Augusto Felibertt

Orquesta Salsarria. De vuelta a nuestras Raíces

19 marzo, 2024 by Augusto Felibertt

Latinoamerica / Venezuela / Caracas

La Orquesta Salsarria fue fundada en Caracas el 20 de de julio del año 2018 por su director, pianista, arreglista Wilfredo Agustín Castro Sarmiento.

La Orquesta Salsarria en sus comienzos la orquesta estuvo presentaciones en eventos en la ciudad capital donde obtuvo gran aceptación en el publico caraqueño.

Por la orquesta han marchado músicos muy importantes de talla nacional e internacional tales como: Orlando Poleo (Francia), Orlando Watussi (Italia), Federico Betancourt, Luis esteban España (El diablo del Son) entre otros.

La orquesta Salsarria ha participado en importantes festivales de música latina tales como ¨ Bicentenario Festival Suena Caracas ¨ con una presentación en tarima.

Orquesta Salsarria - Pal Bailador — Orquesta Salsarria – Pal Bailador

En el año 2014 graban su primer álbum titulado ¨De Vuelta a Nuestras Raíces¨ teniendo aceptación en el público salsero nacional e internacional.

Su director y fundador Wilfredo Castro es el compositor y el arreglista de todos los temas, Te quiero Caracas, Simplemente (éxito internacional), Las Leyendas, Comparsa de carnaval para Caracas, Swing diferente, Ese día que decidas regresar y en mi Barrio, y preparando su segunda producción discográfica.

Nahiti Ortega. La Danza es su Pasión y Vida

19 marzo, 2024 by Augusto Felibertt

Latinoamerica / Venezuela / Caracas

Nahiti Ortega, es una venezolana con un talento excepcional, más de 25 años como ejecutante de las danzas tradicionales venezolanas, esta vez International Salsa Magazine tiene el privilegio de conversar con esta artista de talla internacional.

Inició sus estudios de Danza en los talleres de Cultura Popular de la Fundación Bigott, tomando clases en las diferentes regiones del país.

También realiza cursos de otras danzas internacionales como: africanas, colombianas, cubanas, argentinas, dominicanas, bolivianas, brasileras, chilenas, entre otros.

Amplía sus conocimientos tomando otros talleres de accesorios para la danza, expresión corporal, rítmica, análisis de la danza, teoría de la cultura popular, elementos anti estrés de la música y el canto, técnica vocal, maquillaje artístico, diseño de vestuario escénico, organización de eventos especiales, imagen corporativa, tradición en línea, formación de teleformadores, recursos pedagógicos de un aula virtual: moodle entre otros.

Augusto : ¿Qué significa para ti la danza en lo personal?

Nahití : La Danza es vida…

La vida comienza con una danza, desde que somos concebidos, danzamos cuando un niño está dentro del vientre de su madre, cuando la tierra gira sobre su propio eje, cuando las olas del mar llegan a la orilla, cuando el viento sopla y mueve las hojas de los árboles… en todos esos movimientos se produce una hermosa danza, así como la vida misma.

“El Baile tiene tanta importancia que los héroes celestiales crearon el mundo con el poder de la danza, y toda la tierra es la obra mágica de los primeros bailarines. La propia existencia de los seres humanos es el resultado del baile. Por eso, bailar es asegurar la continuación de la existencia” (Morela Maneiro)

Para mí la danza es una forma de vida que me conecta con lo más profundo de mí ser y me deja desnudarme y mostrarme tal como soy. Mis movimientos son la expresión física de todo lo intangible que me pasa. Al moverme pongo en evidencia la relación que tengo conmigo misma y con mi entorno.

Augusto : ¿Existe o existió alguna guía que te inspiró a este arte?

Nahití : Mi padre siempre ha sido mi inspiración y mi guía; desde pequeña siempre quise bailar, un día él me preguntó, ¿de verdad quieres bailar? y le dije que sí, fue entonces él quien me llevara de la mano a estudiar danza e introducirme este maravilloso mundo.

A lo largo de mi carrera he tenido increíbles maestros, el cual debo mencionar al Profesor Freddy Medina quien por su disciplina, exigencia y dedicación aprendí a diferenciar y ejecutar gran parte de nuestras danzas tradicionales y a Omar Orozco quien me enseño que la danza, más allá de ser interpretada, nos sirve para la vida misma.

Augusto : Nombrarme la mejor anécdota en tu carrera, nacional e internacional

Nahití : Jajaja… Woow! A lo largo de mi carrera he tenido muchas anécdotas te puedo contar algunas:

Una de las que recuerdo en este momento fue en una presentación con el Maestro Cheo Hurtado donde me tocaba mostrar la diferencia en la ejecución de los Joropos Venezolanos, al llegar al camerino y sacar el vestuario me percaté de que tenía dos zapatos del mismo pie, es decir;

tenía dos zapatos derechos, te podrás imaginar mi cara susto, después de esto me dio un ataque de risa y mi amiga Rossmary Rondón, también bailarina, viendo la situación y mi reacción, me preguntó que si estaba loca, que ¿por qué me reía? y yo le respondí “porque igual tengo que resolver y no hago nada con molestarme”. Finalmente bailé con mis dos zapatos iguales y nadie se percató de ese detalle sólo lo sabíamos ella y yo. Y todo salió bien.

Otra fue en una larga gira por Asia, nos encontrábamos en Corea y realizamos 3 presentaciones diarias, recuerdo que en la tercera del día hacíamos el baile del mono, en este pieza invitamos al público a incorporarse, en la interpretación nos lanzábamos al suelo y después no nos podíamos parar rápidamente por el cansancio y nos daba mucha risa, el público debía actuar por imitación y como no sabían lo que estaba ocurriendo, terminaban contagiándose con nuestra la risa.

Augusto : ¿Tu padre fue influencia en tu trabajo?

Nahití : Indudablemente sí, admiro muchísimo a mi padre, es un gran artista uno de los mejores en su estilo, siempre ha sido referencia en el ámbito musical, he aprendido que con disciplina, constancia, dedicación y amor por lo que haces se pueden alcanzar las metas propuestas, mi padre en la actualidad tiene más de 50 años de trayectoria artística, ininterrumpidos, lo cual demuestra que su fórmula funciona.

Augusto : Háblanos un poco de tu carrera como docente

Nahití : En mis clases suelo enseñar la procedencia de la danza a trabajar, los principales movimientos corporales, pasos básicos y secuencias coreográficas, dependiendo del nivel, así como la respiración y la preparación física para cada danza. También introduzco al alumno en la búsqueda personal para que pueda conseguir su propio estilo y proyección.

Augusto : Expresamos, ¿cómo fue tu trabajo como Directora Artística de Vasallos de Venezuela?

Nahití : Me gusta estimular mentalmente a los integrantes, creamos un mundo entre todos con algunas características y reglas. Para mí, cada cuerpo tiene una historia que contar, cada uno tiene movimientos particulares adquiridos a través de sus vivencias que puede aportar, de modo que trato de encontrar la formas en la que los integrantes puedan identificarse con la motivación, he involucrarse y se sientan con ganas de proponer. Lo que busco es encontrar durante el proceso, movimientos que se adapten a lo que me planteo.

También me gusta trabajar mucho la memoria muscular a través de la repetición, para lograr que los movimientos no sean robóticos. Trabajamos profundamente, la gestualidad y la puesta en escena es importante que cada uno saque y proyecte su estilo personal.

Augusto : ¿Tienes Proyectos a futuro?

Nahití : Proyectos muchos, giras, concierto que no te diré detalles por cábala jajaja…

Augusto : Explica tu experiencia como manager de Coco y su Sabor Matancero

Nahití : Es realmente maravilloso, ver lo exitosa que ha sido la carrera de mi padre y ahora su Manager, es un gran compromiso, todos los años de experiencia en el mundo artístico me hicieron merecedora de esta responsabilidad. En este corto tiempo conseguimos grabar su nueva producción Discográfica titulada “Con Todo” en el cual logramos reunir a grandes artistas como: Mariana “La Sonera”, Wilmer Lozano, Rodrigo Mendoza y El moreno Michael, y ya hemos visitado varios países para su promoción, Estados Unidos, Chile, Perú y Panamá, acabamos de realizar un concierto en una de las mejores salas de Venezuela, al igual que realizamos el bautizo del mismo.

Nahití Ortega, cuenta con una amplia trayectoria a nivel Nacional e Internacional, posee una personalidad extraordinaria que transmite alegría, buena vibra, armonía, sentimiento por lo que hace que viene directo del corazón, teniendo en cuenta su particularidad y profesionalismo de las enseñanzas de su padre.

Inicia sus actividades en el ámbito de la Cultura Popular participando en la Agrupación la Patria y su Gente dirigido por el Profesor Freddy Medina durante tres años; en el año 1994 participa como invitada especial de la Agrupación Autóctono de la Vega en el “Festival de Barcelos”, pertenecientes al circuito de CIOF – UNESCO, en los países Portugal y España.

En el año 1995 ingresa a la agrupación con Venezuela dirigido por el Profesor Oswaldo Lares en el cual trabajó durante cuatro años, participando en el “Festival del Caribe 95” en las ciudades de Cancún, Cuzumel, Playa El Carmen, Estado de Quintana Roo – México, en el año 1996 realiza el taller de percusión afro-venezolana en los talleres de cultura Popular de la Fundación Bigott dictado por el profesor Jesús Paiva, con una duración de tres años.

Participó como bailarina en el videoclip de Oscar D´ León “Mírala Como se Menea”, así como en la película Venezolana “Juegos bajo la Luna”, dirigida por Mauricio Walerstein.

En el área docente, ha impartido talleres de danza tradicionales a nivel nacional e internacional.

Así como también de accesorios para la danza, expresión corporal, Bailoterapia, indumentaria, maquillaje básico para escenario, maquillaje artístico, puesta en escena, entre otros.

Entre las instituciones en la cual ha impartido talleres podemos mencionar algunas tales como: Talleres de Cultura Popular de la Fundación Bigott – Venezuela Universidad de las Artes en Lima – Perú.

Universidad Simón Rodríguez. Núcleo Barquisimeto -Venezuela

Ha realizado trabajos como bailarina, coreógrafa, asesora de imagen y productora para diversas agrupaciones.

En el año 1993 ingresa a la agrupación “Vasallos del Sol” de la Fundación Bigott bajo la dirección del Profesor Omar Orozco.

En el 2000 ingresa a Danzas Itanera, como bailarina, diseñadora de vestuario y asesora de imagen de la agrupación.

Ha compartido escenario con artistas como: Serenata Guayanesa, Un Solo Pueblo, Francisco Pacheco y su pueblo, Simón Díaz, Cruz Tenepe, Vidal Colmenares, Cristóbal Jiménez, Gurrufio, El cuarteto, Orquesta Sinfónica Juvenil de Caracas, Orquesta de Cámara de las Fuerzas Armadas, Coco y Su Sabor Matancero, Oscar de León, Guaco, Amigos Invisibles, Aquiles Báez entre otros.

Ha recorrido todo el territorio nacional presentándose en innumerables escenario con participación en festivales Internacionales. En el año 2009 participó como bailarina y tallerista en el X Encuentro para la promoción y difusión del patrimonio inmaterial de los países Iberoamericanos “Fiestas y Rituales” en Lima, Perú. Actualmente Manager de Coco y Su sabor Matancero y director de danza y artístico de la agrupación Vasallos de Venezuela.

Fotografías cortesía de Nahití Ortega

Benny Moré. La historia del ídolo de multitudes más grande de Cuba

8 marzo, 2024 by Augusto Felibertt

Latinoamerica / Cuba / La Habana

¿Quién es Benny Moré? No se trata de un músico más, es por unanimidad, el más genial artista popular que ha existido en la isla afrocubana. Él es el símbolo, el mito, la leyenda, es sin duda alguna, el resumen de la música popular, rica y abundante de cuba.

Benny Moré simboliza el “Guateque” campesino, el “Sarao”, la bohemia, la descarga, el café, el bar, el teatro, la fiesta, los carnavales, el espectáculo. “El Bárbaro del Ritmo”, fue lo máximo de la música popular afrocubana.

Benny Moré nació el 24 de agosto de 1919 a las siete de la mañana en el barrio Pueblo Nuevo del poblado de Santa Isabel de las Lajas, perteneciente a la provincia Cienfuegos. Sus padres se llamaban Virginia Moré y Silvestre Gutiérrez, y Benny fue el mayor de 18 hermanos. Su apellido Moré provenía de Ta Ramón Gundo Moré (esclavo del Conde Moré), quien según la tradición de los Congos, fue su primer rey en Santa Isabel de las Lajas.

Benny estaba dotado con una fluida voz de tenor que coloreaba y fraseaba con gran expresividad y este contexto fue definitivo para su futura carrera en la música. Aprendió a tocar el insundi, los tambores de yuka, los de Makuta y Bembé, invocadores de deidades, con los cuales no solo cantaba y bailaba a la perfección, sino que también interpretaba el son, la guaracha y la rumba.

Desde pequeño manifestó su gran vocación por la música, pues se pasaba todo el día tarareando una canción de moda o improvisando y dirigiendo conjuntos compuestos por machetes, bongos hechos con latas de leche, guitarras fabricadas con una tabla y clavos con las cuerdas de hilo de coser, dos palitos a manera de claves, etcétera. Ya a los diez años “rallaba” un tres “de verdad” que le habían prestado, con el cual se escapaba de su madre a las fiestas cercanas a su casa.

Moré fue un maestro en todos los géneros de la música cubana

Al “Bárbaro del Ritmo” siempre se le podía hallar de pie sobre una mesa cantando y versando un son manigüero, rodeado de oyentes. Pasó la infancia y adolescencia de Bartolomé, sin oportunidad de estudio o de empleo fijo. Al igual que su hermano Teodoro, Bartolomé fue matriculado en la Escuela de Instrucción Pública José de la Luz y Caballero, donde siempre se destacó por su conducta y aplicación.

¿Por qué el símbolo de Bacardí es un murciélago?

Desde pequeño Moré despuntó aptitudes para el canto y la improvisación, lo que demostró cuando apenas contaba con siete años, cuando se escapaba para entretener Guateques y fiestas en las cercanías de su casa y se quedaba entonando notas junto a la madre, para evitar que durmiera mientras planchaba hasta altas horas de la noche.

Su voz se destacó particularmente en el Son Montuno, el Mambo, y el Bolero

Benny atravesó una vida complicada, pero estaba dispuesto a todo para lograr sus sueños de triunfo. Con casi 20 años de edad, en 1940 Bartolomé se despidió de su madre en el Hotel Ritz del Central Vertientes, donde ella trabajaba, y viajó escondido, indistintamente, en tren y camión a la Ciudad de La Habana. ¡Venía, definitivamente, a probar fortuna a la bulliciosa ciudad!

Desde entonces, se le veía por el célebre barrio de Belén, con una guitarra adquirida en una casa de empeños, vagando por cafés, bares, hoteles, restaurantes, y hasta prostíbulos. Ese mismo año le dijo a su primo (compañero de descargas):

“Me quedo en La Habana, aquí me levanto o me hundo”. A partir de ese momento comenzó la saga de las descargas por los bares de la avenida del puerto… Una vez recordando esos tiempos confesó: “Me lancé a la calle con una guitarra al hombro a cantarle a los turistas. No me avergüenzo de ello; Carlos Gardel también lo hizo en la Argentina y es el rey del tango”.

En esa época, en la emisora CMQ comenzó a radiarse la Corte Suprema del Arte. Bartolomé Maximiliano Moré se presentó en aquel programa que animaban Germán Pinelli y José Antonio Alonso. Después de presentarlo y al momento de iniciar su presentación, le tocaron la campana.

Más tarde volvió Bartolomé a Monte y Prado a la Corte Suprema y en esta segunda ocasión ganó el primer premio. Poseedor de una voz fresca, de hermoso timbre, sensual y evocadora, de campesino negro, no obstante su miseria, Bartolo seguía cantando con toda la fuerza interior que le reclamaban los ritmos cubanos.

En una de sus correrías, Siro Rodríguez, integrante del famoso Trío Matamoros, lo escuchó cantar en el bar del restaurante El Templete, de la Avenida del Puerto, y quedó muy impresionado por la voz y afinación del muchacho. La entrada de Bartolomé al conjunto de Miguel Matamoros fue un hecho y se puede considerar como su verdadero debut como cantante profesional, pues con dicha agrupación tuvo por primera vez un trabajo estable como músico y realizó sus primeras grabaciones en discos de 78 revoluciones por minuto.

Benny sabía que tenía una voz, un aché (suerte) y un destino. Quizás lo presintió, lo intuyó, o simplemente confiaba en su triunfo. Cuando comenzó con Miguel Matamoros y su conjunto, ya quería hacer cambios en el piquete. En México, cuando enfermó Miguel, pudo dirigir el conjunto, tomó el mando y puso a gozar a los “Cuates” en el cabaret El Patio.

Cuando terminó el contrato, el conjunto Matamoros retorna a La Habana, pero sin Bartolomé, quien decide probar fortuna solo en México. Al comunicarle su decisión al famoso autor del son El que siembra su maíz, Miguel Matamoros le respondería: “Está muy bien, pero tienes que cambiarte el nombre de Bartolo, que es muy feo. Con él no vas a ir a ninguna parte. Tiene usted razón le contestó Bartolo, desde hoy me llamaré Benny, sí, Benny Moré”.

El dueño del negocio se hipnotizó del ambiente tan sabroso que propició el Benny como director. Después de cantar con varias orquestas de empuje en México, se plantó bonito con la banda más famosa del siglo XX: Pérez Prado y el mambo cubano. Con este encuentro se unieron dos genios: en Benny Moré estaban el talento y la intuición natural; en Pérez Prado, además de todo eso, el dominio de la técnica y una enorme facilidad para hacer música. Con Pérez Prado conquistó al noble pueblo azteca en giras por distintos estados de ese país hermano.

Debido al éxito alcanzado por el Benny, el pueblo le otorgó el título de “Príncipe del Mambo” y a Pérez Prado el de “Rey del Mambo”. Cantó como nadie en el mundo e inicia su ascenso internacional.

Ya por esa época la voz de Benny era conocida en Panamá, Colombia, Brasil, Puerto Rico, Haití, Venezuela, y desde luego, en su natal Cuba.

En el alegre mundo de la vida nocturna de Ciudad México, el cantante cubano actuó en infinidad de teatros, entre otros el Margo, el Blanquita, el Folliers y el Cabaret Waikiki, alternando con artistas de tanto renombre como la legendaria vedette Yolanda Montes (Tongolele), la mexicana Toña la Negra, y el destacado pianista y compositor cubano, Juan Bruno Tarraza, de quien Benny cantó el bolero “Ya son las doce”.

Benny Participa en muchas películas y a su regreso a Cuba, ya estaba seguro de que había que contar con él.

La nostalgia por su familia, amigos, por la Patria, y el deseo de obtener laureles en su Isla, donde consideraba que no era conocido lo suficiente, le hicieron regresar a su Lajas querida a finales del año 50. El sonero mayor se encontraba definitivamente en Cuba, había dejado atrás comodidades, satisfacciones materiales y espirituales, amigos y hasta los amores que no le suelen faltar a los triunfadores.

Durante los siguientes dos años actuó por contrato para un programa llamado “De fiesta con Bacardí”, que salía al aire por la Cadena oriental de radio con la orquesta de Mariano Mercerón, y los cantantes Fernando Álvarez Pacho Alonso.

Como Benny Moré era artista exclusivo de la RCA Víctor, esta firma reclamó su presencia en La Habana para hacer distintas grabaciones. Para cumplir con este compromiso daba viajes alternos a La Habana y así mantenía su responsabilidad con la cadena oriental de radio.

Finalizado el compromiso en la Casa Bacardí y el maestro Mercerón, en 1952 Benny Moré regresó a La Habana.

Ciertamente, Benny concluyó una época, cerró un capítulo de la vida musical cubana, esa etapa de la vida nocturna que ya se declinaba.

La vida del Benny se relacionó con un mundo que ya desapareció. Luego todo se convirtió en mitos y leyendas… Benny siguió cantando, pero ahora sería en discos que hacían scrach, que se digitalizaron.

Los “oidores” (oyentes) de hoy deben transportarse en el tiempo, abstraerse, imaginar aquellos bares de mala muerte, del puerto habanero lleno de turistas curiosos. De fondas de chinos que expendían “completas” para pobretones que pasaban el sombrero, después de cantar por las calles de la Habana – Cuba.

Marco Toro. El Versátil de la Percusión

1 marzo, 2024 by Augusto Felibertt

Europa/ Holanda

Marco Toro es un versátil baterista, percusionista y compositor nacido en Caracas, cuyas raíces están incrustadas en la música y cultura popular venezolanas.

En octubre de 2015 lanzó su último trabajo, esta vez se trata de jazz latino: Marco Toro presenta Zambo Jazz, una mezcla de ritmos y sabores que recuerda al oyente de lugares como África, América del Sur y Nueva Orleans.

Marco Toro vuelve a mostrar su diversidad en la batería y la percusión, tocando como siempre con músicos de primera categoría que también comparten créditos en esta producción.

Marc Bischoff, de Alemania en piano, escribió dos de las ocho canciones: Oh Lame Saint y Mojitos y Daikiries, el trompetista Oscar -Chucky- Cordero, de Venezuela, escribió The Tour. Michael Simon, también de Venezuela, arregló a Marialí. Santiago 2 A.M. Es una composición del chileno Alekos Vuskovic y Let It Walk es del trompetista y arreglista Francisco Peña de Colombia. Matthias Konrad toca el trombón; Él también es de Alemania y el venezolano Samuel Ruiz toca el bajo.

Además de tocar Batería, timbales, congas, bongos y cencerro, también toca instrumentos afro-venezolanos típicos como cumaco, culo e puya, tambor campana, tamboras, maracas, etc.

Él no sólo toca todo tipo de instrumentos de percusión, también toca una amplia variedad de estilos.

Ya en 2004 se embarcó en un proyecto en solitario: Marco Toro y su Ensamble, explorando ritmos sudamericanos como Son, Joropo y Salsa, entre otros. Con este grupo lanzó ocho álbumes; El último CD es del 2017: Marco Toro y su Ensamble 12+1 Anniversary más info (www.toro-ensamble.com).

Marco Toro actualmente está tocando con Lucas van Merwijk’s Drums United y Cubop City Big Band desde 2008, recorriendo Europa, Estados Unidos, Canadá, Sudamérica, China y Tailandia.

En 1989 Marco Toro formó a Laberinto, una banda de rock que se hizo conocida por crear «Metalatino», una mezcla única de metal pesado y percusión latina.

En 1992 Laberinto se trasladó de Caracas a Amsterdam, donde la banda editó ocho álbumes entre 1996 y 2010.

La leyenda del rap holandés Osdorp Posse aparece en The World Might Suck, desde 2008.

Un noveno álbum: Lo mejor de Laberinto fue lanzado en Venezuela.

Después de años de exitoso y extenso recorrido por Europa, Colombia y Venezuela se fueron por caminos separados.

Ha compartido escenario y grabado con muchos artistas de renombre como:

Andy González
La India
Jimmy Bosch
Pedro Arroyo
Metropole Orkest
Laberinto
Osdorp Posse
Def P
Beatbusters
Drums United de Lucas van Merwijk
Cubop City Big Band
Ricky Luis N’Clave
Zambo Jazz
De Pana
Beatbusters y Def P
Santanico
G. Clarinda y la Rítmica
Orquesta Primera Plana
Orquesta Bembe
El Trabucombo de Gerardo Rosales
Marejada
Tierra Caliente
Rudy Albano
Jacqueline Castro
Subject to change
Tumbao
Grupo Kilele
Javier Plaza y su Orquesta Sonrisa
FP La Banda
Chucky y su Trabuco Guarimba
Barrio Nuevo
La Misma Gente
Marike Jager
Kuenta i Tambu
King of the bongo
Carmen Gabriela Lozada
Grupo Mate
Alejandro Carbajal
Flaco Carrillo
Silicon Head
Wereld Kinder Festival
La escuela virtual de Bart Noorman
Pistoleros de la Paz
Descarga Amsterdam
Conjunto Amsterdam
Cabo Cuba Jazz
The Soul of Spanish Harlem
Jean Paul Tamayo

entre otros.

Marco Toro es patrocinado por Zildjian Cymbals, Pearl Percussion y Evans Drumheads.

Bamboleo de Lázaro Valdés es otro de esos exquisitos productos cubanos al igual que el ron dulce y los puros suaves

28 febrero, 2024 by Augusto Felibertt

Al igual que el ron dulce y los puros suaves, Bamboleo de Lázaro Valdés es otro de esos exquisitos productos cubanos que, una vez que se prueban, no son suficientes.

El grupo de timba de 14 miembros es un número ardiente, desde su música y coreografía hasta sus bien vestidos cantantes y músicos.

Lázaro Valdés dirige el grupo, toca el piano, hace arreglos, compone y escribe canciones. Nacido en La Habana, estudió en la Academia Alejandro García Caturla en la década de 1970.

Creó Bamboleo después de pasar tiempo actuando con artistas como Pachito Alonso, Bobby Carcasses y Héctor Téllez.

Seleccionó a los mejores músicos e incorporó a su nueva compañía a muchos que se habían formado en la Escuela Nacional de Arte de La Habana.

Añadió chispa con la vocalista Haila Mompie, que a su vez reclutó a la vocalista Vannia Borges. Otra habanera, Borges empezó a estudiar música a los cinco años, y cantó profesionalmente por primera vez con un grupo femenino conocido como D’capo a principios de los 90. Cuatro años más tarde, pasó a formar parte de la banda D’capo.

Cuatro años más tarde, pasó a Pachito Alonso y su Kini Kini, que abandonó en 1997 para añadir su talento a Bamboleo.

La guantanamera Yordamis Megret llegó al grupo en 1998, un año después de la marcha de Mompie. Comenzó su formación musical a los 10 años y se aficionó a la guitarra.

Al igual que Borges, también es alumna de la Escuela Nacional de Arte. Tras graduarse, empezó a cantar profesionalmente con Ricacha. Antes de unirse a

Bamboleo, Megret cantó en el grupo de salsa PG, de José Luis Cortés. Bamboleo empezó a hacer giras fuera de Cuba en 1996, el mismo año en que el grupo debutó con Te Gusto o Te Caigo Bien.

El grupo ha actuado en las principales ciudades de Estados Unidos, de Chicago a Miami, y de Nueva York a Los Ángeles. Tras el lanzamiento de Yo No Me Parezco A Nadie y Ya No Hace Falta, el grupo realizó una gira por todo el mundo, con paradas en Europa, Estados Unidos y Japón, así como en el Festival Mundial de Música Heineken 2000 de China.

Bamboleo también colaboró en el álbum Ear-Resistable de los Temptations, ganador de un Grammy.

Además, el grupo ha aparecido en el programa Road Rules de la MTV y ha trabajado con artistas como James Brown, Femi Kuti y George Benson._Linda Seida

Bamboleo, uno de los grupos más conocidos en la cresta de la ola de la timba, un nuevo estilo que mezcla salsa con elementos funk y jazz y que emana de las calles de Cuba, se mantiene a la vanguardia con Ya No Hace Falta, de 1999.

Tras saltar a la notoriedad internacional con Yo No Me Parezco a Nadie en 1997, la presión estaba puesta en cumplir con su recién ganada base de fans.

Con unos arreglos suaves y una banda muy compenetrada con la batería, Bamboleo no tuvo problemas para hacer buena su reputación y, en todo caso, elevaron el listón para todo el género.

Tanto la sección de vientos como los vocalistas tienen un enfoque fresco y suave que contrasta con el sonido enérgico de grupos similares como la Charanga Habanera o NG la Banda.

Esta sensibilidad ahumada y jazzística yuxtapuesta a las esquinas afiladas de la sección rítmica superfunky hace que la escucha sea fácil y placentera.

Al grupo no le falta calor, con los montunos salados del pianista/arreglista Lázaro Valdés y un montón de cambios de tiempo de una sección de percusión tan buena como cualquiera de las que operan hoy en día.

Desde el punto de vista sonoro, los oídos se regocijan al escuchar un disco de timba al que no le falta fidelidad ni sensibilidades de producción modernas.

Gracias a su equilibrado sonido global, su enfoque único y su experta musicalidad, Bamboleo marcará tendencias y borrará fronteras durante décadas.

Evan C. Gutierrez

Bamboleo – Ya No Hace Falta (1999)

Músicos:

Lázaro M. Valdés Rodríguez (Director, piano, compositor)

Abel Fernández Arana (Saxo alto)

Carlos Valdés Machado (Saxo tenor)

Anselmo «Carmelo» Torres Trompeta

Dunesky Barreto Pozo (Congas)

Alberto Para (Maracas)

Herlon Sarior (Timbales)

Jorge David Rodríguez (Voz)

Yordamis M. Mergret Planes (Voz)

Frank Cintra Cruz (Trompeta)

Alejandro Borrero Ramírez (Vocales)

Vannia Borges Hernández (Voz)

José Antonio Pérez Fuentes (Violín)

Maylin de la Caridad González Aldama (Violonchelo)

Ludwig Nunez Pastoriza (Batería)

Rafael P. Pacerio Monzón (Banjo)

Ulises Texidor Pascual (Bongos)

Fuentes:

Información realizada ( 27 de enero de 2024)

L’Òstia Latin Jazz

También Lea: Irakere, fue un grupo cubano que desarrolló un importante trabajo en la música popular cubana y el Jazz Latino bajo la dirección de Chucho Valdés

Eva Cortés en la actualidad, su música refleja las influencias recibidas de su mestizaje cultural

27 febrero, 2024 by Augusto Felibertt

Voz frágil, delicada y poderosa a la vez, que se mueve con devoción y buen hacer por los múltiples caminos del jazz.

Eva Cortés nació en Tegucigalpa (Honduras), 1972 es una cantante y compositora hondureña de jazz.

Eva Cortés en la actualidad, su música refleja las influencias recibidas de su mestizaje cultural

Más que una voz, nuestra estrella del jazz en el mundo.

Se encuadra en el movimiento de la fusión, al incorporar a su música las influencias de la música tradicional latinoamericana (zamba, bolero), el blues, la música tradicional andaluza y el jazz.

Canta con un español de cadencia latinoamericana y ecos y acento andaluz.

Creció en Sevilla y reside actualmente entre Madrid y Nueva York.

Se dio a conocer en el año 1980 tras grabar un álbum de canciones infantiles titulado Cosas de niños junto a cantantes como Ana Belén, Víctor Manuel, Mocedades y Miguel Bosé.

Eva Cortés nació en Tegucigalpa (Honduras), 1972 es una cantante y compositora hondureña de jazz.

En la actualidad, su música refleja las influencias recibidas de su mestizaje cultural, así como de los diferentes géneros musicales desarrollados a lo largo de su trayectoria.

Al crecer en una familia de gran tradición musical, estuvo expuesta a la música latinoamericana. Aunque escuchamos en sus primeras composiciones, a la edad de 16 años, una fuerte influencia del blues.

En enero de 2006 voló hasta Santiago de Chile para grabar y coproducir Sola Contigo, su primer álbum en solitario que fue mezclado y masterizado posteriormente en París.

En dicho trabajo podemos encontrar ritmos sudamericanos fusionados con el jazz y con un suave toque proveniente del sur de España.

Eva se siente honrada por haber contado con la colaboración de músicos con un gran prestigio internacional: Jerry González,

Antonio Serrano, Pepe Rivero y Nono García entre otros.

En abril de 2008 Eva graba su segundo trabajo Como Agua entre los Dedos, que es un álbum de temas originales compuestos en su mayoría por Eva Cortés, aunque también destacan en las dos adaptaciones al castellano de dos standards como son You don’t know what love is y La Vie en Rose.

Fotos Eva Cortés – Instagram @evacortes777

Edita su tercer álbum El Mar de Mi Vida el 6 de abril de 2010. Con su personal jazz fusión, ha conseguido hacerse un hueco entre las propuestas más interesantes y prometedoras del panorama jazzístico en español. [cita requerida] El Mar de Mi Vida reúne 12 temas que resultan exponentes máximos del mestizaje cultural.

En esta ocasión, además, se unen el grande del flamenco Miguel Poveda en la versión del tema C’est si bon, Perico Sambeat, Lew Soloff (considerado uno de los trompetistas más brillantes de los últimos tiempos y que ha colaborado entre otros con Marianne Faithfull o Frank Sinatra), Santiago Cañadada, Rémy Decormeille, Georvis Pico, el bajista eléctrico del momento Hadrien Feraud y el batería inglés Mark Mondesir (ambos músicos de John McLaughlin).

Eva firma una vez más la mayoría de los cortes y comparte autoría en un par de temas con el guitarrista brasileño Kiko Loureiro.