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Musica Latina

Nanette Hernández promueve la bomba y la plena en Nueva Jersey

31 julio, 2024 by Karina Garcia

Sabemos que la gran mayoría de nuestros países latinos históricamente se han hecho conocidos por géneros como la salsa, el merengue, la bachata y más recientemente el reggaetón y el trap. Sin embargo, la popularidad de los ya mencionados hace que, en ocasiones, dejemos de lado, otros ritmos más locales que también merecen exposición.  

En esta oportunidad, hemos querido hablar de la bomba y la plena, por lo que nos propusimos conversar con Nanette Hernández, quien es una de sus principales propulsoras aquí en Los Estados Unidos, más específicamente en Nueva Jersey. 

Esta es Nanette
Esta es Nanette Hernández, gran promotora de la bomba y la plena

Cómo es que Nanette se interesa por la bomba y la plena 

Nanette empezó contándonos que su interés por la música comenzó gracias a sus padres, quienes son puertorriqueños y se mudaron a Estados Unidos, Pensilvania, durante la década de 1950 para continuar su vida en este nuevo país. Sin embargo, su hogar fue construido en base a la cultura de Puerto Rico y, desde luego, que eso incluía al idioma y la música. Su padre tenía un conjunto en el que tocaba música jibara y Nanette creció viendo esto, por lo que este ambiente musical siempre se le hizo muy familiar. 

A medida que fue creciendo, Nanette también se interesó mucho por el baile y descubrió que le gustaba mucho la salsa siendo apenas una adolescente. Recuerda haber escuchado mucho a Celia Cruz, Johnny Pacheco, El Combo de Puerto Rico y varios de los grupos y músicos más populares de la época, quienes también la inspiraban a seguir bailando. Sentía que se animaba con solo bailar, por lo que continuó haciéndolo a lo largo de los años, aunque no de forma profesional.  

Al casarse con Juan Cartagena y ver que ella y si esposo compartían el gusto por la música latina, empezaron a frecuentar lugares en los que se presentaban grupos de música puertorriqueña. Fue así como estuvieron en un show del ensamble de baile y tambores ‘‘Los Pleneros de la 21’’. Quedaron tan fascinaron con lo que vieron y escucharon que tanto Nanette como Juan empezaron a estudiar la plena y la bomba porque lo querían saber todo de estos ritmos. El interés de ambos era tal que hasta se pudieron en contacto y se reunían constantemente con la familia Cepeda, que es una institución cultural con muchos años de experiencia en todo lo que tiene que ver con la bomba y la plena. 

Ella también menciona que Roberto Cepeda, parte de la ya mencionada familia, fue muy importante en su decisión de dedicarse a promover la bomba y la plena y siente que veía algo en ella que ni ella misma era capaz de ver, así que decidió buscar profesores expertos en estos géneros para hacerse más profesional en la parte de baile e instrumentos con el fin de poder enseñarlos a otros. 

Nanette bailando
Nanette bailando bomba y plena

Diferencias entre la bomba y la plena 

Cuando le preguntamos a Nanette por las diferencias entre la bomba y la plena, nos dejó muy claro que la gente suele pensar que son casi lo mismo, pero no es así. Son sumamente distintos y tienen muchas diferencias la una con la otra. 

En el caso de la bomba, tiene más de 400 años de existencia y se originó en África. El género llega a América junto con los esclavos que fueron traídos al Nuevo Continente y los nuevos habitantes de estas tierras se trajeron sus instrumentos improvisados con ellos como los denominados ‘‘barriles’’, que tienen un gran parecido a los tambores. También suelen ir acompañados de maracas de vez en cuando.  

En el caso de la plena, usan el pandero, el güiro y otros instrumentos de mano y de menor tamaño con los que hacen un sonido completamente distinto al de la bomba. Para complementar un poco lo que nos dijo Nanette, también podemos decir que la plena se cree que tuvo su origen en Ponce, Puerto Rico, y sus letras están muy enfocadas a la comedia, el activismo y la denuncia. Además, también es vista como una mezcla muy peculiar entre la música africana y europea. 

Otra diferencia entre la bomba y la plena es que, en la bomba, es el bailarín el que dirige y sirve de guía los músicos, mientras que con la plena pasa todo lo contrario. Estos géneros son muy distintos el uno del otro, pero eso no quita que ambos se complementan perfectamente bien en cualquier show o clase. 

Nanette y Juan
Nanette junto a su esposo Juan Cartagena, fundador de Segunda Quimbamba

Cómo surge Segunda Quimbamba 

Segunda Quimbamba es un proyecto iniciado en 1989 por Juan Cartagena, esposo de Nanette, que nace a raíz del interés de la pareja por promover dos de los ritmos ancestrales más importantes de Puerto Rico y preservar las tradiciones más importantes de La Isla Del Encanto a nivel musical como lo son las ‘‘parrandas’’. Pocos años después, es que empiezan a introducir la bomba y la plena hasta que pasaron a convertirse en el centro del proyecto. 

En 1997, Nanette y Juan fundan the Segunda Quimbamba Folkloric Center, la cual es una organización artística sin fines de lucro que busca promover la bomba y la plena en Nueva Jersey y el resto de Estados Unidos para que los interesados pueden conocer mucho más sobre la música y la cultura puertorriqueña en general. La organización también busca ofrecer talleres de música y baile a precios solidarios y hasta de forma gratuita en ocasiones.  

Nanette y Juan han recibido invitaciones a numerosos eventos y se les ha reconocido por el rol que han jugado en la promoción de la música latina, especialmente la de Puerto Rico. Por ejemplo, en el año 2023, The New Jersey State Council of The Arts les otorgó a la pareja el New Jersey Heritage Fellowship Award en honor a lo logrado con este maravilloso y ambicioso proyecto musical. 

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Publicado en: 2024, Agosto, Artistas, Entrevistas, Musica Latina, Norte America

El son montuno nació en la zona de Santiago de Cuba

31 julio, 2024 by Augusto Felibertt

Se constituyó por una mezcla, en perfecta armonía, de las raíces sonoras africanas con la métrica y el estilo de versificación de procedencia española. Aunque presenta una base rítmica parecida al son, no poseen un origen común.

Este ritmo es producto del mismo fenómeno de transculturación que han sufrido otros géneros de la música tradicional cubana por la hibridación de culturas.

 Incertidumbres del origen del son montuno

Según cuenta el propio Fuentes Matons, él solo es un compilador de los versos y las autoras fueron las hermanas Micaela y Teodora Ginés, quienes escribieron la letra en Santiago de Cuba alrededor del año 1560.

El son montuno nació en la zona de Santiago de Cuba
El son montuno nació en la zona de Santiago de Cuba

Pero esta historia no tiene pruebas suficientes, y puede ser el resultado de la modestia del autor.El son montuno más antiguo que se recogen es el de la Ma´Teodora, de 1893.

Muchos autores aseguran que el autor real es Fuentes Matons, en un intento de validar las raíces musicales de la Isla.

Lo cierto es que la expansión de este ritmo a partir del siglo XVIII en Cuba fue muy rápida. Además, debido a la migración de caribeños hacia Cuba, fue cada vez más frecuente la mezcla con sonoridades provenientes de Haití, Santo Domingo y Puerto Rico.

Evolución y popularidad del son montuno en el siglo XX.

A partir del siglo XIX, la migración de Oriente a Occidente fue significativa.

Esta se debió a las guerras de independencia que se habían gestado en la zona Oriental de la Isla.

Esta migración trajo como consecuencia que el ritmo también se expandiera y se mezclara con los ritmos que ya existían en Occidente.

En las provincias occidentales, principalmente en La Habana y Matanzas, existía la concepción de una banda compuesta por seis o siete miembros, lo que favoreció al nuevo género.

Arsenio Rodríguez (1911-1970), conocido como “el ciego maravilloso”, fue uno de los grandes músicos que puso en alto esta sonoridad.

Entre sus obras más populares están “Papa upa”, “Mami, me gustó”, “La vida es sueño”, “La yuca de Catalina”, entre otras muchas.

Las letras se caracterizan por la jocosidad picaresca, la sencillez del mensaje, los estribillos fáciles de memorizar y el intercambio con el público en interpretaciones ocasionales.

La orquesta, por otra parte, sí desempeña complejas improvisaciones y virtuosas combinaciones musicales. Arsenio Rodríguez popularizó en el ritmo en todo el mundo, abriéndole un espacio a la música tradicional cubana en la década de los 50.

Arsenio Rodríguez (1911-1970), conocido como “el ciego maravilloso”, fue uno de los grandes músicos que puso en alto esta sonoridad.
Arsenio Rodríguez (1911-1970), conocido como “el ciego maravilloso”, fue uno de los grandes músicos que puso en alto esta sonoridad.

 Legado del Son montuno

El legado de este ritmo cubano está presente en géneros como la salsa latina, el mambo, el jazz latino, la timba y el chachachá. Algunos destacados músicos mantuvieron su base rítmica e incorporaon sus propias creaciones melódicas.

Entre estos están: Benny Moré, Pío Leyva, Roberto Faz, entre otros muchos.

Los instrumentos primitivos del son cubano son el tres cubano, el bongó, las maracas, las claves y la marímbula.

El tres cubano es una especie de guitarra con tres pares de cuerdas. El bongó improvisa constantemente. Las maracas y las claves acompañan a la guitarra y al bongó.

La marímbula hacía las veces de bajo en el son tradicional cubano.

Más tarde, se añadieron otros instrumentos como la guitarra, el contrabajo, la trompeta y los timbales.

¿Qué tipo de instrumentos trajeron los esclavos africanos a Cuba?

Entre los instrumentos típicos encontramos el chekeré, el güiro y los tambores batá. El chekeré en Cuba se conoce también con el nombre de ágbe.

El conjunto instrumental básico se compone de una serie de instrumentos de cuerda (jarana, requinto o guitarra de son, leona) y de percusión (pandero, quijada de burro, marimbol, tarima para zapateado), conjunto al que han sido agregado otros instrumentos en experimentaciones recientes (violín, contrabajo, cajón).

Cuál es el instrumento nacional de Cuba?

El Bongó cubanoEste pequeño tambor doble es por muchos considerado el instrumentos más característico de Cuba.
El Bongó cubano
Este pequeño tambor doble es por muchos considerado el instrumentos más característico de Cuba.

El Bongó cubano

Este pequeño tambor doble es por muchos considerado el instrumentos más característico de Cuba.

Es fácil identificar el bongó al primer golpe de vista ya que ha sido empleado y popularizado en infinidad de festejos hasta convertirse en un imprescindible.

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Publicado en: Africa, Agosto, Artistas, Biografia, Latino America, Musica Latina, Orquesta

Gracias Rafael por todo lo que has hecho por la Salsa. Sin ti muchos no seríamos salseros

31 julio, 2024 by Augusto Felibertt

El 29 de agosto del año 1926, nace Rafael Ithier en Río Piedras, Puerto Rico. Brillante y talentoso pianista, compositor, arreglista, productor y director fundador de la Universidad de la Salsa “El Gran Combo de Puerto Rico”.

Gracias Rafael por todo lo que has hecho por la Salsa.
Gracias Rafael por todo lo que has hecho por la Salsa.

Ex integrante de Cortijo y su Combo. Don Rafael Ithier es por mérito propio una auténtica leyenda viva de la salsa mundial.

La guerra de Corea era inminente. El joven soldado puertorriqueño Rafael Ithier, al servicio del ejército norteamericano, temía ser enviado al campo de batalla. Lo suyo era la música.

Había sido pianista de varias agrupaciones en su natal San Juan antes del servicio militar.

Su misión en esa época (año 1950) era organizar una orquesta para amenizar las fiestas de la base militar.

Pero el grupo no progresaba porque el soldado con alma de músico no apuraba el acople de la incipiente banda.

Quería ganar tiempo. “Lo siento mi sargento, el grupo no está listo para presentarse”, decía Ithier cada vez que lo requerían. Al final, su astucia lo salvó de la guerra. Varios de esos músicos conformarían luego la banda Borinqueña Mambo Boys. A partir de entonces Ithier se ganaría la vida en un piano.

Con esa misma astucia, y después de seis años gloriosos y una dolorosa separación del Combo de Cortijo, uno de los conjuntos más exitosos de la música antillana, este músico autodidacta fundó El Gran Combo de Puerto Rico.

Llamó a varios de los mejores músicos del desaparecido Combo y a dos cantantes muy jóvenes: Andy Montañez y Pellín Rodríguez.

El 26 de mayo de 1962 marca la fecha de nacimiento de la orquesta, convertida hoy en una leyenda viviente del género, con 48 años de vigencia en el pentagrama musical de la salsa y 57 producciones discográficas.

Desde su primera presentación en el salón Rock and Roll de Bayamón (Puerto Rico) el Gran Combo revolucionó la música antillana con un ritmo de clave innovador para entonces, que apuntaba al oído del bailador.

Las letras jocosas de sus canciones en el vozarrón de Andy Montañez y de Pellín Rodríguez impactaron de entrada.

A eso se sumaron una imagen fresca y sus vistosas coreografías, que pronto le dieron una identidad propia a la banda, en tiempos en que las orquestas proliferaban.

Para su fundador, “la fidelidad a un estilo original, pero al mismo tiempo la adaptación a la evolución musical y la disciplina de grupo nos han permitido llegar hasta donde estamos hoy”, dice el director del grupo, de 84 años de edad. Con esta fórmula sobrevivieron a los tiempos difíciles de la industria, el género y el paso de los años y las modas.

Gracias Rafael por todo lo que has hecho por la Salsa. Sin ti muchos no seríamos salseros
Gracias Rafael por todo lo que has hecho por la Salsa. Sin ti muchos no seríamos salseros

Uno de los momentos difíciles que recuerda Ithier fue cuando en los años setenta partieron las dos voces insignia del grupo. Según el músico, “muchos decretaron la muerte del Gran Combo”.

Pero de nuevo la sapiencia del director salió a relucir al encontrar dos voces que se acoplaron al estilo de la banda.

La llegada de los nuevos cantantes (Jerry Rivas y Charlie Aponte) refleja el conocimiento y liderazgo de Ithier para manejar su orquesta. Cuando Rivas, blanco y rubio, se presentó en reemplazo del estelar Andy Montañez, los demás músicos, la mayoría morenos, lo miraron con recelo. Ithier, con su tradicional buen humor, le salió al paso: “Ustedes quédense tranquilos, es un negro pintado de blanco”.

En la cúspide del éxito hoy pocos recuerdan las vicisitudes para consolidarse, tras la desintegración de Cortijo y su Combo (por indisciplina de los músicos, entre ellos Ismael Rivera), de donde procedía la base de músicos del Gran Combo. Ithier recuerda cómo fueron tildados de “traidores” por el público y el medio musical.

“Varias veces nos contrataron en clubes y cuando llegábamos a tocar y nos veían nos cerraban las puertas. Fueron tiempos difíciles, no teníamos ni dónde ensayar”. La orquesta estuvo a punto de desaparecer, cuenta su director, quien desilusionado se encerró en su casa, decidido a abandonar la música.

Rafael Ithier recibió doctorado Honoris Causa
Rafael Ithier recibió doctorado Honoris Causa

“Los músicos me fueron a buscar y después de rogarme que dirigiera un tiempo, regresé. La verdad es que con tantos problemas pensé que el grupo duraría uno o dos años como máximo y mira donde estamos ahora”, confiesa Ithier.

Pero la constancia, la férrea, pero amistosa disciplina y el virtuosismo de los 14 integrantes del grupo dieron sus frutos. Sólo en 2005 se presentaron en 137 en todo el mundo.

Ya son 48 años los que cumplen Los Mulatos del Sabor, La Bandera Musical de Puerto Rico o La Universidad de la Salsa, apelativos con los que se conoce al legendario grupo.

La exitosa vida musical de El Gran Combo de Puerto Rico está ligada en cada nota musical al estilo y la personalidad de su director y fundador Rafael Ithier. Este pianista se califica como un músico autodidacta que nunca pasó por un conservatorio.

Su escuela musical fue la calle y su disciplina para aprender de los músicos de su época. Ithier, nacido en Río Piedras (Puerto Rico), en 1926, ha probado a lo largo de 63 años de carrera ser un visionario de la música latina. En los años sesenta, cuando fundó la agrupación, cimentó su propio estilo con base en los ritmos que dominaban la escena musical de la época como el bogaloo, el jala-jala, la bomba y la plena. En cuanto a él, siempre fue un pianista clásico.

En los años setenta entendió el nuevo rumbo que tomó la música antillana, ya denominada salsa y se adaptó a los cambios.

Introdujo el trombón a la sección de vientos para darle un sonido moderno. Treinta años después, cuando surgió la corriente de la salsa romántica el Gran Combo supo mantenerse vigente y trabajó en esta línea, aunque sin perder su estilo, pero aun así las críticas llegaron.

“La música evoluciona como todo y nosotros nos adaptamos a los cambios. Muchos ortodoxos del género no lo aceptan y nos criticaron, pero por esta razón muchas orquestas desaparecieron”. Sin embargo, Ithier es uno de los defensores de la salsa clásica y un crítico de la llamada salsa monga (romántica), hoy en decadencia por el resurgimiento de la salsa dura.

” A esos chiquitos les falló la fórmula. No sabían lo que era la clave y le quitaron todo el sabor a nuestra música, todos hacían lo mismo y eso espantó al bailador. Hasta decían que la clave era un atraso en la música”.

En los círculos del género y la industria musical latina, su influencia es más que reconocida.

Fue a Ithier a quien buscó Gilberto Santa Rosa para pedirle consejo y apoyo para convertirse en solista tras pasar por orquestas como la de Willie Rosario. En la actualidad, Rafael Ithier continúa en la dirección del Gran Combo y no tiene planes de retiro, aunque hace tres años no se sienta al piano debido a la pérdida de audición, según él mismo, “por una enfermedad mal cuidada por no dejar de viajar con la orquesta”.

Fuente: Alejandro-Gonzalez Teodoro  (Dr Ted Alejandro Jr)

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Publicado en: 2024, Agosto, Artistas, Biografia, Latino America, Musica Latina, Norte America, Noticias, Orquesta

International Salsa Magazine presenta al Dj, Jeferson Flores, triunfando en Europa

31 julio, 2024 by Augusto Felibertt

En la actualidad, son conocidos a través de la abreiatura “Dj” o el vocablo “deejay” respectivamente, y en épocas anteriores, eran llamados “disc-jockey”, a aquellas personas, las cuáles seleccionan y mezclan música grabada y de esa manera ser escuchada por una determinada audiencia, emitiendo así, su sonido en locaciones como: discotecas, minitecas, clubes, bailes, eventos, conciertos, tascas, restaurantes y rumbas, demostrando su versatilidad, conocimientos y brindando alegría a sus seguidores, oyentes y bailadores.

En esta entrega de International Salsa Magazine, les presentamos a un musicalizador, selector o dj venezolano, quién actualmente se encuentra triunfando fuera de nuestras fronteras y enalteciendo muy en alto el nombre de nuestro país.

Jeferson Flores, nacido en Caracas en el año 1992
Jeferson Flores, nacido en Caracas en el año 1992

Nos referimos a Jeferson Flores, nacido en Caracas en el año 1992, y desde muy joven se inclinó por la música, debido a que su padre, también se desempeñaba como dj profesional del ritmo musical salsa y esto de alguna manera influiría en Flores para así aprender el oficio y legado adquirido gracias a su progenitor.

Comenzando con apenas 15 años de edad a musicalizar, empleando en primer lugar los formatos de discos compactos “cds” y “cuatromil quinientos”, en los saraos caraqueños conocidos como “Picoteros” y en las recordadas “Minitecas”, y en segundo lugar demuestra su destreza en los “platos”, al utilizar los formatos de discos en acetatos o vinilos, seleccionando salsa para el bailador y nos comentó también que con el pasar de los años y hasta la actualidad; se destaca y caracteríza por ser un “dj crossover”, es decir, lo que significa en el idioma español, dedicado a “mezclar” con el uso de “controladoras” su excelente repertorio musical. Trayectoria Internacional.

El performance en el exterior de nuestro invitado de este mes en International Salsa Magazine, ha sido bastante extenso y exitoso, comenzando a laborar en Colombia, país en donde trabajó como “dj residente”, durante cinco años en una prestigiosa discoteca en Bogotá; luego inicia su períplo, musicalizando en Ecuador, Polonia, Alemania y actualmente está radicado y hace vida profesional en Barcelona, España, siendo calificado por los especialistas como uno de los “Dj Crossover” más completos y versátiles, colocando música latina en sus bailes. Y producto de su excelente desempeño en el país ibérico, fue ganador el pasado año del premio “Latino de Oro”, en las categorías: Dj de Salsa y Dj Crossover, respectivamente y por cierto, en la edición de este año 2024, ha sido nominado nuevamente en ambos renglones para este galardón, considerado como uno de los más importantes de la música en el continente europeo.

En cuanto a sus más recientes actuaciones como “selector musical”, el pasado sábado 28 de junio estuvo mezclando salsa en una locación en la ciudad de Marbella, España, en un evento denominado la “Noche Venezolana”, y el próximo sábado 6 de julio, viaja a Madrid a poner a gozar a los rumberos de la “madre patria” integrando el cartel del espectáculo de Djs, la “Fiesta Blanca”, alternando en esta oportunidad con los musicalizadores: Reni Herrera, Ditxon Mercado, Dj Argenis y Dj “El Negrito Caliente”.

Finalmente – nos dijo- Jeferson que su trabajo en España a gustado mucho y es uno de los Djs más solicitados en las rumbas de cada fin de semana. Sus redes sociales y contactos son, instagram: jefersonfloresoficial2, facebook: Yeferson Flores, Tik tok: @jefersonflores457, Youtube: jefferson flores.

Dj. Jeferson Flores
Dj. Jeferson Flores

Email: [email protected], Booking: +34691292564. Desde International Salsa Magazine en Palo Alto, CA www.salsagoogle.com, les deseamos a Dj Jeferson Flores, el mayor de los éxitos y que siga triunfando en Europa para orgullo de los venezolanos, colocando siempre buena salsa para el bailador…! Hasta la próxima y sigamos salseando. Dj. Augusto Felibertt y Carlos Alberto Colmenárez Oropeza.

El primer DJ fue el Ingeniero en Radio británico Ron Diggins

Al contrario de lo que muchos pueden imaginar, no fue un músico bohemio en un garaje o unos amigos en un ghetto. El primer DJ fue el Ingeniero en Radio británico Ron Diggins, que en 1949 inventó la Diggola, que hoy en día es considerada la primera “mesa de mezclas” en la historia de la música. La Diggola, de construcción casera, tenía dos platos, luces, micrófonos, amplificador, parlantes y estaba construida sobre una base de madera de ataúd (sí, de ataúd).

Con su Diggola ya lista, y como buen DJ, cargó sus equipos en una furgoneta y comenzó a pinchar discos en los cientos de eventos del Reino Unido en la era contratado, causando la euforia de la gente. “No he inventado nada, solo puse las mismas cosas en un uso diferente”, comentaba en las revistas de la época, sin imaginar que su creación sería el comienzo de una revolución en la música, donde DJ’s y beatmakers llevarían los beats a cada rincón del planeta.

Ron Diggins, a lo largo de su vida, pinchó discos en más de 20 mil fiestas, retirándose recién en 1995, luego de 46 años de carrera frente a los platos. Un apasionado por la música, falleció en 2011 a los 91 años dejando un legado eterno.

Dj. Ron Diggins
Dj. Ron Diggins

En 2020 se cumplio 25 años del retiro de Diggins de las pistas. Y lo conmemoramos con música, sin minuto de silencio, porque una vida con silencio es lo que menos quería el primer DJ de la historia.

 Artículo redactado por @comte_con_eme, miembro de la Urban Roosters Army.

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Publicado en: 2024, Agosto, Biografia, Clubes, Entrevistas, Europa, Eventos, Latino America, Musica Latina

Yari More Latin Band, la orquesta que acompañó a Celia Cruz

30 julio, 2024 by Karina Garcia

Yari More Latin Band es una de esas agrupaciones cuya trayectoria nos deja ver que definitivamente los sueños sí se cumplen y que siempre existe la posibilidad de conocer a nuestros más grandes ídolos. Hoy, Yari More, con quien pudimos hablar un poco de su historia como artista y su grupo, es un ejemplo de lo que los artistas latinos en general han logrado a lo largo de las últimas décadas. 

Yari posando para la cámara
Este es Yari More posando por la cámara

Cómo Yari More empieza a interesarse por la música 

Como le sucede a la gran mayoría de los músicos, empezó a interesarse por la música siendo apenas un niño. Recuerda que se juntaba con sus amiguitos de la cuadra a tocar con instrumentos improvisados, momentos que conserva en su memoria con mucho cariño y que marcaron el inicio de lo que pasaría a ser su gran vocación de adulto,  

Tiempo después, ingresó al ejército en su país natal, Colombia, específicamente en la marina, pero no era lo único a lo que dedicaba su tiempo. Resulta que descubrió un gusto muy grande por varios de los temas del aclamado cantante español Raphael y comenzó a imitar su voz en eventos musicales de las fuerzas armadas. Era tan bueno que comenzó a ser llamado entre sus conocidos como ‘’El Raphael de Colombia’’, pero todavía no llegaba ese acontecimiento que lo haría ver a la música como una profesión seria. Eso vino luego. 

Una noche en la festejaba el cumpleaños de un amigo suyo en un club nocturno, otro chico del grupo conversó con el director de la orquesta de esa noche para que le permitiera a Yari cantar con ellos. Al público le gustó tanto su interpretación que comenzó a ir todos los fines de semana al mismo lugar para seguir deleitando a los presentes con su melodiosa voz, llevando finalmente a la orquesta con la que se presentaba a ofrecerle el puesto de cantante de forma permanente.  

Ni en sus mejores sueños, Yari se hubiera imaginado tal oferta, pero la aceptó, así que empezó a compaginar sus actividades con la orquesta con su trabajo aquel entonces en una factoría. Ya que ambos empleos ocupaban tanto de su tiempo, a la larga, tuvo que decidirse por uno solo que fue, por supuesto, la música. Puede decirse que fue este el inicio oficial de su carrera formalmente.  

De ahí en adelante, estuvo en varias agrupaciones tanto en Colombia como en el país vecino Ecuador hasta que se le dio una gran oportunidad laboral en Estados Unidos, más específicamente en Los Ángeles. Luego de estar un tiempo con la orquesta que lo contrató allí, decidió que era momento de emprender una carrera en solitario con música romántica.    

Yari con Celiz Cruz
Yari More Latin Band tocando en vivo cn »La Guarachera de Cuba» Celia Cruz

Yari More Latin Band 

En la década de los 90’s, decidió formar su propia orquesta a la que puso por nombre Yari More Latin Band. En vista de que ya tenía planes de emprender un proyecto como este recorrió universidades y conversó con muchas amistades de la industria para lograr contratar a los mejores músicos que pudiera encontrar para su banda. 

Su éxito le valió la posibilidad de firmar con la compañía RMM Records & Video del popular promotor de música latina Raphy Mercado. Esta discográfica era la misma que tenía firmada a ‘‘La Guarachera de Cuba’’ Celia Cruz, con quien tuvieron la oportunidad de compartir codo a codo en tarima, ya que Yari More Latin Band fue la orquesta que la acompañó en sus presentaciones de la Costa Oeste.  

Adicional a Celia Cruz, también ha llegado a acompañar a otras luminarias de la música como Rubén Blades, Willie Colón, Eddy Santiago, Tony Vega, Tito Nieves, El Grupo Niche, El Gran Cobo de Puerto Rico, Oscar D’ León, Joan Sebastian, Las Chicas del Can y muchos otros más. 

Yari asegura que ha aprendido muchísimo de todos y cada uno de los ya mencionados cantantes y agrupaciones, detalles que ha añadido a su propia orquesta a fin de mejorarla cada día más y más.

Yari con Oscar D’ León
Yari More junto a »El Sonero Del Mundo» Oscar D’ León

Eventos privados

Yari More Latin Band ofrece su talento para todo tipo de eventos privados como bodas, quinceañeras, fiestas corporativas, caridades, galas de premios, festivales, noches latinas en clubs, entre otros. 

Yari nos comentó que los interesados en contratar a la orquesta simplemente tienen que contactarlo a él a través de su página web oficial, Instagram y Facebook. Es por esas mismas vías por las que él se pone de acuerdo con el cliente con respecto a las condiciones, el lugar, la fecha y el arreglo económico.  

‘‘Afortunadamente, tenemos muchísimo trabajo aquí en el Área de La Bahía y tenemos muchísimos eventos de todo tipo en lo que nos queda de año’’ dijo Yari sobre este tema.  

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Publicado en: 2024, Artistas, Entrevistas, Musica Latina, Norte America

Guitarrista boliviano Gabriel Navia y su amor por la música

30 julio, 2024 by Karina Garcia

Hemos tenido cualquier cantidad de artistas de música latina de diversas nacionalidades en esta sección, pero nos complace anunciar que, por primera vez, contaremos la historia de un boliviano que enorgullece a su bandera con el gran talento que posee. 

Estamos hablando del productor, compositor y guitarrista boliviano Gabriel Navia, con quien hemos tenido la fortuna de conversar vía Zoom acerca de los detalles más importantes de su fructífera carrera. En las siguientes líneas, algunos de los temas más importantes tocados en la conversación. 

Guitarrista boliviano Gabriel
Este es el productor, compositor y guitarrista boliviano Gabriel Navia

Cómo empieza el amor de Gabriel por la música 

Gabriel nos cuenta que el amor que siempre ha sentido por la música fue inculcado por sus padres, especialmente por su padre, quien se dedicaba a ella de forma profesional al punto de contar con su propia agrupación. En los años 70’s, Eddy Navia, padre de Gabriel, estuvo en una icónica banda boliviana llamada Sal Y Andina que tocaba música instrumental, mucha de la cual fue compuesta por él en su momento.  

En el caso de su madre, tenía mucho sentido del ritmo y muy linda voz, por lo que se esmeró en que su hijo aprendiera lo que más pudiera sobre los fundamentos de la música y cómo tocar varios instrumentos. Esto deja ver que ella también fue una pieza clave en su formación como artista. 

Gabriel también señala que, en su casa, se escuchaba música de todo tipo, pero la salsa de Nueva York fue muy importante en el camino que el joven tomaría luego.  

Gabriel y la charango 

Leyendo un poco de la historia de Gabriel, nos encontramos que tocó junto a su padre en el grupo Sukay, junto al que experimentó bastante con el charango, que, según nos explica, es un instrumento de cinco cuerdas muy parecido al banjo. Fue básicamente el primer instrumento que tocó en su vida y el que lo inspiraría a tocar la guitarra más adelante. 

Cuando sus padres se separaron, su papá se fue a vivir a Estados Unidos y conoció a la que actualmente es su segunda esposa, que es con quien dirige Sukay. Es ahí cuando Gabriel empieza a ir de visita al país y, poco después, estaba tocando en un teatro para más de 2000 personas. Entonces, supo que era esto a lo que quería dedicar el resto de su vida.  

Gabriel tocaba el charango
Gabriel empezó su carrera tocando el charango charango junto al grupo Sukay

Multiinstrumentalista 

Si bien es cierto que el instrumento por el que hoy en día Gabriel es más conocido es la guitarra, no es el único al que se dedica.  

El artista puede definirse como un multiinstrumentalista, es decir, alguien que toca una cantidad considerable de instrumentos musicales de forma sobresaliente como el piano, el saxofón, la quena y muchos otros. ‘‘Siempre he tenido la curiosidad por aprender a tocar nuevos instrumentos y aprender cosas nuevas cada día. Es así como me he logrado especializar en tantos al mismo tiempo’’ dijo Gabriel sobre esto. 

Se ha dedicado más a tocar la guitarra desde que, durante su época con el grupo Sukay, le tocó suplir al guitarrista que no se encontraba disponible en ese momento, lo que le hace agarrarle un cariño especial al instrumento a medida que lo usaba. 

Eso sin contar que sufrió un robo de instrumentos en su natal Bolivia y uno de los objetos sustraídos fue su charango. Este suceso le dejó tan deprimido que le hizo dejar de lado el charango durante años y dedicarse de lleno a la guitarra, tiempo en el que la estudió detalladamente a nivel teórico y práctico. También empezó a escuchar discos de jazz y flamenco en los que se usa mucho la guitarra, haciéndole experimentar con nuevos estilos. En este sentido, un artista que lo inspiró mucho fue el español Paco de Lucía.  

Gabriel tocando en vivo
Gabriel Navia tocando su guitarra en vivo

Educación musical 

Gabriel ha tenido la oportunidad de estudiar en varias de las instituciones especializadas en música más importantes del mundo, las cuales han sido fundamentales en la formación profesional del artista. 

La primera que se le vino a la mente fue el Instituto Eduardo Laredo de Cochabamba. El cual describió como una escuela de artes que tiene un estilo muy tradicional durante las mañanas, mientras que, durante las tardes, sus docentes se enfocan en toda la parte musical. Es aquí donde Gabriel aprendió todo lo referente a la teoría, el solfeo, la armonía, las cifras y muchos otros detalles importantes.   

Tiempo después, en Estados Unidos, ingresó al Conservatorio de San Francisco, en el que estuvo estudiando con el famoso guitarrista clásico Scott Tennant. En el mismo país, ganó una beca para estudiar unos cursos en el Berklee College of Music. 

En Barcelona, También recibió una beca para estudiar una maestría en flamenco en el Conservatori del Liceu gracias a La Fundación Carolina, cuyos principales beneficiarios principales son aspirantes latinoamericanos sin los recursos para estudiar allí.  

‘‘Me siento muy afortunado de haber podido estudiar en todas estas instituciones que han sido fundamentales en mi carrera, pero creo que las cosas más importantes un músico las aprende en el escenario. Tú puedes aprenderte toda la teoría del mundo, pero si no has tenido calle y no has experimentado con la práctica, serás un artista incompleto’’ remato Gabriel sobre este tema. 

‘‘De hecho, creo que muchos de los músicos más prodigiosos del mundo no se han formado en académicas, sino en la calle porque han debido hacerse a sí mismos desde el inicio. La educación académica es importante, pero el principal lugar en el que nace la música es en el corazón’’ continuó. 

Navia Productions, LLC 

Gabriel siempre había trabajado como un artista independiente, pero llegó un punto en su carrera en el que se dio cuenta que necesitaba algo más para subir de nivel.  

En vista de que la mejor forma de hacer negocios en Estados Unidos es a través de entidades y marcas registradas, Gabriel creó su propia compañía musical a la que denominó NAVIA PRODUCTIONS, LLC, con el fin de que su proyecto pudiera ser identificado con una entidad registrada legalmente y evitar cualquier tipo de problema legal.  

La compañía fue creada básicamente con el propósito de que el trabajo de Gabriel tuviera una base legal en la cual sostenerse, pero él se sigue considerando a sí mismo un artista tan independiente como el día uno. 

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Publicado en: 2024, Agosto, Artistas, Entrevistas, Musica Latina, Norte America

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