Norte America

ISM celebra los nominados a los premios Grammy Latinos 2020.

11 diciembre, 2023 by Agustin Bernales Guilarte

Norte America /USA

Los Premios Grammy Latinos fueron creados para honrar a los artistas de habla hispana. Son otorgados por la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación, creada a partir de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación, una organización estadounidense especializada en música y producción en general. La versión latina se emitió por primera vez en el año 2000, a través de la cadena CBS.

La Academia fue fundada por Michael Greene y Mauricio Abaroa. La primera ceremonia de los Grammy se realizó en 1959. 41 años después se inauguró la versión latina. No se otorgan por popularidad sino por el número de votos recibidos por los miembros de la academia.

El premio a la excelencia en los logros discográficos latinos es un gramófono. Su base es roja y el gramófono es dorado. Por su parte, la estatuilla de “Premios a la Excelencia Musical” cuenta con un gramófono de color cobre. Como podrás imaginar, su creación pasa por un largo proceso, está compuesto por una aleación de zinc y está bañado en oro de 24 kilates.

Próximamente será la Edición Latin Grammy 2020

La ceremonia se lleva a cabo anualmente en los Estados Unidos, en la tercera semana de noviembre. Las ubicaciones han variado a lo largo de los años entre Los Ángeles, Miami, Nueva York, Houston, Las Vegas durante los últimos nueve años y en 2020 regresa a Miami, en el American Airlines Arena.

Los presentadores han sido un auténtico desfile de estrellas: Jennifer López, Gloria Estefan, Antonio Banderas, Lucero, Eugenio Derbez, Patricia Manterola y Ricky Martin, entre otros. En esta oportunidad, el honor recaerá en el dominicano Carlos de la Mota y la polaca, nacionalizada en México, Ludwika Paleta.

El 29 de septiembre se dieron a conocer los nombres de los candidatos a los premios Grammy Latinos.

Entre los nominados están:

Mejor Álbum de Salsa

40 años de poder

Luisito Ayala y La Puerto Rican Power
Record Label: Musical Productions, Inc.

Tentaciones Vol. 1

Charlie Cruz
Record Label: Get Crazy Note, LLC

Grupo Niche
Record Label: PPM USA

Memorias De Navidad

Víctor Manuelle
Record Label: Sony Music Entertainment US
Latin LLC

Un Gallo Para La Historia

Tito Rojas
Record Label: J&N Records, LLC

Algunos de estos nominados pertenecen a JN Music Group, J&N Records y Musical Productions Disquera, empresa que desde hace más de treinta años se ha encargado de producir música latina para todo el mundo. Tito Rojas y Luisito Ayala y La Puerto Rican Power han recibido el apoyo de la discográfica y sus directores están muy orgullosos de sus representantes.

Puerto Rican Power nació en los años 70 de la mano de su fundador Jesús Castro. Posteriormente Luis Ayala, asumió el rol de director y trompetista de la banda. Rápidamente se dieron a conocer, gracias a la participación que tuvieron con grandes del espectáculo como Ismael Miranda, Cheo Feliciano, Héctor Lavoe, entre otros.

La agrupación ha mezclado las raíces del folklore puertorriqueño con su gran actuación en el escenario; dándose a conocer en los Estados Unidos y América Latina. Esta es su primera nominación al Grammy Latino.

Charlie Cruz, un cantante de salsa dominicano, también compite en esta categoría. Ha colaborado con grandes del género como Tito Nieves. Cruz se enorgullece de ser latino y de trabajar con el corazón. Agradeció a su productor, equipo de trabajo y miembros de la academia por su apoyo para llegar a su nominación.

Por su parte, Grupo Niche disfruta de su tercera nominación a los Premios. Representan con orgullo a su país de origen, Colombia. 40, su última producción, hace referencia al número de años transcurridos desde su nacimiento. El álbum fue grabado entre Puerto Rico, Cali y Miami.

Víctor Manuelle participa con su disco “Memorias De Navidad”, buscó rescatar las tradiciones de la época navideña y recordar a dos seres queridos. A principios de 2018 perdió a su padre Víctor Manuel Ruiz y el año pasado a su hermano menor, Héctor Gustavo.

Para finalizar la ronda de nominados encontramos a Tito Rojas, conocido por sus temas de salsa. Comenzó su carrera artística a principios de los años 70. Tiene más de treinta producciones discográficas (una con La Puerto Rican Power). Rojas agradeció a través de sus redes sociales el apoyo a su carrera.

Mejor Álbum de Merengue y/o Bachata:

The Genetics Of Bachata
José Manuel Calderón
Record Label: Baile Records

Bailando Contigo:

Manny Cruz
Record Label: Manny Cruz / La Oreja
Media Group, Inc

Los Conquistadores:

Grupo Manía
Record Label: Mania Music, Inc.

Ahora:

Eddy Herrera

Sello discográfico: Intermusic

Larimar
Daniel Santacruz
Record Label: Penluis Music

Gracias a Diario Libre pudimos saber que los Premios Grammy Latinos estaban evaluando la posibilidad de eliminar esta categoría. Esto, debido a la falta de propuestas presentadas. Esta advertencia activó a los exponentes del género. La academia recibió alrededor de 40 solicitudes. La competencia es muy reñida entre artistas de larga trayectoria y jóvenes que han venido a darle un nuevo aire al género.

José Manuel Calderón es considerado el pionero de la bachata. La mayoría de sus éxitos son propios y también ha incursionado en el merengue.

La artista está muy contenta con este reconocimiento a tantos años de trayectoria. Lo considera «una gran bendición».

Manny Cruz recibe su cuarta nominación a los Grammy en dos categorías diferentes. «Bailando Contigo» es el segundo disco del cantante y le tomó más de un año producirlo. El dominicano se mostró muy feliz y envió su agradecimiento a través de su cuenta de Instagram. Se convirtió en el dominicano con más nominaciones al Latin Grammy.

Por su parte, Grupo Manía celebra su décima nominación. Los cantantes puertorriqueños lanzaron su disco «Los Conquistadores» para celebrar sus veinticinco años de carrera artística.

Eddy Herrera, reconocido cantante de merengue, ha sido nominado por quinta vez y, en el marco de su concierto virtual, expresó su felicidad. “Estar nominado en tiempos normales es maravilloso, pero estar nominado en este mundo de la pandemia es doblemente genial. Esto ha caído de mi alma, del cielo”, dijo.

Daniel Santacruz, tiene su octava nominación al Latin Grammy por su disco «Larimar», su séptima producción musical. El artista estuvo a cargo de toda la elaboración del disco que cuenta con once temas.

Mejor Canción Tropical Entre los 5 nominados están:

Imaginarme Sin Ti

Elvis Crespo & Maribel Vega, songwriters (Elvis Crespo y Manny Cruz)

Etiqueta de registro: Flash Music

Quédate

Paula Arenas, Debi Nova & Juan Pablo Vega, compositores (Debi Nova & Pedro Capó)

Etiqueta de registro: Sony Music Entertainment US Latin LLC

Y Basta Ya

Pavel Nuñez, compositores (Pavel Nuñez)

Etiqueta de Registro La Oreja Media Group, Inc

Elvis Crespo de la mano de su esposa y manager Maribel Vega y la composición de Manny Cruz, recibió una nominación por el disco “Imaginarme Sin Ti”. El tema promocional estuvo dedicado a la hija de Crespo. El cantante agradeció a través de sus redes sociales e hizo especial mención a su disquera y al cantante Manny Cruz.

Debi Nova, cantautora costarricense, apostó por la bachata romántica y contó con la colaboración de Paula Arenas y Juan Pablo Vega. El tema promocional del disco habla de aprovechar el tiempo con nuestros seres queridos.

Finalizamos la ronda con el dominicano Pavel Núñez, un joven que ha sorprendido con la cantidad de Premios Soberanos obtenidos, un total de once; aprovechó la pandemia mundial para hacer música. Con su disco «Y Basta Ya» suma su tercera nominación a Los Premios

La edición 21 de los Latin Grammy se llevará a cabo el 19 de noviembre, en la ciudad de Miami. Aunque es un logro estar en la codiciada lista, todos quieren ser reconocidos. ¿Quienes serán los ganadores?

Gilberto Santa Rosa El Caballero de la salsa nos deleita con su nuevo disco.

11 diciembre, 2023 by Agustin Bernales Guilarte

Norte America/ Estados Unidos/ Nueva York

La historia de un artista

Gilberto Santa Rosa, el cantante se ha destacado en la interpretación de baladas románticas, boleros y salsa. Sus primeros pasos en la música fueron a una edad muy temprana. Antes de llegar a la adolescencia ya formaba grupos juveniles dentro del género tropical. Durante cerca de dos años formó parte de la banda La Grande, de la mano de grandes del género.

Gilberto Santa Rosa, conocido como “El Caballero de la salsa”, nació en 1962 en Puerto Rico. El cantante se ha destacado en la interpretación de baladas románticas, boleros y salsa. Sus primeros pasos en la música fueron a una edad muy temprana. Antes de llegar a la adolescencia ya formaba grupos juveniles dentro del género tropical. Durante cerca de dos años formó parte de la banda La Grande, de la mano de grandes del género.

Elías Lopés, famoso trompetista puertorriqueño, se convirtió en su maestro y tutor. A los 14 años viajó a Nueva York para dar sus primeros pasos en el campo musical y su padre se lo encomendó a Lopés. Santa Rosa está muy contenta de haber recibido sus enseñanzas.

“El mayor legado para mí fue la disciplina, el conocimiento del trabajo que estás haciendo y los desafíos; Me dio retos musicales que desarrollaron el talento que yo tenía en ese momento”, dijo el salsero.

Gilberto Santa Rosa participó en el “Homenaje a Eddie Palmieri” con el Puerto Rico All Star, una gran oportunidad para su carrera que iba en ascenso. Además, estuvo en las filas de la orquesta de Willie Rosario.

Primeros pasos En 1986 tuvo su primera oportunidad como solista. Combo Records le permitió grabar cuatro álbumes; dándole un nuevo impulso en el género salsero. Buenas vibraciones (1986), ¡Manteniendo la calma! (1987), De Amor y Salsa (1988) y Salsa en Movimiento (1989) fueron sus primeros trabajos discográficos

En 1990, tuvo la oportunidad de cambiar de sello discográfico. En esta ocasión, CBS hoy es mundialmente conocida como Sony Discos. Compañía con la que ha grabado aproximadamente 24 discos y continúa hasta el día de hoy.

Sony Discos confió en él y lo vio triunfar a través de los años. Punto de vista, la primera producción realizada con el sello, recibió disco de oro y platino. The Man and His Music fue una producción bastante especial. Se llevó a cabo en 1995 y reflejó una presentación realizada en el Carnegie Hall de Nueva York.

La actuación es otro de los roles que ha desarrollado con gran destreza. En 1990 participa en “La pareja dispareja” con Rafo Muñiz y Luis Vigoreaux, Jr.

En la década del 2000 estuvo en otras piezas teatrales. Protagonizó la reposición de «La verdadera historia de Pedro Navaja», musical que le exigió mucho a nivel profesional; y con el comediante cubano Alexis Valdés en la obra «Atrácame más».

“Volver al teatro, esta vez a la comedia, me llena de mucha ilusión y más aún poder compartir escenario con uno de los grandes de la comedia en Estados Unidos y Latinoamérica. La verdad es que “Atrácame más” me saca de mi zona de confort que es la música y me reta profesionalmente. Estoy disfrutando mucho esta historia y espero que la gente la disfrute mucho más”, comentó Gilberto Santa Rosa, sobre “Atrácame más”.

Gilberto Santa Rosa es uno de los artistas que rompió paradigmas en Estados Unidos y en el resto del mundo. Desde un principio, el público latino no dudó en seguir su trayectoria y, por supuesto, asistir a sus encuentros. También tuvo la oportunidad de viajar a Japón. Se presentó como un digno representante de su país y sorprendió al público al interpretar “De cara al viento” en japonés. Una proeza que sorprendió a la crítica por la dificultad del lenguaje. Además, fue su inicio en el mercado internacional, hasta el día de hoy es aclamado incesantemente.

Gilberto tuvo gran aceptación y récord de taquilla en sus presentaciones en el Festival First President en República Dominicana, el Lincoln Center de Nueva York con Andy Montañez; en el Teatro Anayansi de Panamá y en el Anfiteatro Universal Studios de Hollywood con Olga Tañón. El acompañamiento de la Orquesta Sinfónica terminó por catapultarlo entre sus seguidores. La consideraron una presentación sin precedentes y llena de talento. Se presentó bajo este formato en Estados Unidos y rompió récords de taquilla en el Teatro Teresa Carreño de Caracas, Venezuela.

Expresión, 1999

Fue uno de sus álbumes más populares. El disco marcó la carrera de la cantante ya que fue nominado al premio Grammy Latino, como Mejor Álbum de Salsa, en su primera entrega. “Que alguien me diga”, original de Omar Alfanno, compositor panameño lo posicionó por varias semanas en la cartelera. La producción contó con 13 canciones con un total de 55 minutos de duración.

El álbum tuvo gran renombre en el mercado centroamericano, otorgándole disco de oro por ventas. Además, fue elegido por la Fundación Nacional para la Cultura Popular entre los más destacados del año 1999.

Gilberto, siguió contando éxitos y elogiando el trabajo de los grandes de la industria. Realizó varios homenajes como el concierto «Viva Rodríguez» en homenaje a Tito Rodríguez; Homenaje que la Orquesta Estrellas de la Fania, a Don Tite Curet Alonso y La Guarachera, Celia Cruz, en New York.

40… y contando, fue lanzado en 2019. Fue un disco en vivo, con el que conmemoró sus 40 años de carrera. La idea nació de su concierto en el Coliseo José Miguel Agrelot en San Juan, Puerto Rico. 40… y contando ocupó el segundo lugar en ventas de Álbumes Tropicales en los Estados Unidos y el primero en ventas en Puerto Rico.

El puertorriqueño celebró su cumpleaños 2020 con el lanzamiento de un nuevo álbum coleccionable.

Colegas, 2020

La portada del disco fue diseñada para el artista venezolano Gilberto Santa Rosa.

En este trabajo tuvo dieciséis colaboraciones, reuniendo «colegas» conocidas por el público. El primer sencillo es «La Familia», a dueto con el cantante Tito Nieves, puertorriqueño reconocido dentro del género además de: Tito Rojas, Luisito Carrion, Pirulo, Nino Segarra, Choco Orta, Jose Alberto «El Canario», Isaac Delgado y Juan José Hernández.

Los arreglos se atribuyen a Ocana Sordi, (El Guateque De Chombo), James Hernandez (La Fonda De Bienvenido), Jose Madera (Bailadores), Rene Gonzalez (Estoy como nunca), Dino Nugent (Apaga la luz), Ricky Gonzalez (Vamos A Bailar El Son, Eque Tumba), Manolito Rodriguez (Medley Boleros), Marty Sheller (Ban Ban Quere, Caminalo), Ramon Sanchez (Que se sepa), Javier Fernández (Masacote, Tremendo Coco), Louis García (Por la Calle Del Medio, Isidro Infante (El Mejor Sonero, Mario Ague, Sonerito), Cantar con Tito Nieves fue un placer para él porque comparten una relación de amistad:

“Tito y yo tenemos una amistad que trasciende el escenario y el día a día. Él es mi querido hermano. Su sentido del humor es increíble. Con él todo es muy fácil. De hecho, solo nos tomó 45 minutos tener lista la canción”, dijo el salsero.

Santa Rosa ha querido que este disco fuera un homenaje muy especial a sus compañeros de tantos años. Buscó que los números encajaran de alguna manera con la relación con cada colega.

La cantante de 58 años es ganadora de un Grammy y cinco Latin Grammy. Está en su mejor momento y parecía que «Colegas» podría tener continuación.

“Estas cosas me emocionan y me motivan a hacer una segunda parte, porque quedaron fuera otras colegas”, dijo.

¿Será el comienzo de su nuevo proyecto musical? ¡Ya veremos!

Poncho Sánchez nos visitó en el Museo de La Salsa

1 diciembre, 2023 by International Salsa Magazine presenta

Como todos los meses, vamos a dedicar esta edición a un nombre muy especial en la escena musical latina y se trata del extraordinario percusionista y conguero Pancho Sánchez, quien nos ha concedido el gran honor de donar algunas de sus congas y el traje que usó durante los premios Grammy al Spaha Salsa Gallery Museum.

En agradecimiento por tan generoso acto, queremos dedicar las siguientes líneas a su brillante trayectoria y todo lo que ha aportado a la música latina con su trabajo y talento.

Poncho tocando las congas — Poncho Sánchez tocando las congas en vivo

Inicios de Poncho en la música

Pablo Sánchez, mejor conocido como Poncho Sánchez, es actualmente un percusionista y cantante de salsa que lidera una reconocida banda de jazz latino y música cubana. Llegó a convertirse en un artista tan talentoso luego de un largo recorrido en la difícil y competitiva industria musical.

Poncho es hijo de dos mexicanos de distintas ciudades que tuvieron un total de once hijos, siendo el músico el menor de todos ellos. Desde muy pequeñito, desarrolló un intenso gusto por la música, lo que llevó a aprender a tocar instrumentos por su propia cuenta.

Aunque Poncho nació en Laredo, Texas, pasó toda su infancia en la ciudad de Los Ángeles junto a su familia. Es en este lugar en el que empieza a tener mucho contacto con el jazz americano, el jazz latino y el soul. Durante sus años de adolescente, sus gustos musicales fueron dominados por artistas de la talla de Mongo Santamaría, James Brown, John Coltraine, Miles Davis, entre muchos otros.

Poncho tocando en el Catalina Bar — Poncho Sánchez tocando en el Catalina Bar and Grill en Hollywood

Cuando decidió que quería dedicarse a la música de forma profesional, comenzó a aprender por sí mismo a tocar las congas, la guitarra, la batería, los timbales y la flauta. Es así como fue preparándose para lo que vendría en su vida profesional más adelante.

Cuando alcanzó la edad adulta en sus veintes, estuvo tocando en varios clubs de baile durante un tiempo, hasta que finalmente logró que Cal Tjader y su agrupación se fijaran en su talento y lo invitaran a unirse a ellos.

Hoy en día, Poncho está muy agradecido con Cal y aseguró que aprendió demasiado de él en la época en la que estuvo en su agrupación. De hecho, hasta llegó a recordar en una oportunidad que le dio algunas lecciones tal y como si él fuese un profesor y Poncho un estudiante. Esto, con la finalidad de que estuviese al mismo nivel de sus compañeros y fuese capaz de brindar un buen show al público.

Poncho y Tito Puente — Poncho Sánchez y Tito Puente »El Rey de Los Timbales»

Poncho como solista

En 1980, finalmente Poncho logró formar su propio grupo con el que empezó a realizar ciertos proyectos, aunque no se había separado del todo de la banda de Cal. De hecho, el conguero trabajó con el director musical hasta el fin de sus días en 1982.

Apenas unos meses después, firmó con el sello disquero Concord Records para lanzar su primer álbum oficial como solista, al cual titularía ‘‘Sonando’’, marcando el comienzo de una asociación que se ha mantenido vigente hasta el día de hoy. Hasta el momento, Poncho tiene unas dos docenas de grabaciones con Concord.

Luego de décadas de haber iniciado su carrera, Poncho ve sus sueños cristalizarse al obtener un Grammy como ‘‘Mejor Álbum Latino’’ en el año 1999 gracias al álbum de latin soul que había grabado en ese entonces. Es ahí cuando el artista finalmente sintió que todo por lo que había trabajado los años anteriores había valido la pena.

En cuanto a su último álbum llamado ‘‘Trane’s Delight’’, Poncho busca homenajear a los artistas que lo han inspirado y le han ayudado a desarrollar su propio arte, ya que considera que estas personalidades han sido fundamentales en su crecimiento como profesional en la música.

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Héctor Martignon ha sido uno de los pianistas más solicitados de la escena del jazz latino en New York

29 noviembre, 2023 by Augusto Felibertt

Héctor Martignon, nacido en Colombia y radicado en Nueva York, ha compuesto, orquestado, producido, interpretado y grabado música en un amplio espectro de géneros, desde música clásica y crossover, hasta jazz y músicas del mundo, rock y pop.

Sus cinco álbumes como líder, dos como co-líder (BLUE FANTASIES de MOZART y SECRET FILES de BACH), así como su trabajo en más de cien álbumes, partituras para cinco largometrajes, tres musicales de Broadway y muchos otros proyectos, muestran su amplia experiencia. amplia área de especialización.

At Mozart Studios recording Carlos Jimenez’ second CD, + Ruben Rodriguez + Vince Cherico. A pleasure!

Después de varias nominaciones como acompañante, dos de sus cinco CD en solitario fueron nominados a un premio GRAMMY (REFUGEE, 2008 y SECOND CHANCE, 2010). Organizó e interpretó partes de la música de la película de Ang Lee nominada al OSCAR EAT, DRINK, MAN, WOMAN.

Su primera grabación profesional fue a los 18 años (“Canto General” de Mikis Theodorakis), mientras que una de las más recientes fue en la última producción de la legendaria banda de rock CHICAGO, “EXITOS”, con tintes latinos.

Ha escrito orquestaciones sinfónicas, interpretadas y grabadas por la Orquesta Filarmónica Rusa y composiciones como ABRE LOS OJOS, CIERRA LOS OJOS, encargadas y estrenadas por la MUSICA DE CAMARA STRING ORCHESTRA en la Catedral de San Patricio en abril de 2011.

Actualmente, Héctor Martignon está trabajando en una primera CD con su BANDAGRANDE Big Band + String Quartet así como un álbum con selecciones de una serie de 7 recitales de piano solo en la Universidad de Educación de Ludwigsburg (Alemania), donde dirige cada año un “seminario compacto” sobre improvisación basada en Música Clásica.Noviembre.

Como acompañante solicitado, ha realizado giras por todo el mundo con grandes como Paquito D’Rivera, Ray Barretto, Gato Barbieri, Steve Turre, Don Byron, Tito Puente y fue pianista destacado con PROJECT AMERICA de Max Roach en el 92 St Y.

Su alegría por la enseñanza lo ha convertido en un solicitado conferenciante invitado y profesor de interpretación en facultades y academias de música en varios países de Europa, Japón y América del Norte y del Sur.

Héctor escribió un libro instructivo sobre piano latino encargado y publicado por Hal Leonard, SALSA PIANO BOOK.

Las habilidades de Martignon como pianista siempre se han visto enriquecidas por su interés por diversos géneros musicales.

Pagó sus estudios de piano clásico y composición en la prestigiosa Freiburger Musikhochschule en Alemania actuando con las mejores bandas afrocubanas y brasileñas de Europa, acompañando a estrellas como Celia Cruz e Ismael Quintana en sus giras europeas y grabando con Tata Güiness y Arturo Sandoval.

Al mismo tiempo asistió a seminarios de composición contemporánea con maestros como Gyorgi Ligetti, Luigi Nono y Karl Heinz Stockhausen.

También interpretó música clásica en recitales y conciertos en Alemania, Italia y su Colombia natal, especializándose en Chopin, Bach y Debussy.

Uno de sus últimos esfuerzos ha sido un proyecto cruzado de jazz y música clásica, codirigido con el virtuoso trompetista estrella Joe Burgstaller, en el que se recrea la música de los clásicos, desde Bach hasta Ellington, en un ambiente de jazz de cámara, para disfrutar. sobre sus dos lanzamientos, “Mozart’s Blue Fantasies” y “Bach’s Secret Files”.

Al vivir en Brasil durante un año de historia de amor con ese país y su música, Martignon pronto se convirtió en un solicitado músico de estudio y trabajó para el productor estrella Carlinhos Brown.

Desde que se mudó a la ciudad de Nueva York, Martignon ha sido uno de los pianistas más solicitados de la escena del jazz latino.

Ha realizado giras por Norteamérica, Sudamérica, Europa y Asia con las bandas de Mongo Santamaría, Gato Barbieri, Steve Turre y Don Byron, quienes lo hicieron grabar en su último CD.

Fue pianista destacado con las bandas de Tito Puente, Mario Bauzá, Chico O’Farrill, Paquito D’Rivera y Max Roach en su «Proyecto América».

En particular, Martignon fue pianista de los diversos conjuntos del fallecido Ray Barretto.

Durante su asociación de ocho años con Barretto, sus contribuciones como pianista, arreglista y compositor fueron fundamentales para dar forma al sonido del ahora famoso New World Spirit Sextet.

Una de sus últimas colaboraciones con Barretto, “My Summertime”, fue una de las nominadas favoritas a los premios Grammy.

La versatilidad de Martignon también lo ha hecho extremadamente activo en las industrias del cine y la televisión.

Además de tocar todas las partes de piano, arregló y produjo muchas partes de la partitura de la película nominada al Oscar “Eat, Drink, Man, Woman” de Ang Lee e interpretó las partes de piano y teclado para muchas partituras de películas (es decir, “Gloria”, “Relatividad”).

Es compositor de la música original de dos largometrajes, uno de los cuales, “Septimo Cielo”, ganó premios internacionales. También colaboró en la producción de numerosos musicales de Broadway (“Chronicle of a Death Foretold”, “The Capeman” de Paul Simon, “Selena Forever”) como director, arreglista y co-compositor.

En el otoño de 2003, Héctor visitó Eslovenia y Rusia para colaborar con el primer CD sinfónico del cantautor Vitaly Osmsçko.

La Orquesta Filarmónica Rusa grabó en Moscú las orquestaciones escritas por Héctor.

Como compositor, productor y arreglista de música para radio y televisión, su trayectoria no es menos impresionante. En 2001 consiguió dos anuncios para HBO Latino y uno para Coca Cola.

HECTOR’S FOREIGN AFFAIR En 1998 Martignon actuó con su cuarteto “Foreign Affair” en el famoso festival anual “The Next Wave” de la Academia de Música de Brooklyn en un cartel triple con “Top Percussion” de Tito Puente y “Music for six Musicians” de Don Byron.

Esto resultó ser un punto de inflexión para él y su conjunto, que evolucionó del sonido de trío estrictamente acústico de los dos primeros CD a un sonido de cuarteto más ecléctico y eléctrico.

La nueva configuración que evolucionó a partir de aquel memorable concierto inició una serie de conciertos y grabaciones, con el guitarrista Mark Whitfield, el bajista camerunés Richard Bona y el baterista cubano Horacio “Negro” Hernández.

Este cuarteto actuó y grabó en vivo durante una semana en el famoso Birdland de Nueva York. El grupo también se ha presentado en festivales de televisión BET, en clubes de jazz de Manhattan, y realizó diversas presentaciones en clubes y festivales al aire libre en su Colombia natal y en Europa.

El tercer proyecto en solitario de Martignon, que se lanzará en el otoño de 2003, no es sólo un reflejo de la nueva dirección musical del grupo sino también de su interacción con otros músicos de clase mundial.

Eddie Gomez, Jeff Watts, Mathew Garrison, John Benítez, Dafnis Prieto y Willard Dyson han hecho su contribución única a este, el nuevo sonido de jazz de Martignon.

Hector Martignon nunca deja de sorprendernos, desafiarnos y deleitarnos. Estén atentos y participen en este asunto.

Site: Héctor Martignon

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Gato Barbieri fue un excelente y virtuoso Saxofonista argentino por excelencia

29 noviembre, 2023 by Augusto Felibertt

El músico argentino nos lleva en un recorrido por su ilustre carrera.

Gato Barbieri

Nota del editor: El famoso saxofonista Leandro “Gato» Barbieri falleció el sábado, 2 de abril 2016, en la ciudad de Nueva York. Tenía 83 años.

En el 2015, el Premio a la Excelencia Musical de los Latin Grammy se le otorgó al compositor argentino Gato Barbieri, uno de los músicos más merecedores de un homenaje a su extensa trayectoria, a lo largo de la cual creó un puente entre la música latina y un público internacional.

Enamorado del jazz desde sus años formativos en la ciudad de Rosario, Barbieri se formó tocando junto a grandes figuras del jazz estadounidense durante la década de los 60.

Pero su corazón nunca abandonó la sensibilidad de Latinoamérica. Cuando conoció la fama como solista y líder de su propia agrupación, vendió millones de discos forjando un lenguaje personal que se inspira en el tango, las cadencias brasileñas, los sonidos de los Andes y el folklore sudamericano.

Durante los últimos años, El Gato Barbieri, que el 28 de noviembre cumple 83 años, ha sufrido varias complicaciones de salud. Desde su casa en Nueva York, el músico habló con notable sinceridad sobre esta nueva etapa de su vida, ya lejos de la juventud, pero repleta de aceptación y esperanza.

Hace poco, se presentó en el club Blue Note de Nueva York y se vendieron todas las entradas. ¿Cómo se siente ser una leyenda del jazz a los 80 y tantos años?

Cuando toco acá en el Blue Note, viene gente de Rusia, de Europa, de todos lados, porque la gente se identifica con lo que ha hecho Gato.

Ahora, estoy un poco enfermo y se me hace difícil caminar. Eso no me gusta. Tengo que hacer ejercicios y cosas por el estilo. Voy a cumplir 83 años y es necesario hacer estas cosas que me ponen de un humor horrendo [risas].

La vida es así, tiene cosas lindas y feas, y tienes que seguir andando, andando, andando…Es como un tango. Si le prestas atención, el tango habla sobre cosas hermosas: la gente, los hermanos, los amores, los detalles dulces de la existencia. Hasta el día de hoy, hay algunos temas de tango que me parecen increíbles.

¿Qué recuerdos atesora de los comienzos de su carrera?

Cuando empecé a tocar con la orquesta Casablanca, a los 17. Tocábamos música bebop, que para mí era algo increíble. Nos presentábamos en los carnavales en las provincias de la Argentina.

Es el saxofonista argentino de mayor influencia en la escena global de jazz.

También tengo lindos recuerdos de tocar en Europa con el trompetista Don Cherry, porque aprendí tanto. Él nunca decía nada; no nos hablaba ni explicaba nada de la música que íbamos a interpretar. Cuando tocábamos juntos, se improvisaba, y además nunca paraba de cambiar sus composiciones. Era algo estupendo.

Y después, en 1972, llegó la música de Last Tango in Paris, que le otorgó la fama internacional. ¿Cómo fue escribir la banda sonora de una película tan polémica?

Fue una cosa mágica, porque Bernardo [el director italiano Bernardo Bertolucci] es un tipo increíble, un director de un talento formidable. Yo me sentía bien de ánimo, pero no fue un trabajo fácil porque en la película había 50 momentos que necesitaban música.

Me acuerdo que subimos un piano a la casa de Pepito Pignatelli [dueño de un legendario club de jazz en Roma], que quedaba en un quinto piso. Hacer algo así hace 50 años no era nada fácil, pero cuando lo grabamos, fue una cosa hermosa. A veces las cosas difíciles son las más lindas.

¿Y ese tema principal, inolvidable, que se repite a través de la película, cómo surgió?

Bernardo me llamó y me pidió que le presentara varias melodías, y que fueran lo más hermosas posibles. Justo habíamos ido a Italia para tocar unos conciertos, y nos encontramos con Bernardo. Le toqué tres o cuatro temas, y enseguida eligió uno y dijo: “Este es el tema de El último tango en París”.

¿Cuál cree que ha sido el secreto de su éxito?

Desde 1970 en adelante, grabé unos 45 discos. Son muchos. Era un tipo que siempre estaba haciendo algo, para mí ese estilo de vida fue una gran satisfacción. En cuanto al saxo, nunca supe mucho sobre acordes. Yo invento mis propios acordes, les pongo una cosa arriba… y basta.

Es difícil explicar por qué tomé las decisiones artísticas que tomé. Quería hacer un poco de todo, tocar una chacarera argentina, o grabar con un cantante italiano como Antonello Venditti [la exitosa balada “Modena”, en 1979]. Siempre elegí tocar música de muchos países distintos, y la gente se identifica con eso.

Indudablemente, usted ha vivido una vida privilegiada…

Sí, de una cierta manera, sí. Michelle [su primera esposa, que falleció en 1995] me ayudó muchísimo. Siempre la tengo en el corazón, porque era increíble. Sabía de cine, arte, tantas cosas. En ese sentido, aprendí mucho de ella. Y ahora estoy viviendo con Laura, mi mujer, que es una gran persona.

Ella me ha dado mi único hijo, que ahora tiene 17 años. Es alto y muy inteligente, aunque un poco perezoso, como lo era yo mismo a su edad. Debe ser hereditario [risas].

EL PAMPERO (1971)

Luego que El Gato deja su Argentina natal, pero antes de convertirse en estrella del jazz latino, Gato Barbieri pasó la segunda mitad de los años 60 colaborando con músicos geniales y vanguardistas: el trompetista Don Cherry, el vibrafonista Gary Burton y el bajista Charlie Haden, entre otros. Encarrilando una carrera para Barbieri como líder de su propio grupo, El pampero es un disco grabado en vivo en el Montreux Jazz Festival. Cuatro temas con extensas improvisaciones, empapados de nostalgia sudamericana.

Gato Barbieri: ‘jazz’ latino con un toque de pop y folklore sudamericano.

Por: Ernesto Lechner

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The Rumba Madre y sus raíces en la cultura vasca

29 noviembre, 2023 by Karina Garcia

The Rumba Madre es una agrupación basada en Nashville cuyas características son bien interesantes y la hacen distinta de muchos otros artistas y orquestas que han aparecido en esta sección durante los últimos años.

En esta ocasión, tuvimos el agrado de conversar con el guitarrista y tresero vasco, David Vila Dieguez, quien nos reveló los detalles más importantes en torno a la creación de The Rumba Madre y su propia carrera musical antes y después del grupo, así que pónganse cómodos porque se viene una historia muy interesante.

guitarrista David Vila — El guitarrista y tresero vasco David Vila, quien amablemente conversó con nosotros

Música en la infancia de David

Cuando David era apenas un niño, en toda su familia, solo a su abuelo le gustaba cantar. Contrario al caso de muchos otros artistas que hemos tenido el gusto de entrevistar aquí, David no viene de una familia de músicos, pero eso no le impidió desarrollar un gusto por esta parte artística con el tiempo.

Siendo muy pequeño, sus padres se mudaron de Galicia a El País Vasco a trabajar y buscar una nueva vida. En esta comunidad autónoma, el ambiente cultural era sumamente movido y el punk junto a otros ritmos parecidos estaban en su pico de popularidad, cosa que le hizo interesarse por la guitarra de tuna y otros instrumentos. También empezó a escuchar mucho jazz y blues, que fueron poniéndose de moda por aquellos años.

En vista de que David no tenía posibilidades de educarse formalmente en la música, solo se limitaba a escuchar atentamente e imitar los sonidos lo mejor que podía hasta que decidió que necesitaba ir un paso más allá en su incipiente carrera como músico. Es entonces cuando se muda a Londres, Inglaterra, a estudiar su licenciatura de guitarra. Ya había trabajado como músico en España, así que esta experiencia laboral fue de gran utilidad para lo que haría más adelante.

Aparte de haber obtenido su licenciatura musical, David también estuvo haciendo giras junto a algunas bandas por toda Europa, cosa que siguió haciendo en Estados Unidos cuando se muda a Nashville.

Actualmente, es profesor de música popular hispana en la universidad, por lo que imparte todo lo aprendido a jóvenes que quieran seguir su mismo camino.

Rubén Darío, Benjamín Alexander y David Vila — El guitarrista nicaragüense Rubén Darío, el bajista puertorriqueño Benjamín Alexander y el guitarrista vasco David Vila

Nashville

La primera ciudad estadounidense a la que David se fue a vivir fue Chicago porque le interesaba mucho explorar el blues y otros géneros propios de esa parte del país, pero David no contaba con el visado requerido para entrar a Estados Unidos en ese momento, por lo que sus planes de ir allí se postergaron inevitablemente. Cuando finalmente pudo viajar, no le quedó otra alternativa que irse a Nebraska y permanecer ahí unos dos años a falta de otra opción.

Posteriormente, eligió la ciudad de Nashville como destino final debido a la gran cantidad de músicos que viven y trabajan allí. Hasta llegó a llamar a este lugar ‘’El Disneyland de los músicos’’ por todas las oportunidades que ofrece en este ámbito.

Otro aspecto positivo para los artistas es que hay una gran cantidad de casas disqueras y estudios conocidos con los que se puede trabajar, por lo que es una excelente opción para los artistas que estén buscando un lugar donde iniciar o seguir con sus carreras. Los propios lugareños le llaman ‘’la ciudad musical’’ y tienen un dicho que reza que ‘’el peor mesero es mejor músico que tú’’, dejando clara la forma en la que la música es percibida en Nashville.

Inclinación de David a la música latina

En Inglaterra, ya David venía estudiando un poco de flamenco y, si bien es cierto que no era un experto todavía, no eran muchos los músicos en Nebraska que tocaran ese género, por lo que llamó la atención de muchos de muchos colegas suyos y agrupaciones que requirieron de sus servicios. Lo mismo le ocurrió en Nashville y el hecho de que hablara español reforzó la idea de los lugareños de que tocaba música latina.

Lo anterior llevó a muchos a creer que David era capaz tanto de tocar flamenco como de tocar música cubana sin ningún problema, cosa que no era del todo cierta en ese entonces. Es así como terminó tocando guitarra en una banda de son cubano, gracias a la cual tuvo que aprender a tocar el tres cubano para poder seguir en ella.

Aunque al inicio fue muy complicado para él, se dedicó a practicar muchísimo y a escuchar discos enteros de treseros para poder imitarlos lo mejor posible. Gracias a su esfuerzo y dedicación, David logró aprender a tocarlo y estuvo haciéndolo durante cinco o seis años seguidos hasta que creó su propia agrupación The Rumba Madre.

David recuerda con risas que su objetivo al mudarse a Nashville era tocar música country como también lo hizo en Inglaterra, pero eran tantos los músicos dedicados a ese género que prefirió explorar otro nicho y terminó estudiando y tocando música latina y caribeña.

The Rumba Madre

Luego de toda la experiencia que David había acumulado en esos años, pensó que ya era hora de crear su propio proyecto y, para ello, eligió a dos colegas que conoció en ese mismo contexto musical en Nashville, que eran el guitarrista nicaragüense Rubén Darío y el bajista puertorriqueño Benjamín Alexander.

Los tres artistas llegaron a coincidir muchas veces en diferentes bandas y conciertos en los que tocaron juntos, por lo que ya conocían muy bien los estilos de cada uno. En Vista de que todos eran hispanohablantes, migrantes y músicos, vieron que tenían muchas cosas en común y forjaron una amistad que derivó en un grupo musical con el tiempo.

Tanto David como Rubén aprovecharon que habían hecho muchas composiciones en los últimos años y las usaron como repertorio para el proyecto que venía naciendo. No pasaría mucho tiempo para que los locales de música y festivales empezaran a tomarlos en cuenta-

En una de esas oportunidades, conocieron al tecladista y compositor de Cultura Profética, Iván Gutiérrez Carrasquillo, quien había vivido toda su vida en Miami, pero decidió probar suerte en Nashville, Gutiérrez quedó tan impresionado con la música de The Rumba Madre que les propuso hacer un álbum. También sirvió de contacto para juntar a The Rumba Madre con compañías y discográficas que serían clave en el éxito que el grupo tendría más adelante.

Iban a sacar su primer álbum en el año 2020, pero no pudieron presentarlo ni promocionarlo debido a la pandemia, por lo que no tuvieron otro remedio que esperar a que las cosas se calmaran un poco.

Hasta el momento, The Rumba Madre ha experimentado con rumba, punk, son cubano, salsa, flamenco, tango y muchos otros géneros.

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