Septiembre

Roberto «Bobby» Rodríguez fue un maestro del Baby Bass y jugó un papel decisivo en su popularización dentro de la música latina

23 septiembre, 2025 by Augusto Felibertt

Roberto «Bobby» Rodríguez «Big Daddy» (1927-2002) fue un famoso bajista y una figura clave en el jazz latino y la salsa. Era conocido por tocar tanto el contrabajo como el bajo eléctrico.

Roberto Bobby Rodríguez fue un maestro del Baby Bass y jugó un papel decisivo en su popularización dentro de la música latina

Trabajó con artistas y bandas legendarias como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Machito, Tito Puente y The Alegre All Stars. Nacido en Tampa, Florida, de padres cubanos, a menudo se le asocia con el Baby Bass, un tipo de contrabajo eléctrico.

El Baby Bass es un tipo específico de contrabajo eléctrico desarrollado por la compañía Ampeg. Tiene un sonido distintivo y es muy popular en la música latina, especialmente en la salsa.

Muchos bajistas famosos del género, incluido Roberto «Bobby» Rodríguez «Big Daddy», son conocidos por tocar este instrumento. Con su tono percusivo y profundo, el Baby Bass ayudó a definir el sonido de la música de salsa.

En resumen, la conexión entre Roberto «Bobby» Rodríguez y el Baby Bass es que el famoso bajista, Roberto «Bobby» Rodríguez «Big Daddy», fue un maestro del instrumento y jugó un papel decisivo en su popularización dentro de la música latina.

Trayectoria y legado de «Big Daddy»

Hijo de padres de procedencia cubana y puertorriqueña, Roberto «Bobby» Rodríguez «Big Daddy» nació en Tampa, Florida, el 2 de mayo de 1927. Su talento dejó huella en la ejecución del contrabajo y del bajo eléctrico.

En Nueva York, a la edad de 17 años, empezó su carrera con Machito y sus Afrocubans, reemplazando a Julio Andino. Participó en grabaciones con Chico O’Farrill, Dizzy Gillespie, Cal Tjader, Eddie Palmieri, Willie Bobo, Mongo Santamaría, Joe Cuba, Eric Dolphy, Alegre All Stars, Tito Rodríguez y la más importante y duradera de todas, al lado de Tito Puente.

La participación de Rodríguez en la banda de Puente produjo un catálogo de innumerables tumbaos, y de vez en cuando tuvo la oportunidad de liderar la banda con un solo, cargado de improvisaciones melódicas de gran creatividad.

El disco Goza mi Timbal de 1990, en el tema «Ode to Cachao», posee gran cantidad de solos de Bobby Rodríguez, que aparte de ser un tributo a Israel López, es un muestrario de las inmensas virtudes del «Dedo Gordo» y se le ha considerado como uno de los solos inolvidables del Latin Jazz. Esta sociedad permaneció activa entre las décadas de 1950 y 1990.

Roberto Bobby Rodríguez Big Daddy nació en Tampa, Florida, el 2 de mayo de 1927

El apelativo «Dedo Gordo» le fue impuesto por su forma de tocar el bajo eléctrico, con un sonido grueso, algo que en los ambientes musicales de Estados Unidos llaman «groove», con una técnica que busca asemejarse al sonido del Ampeg Baby Bass, según los especialistas.

Una característica que siempre se le reconoció fue su habilidad particular de tocar la clave con el pie mientras ejecutaba el bajo. Su experiencia musical siempre lo hizo ver como un aportante de corte jazzístico.

El 29 de julio de 2002, después de una vida llena de resonantes éxitos y de haber dejado un legado impresionante, falleció Bobby Rodríguez en Nueva York.

Ambigüedades con el nombre Roberto «Bobby» Rodríguez

El apelativo «Bobby Rodríguez» ha sido utilizado por varios artistas en este universo musical caribeño.

En una primera instancia, suele relacionarse con el flautista, clarinetista y saxofonista de Manhattan, Robert «Bobby» Rodríguez, fundador de la agrupación «La Compañía» y de quien no se ha precisado fecha de nacimiento.

En otra confusión, suele decirse que «Big Daddy» inició su carrera con el Cuarteto Marcano. Lo cierto es que dicho cuarteto contó con la presencia de Félix Manuel Rodríguez, quien en una etapa temprana de su carrera se hizo llamar «Bobby Rodríguez» a los 17 años. Más tarde adoptó su nombre estelar Bobby Capó.

Un tercer homónimo artístico es el Dr. Bobby Rodríguez, trompetista nacido en Los Ángeles, California, quien además ejerce la docencia y es autor del libro ABC’s of Brass Warm-Up. Ha sido nominado al Grammy y ha recibido premios como educador.

Roberto Bobby Rodríguez Big Daddy (1927-2002)

La lista de nombres similares al de Roberto «Bobby» Rodríguez se hace mucho más larga si se buscan homónimos de su nombre de pila. Por un lado está Roberto (Reimundo) Rodríguez, trompetista de Cienfuegos, Cuba.

Cofundó la orquesta Los Jóvenes Estrellas de Cuba, y llegó a ser miembro de la Fania All Stars y aparece en el documental Nuestra Cosa Latina. En 1982 fundó con sus hijos Roberto Jr. y Willie, el grupo Los Rodríguez.

Su hijo Roberto Rodríguez Jr. es otro homónimo que se nos presenta en estos caminos musicales.

Continuando con más homónimos, tenemos al trompetista cubano Roberto Luis Rodríguez, padre del actualmente afamado trompetista Roberto Juan Rodríguez, cubano también, pero que a los nueve años se fue con su familia judía a Miami. Ha tocado con gente de la talla de Joe Jackson, Julio Iglesias y Paul Simon.

Por:

Diego Aranda (Audiokat)

Dj. Augusto Felibertt

Los Mejores Salseros del Mundo

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Alberto Gonzalez nos habla de su libro sobre Hector Lavoe y su experiencia con el ‘‘Jibarito de Ponce’’

21 septiembre, 2025 by Karina Garcia

Como artista, una de las acciones más nobles que se pueden realizar es honrar a los grandes artistas cuyo legado inspiró a las generaciones posteriores, incluyendo a quienes hoy en día les homenajean. Una muestra de ello es el talentoso director de orquesta, compositor, cantante y ahora escritor, Alberto González, a quien le agradecemos una enormidad que haya aceptado compartirnos su historia y diversas facetas, incluyendo la del autor de un libro sobre ‘‘El Cantante de Los Cantantes’’ Héctor Lavoe.

Alberto y su libro sobre Héctor — Author Alberto Gonzalez con una versión de su libro »Hector Lavoe and Associates»

Interés inicial de Alberto en la música

El interés inicial de Alberto por la música surgió con una tía puertorriqueña que se fue a vivir con él y sus padres a Chicago. A ella le encantaba la música de Raphael y de Sandro, así que su sobrino los escuchaba prácticamente a diario y terminó enamorándose de su música y de cómo cantaban.

Poco a poco, Alberto empezó a aprender sus canciones y, sin saberlo, estaba dando sus primeros pasos hacia la profesión de cantante. Sin embargo, no se detuvo ahí; también escuchaba la música de trío que disfrutaban sus padres y, con el tiempo, los álbumes de salsa que su hermano mayor empezó a traer a casa. Esos álbumes de salsa realmente llamaron la atención de Alberto.

Entre los artistas que escuchaba su hermano se encontraban Eddie Palmieri, La Sonora Ponceña, El Gran Combo de Puerto Rico, Willie Colón y quien se convertiría en su mayor inspiración, Héctor Lavoe.

Con el tiempo, su hermano se convirtió en trompetista profesional y tocó con varias orquestas de salsa en Chicago. Como siempre escuchaba a Alberto cantar canciones en casa, en 1979 le sugirió que hiciera una audición para una nueva banda de jóvenes salseros que su manager estaba formando. Para la audición, Alberto tuvo que aprender y cantar la popular canción «Voso» de Willie Colón y Héctor Lavoe. Afortunadamente, su audición fue todo un éxito y le pidieron que se uniera a La Típica Leal 79. La historia detrás del nombre de la banda es interesante: Carlos Caribe Ruíz, el manager del grupo, decidió llamarla Típica Leal porque la mayoría de los miembros de su banda anterior, La Juventud Típica, un día decidieron retirarse; lo dejaron a él. Por esa razón, decidió crear una nueva banda y se aseguró de añadir la palabra «Leal» (loyal en inglés) al nombre de la banda. Su esperanza era que la nueva banda, compuesta principalmente por adolescentes, fuera leal y no se marchara, como lo hizo la anterior.

Tiempo después, Alberto cantaría con la banda La Inspiración Latina y también colaboró brevemente con la Orquesta Yambo. En 2001, se mudó a Los Ángeles, donde comenzó a trabajar con Johnny Polanco y Su Conjunto Amistad, convirtiéndose en uno de sus vocalistas principales y viajando por el mundo con Johnny y su orquesta.

Alberto y Johnny Polanco — Alberto Gonzalez toando con Johnny Polanco Y Su Conjunto Amistad

Orquesta Salsa Caliente

Al dejar el grupo de Johnny Polanco, Alberto finalmente se sintió listo para formar su propio grupo, y así nació la Orquesta Salsa Caliente. Lleva muchos años liderando la banda e incluso ha viajado con ella a África y Bermudas.

En los últimos años, Alberto se ha dedicado principalmente a su trabajo como escritor. Todavía sigue cantando, pero su enfoque principal ha sido su libro debut, «Hector Lavoe y Asociados».

Su historia con Héctor Lavoe

En 1979, tras audicionar y triunfar con la canción «Voso», Alberto, de 15 años, se unió oficialmente a La Típica Leal 79. Caribe, el mánager de la banda, le pidió que aprendiera algunas canciones más de Héctor Lavoe (y Willie Colón). Como Héctor era su cantante favorito, se las aprendió con gusto. Como su voz se parecía un poco a la de Héctor, sus compañeros comenzaron a llamarlo cariñosamente «Baby Lavoe».

En otoño de ese mismo año, Alberto se enteró de que Héctor y su orquesta iban a actuar en Chicago. Al enterarse, le pidió a Caribe que lo llevara a ver a Héctor y, de ser posible, que se lo presentara. Afortunadamente, pudo ir al concierto y conoció a Héctor. Fue durante el concierto y en uno de los descansos de Héctor que pudo tomarse una foto con su cantante favorito. Alberto aún conserva esa foto con cariño. Esa noche, se dio cuenta de que Héctor era un «hombre del pueblo» por su humildad y su trato con los demás. La foto y su experiencia con Héctor fueron algunas de las principales razones por las que decidió escribir un libro sobre Lavoe. A lo largo de los años, muchos han criticado a Héctor y se han centrado principalmente en los aspectos negativos de su vida. Lamentablemente, mucha gente desconoce la otra cara de Héctor: la humilde, generosa y amable de Lavoe. Aprenderán más sobre esa faceta de Héctor en el nuevo libro.

Bueno, aproximadamente un año y medio después de conocer a Héctor, La Típica Leal 79 fue contratada para abrir el concierto de Celia Cruz

y Héctor Lavoe. Ese espectáculo se llevaría a cabo en uno de los salones de baile más aclamados de la ciudad, donde se presentaron muchos de los más grandes artistas de salsa a lo largo de los años. Esa noche, Alberto pudo conversar con Héctor y también se tomó otra foto con él. Héctor fue generoso con su tiempo; fue amable y muy servicial. Eso es algo que Alberto nunca olvidó.

El autor documenta esta y otras experiencias en el libro. Alberto entrevistó a unos dieciséis músicos que habían trabajado con Héctor, y ocho de ellos aparecen en el libro. Conocerás sus experiencias musicales y podrás leer sobre sus experiencias con «El Jibarito de Ponce», Héctor Lavoe. Los músicos que aparecen son Gilberto Colon Jr., Eddie Montalvo, Jose Mangual Jr., Louie Romero, Eric Matos, Ray Feliciano, Danny Rosado y Chino Núñez.

Alberto tituló el libro «Héctor Lavoe y Asociados», título inspirado en el álbum recopilatorio de Willie Colón de 1978, «Willie Colón and Asociados».

Alberto y Salsa Caliente — Alberto Gonzalez y su Orquesta Salsa Caliente

Algunas anécdotas sobre Lavoe en el libro

Entre las muchas anécdotas que se pueden leer en el libro, Alberto nos contó una en la que, en una ocasión, a un par de músicos de Héctor Lavoe les robaron el vehículo y les robaron todos sus instrumentos. Cuando Héctor se enteró de lo sucedido, les compró instrumentos nuevos y les dijo que no se preocuparan por devolverle el dinero. No les cobró ni un centavo.

Aquí hay otra historia. Durante un concierto, uno de los trompetistas de Héctor dejó caer accidentalmente su trompeta al suelo y la dañó irreparablemente; el instrumento quedó inservible. ¿Qué hizo Héctor? Le dio $1,000 para que comprara una trompeta nueva y, de nuevo, no le cobró ni un centavo.

Estas son solo algunas de las muchas historias sobre Héctor Lavoe que podrán leer en las más de 400 páginas del libro. El libro se lanzará oficialmente en los próximos meses. Para obtener más información, visite: www.hectorlavoebook.com

Alberto y Héctor Lavoe — Alberto Gonzalez junto a la estatua de Hector Lavoe en Ponce, Puerto Rico

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Cómo se gana dinero en la actualidad: artista de grabación, sellos discográficos y plataformas digitales

17 septiembre, 2025 by Augusto Felibertt

Carlos Navarro es un reconocido multi-percusionista, productor, bandleader y cantante, conocido por liderar la Orquesta Son y Clave. A continuación, algunos detalles clave sobre él y su música:

Estilo musical: Se especializa en géneros como la salsa, el mambo, el merengue y el Latín jazz.
Orquesta Son y Clave: Ha ganado popularidad en los últimos años, llegando a compartir escenario con artistas de talla mundial como The Rolling Stones.
Colaboraciones: Ha trabajado con importantes talentos de la música latina en Los Ángeles, incluyendo a Tito Nieves, Luis Barbarán y otros.
Vínculo familiar: Es hermano del famoso cantante Cherry Navarro.

Carlos Navarro reconocido multi-percusionista, productor, bandleader y cantante, conocido por liderar la Orquesta Son y Clave

¿Cómo es el proceso actual de grabación, producción musical y distribución de regalías?

El proceso actual comienza con la grabación, que hoy en día puede realizarse tanto en estudios profesionales como en Home Studios equipados con tecnología de alta calidad. Luego se pasa a la producción musical, que incluye la edición, mezcla y masterización para asegurar que el material cumpla con los estándares de la industria.

Una vez finalizado el producto, se distribuye digitalmente a través de agregadores o distribuidoras que lo colocan en plataformas como Spotify, Apple Music, YouTube, entre otras. En cuanto a las regalías, estas son recolectadas principalmente por sociedades de gestión colectiva y las propias plataformas, quienes reparten los ingresos en función de reproducciones, descargas o licencias, asignándolos al autor, intérprete y productor según lo estipulado en los contratos.

2). ¿Cuál es el impacto de las plataformas digitales que utilizan los artistas al colocar su música?

Las plataformas digitales han transformado la industria musical al democratizar el acceso. Hoy cualquier artista, sin importar su nivel de fama o recursos, puede distribuir su música a nivel global. El impacto más grande es la visibilidad: un tema puede llegar a millones de oyentes sin necesidad de un sello discográfico tradicional.

Sin embargo, también existe el reto de la sobresaturación del mercado, lo que exige que los artistas acompañen la distribución con estrategias sólidas de marketing digital, branding y presencia en redes sociales.

3). ¿Cómo es la distribución de ingresos al culminar el producto?

La distribución de ingresos varía según los acuerdos contractuales, pero en términos generales se reparten entre los autores y compositores (regalías editoriales), intérpretes y productores (regalías fonográficas), y la compañía distribuidora o sello.

En el entorno digital, las plataformas de streaming pagan un porcentaje por cada reproducción, el cual primero llega al distribuidor digital y después se reparte según los porcentajes pactados en contratos de edición y producción. Este sistema hace indispensable una buena gestión administrativa para que todos los involucrados reciban lo que corresponde.

At The Blind Tiger Super Club in Santa Barbara California. Son y Clave Orchestra Carlos Navarro. Great venue.

4). Nombre algunos modelos de negocios actuales al producir un material discográfico.

Distribución independiente digital: El artista paga a un distribuidor digital (ej. DistroKid, CD Baby, TuneCore) y conserva la mayoría de sus derechos.
Contrato con sello discográfico: El sello invierte en la producción y promoción, a cambio de un porcentaje de las regalías e incluso de los derechos de master.
Licencias y sincronización: Producción de música orientada a películas, comerciales y videojuegos, generando ingresos por licencias de uso.
Crowdfunding o financiamiento colectivo: Los fans apoyan el financiamiento del disco a cambio de recompensas exclusivas.
Modelo 360: El sello o empresa maneja no solo la producción y distribución, sino también conciertos, merchandising y derechos de imagen, a cambio de un porcentaje más amplio.

5). Estrategias que los artistas pueden utilizar para monetizar su trabajo en el entorno digital.

Streaming y descargas digitales: Maximizar presencia en Spotify, Apple Music, Deezer, etc.
YouTube y Content ID: Monetizar a través de visualizaciones, anuncios y control de derechos de autor.
Merchandising digital y físico: Camisetas, vinilos, NFT’s, productos exclusivos.
Redes sociales y suscripciones: Plataformas como Patreon o TikTok ofrecen la posibilidad de ingresos directos de los fans.
Licencias y sincronización: Ofrecer música para series, películas, videojuegos y campañas publicitarias.
Conciertos virtuales y experiencias exclusivas: Lives monetizados, meet & greet digitales o acceso a material exclusivo.

6). ¿Qué opina usted de crear una plataforma digital entre nosotros los músicos latinos donde las ganancias son para los artistas?

Considero que es una propuesta sumamente valiosa y necesaria. Una plataforma digital creada por y para músicos latinos tendría un impacto directo en la independencia y sostenibilidad de nuestros proyectos artísticos. Al eliminar intermediarios tradicionales y garantizar que la mayoría de las ganancias lleguen directamente a los artistas, se fomentaría una industria más justa y equitativa.

Además, este tipo de iniciativa no solo permitiría una mejor distribución de ingresos, sino también la creación de una comunidad sólida donde podamos apoyarnos mutuamente, visibilizar talentos emergentes y preservar la identidad cultural de nuestra música. En un mercado dominado por plataformas globales que priorizan volumen sobre calidad, un espacio propio sería una herramienta estratégica para fortalecer nuestra voz como artistas latinos y darle un verdadero valor a nuestro trabajo creativo.

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Tito Puente Jr: la continuidad de un legado con ritmo propio

13 septiembre, 2025 by Karina Garcia

En International Salsa Magazine, no cabemos de la emoción por haber podido conversar con el hijo de una de las más grandes leyendas de la música latina, quien a su vez, está escribiendo su propia historia de grandeza gracias a la escuela que ha tenido prácticamente desde su nacimiento. No es otro que el productor, compositor y percusionista neoyorquino Tito Puente Jr., quien ha compartido unos 40 minutos de su tiempo para responder algunas preguntas en exclusiva para Augusto Felibertt y quien les escribe, Karina García.

Productor, compositor y timbalero Tito Puente Jr. sonriendo para la cámara

El peso del icónico legado de Tito Puente

Tener un padre exitoso es una gran bendición, pero en ocasiones, se puede convertir en un verdadero martirio para un hijo que quiera seguir su camino, ya que las comparaciones entre ambos siempre serán inevitables. El poder compartir con Tito Puente Jr., hijo del legendario Rey del Timbal Tito Puente, nos da la oportunidad de conocer su perspectiva sobre este interesante e importante tema.

Por fortuna, el artista no ve este legado como una carga, sino todo lo contrario. Aunque reconoce en todo momento que su padre es uno de los más grandes maestros que ha habido en la música latina y embajadores que ha tenido nuestra cultura y que no es fácil llenar sus zapatos, porta su apellido y promueve su música con el mayor de los orgullos.

Es más, ve el apellido ‘‘Puente’’, tal como la palabra en español lo indica, como la unión entre varias generaciones porque muchos jóvenes de esta era no conocen a Tito Puente, Celia Cruz y muchos otros exponentes de aquella época dorada de la salsa. Tito Jr. justamente quiere ser parte de ese ‘‘puente’’ entre generaciones para que gente de cualquier edad pueda conocer a estos prodigios, por supuesto, incluyendo a su padre.

Niñez con Tito Puente de padre

Sobre su niñez y adolescencia, Tito resaltó que siempre vio a su padre manejar todo tipo de instrumentos como los timbales, la marimba, el saxofón, la percusión y muchos otros, cosa que a él siempre le inspiró y quiso imitar desde el principio. Hoy en día, su carrera está ampliamente influenciada por todo lo que vio en su hogar y toca los arreglos y composiciones de su padre, los cuales se reparten entre 186 discos en total.

Todo lo aprendido en el seno familiar le ha llevado muy lejos profesionalmente, al punto de que ya ostenta siete grammys latinos y 14 nominaciones, todo gracias al legado del que es portador.

Tito Puente y Tito Puente Jr. — Tito Puente Jr. y su padre Tito Puente en la alfombra roja de los Grammy Awards de 1998

Familia Puente en la actualidad

Ya por el lado un poco más personal, Tito es el menor de sus hermanos, de los cuales él fue el único que se dedicó a la música como profesión. Esto hasta cierto punto ha hecho que sea él quien cargue sobre sus hombros la trayectoria de Tito Puente a través de su propio arte.

El músico actualmente reside al sur del Estado de La Florida, específicamente en Miami, aunque trabaja con orquestas de diferentes ciudades y países. Además, está casado y tiene dos hijos que son Miranda de 18 años y Tito Puente Jr. Jr. de 17 años. Miranda estudia biología marina en la universidad, mientras que su hermano menor está en high school, pero viaja constantemente con su padre y disfruta mucho de la composición y la guitarra.

También nos habló un poco de su esposa, a quien le gusta muchísimo la salsa, pero no se dedica a la música. Por otro lado, habló con mucho amor de ‘‘la jefa’’, su madre Margarita Puente, que está actualmente encargada de las regalías, el trabajo con las disqueras, la publicidad y el documentario de la vida de Tito Puente

También tiene dos hermanos y son Audrey Puente de 55 años, que es meteoróloga televisiva, y Rony Puente de 77 años, que también es músico al igual que su padre y su hermano menor.

Más influencias musicales además de su padre

Además de la salsa, el mambo y el guaguancó, Tito disfruta mucho del rock en inglés y de varias de sus bandas como Metallica, Slayer, Iron Maiden, Black Sabbath y otras de este estilo. Estos gustos suyos le han llevado a tener la idea de, en algún momento, mezclar heavy metal con mambo para ver qué resultado obtendría.

Así como puede gustarle mucho la música de Bon Jovi y Ozzy Osbourne, también le fascina la de El Gran Combo de Puerto Rico, por lo que le resulta una mezcla de géneros muy interesante con la que le gustaría experimentar algún día.

También nos comentó riendo que su padre no compartía estos gustos musicales y que la única banda de rock que le gustaba era Santana y eso porque hizo su propia versión del éxito ‘‘Oye Cómo Va’’. en rock psicodélico y rock latino.

Tito Puente cargando a su hijo Tito Puente Jr.

Cantantes actuales

En la actualidad, Tito trabaja con diversos cantantes entre los que mencionó a Aymee Nuviola, Lucrecia, Yolanda Duque y, su gran amiga, ‘‘La Princesa de La Salsa’’ La India. En el caso de su padre, el trabajó con grandes vocalistas como Tony Vega, Michael Stuart, Oscar D’ León, José Alberto ‘‘El Canario’’, Miguel Ángel Barcasnegras Díaz ‘‘Meñique’’ y muchos más.

El disco más reciente de Tito ’‘The King And I’’ incluye también otras grandiosas voces como Domingo Quiñones, Frankie Negrón, José Alberto ‘‘El Canario’’, Tony Vega, Sheila E., Pete Escovedo y muchas otras super estrellas de la salsa de hoy y ayer.

El timbalero ha trabajado con muchas figuras que trabajaron con su progenitor en el pasado, por lo que es evidente que lo ven y respetan como la continuidad de su legado musical.

Opiniones de Tito sobre la formación académica en la música

Con respecto al importante tema de la formación académica en la música, Tito señaló que no existen suficientes programas educativos orientados a la enseñanza de la música afrocubana en las escuelas y universidades, lo que en su opinión debe cambiar cuanto antes.

De hecho, señaló la importancia de promover programas en instituciones educativas en el mundo entero para que sus estudiantes aprendan mucho más allá que solo música sinfónica y sean profesionales mucho más integrales. Aunque reconoce lo vital que es conocer a Beethoven y Tchaikovsky, también piensa que los aspirantes a músicos deben saber sobre Eddie Palmieri, Charlie Palmieri, Larry Harlow, Pupi Campo y otros artistas de ese estilo.

El artista considera que los ya mencionados artistas y muchos otros relacionados con el jazz y la salsa forman parte de una era muy importante de la música en el mundo, por lo que considera que los maestros deben tenerlos en cuenta a la hora de enseñar. Para él es una misión el promover tanto la música de su padre como la de otros exponentes de su tipo en el ámbito académico.

Tito Puente Jr. y su familia — Audrey, Margarita, Tito y Tito Jr.Próximas giras

Para nuestra investigación, pudimos notar que Tito tiene varias presentaciones y giras pendientes para lo que resta del año, más específicamente para noviembre. Al respecto, nos dijo que, en la primera semana de septiembre, fue a tocar la música de su padre en su show semanal Mambo Mondays, el cual se realiza con el fin de encantar al bailador ansioso por seguir disfrutando de la música de Tito Puente.

En cuanto a giras internacionales, tiene planteado ir a Alemania en febrero del año que viene y a España en el próximo verano. También está próximo a lanzar un documental en 2026 y un nuevo álbum junto a La Orquesta Sinfónica de Los Ángeles que cuenta con 77 músicos e instrumentos como violines, violas, arpas, gaitas, flautas, cuerno francés, entre otros.

Tito Puente Jr. y su hijo — Tito Puente III y su padre Tito Puente Jr.

Comentario final

Aún no nos podemos creer esta gran conversación con el gran y talentosísimo Tito Puente Jr. y ha sido un grato placer compartir este rato junto a él. Quienes quieran comunicarse con él, pueden hacerlo a través de sus redes sociales, que son las siguientes:

Facebook: https://www.facebook.com/TitoPuenteJr/

Instagram: https://www.instagram.com/titopuentejr/

X: https://twitter.com/titopuentejr

Tik Tok: https://www.tiktok.com/tag/titopuentejr

Spotify: https://open.spotify.com/intl-es/artist/2ROkqvVDXj5JgmN6z2uFrM

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El cantautor cubano Osmay Calvo muestra su versatilidad en la escena musical de Nueva Jersey

30 agosto, 2025 by Karina Garcia

Osmay Calvo es solo uno de tantos ejemplos más de por qué los cubanos han triunfado tanto en Estados Unidos, por lo que su historia y la de muchos de sus compatriotas siempre sirven de inspiración para aquellos que busquen una carrera en la industria de la música y no se atreven por la mala suerte de nacer en un lugar que no les ofrecía las oportunidades necesarias.

Calvo tuvo la gentileza de dedicarnos unos minutos de su tiempo para hablarnos de todo lo acontecido con su carrera hasta el día de hoy, así que es un honor para nosotros relatar lo conversado en las siguientes líneas.

Osmay presentándose — Cantante Osmay Calvo presentándose en un cumpleaños

Cómo Osmay empezó a tener interés en la música

Osmay nos cuenta que, desde muy pequeño, le gustaba mucho la música popular, por lo que empezó a participar en eventos musicales de la escuela teniendo apenas unos seis añitos de edad en Tarará, al este de la ciudad de La Habana. Paralelo a esto, su madre lo inscribió en clases de canto y pasaba mucho tiempo con sus familiares músicos, entre los que se encontraba su tío, el cantante Pedrito Calvo, exintegrante de Los Van Van.

Unos años más tarde, empezó a asistir a diversos tipos de concurso y a formar parte de la Academia Nacional de Canto Mariana de Gonitch dirigida en ese momento por el maestro Hugo Oslé y gracias a la cual llegó a conocer a Pacho Alonso, Ela Calvo, Mundito González y muchas otras figuras importantes de la música popular cubana.

Inicio oficial de su vida profesional

El inicio profesional oficial de Osmay fue en Cuba cuando se hizo parte del Centro Provincial de la Música Adolfo Guzmán en el año 1995, que es cuando puede decirse que tiene su primer empleo remunerado en la música. Si bien es cierto que el gobierno cubano se quedaban con un enorme porcentaje del dinero ganado por los artistas, Osmay agradece la experiencia y el chance de poder conocer otros países a través de sus actividades junto a la compañía.

Tiempo después, le salió la oportunidad de viajar a España y, posteriormente, a México, donde participó en un concurso de música y ganó el primer premio gracias al tema ‘‘La Bamba’’. Estuvo luego un mes más en España por un evento hasta que regresó a La Habana y ganó el Concurso de Canto Mariana de Gonitch obteniendo el premio a la gran generación popular de música nacional, lo que le llevó a viajar por las 14 provincias de Cuba para ofrecer su servicio y darse a conocer más.

Osmay, Ela, and Beatriz — Cantante Ela Calvo, Osmay Calvo y »La Musicalísima» Beatriz Marquez

Mudanza a Estados Unidos

Fue en el año 2002 en el que Osmay finalmente decidió que era hora de buscar otros rumbos y dejar Cuba definitivamente para ya no volver. Iba a firmar un contrato con Mambo Records en Miami, pero las cosas no se dieron, así que se puso a grabar su propia música y se fue a Nueva Jersey, donde comenzó a organizar su propia orquesta con las que tiene 16 temas originales escritos por el mismo Osmay, pero también numerosos covers de éxitos de otros artistas.

Ya tiene unos 24 o 25 años que no ha regresado a su país natal, de hecho, la mayoría de su familia también se encuentra viviendo en Estados Unidos y Canadá, salvo su tío Pedro Calvo, algunos primos, algunas amistades y algunos de sus profesores de música.

Sin embargo, a pesar de todo el tiempo que lleva fuera, las cosas no han sido del todo fáciles para Osmay, especialmente al principio. Lo que más se le hizo complicado fue el aprendizaje del idioma y lo poco que sabía de su nuevo lugar de residencia, pero el artista aprendió rápido y poco a poco fue integrándose en esta nueva escena musical gracias a la cual pudo tocar con muchas orquestas y conocer a grandes figuras como Oscar D’ León en el Club Coco Bongo en Elizabeth, Nueva Jersey, y Fernandito Villalona, para quien abrió en uno de sus shows.

En Nueva York, tocó con muchísimas bandas y se aprendió mucha música que se tocaba a nivel local. Desde Cuba Osmay se traía una formación académica en canto lírico y de sinfónica, pero Nueva York cuenta mayoritariamente con restaurantes, night clubs y ferias, por lo que le tocó adaptarse a un formato y público completamente nuevo

Osmay y Oscar — »El Sonero del Mundo» Oscar D’ León y Osmay Calvo

Por fortuna, lo consiguió y fue recomendado por otros músicos para tocar en muchos lugares hasta que una noche le proponen tocar en Don Coqui y le dijeron que Tito Nieves estaría presente. Entonces, cuando llegó el momento de que Osmay tocara junto con otros nueve músicos en el escenario, Jimmy Rodríguez, dueño de Don Coqui, se les acercó para decirles que posiblemente Nieves se acercaría a tocar con ellos más tarde. Un rato más tarde, en efecto, el puertorriqueño se acercó ya con un micrófono en la mano y tanto él como Osmay comenzaron a improvisar y el show duró como hasta las dos de la mañana. Para el cubano, fue una experiencia excepcional y un día inolvidable en su carrera.

Haberte Conocido

Luego de todo el camino recorrido, en el año 2021, ya Osmay se sintió listo para lanzar su primera producción discográfica independiente a la que tituló ‘‘Haberte Conocido’’. Este era un objetivo que tenía por cumplir desde que Hugo Oslé, quien también fue su maestro de canto, le decía a él y al resto de sus alumnos que era de vital importancia ser un artista independiente que escribiera y grabara sus propias canciones.

Además de eso, recuerda que en la clase todos eran boleristas, por lo que él quería hacer algo que lo diferenciara entre los demás, así comenzó a decantarse más por la salsa y otros géneros. Esto fue haciéndolo un artista mucho más versátil que podía cantar casi cualquier género que le pusieran al frente. A partir de allí, dejó de aprenderse los soneos originales de los temas y comenzó a improvisar en muchas ocasiones, lo que eventualmente le llevó a componer. Finalmente en el 2021, escribió ‘‘Haberte Conocido’’, la cual fue armada de ideas que se le iban ocurriendo e iba anotando en su celular durante sus ensayos. Entonces, estrofa a estrofa, creó el primer tema de su autoría.

Osmay y Tito — Osmay Calvo cantando con Tito Nieves en Don Coqui

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Ray Barretto: Rican/Struction de un Maestro para el año 1979

28 agosto, 2025 by Augusto Felibertt

«Rican/Struction» es la producción discográfica más representativa en la carrera de Ray Barretto, no solo por su carácter innovador, sino por lo que significó personalmente para él.

¿Corría el año 1978 y Ray Barretto no lograba asimilar la poca aceptación de su reciente álbum, “Can You Feel It?” (1978), que había grabado un año antes con el sello Atlantic. A pesar de su calidad, el disco pasó desapercibido para el público, lo que causó una gran frustración y decepción en el músico.

Desde hacía unos años, Barretto estaba cansado de tocar el mismo repertorio. Buscando darle un nuevo brillo a su carrera, su mánager Jerry Masucci vendió su contrato a Atlantic para que grabara un disco más comercial de jazz fusión y funk. Sin embargo, el plan no salió como esperaban. Por esa época, el percusionista pasaba sus días meditabundo y preocupado, convencido de que firmar con Atlantic había sido un error, pues la disquera le daba muy poca promoción a sus últimos dos discos.

Una mañana, mientras conducía, absorto en sus pensamientos, Barretto frenó de golpe para evitar chocar con un auto que apareció de improviso. La brusca maniobra causó que otro vehículo lo embistiera por detrás. La colisión le provocó varias lesiones, la más grave, un daño severo en los tendones que unían su pulgar con el resto de su brazo derecho. Los médicos lo “desahuciaron”, afirmando que no volvería a tocar.

La noticia hundió al músico en una profunda depresión. Los médicos le recomendaron una operación, pero Barretto se negó, temiendo que su mano no quedara bien. Buscó segundas opiniones en Los Ángeles y San Francisco, pero todos los especialistas le dieron el mismo diagnóstico y la misma solución: la cirugía.

Cuentan que Barretto visitaba los clubes con una tristeza y amargura palpables, porque no podía tocar. Mucha gente de la industria decía que su carrera había terminado, hasta que una noche, un viejo amigo y músico le habló de los beneficios de la acupuntura, una medicina tradicional china que había ayudado a varias personas con problemas similares a los suyos.

Barretto se sometió a un largo y doloroso tratamiento de casi dos años, logrando restablecer poco a poco el movimiento de su mano derecha. Una vez casi recuperado, decidió que era momento de volver a la música.

Rompió su contrato con Atlantic, buscó a Adalberto Santiago (quien había dejado su banda en 1972 para formar La Típica 73) y volvió a firmar con Fania Records. Con ellos, produjo el álbum “Rican/Struction” (1979), su disco más representativo, no solo por lo progresivo que resultó, sino por el inmenso valor personal que significó.

La producción fue un éxito arrollador y, un año más tarde, le valió los títulos de “Músico del Año” por la revista Latin New York. Así, el maestro Ray Barretto le demostró al mundo su gran fortaleza y tenacidad.

¿Sabías que…?

El tema “Al Ver Sus Campos”, del álbum Rican/Struction, es un homenaje al patriota puertorriqueño Pedro Albizu Campos. Compuesta por Johnny Ortiz y con arreglos de Oscar Hernández, la canción, interpretada por Adalberto Santiago, recoge el sentir de la resistencia de Albizu Campos, quien luchó por liberar su tierra de la fuerza invasora extranjera.

Albizu Campos, fue un jibarito, una leyenda que existio bajo el ardiente sol puertorriqueño
Según Adalberto Santiago, “la producción ‘Rican/Struction’ es una joya musical, ya que en Nueva York ningún músico compra discos y este fue adquirido por toda la comunidad salsera”.
Dj. Augusto Felibertt y Adalberto Santiago

Los vocalistas de Ray Barretto y La Típica 73

Adalberto Santiago estuvo en la banda de Ray Barretto de 1966 a 1972. Al dejarla para unirse a La Típica 73, su reemplazo fue Tito Allen, quien en 1973 grabó con Barretto el álbum Indestructible.
Tito Allen y Dj. Augusto Felibertt
Cuando Adalberto Santiago dejó La Típica 73 para conformar Los Kimbos, su reemplazo en la agrupación fue de nuevo Tito Allen. Con ellos, Tito grabó el álbum Rumba Caliente (1976). Luego, en 1977, el vocalista de La Típica 73 fue Camilo Azuquita (QEPD) para el disco The Two Sides of Típica 73.