruzano Víctor Ruiz Pazos, conocido como «Vitillo». Este matrimonio duró hasta 1963. En una entrevista, Ruiz Pazos habló acerca de las cualidades artísticas de Toña:

Su entrega, su sentimiento a la hora de cantar, su estilo, su forma de hacerlo, musicalmente cómo decía las cosas; he vivido mucho, he escuchado muchas cantantes fabulosas pero ninguna le llega a Doña Toña.

El cineasta alemán Christian Baudissin realizó un documental sobre Toña la Negra para televisión en 1993 con entrevistas con su exmarido el músico Vittillo (Víctor Ruiz Pazos) y otros artistas que la conocieron en vida.

Colaboradores:

Los Mejores Salseros del Mundo

Dj. Augusto Felibertt

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Son 14 La Historia de la Orquesta y el Éxito de «A Bayamo en Coche»

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

La orquesta Son 14 se fundó en Santiago de Cuba en 1977 por el vocalista Eduardo «El Tiburón» Morales (nacido en Cuba en 1935) y el pianista y director musical Adalberto Álvarez.

Como su nombre indica, es una agrupación de 14 músicos dedicada a interpretar el son, el género musical nacional de Cuba. En 1978, se unió al grupo Lázaro Rosabal (nacido en Santiago de Cuba en 1953).

Rápidamente, grabaron varios discos para el sello local EGREM, muchos de los cuales se convirtieron en éxitos de ventas en toda Latinoamérica, lo que les permitió realizar extensas giras por América y Europa.

En 1992, el cofundador Álvarez dejó la banda para formar su propio grupo. Sin embargo, Son 14 continuó su trayectoria bajo la dirección musical de Rosabal.

Además de su continuo éxito en el mercado latino, la banda comenzó a ganar reconocimiento internacional, primero con la canción «El Son De La Madrugada», incluida en el recopilatorio Cuba – Fully Charged (Earthworks Records, 1993), y luego con el lanzamiento de Son – The BIG SOUND (Tumi Records, 1995), una compilación de su material de la época de Álvarez.

Tras presentar al público no latino la versión moderna y vibrante del son y sus variaciones («son montuno», «bolero son», etc.), Tumi Records les encargó una nueva grabación en los estudios EGREM de Cuba.

Publicado en 1996 como parte de la serie Cuba Explosion, el álbum Cubanía demostró que la banda no había perdido ni un ápice de su talento y energía musical bajo la dirección de Rosabal. Tres años después, el grupo lanzó La Máquina Musical, que incorporó ritmos tropicales colombianos a su sonido, promocionando el álbum con una gira europea que incluyó una actuación en el Festival Cuba Presente en el Barbican Centre de Londres. (Fuente: allmusic)

El Hito de «A Bayamo en Coche»

En 1979 se publicó el álbum A Bayamo en Coche, cuyo mayor éxito fue, precisamente, el tema que le da nombre.

El primer corte del disco, compuesto y arreglado por el camagüeyano Adalberto Álvarez, lo transformó en una de las principales figuras de la música popular bailable cubana desde ese mismo año.

La canción «A Bayamo en coche» no solo rescata el son tradicional y lo enriquece con otras sonoridades, sino que también recrea artísticamente una tradición arraigada en Bayamo, la cuna de la nacionalidad cubana. En esta ciudad, los coches (carruajes) se utilizan para pasear y recrearse, y la letra de la canción relata esos momentos.

El álbum contenía otros temas que sonaron muchísimo en Cuba entre 1978 y 1980, como «Calle Enramada» (una elegía sonera a esa arteria santiaguera), «El Son De La Madrugada» (con una hermosa versión posterior a cargo de Omara Portuondo), «Se quema la trocha» y «Elena la cumbanchera», lo que convirtió al disco en un hito dentro de la música cubana de este género. La mayor parte de los temas fueron interpretados por Tiburón Morales, el solista de la agrupación.

Homenaje a El Caballero del Son

Recientemente, se rindió homenaje al fundador de Son 14, Adalberto Álvarez, conocido como «El Caballero del Son», con un concierto en el teatro Karl Marx. Este evento celebró sus 46 años de carrera musical y los 35 años de la fundación de su orquesta posterior, Adalberto Álvarez y su Son.

El concierto fue un memorable homenaje a la obra del autor de «A Bayamo en coche». Se interpretaron algunos de sus mejores temas en las voces de destacados músicos cubanos:

Septeto Santiaguero (Son para un sonero)
Pancho Amat y Alain Pérez (Tu fiel trovador)
Alexander Abreu (Pura imagen)
Paulo F. G. (Fin de semana)

En otros momentos, Frank Fernández acompañó a dúo las voces de Adalberto Álvarez y Jorge Luis Rojas, «Rojitas», en Santa Cecilia. Además, Rojitas cantó con Tania Pantoja (Vivir lo nuestro) y en solitario (Y qué tú quieres que te den). Robertón y Lele, vocalistas de Van Van, interpretaron Agua que cae del cielo, mientras que la orquesta Adalberto Álvarez y su Son se encargó de De Cuba pa’l mundo entero, Son de la madrugada y Los caminos de Ifá.

En La Sala Show “El Saraito” Adalberto Álvarez (R.I.P) Fundador, Director. Arreglista y Pianista del Son 14 de Cuba, Dj. Augusto Felibertt y Vicente López

Esa noche, el maestro José Luis Cortés destacó la calidad musical de Álvarez, concentrándose específicamente en «A Bayamo en coche», el tema que en 1979 anunció al público la existencia de un gran artista. Álvarez fue capaz de llevar el son a las escuelas de arte cubanas y ha defendido con altura y arte el son cubano, sin renunciar a la esencia de uno de los géneros musicales bailables que mejor representa la idiosincrasia cubana. (Fuente: Joel del Río, cibercuba)

Detalle del Álbum «A Bayamo En Coche» (1980)

No.	Tema	Género	Compositor
01.	A Bayamo En Coche	Son	Adalberto Álvarez
02.	El Son De La Madrugada	Son guaguancó	Adalberto Álvarez
03.	Se Fue Mi Amor Y No Lo Vi Partir	Bolero son	Adalberto Álvarez
04.	Calle Enramada	Son	Pedro Gómez
05.	Elena La Cumbanchera	Son	Gerardo Martínez
06.	Se Quema La Trocha	Bachata-Son	Adalberto Álvarez
07.	Tal Vez Vuelvas A Llamarme	Son montuno	Adalberto Álvarez
08.	Gimen Las Rosas Por Una Triste Ilusión	Bolero	Adalberto Álvarez
09.	Vamos, Háblame Ahora	Bachata-son	Adalberto Álvarez

Músicos que participaron en la grabación (1979):

Director, Piano acústico, Teclados: Adalberto Álvarez
Voz, Percusión menor: Eduardo «El Tiburón» Morales, Héctor Wedderbron, Daniel Carmenates
Bajo: Jorge Machado
Guitarra: Efisio Barroso
Trompeta: Eduardo Sánchez, Guillermo Femández, José Fernández, Dagoberto Rodríguez
Trombón: Lázaro Rosabal
Tumbadora: Ubaldo Canes
Bongó, Cencerro: Guillermo Viera

Grabado en: Estudios EGREM (1979)

Colaboradores:

L’Òstia Latin Jazz

Dj. Augusto Felibertt

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Compay Segundo El Patriarca Eterno del Son Cubano

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

Máximo Francisco Repilado Muñoz mejor conicido como Compay Segundo (1907-2003) La voz que conquistó el mundo a los noventa.

Máximo Francisco Repilado Muñoz, mundialmente conocido como Compay Segundo, es una de las figuras más emblemáticas y esenciales de la música tradicional cubana.

Nacido el 18 de noviembre de 1907 en Siboney, Santiago de Cuba, su vida fue una dedicación a la música que culminó con una fama global tardía, pero merecida, antes de su fallecimiento en La Habana el 13 de julio de 2003.

Orígenes y Formación Musical

Compay Segundo se crio en un ambiente musical y manual. Su padre, Máximo Repilado, era albañil y un gran amante de la música tradicional santiaguera, mientras que su madre, Caridad Muñoz, aportó una fuerte influencia cultural.

Proveniente de una familia numerosa, su hermano Lorenzo Repilado también fue una figura activa en la escena musical de Santiago.

Sus inicios fueron clásicos para la época. Compay comenzó su carrera como clarinetista en la Banda Municipal de Santiago, consolidando su formación al unirse posteriormente a la Banda del Ejército. En la década de 1930, migró a La Habana, un paso crucial que lo integró plenamente al circuito profesional de la capital.

Compay Segundo se crio en un ambiente musical y manual

Los Compadres y el Nacimiento del Nombre

La etapa que le daría su nombre artístico y una fama nacional fue la formación del Dúo Los Compadres en los años 40 junto a Lorenzo Hierrezuelo.

El Apodo: El nombre «Compay Segundo» surgió porque Máximo Repilado siempre cantaba la voz armónica grave o el «segundo» en la canción, mientras que Hierrezuelo hacía la voz principal. De ahí, el diminutivo afectivo cubano «Compay» (compadre) más «Segundo».
Éxito Nacional: El dúo se convirtió en una sensación en toda Cuba, dejando clásicos inolvidables del son oriental como «Macusa,» «Mi Son Orientál» y la versión temprana de la que sería su canción más famosa: «Chan Chan.»

Compay creó el armónico, un híbrido entre guitarra española y tres cubano, con 7 cuerdas

El Armónico: Su Contribución Instrumental

Una de las contribuciones más singulares de Compay fue la invención del «armónico,» un instrumento que diseñó él mismo. Se trata de un híbrido de siete cuerdas, a medio camino entre la guitarra española tradicional y el tres cubano. Este instrumento le permitía ejecutar bajos, armonía y melodía simultáneamente, creando una sonoridad única que fue la base de su estilo.

El Fenómeno Buena Vista Social Club

Cuando parecía que la carrera de Compay estaba en el ocaso, el destino le tenía reservada la etapa más gloriosa. En 1997, a la edad de 90 años, fue invitado por el músico estadounidense Ry Cooder a participar en la grabación del álbum «Buena Vista Social Club.»

Fama Global: El éxito del disco y el posterior documental dirigido por Wim Wenders lo catapultaron a la fama mundial.
El Himno: Su inconfundible voz y la mágica interpretación del tema «Chan Chan» lo convirtieron en una superestrella internacional, ofreciendo conciertos en los escenarios más prestigiosos del planeta y llevando el son cubano a audiencias de todas las edades.

Legado y Continuidad Familiar

Compay Segundo dejó un repertorio de canciones que son consideradas tesoros nacionales. Entre sus temas más destacados se encuentran «Chan Chan,» «Sarandonga,» «Las Flores de la Vida,» «Orgullecida,» y el popular bolero «Veinte Años,» que él popularizó.

Compay fue padre de al menos nueve hijos. Su legado musical no solo se mantiene vivo a través de sus grabaciones, sino a través de la actividad de sus descendientes:

Basilio Repilado (1954–2012): Fundador y arreglista del Grupo Compay Segundo.
Salvador Repilado: Contrabajista y actual director del Grupo Compay Segundo, el conjunto oficial de giras internacionales.

Además, las generaciones más jóvenes (nietos y bisnietos) como Yohel, Alejandro y Yurisley Repilado continúan la tradición en La Habana con el ensamble “Los Herederos de Compay Segundo,” asegurando que el sonido inconfundible del Patriarca del Son Cubano siga resonando en Cuba y el mundo.

Colaboracion:

Sr. Eduardo Guilarte

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Dámaso Pérez Prado y la Sucesión del «Rey del Mambo»

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

Dámaso Pérez Prado fue un músico, compositor, arreglista y director de orquesta cubano, conocido mundialmente como el «Rey del Mambo».

El 3 de diciembre de 1983, falleció en Milán, Italia, Pantaleón Pérez Prado, un excelente bajista y compositor. Había nacido el 27 de diciembre de 1926 en Matanzas, Cuba.

Inicios y Carrera de Pantaleón

Pantaleón siguió los pasos de su famoso hermano mayor, Dámaso Pérez Prado. A los 18 años formó su primera orquesta, la cual dejó en 1950 para integrarse como contrabajista en la agrupación de Dámaso, a quien acompañó durante algunos años.

También tocó por un corto tiempo en La Habana con la Orquesta de Laito Castro. A mediados de la década de los 50, Pantaleón Pérez Prado se independizó y viajó a Europa, donde dirigió una orquesta de músicos cubanos. Esta agrupación obtuvo gran éxito interpretando los temas que había popularizado Dámaso.

Dámaso Pérez Prado y la Sucesión del Rey del Mambo

La Disputa Legal

En 1956, una disputa entre Dámaso Pérez Prado y su hermano menor, Pantaleón (1926-1983), generó un inusual conflicto legal. Dámaso demandó a su hermano por $500,000 dólares, acusándolo de suplantación de identidad.

En la cultura hispana es común que los hijos reciban los apellidos de ambos padres. En este caso, los nombres de nacimiento de los hermanos eran Dámaso Pérez Prado y Pantaleón Pérez Prado, respectivamente, siendo Pérez el apellido del padre y Prado el de la madre.

En Portugal, el tema que interpretaba Pantaleón, «Mambo del Estudiante», se convirtió en el «himno oficial» de la Universidad de Coimbra. También triunfó en España, Francia e Italia, donde fue presentado como «Pérez Prado, Rey del Mambo», lo que producía una intencionada confusión con su hermano Dámaso.

Dámaso inició acciones legales que concluyeron con la prohibición para Pantaleón de utilizar el título de «Rey del Mambo», al mismo tiempo que se le obligaba a utilizar su nombre completo. Algunos sugieren que, más allá del pleito, hubo un acuerdo tácito entre los dos hermanos, basándose en el hecho de que Dámaso visitó Europa en contadas ocasiones, centrando sus actividades en América, mientras que Pantaleón se radicó definitivamente en Milán.

Confusión en el Nombre y Reaparición del Conflicto

Originalmente, la RCA acreditaba las grabaciones a Dámaso Pérez Prado. Sin embargo, cuando sus discos comenzaron a aparecer en EE. UU., la compañía discográfica acortó su nombre al más aliterado Pérez Prado. En 1955, Dámaso dejó su nombre completo y lo cambió legalmente a Pérez Prado.

Aproximadamente en esa época, Pantaleón, que tocaba el bajo con su propio grupo, se presentó en el teatro Alhambra de París bajo el nombre de «Pérez Prado, el Rey del Mambo». Pantaleón fue posteriormente restringido por orden judicial de hacerse pasar por Pérez.

Sin embargo, las hostilidades se reanudaron cuando un furioso visitante francés llamó al Hollywood Palladium, donde Pérez Prado se presentaba, y le gritó a la gerencia por presentar a un «impostor», alegando que él había bailado con el «verdadero» Prado (en realidad, Pantaleón) en Deauville unas pocas semanas antes.

Dámaso Pérez Prado fue un músico, compositor, arreglista y director de orquesta cubano, conocido mundialmente como el Rey del Mambo.

La demanda que siguió puso efectivamente a Pantaleón fuera de combate, pero el hermano menor tuvo una forma de venganza póstuma. Cuando Pantaleón murió en 1983, un obituario ampliamente difundido fue titulado «Mambo King muere en Milán», lo que llevó a muchas personas a creer (erróneamente) que era Dámaso quien había fallecido.

Trayectoria y Legado de Pantaleón

Pantaleón Pérez Prado se presentó en Grecia y llegó a Irán, por invitación del propio Sha y su esposa, la princesa Soraya. Continuó activo hasta poco antes de su muerte en 1983.

Éxitos Notables de Dámaso Pérez Prado

Los temas más conocidos de Dámaso Pérez Prado incluyen:

«Mambo No. 5»
«Qué rico el mambo» (también conocida como «Mambo Jambo»)
«Mambo No. 8»
«Cherry Pink and Apple Blossom White» (Cerezo Rosa), que fue un éxito número uno en Estados Unidos.
«Patricia», que fue un éxito mundial y se incluyó en la película La Dolce Vita de Federico Fellini.

Legado: Además de sus grabaciones, Dámaso Pérez Prado participó como actor y músico en varias películas mexicanas. Su música fue clave en la popularización internacional del mambo y su estilo sigue siendo influyente en la música latina y el jazz.

Colaboración:

Los Mejores Salseros del Mundo

Dj. Augusto Felibertt

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