• Saltar a la navegación principal
  • Saltar al contenido principal

International Salsa Magazine

  • HOME
  • Ediciones anteriores
    • 2025
      • ISM / Diciembre 2025
      • ISM / Noviembre 2025
      • ISM / Octubre 2025
      • ISM / Septiembre 2025
      • ISM / Agosto 2025
      • ISM / Julio 2025
      • ISM / Junio 2025
      • ISM / Mayo 2025
      • ISM / Abril 2025
      • ISM / Marzo 2025
      • ISM / Febrero 2025
      • ISM / Enero 2025
    • 2024
      • ISM / Diciembre 2024
      • ISM / Noviembre 2024
      • ISM / Octubre 2024
      • ISM / Septiembre 2024
      • ISM / Agosto 2024
      • ISM / Julio 2024
      • ISM / Junio 2024
      • ISM / Mayo 2024
      • ISM / Abril 2024
      • ISM / Marzo 2024
      • ISM / Febrero 2024
      • ISM / Enero 2024
    • 2023
      • ISM / Diciembre 2023
      • ISM / Noviembre 2023
      • ISM / Octubre 2023
      • ISM / Septiembre 2023
      • ISM Agosto 2023
      • ISM Julio 2023
      • ISM Junio 2023
      • ISM Mayo 2023
      • ISM Abril 2023
      • ISM Marzo 2023
      • ISM Febrero 2023
      • ISM Enero 2023
    • 2022
      • ISM – Diciembre 2022
      • ISM – Noviembre 2022
      • ISM Octubre 2022
      • ISM Septiembre 2022
      • ISM Agosto 2022
      • ISM Febrero 2022
      • ISM Enero 2022
    • 2021
      • ISM Diciembre 2021
      • ISM – Noviembre 2021
      • ISM Octubre 2021
      • ISM Septiembre 2021
      • ISM Agosto 2021
      • ISM Julio 2021
      • ISM Junio 2021
      • ISM Mayo 2021
      • ISM Abril 2021
      • ISM Marzo 2021
      • ISM Febrero 2021
      • ISM Enero 2021
    • 2020
      • ISM Diciembre 2020
      • ISM Noviembre 2020
      • ISM Octubre 2020
      • ISM Septiembre 2020
      • ISM Agosto 2020
      • ISM Julio 2020
      • ISM Junio 2020
      • ISM Mayo 2020
      • ISM Abril 2020
      • ISM Marzo 2020
      • ISM Febrero 2020
      • ISM Enero 2020
    • 2019
      • ISM Diciembre 2019
      • ISM Noviembre 2019
      • ISM Octubre 2019
      • ISM Septiembre 2019
      • ISM Agosto 2019
      • ISM Julio 2019
      • ISM Junio 2019
      • ISM Mayo 2019
      • ISM Abril 2019
      • ISM Marzo 2019
      • ISM Febrero 2019
      • ISM Enero 2019
    • 2018
      • ISM Diciembre 2018
      • ISM Noviembre 2018
      • ISM Octubre 2018
      • ISM Septiembre 2018
      • ISM Agosto 2018
      • ISM Julio 2018
      • ISM Junio 2018
      • ISM Mayo 2018
      • ISM Abril 2018
      • ISM Marzo 2018
      • ISM Febrero 2018
      • ISM Enero 2018
    • 2017
      • ISM Diciembre 2017
      • ISM Noviembre 2017
      • ISM Octubre 2017
      • ISM Septiembre 2017
      • ISM Agosto 2017
      • ISM Julio 2017
      • ISM Junio 2017
      • ISM Mayo 2017
      • ISM Abril 2017
      • ISM Marzo 2017
  • Descarga Salsa App
    • Android
    • Apple
  • English

Augusto Felibertt

Tito Rodríguez El Inolvidable «Elegante de la Salsa»

29 enero, 2026 by Augusto Felibertt

Un recorrido por la vida y el legado de Pablo Rodríguez Lozada, la voz que definió una era entre el mambo y el bolero.

Pablo Rodríguez Lozada, conocido mundialmente como Tito Rodríguez, nació el 4 de enero de 1923 en Santurce, Puerto Rico. Desde su infancia, el joven Tito demostró una inclinación natural por los ritmos caribeños, organizando en su niñez el conjunto Sexteto Nacional junto a su inseparable amigo Mariano Artau.

Pablo Rodríguez Lozada, conocido mundialmente como Tito Rodríguez
Pablo Rodríguez Lozada, conocido mundialmente como Tito Rodríguez

Los primeros pasos de un prodigio

A los 13 años, su carrera profesional comenzó a tomar forma al integrarse al Conjunto Típico Ladí (o Conjunto de Industrias Nativas), dirigido por Ladislao Martínez. Poco después, se unió al Cuarteto Mayarí, bajo la dirección de Plácido Acevedo, donde tocaba las maracas y hacía la segunda voz; aunque esta etapa solo duró cuatro meses y no dejó registros grabados, fue fundamental para su formación.

En 1939, con apenas 16 años, Tito emigró a Nueva York con la esperanza de trazar su propia ruta musical. Sus primeros trabajos en la Gran Manzana incluyeron colaboraciones con la orquesta de su hermano Johnny Rodríguez y grabaciones con el Cuarteto Marcano.

Tras pasar por agrupaciones de prestigio como el Cuarteto Caney y las orquestas de Enric Madriguera y Xavier Cugat, debió interrumpir su ascenso en 1945 para cumplir con el servicio militar en el ejército estadounidense.

El legado de Tito Rodríguez es analizado este domingo en el Viejo San Juan. (Foto UA Latino)
El legado de Tito Rodríguez es analizado este domingo en el Viejo San Juan. (Foto UA Latino)

El ascenso del «Mambo Devil»

Al licenciarse, el pianista cubano José Curbelo lo reclutó para su banda. Fue en el club nocturno China Doll donde Tito conoció a la corista nipo-estadounidense Takeku Kunimatsu (Tobi Kei), quien se convertiría en su esposa y compañera de vida.

En 1948, Tito fundó su propia agrupación: los Mambo Devils. En pleno auge de este género, Rodríguez comenzó una legendaria rivalidad musical con Tito Puente y la orquesta de Machito.

Bajo el sello Tico Records, renombró a su grupo como Los Lobos del Mambo. Consciente de la importancia de la formación académica, ingresó al conservatorio de música Juilliard, donde estudió percusión, vibráfono y xilófono.

Un recorrido por la vida y el legado de Pablo Rodríguez Lozada, la voz que definió una era entre el mambo y el bolero
Un recorrido por la vida y el legado de Pablo Rodríguez Lozada, la voz que definió una era entre el mambo y el bolero

La reinvención: Del Mambo al Bolero

En 1953, firmó con RCA Víctor, estableciendo formalmente el nombre de Tito Rodríguez y su Orquesta. Años después, en 1960, alcanzó un éxito masivo con United Artists y el disco Live at the Palladium.

Sin embargo, en 1963, un veto artístico le impidió presentarse con sus músicos habituales. Lejos de rendirse, asumió el reto de cambiar radicalmente de estilo: dejó el frenesí del mambo para interpretar boleros con acompañamiento de orquesta de cuerdas. El resultado fue el álbum From Tito Rodríguez with Love, un fenómeno de ventas que lo consagró como un romántico inigualable.

El regreso a Puerto Rico y el inicio del fin

Tras disolver su orquesta en 1966 debido a problemas contractuales, regresó a Puerto Rico para protagonizar su propio programa de televisión. No obstante, la nostalgia y su pasión lo trajeron de vuelta a Nueva York con el disco Estoy como nunca.

Tito Rodriguez era excelente tanto en guarachas como en boleros. Esto lo convirtió en uno de los artistas más versátiles de la época.
Tito Rodriguez era excelente tanto en guarachas como en boleros. Esto lo convirtió en uno de los artistas más versátiles de la época.

Fue en 1967 cuando aparecieron los primeros síntomas de la leucemia. A pesar del diagnóstico, Tito continuó trabajando. En 1971 fundó su propio sello, TR Records, lanzando el icónico álbum Inolvidable (Unforgettable).

El último adiós en el escenario

En 1972, celebró sus 25 años de trayectoria con un espectáculo en el club El Tumi de Lima, Perú, junto a la orquesta de Lucho Macedo. Esta grabación en vivo sería premonitoria de su final.

Haciendo caso omiso a las recomendaciones médicas, realizó su última presentación en el Madison Square Garden el 2 de febrero de 1973, junto a la orquesta de Machito. Durante el show, su salud flaqueó y debió ser hospitalizado. Finalmente, el 28 de febrero de 1973, Tito Rodríguez falleció en Nueva York en brazos de su esposa.

Por deseo expreso del cantante, sus restos fueron trasladados a Puerto Rico. En su funeral, diversas figuras de la música le rindieron honores, incluido su antiguo rival, Tito Puente. Hoy, sus cenizas descansan junto a las de su esposa, mientras su voz sigue resonando como uno de los pilares más elegantes y versátiles de la historia de la música latina.

También Lea: Tito Rodríguez, Jr. «El legado del Palladium sigue vigente»

Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Clubes, Febrero, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Décimo Festival de la Salsa en Cuba: Un aniversario entre el brillo del escenario y la sombra de la crisis

28 enero, 2026 by Augusto Felibertt

El evento fundado por Maykel Blanco celebra una década de trayectoria en medio de apagones y una inflación que dificulta el acceso al público nacional.

La Habana. Lo que comenzó en 2016 como un sueño personal del músico Maykel Blanco se ha consolidado hoy como el evento turístico-cultural más importante del género en Cuba.

El Festival de la Salsa llega a su décima edición, logrando unificar a las orquestas de primera línea bajo un mismo proyecto y facilitando un intercambio orgánico entre los bailadores locales y el público extranjero que viaja exclusivamente para la cita.

Festival de la Salsa Cuba

Sin embargo, el anuncio de esta celebración programada del 26 de febrero al 1 de marzo en el Club 500 llega en un momento de extrema fragilidad para el país.

Mientras el régimen promueve el festival como una vitrina de «credibilidad y crecimiento», la población cubana enfrenta una profunda crisis económica, marcada por apagones diarios, escasez de insumos básicos y un deterioro sostenido de la calidad de vida.

Homenaje y cartelera de lujo

Esta edición especial rendirá tributo a los 70 años de la orquesta Elito Revé y su Charangón, una institución icónica de la música popular bailable. Según informaron los organizadores en conferencia de prensa, el evento contará con una fuerte presencia internacional, incluyendo instructores de baile y DJs extranjeros.

A partir del viernes 27 de febrero, cuatro orquestas de alto calibre se presentarán cada noche. Entre los nombres confirmados destacan:

  • Los Van Van
  • Alexander Abreu y Havana D’Primera
  • Adalberto Álvarez y su Son
  • Alain Pérez
  • Willy García (Invitado especial desde Colombia, exvocalista del Grupo Niche).
Cartel Oficial de los Artistas que estarán en la 10ma edición de el festival de la salsa en Cuba
Cartel Oficial de los Artistas que estarán en la 10ma edición de el festival de la salsa en Cuba

La brecha económica del acceso

A pesar de la relevancia cultural, el costo de las entradas ha generado debate. La preventa en el Cine Yara se estableció en 800 pesos cubanos (CUP), precio que ascenderá a 1,000 CUP por noche en la sede del evento.

En un contexto de salarios deprimidos e inflación descontrolada, estas cifras resultan inalcanzables para gran parte de los cubanos de a pie, subrayando la distancia entre la propaganda oficial y la realidad cotidiana.

Programación de Conciertos (Cartelera Principal)

Fecha Artistas Destacados
Jueves 26 Feb Gala de Apertura: Issac Delgado, Los Muñequitos de Matanzas y Eduardo Sandoval.
Viernes 27 Feb Los Van Van, Manolito Simonet y su Trabuco, Papucho y Manana Club.
Sábado 28 Feb Maykel Blanco y su Salsa Mayor, Adalberto Álvarez y su Son, Alain Pérez y Willy García.
Domingo 1 Mar Alexander Abreu y Havana D’Primera, Haila Mompié, Elito Revé y su Charangón.

Festival de la Salsa Cuba

Más allá de la música: Una experiencia inmersiva

El festival, impulsado por MB Producciones, ARTEX y la Agencia Paradiso, no se limita a las presentaciones nocturnas (que inician a las 9:00 p.m.). La agenda incluye:

  • Talleres de Baile: Clases de casino, rumba, son y el popular género «reparto», impartidas por prestigiosos profesores.
  • Pool Parties: Encuentros con DJs nacionales e internacionales en el Hotel Memories Miramar.
  • Espacios Teóricos: Conferencias sobre la evolución de la música popular y el legado de figuras como Elio Revé Matos.
Presentadores Oficiales de la 10ma edición del Festival de Salsa en Cuba
Presentadores Oficiales de la 10ma edición del Festival de Salsa en Cuba

Una vez más, el Festival de la Salsa se presenta como un oasis sonoro en una isla sumida en la incertidumbre, dejando en el aire la pregunta de si el arte puede, efectivamente, tender puentes en medio de una crisis tan estructural.

También Lea: Compay Segundo El Patriarca Eterno del Son Cubano

Publicado en: 2026, Artistas, Eventos, Febrero, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Orquesta, Radio

Víctor Cuica “El Soplo Eterno del Jazz Latino y la Identidad Venezolana

25 enero, 2026 by Augusto Felibertt

El legado de un visionario que unió el saxofón con la esencia del Caribe y el cine nacional.

Víctor Cuica no fue solo un músico; fue un puente entre dos mundos. Nacido el 19 de abril de 1949 en la emblemática parroquia de La Pastora, en Caracas, Cuica se consolidó como un destacado saxofonista y actor, reconocido mundialmente por su innovación al fusionar el Jazz con las raíces afro-caribeñas.

Su presencia marcó una época dorada en la cultura venezolana, compartiendo escenarios con leyendas de la talla de Tito Puente, Paquito D’Rivera, Porfi Jiménez y Gerry Weil.

Víctor Cuica “El Soplo Eterno del Jazz Latino y la Identidad Venezolana“
Víctor Cuica “El Soplo Eterno del Jazz Latino y la Identidad Venezolana“

Formación y los Primeros Pasos: El Nacimiento de un Estilo

La trayectoria de este virtuoso del saxofón tenor, soprano y la flauta comenzó en 1963, en la Escuela de Música Militar de La Victoria. Su paso por la banda de la marina venezolana fue el catalizador de su amor por el Jazz, lo que lo llevó a profundizar sus conocimientos en flauta, armonía y composición en la Escuela Superior de Música «José Ángel Lamas».

Su carrera profesional despegó en la orquesta de Chucho Sanoja. Poco después, se integró a la agrupación de Oscar D’León. Fue precisamente Cuica quien propuso el nombre «Dimensión Latina» para reemplazar al entonces «Oscar y sus Estrellas», bautizando así a la que se convertiría en la orquesta de salsa más icónica de Venezuela.

Victor Cuica en concierto realizado el dia 22 de agosto 2011 en la plaza Juan Pedro Lopez en Caracas
Victor Cuica en concierto realizado el dia 22 de agosto 2011 en la plaza Juan Pedro Lopez en Caracas

El Jazz Latino: Entre el Cine y los Escenarios Internacionales

A finales de los años 70, Cuica expandió su horizonte hacia el séptimo arte. En 1978, compuso e interpretó la banda sonora de «El Mar del Tiempo Perdido», basada en el relato de Gabriel García Márquez. Un año después, consolidó su propia agrupación, «Víctor Cuica y su Jazz Latino», debutando con éxito rotundo en el Teatro Alcázar de Caracas y proyectándose internacionalmente en Costa Rica.

Durante la década de los 80, la crítica lo encumbró como el innovador más importante de la fusión jazzística en la región. Su talento lo llevó a escenarios históricos:

  • 1981: Triunfó en el festival «Memphis in May», en Tennessee.
  • 1982: Se presentó en el prestigioso club «Domicile» en Múnich, Alemania.
  • 1985: Marcó un hito al ser la primera formación venezolana invitada al Festival Internacional de Jazz de Montreal, donde compartió aplausos con el legendario vibrafonista Lionel Hampton.

Madurez Artística y Reconocimientos

En los años 90, su música alcanzó nuevas dimensiones académicas cuando el maestro Eduardo Marturet compuso para él la obra «Música para seis y saxo», estrenada con la Sinfonietta Caracas. Esta pieza representó a Venezuela en la Exposición Universal de Sevilla en 1992.

Víctor Cuica no fue solo un músico; fue un puente entre dos mundos. Fotografia en Juan Sebastian Bar
Víctor Cuica no fue solo un músico; fue un puente entre dos mundos. Fotografia en Juan Sebastian Bar

Su discografía, que incluye joyas como “Que sea para siempre” (1948), “Noctámbulo” (1993), “Just Friends” (1998) y “Los Locos de Caracas” (1999), es un testimonio de su versatilidad. En 1995, la Casa del Artista de Venezuela lo condecoró como el Mejor Músico del Año.

Un Adiós con Sabor a Callejón y Bohemia

Víctor Cuica falleció el sábado 26 de diciembre de 2020, a los 71 años, a causa de un infarto. Su partida dejó un vacío en el cine, donde protagonizó cintas memorables como «Santera» (cuya banda sonora también compuso y premió en 1997), y en las noches bohemias de Caracas, donde su saxofón solía ser el protagonista.

El Homenaje de los Pares

El multipercursionista José Hidalgo, «El Tokun Mayor», describe a Cuica con palabras que resumen su esencia:

“Víctor Cuica es el mejor ejemplo de un artista íntimamente vinculado a su realidad cotidiana y a su origen cultural, sin perder de vista el carácter cosmopolita y universal de su mensaje musical. Cuica es la expresión del genuino jazz interpretado con la sencillez de la calle.

Y es que Víctor es tan auténtico en su trato personal como en su condición de artista. Esta virtud ha sido su compañera de tránsito por numerosos escenarios internacionales, abarcando ámbitos musicales, cinematográficos, teatrales y operísticos; siempre con la trascendencia del juglar bohemio, sencillo y audaz.

Víctor Cuica jamás deja de sorprendernos, bien sea a través de su voz o con el sonido del saxofón, instrumento que, con su ingenio habitual, lo convierte en un gran exponente del espectáculo por su creatividad y versatilidad.

Dj. Augusto Felibertt con el único y virtuoso Víctor Cuica
Dj. Augusto Felibertt con el único y virtuoso Víctor Cuica

Su talento ha recorrido diversos escenarios en Europa y América. Su propuesta se proyecta más allá de lo comercialmente difundido y, hoy, se nos presenta con una genial improvisación musical que no tiene comparación. “

Hoy, el nombre de Víctor Cuica permanece grabado en la historia como el hombre que le dio un color caribeño al Jazz y una voz propia al saxofón venezolano.

Victor Cuica y su Jazz Latino 23 de marzo 1980 en el Teatro Cantv
Victor Cuica y su Jazz Latino 23 de marzo 1980 en el Teatro Cantv

También Lea: Oscar Rojas son 54 años de trayectoria musical cargados de pasión, ritmo y sabrosura

Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Clubes, Febrero, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Orquesta, Radio

El Carnaval del Callao un Estallido de Oro, Ritmo y Tradición

25 enero, 2026 by Augusto Felibertt

El latido cultural del estado Bolívar

En el corazón minero de Venezuela, donde el oro dicta el pulso de la tierra, surge cada año una celebración que trasciende el simple festejo: el Carnaval del Callao.

No es solo una fiesta de disfraces, es una crónica viva de resistencia, mestizaje y alegría que ha resonado en el estado Bolívar por más de un siglo. Esta festividad, declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO en 2016, es el resultado de una fascinante mezcla de culturas antillanas, africanas y europeas.

El Carnaval de El Callao de Venezuela, Patrimonio Inmaterial de la Humanidad
El Carnaval de El Callao de Venezuela, Patrimonio Inmaterial de la Humanidad

Un viaje a las raíces: El origen del Calipso

La historia de este carnaval está intrínsecamente ligada a la fiebre del oro del siglo XIX. Inmigrantes de las Antillas británicas y francesas (Trinidad, Granada, Santa Lucía) trajeron consigo sus lenguas (patois), su gastronomía y, sobre todo, su música: el calipso.

A diferencia del calipso trinitario, el Calipso del Callao desarrolló una identidad propia. Se canta en inglés y castellano, acompañado por el bumbac, el rallo, la campana y el cuatro venezolano, creando un ritmo contagioso que narra las penurias y esperanzas de los mineros de la época.

Personajes emblemáticos: Los guardianes de la herencia

El Carnaval del Callao. Un Estallido de Oro, Ritmo y Tradición
El Carnaval del Callao. Un Estallido de Oro, Ritmo y Tradición

Lo que hace único al Carnaval del Callao es su colorida e inamovible jerarquía de personajes, cada uno con un significado profundo:

  • Las Madamas: Son las figuras centrales y pilares de la tradición. Representan a las matronas de las Antillas, vestidas con trajes señoriales de colores vivos, pañoletas atadas a la cabeza (turbantes) y abundantes collares. La figura de Isidora Agnes, la mítica «Negra Isidora», es recordada como la gran defensora de esta cultura.
  • Los Diablos Danzantes: Vestidos de rojo y negro, portan máscaras impresionantes con múltiples cuernos. Su función original era abrir paso a la comparsa y mantener el orden con sus látigos, simbolizando la protección de la festividad.
  • Los Mediopintas: Personajes que deambulan por las calles untados de una mezcla de carbón y melaza. Con humor, amenazan con «pintar» a los transeúntes a menos que estos les den una moneda (medio punto).
  • Los Mineros: Ataviados con sus cascos y herramientas, rinden homenaje a la principal actividad económica de la región y a los trabajadores que dieron origen al pueblo.

Más que una fiesta, una identidad

En el corazón minero de Venezuela
En el corazón minero de Venezuela

El Carnaval del Callao es un ejemplo de resiliencia cultural. Durante los días de fiesta, las barreras sociales se disuelven bajo el sonido del bumbac. Las familias se preparan durante todo el año para confeccionar los trajes y ensayar las canciones, transmitiendo este legado de generación en generación.

Visitar El Callao durante estas fechas es sumergirse en un torbellino de energía, historia y hospitalidad, donde cada comparsa cuenta una historia y cada ritmo celebra la libertad.

Isidora Agnes: La Reina Eterna que convirtió el Calipso en Patrimonio de la Humanidad.

Hablar de Isidora Agnes, universalmente conocida como «La Negra Isidora», no es solo recordar a una figura del pasado; es invocar el alma misma del Carnaval de El Callao. Ella fue la fuerza vital que rescató, protegió y proyectó esta tradición hasta elevarla a su estatus actual: Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.

Isidora Agnes La Reina del Calipso de El Calla
Isidora Agnes La Reina del Calipso de El Calla

A continuación, exploramos la vida y el impacto de la mujer que puso el ritmo del bumbac en el mapa del mundo.

Una líder forjada en El Callao

Nacida el 17 de agosto de 1923, Isidora fue mucho más que una figura festiva. De carácter firme y convicciones claras, se destacó como líder social y sindicalista. Su labor como la primera telefonista de la zona no fue casualidad: ese puesto le permitió ser el centro de conexión de su pueblo, escuchando de primera mano las necesidades y carencias de su gente.

Con raíces profundamente antillanas (hija de inmigrantes de Santa Lucía y Martinica), Isidora creció con el calipso en la sangre, lo que la llevó a defender su identidad con ferocidad en una época donde la tradición comenzaba a desvanecerse.

El rescate de una tradición en declive

A mediados del siglo XX, el Carnaval de El Callao atravesaba una crisis de identidad y perdía fuerza frente a otras influencias. Isidora, decidida a no dejar morir su herencia, emprendió una cruzada cultural:

  • Institucionalización: En 1954 fundó la «Asociación Amigos del Calipso», dándole una estructura formal a la festividad.
  • Disciplina y Estética: Organizó las comparsas bajo estándares de autenticidad, exigiendo rigor en la confección de los trajes y respeto por la música tradicional.
  • Proyección Nacional: Llevó el calipso fuera de las fronteras del estado Bolívar. Gracias a ella, Caracas y el resto de Venezuela conocieron el retumbar del bumbac y los coros en patois.

La «Madama» por excelencia

Si bien el Carnaval de El Callao cuenta con múltiples «Madamas» personajes que rinden honor a las matronas afroantillanas, Isidora se convirtió en el referente máximo. Ella no solo vestía el traje; personificaba la elegancia, el respeto y la alegría señorial de la figura. Su presencia en las calles dictaba el ritmo de la fiesta.

Más allá del baile: Su legado social

El compromiso de «La Negra» Isidora no terminaba cuando se guardaban los tambores. Fue una defensora incansable de El Callao. Se cuenta que «no le temblaba el pulso» para viajar hasta el Palacio de Miraflores y exigir a los presidentes de turno las mejoras que su pueblo merecía, logrando hitos como la instalación de la red de cloacas y la construcción del hospital local.

Isidora Agnes
Isidora Agnes

Datos que perpetúan su mito

  • El Himno del Carnaval: La famosa pieza «Isidora, Isidora, Isidora Callao Calipso Queen», compuesta por su entrañable amiga Lulú Basanta, es considerada hoy el himno no oficial de estas fiestas.
  • Una despedida poética: Falleció el 5 de marzo de 1986. Irónicamente, fue un Miércoles de Ceniza, el día en que termina el carnaval. Fue despedida con honores de Estado y, como fue su última voluntad, al ritmo del calipso.
  • Honor en el calendario: En conmemoración a su nacimiento, cada 17 de agosto se celebra el Día Municipal del Calipso en El Callao.

Tambien Lea: Samba el baile que despierta el Carnaval en Brasil 

Publicado en: 2026, Academias de baile, Artistas, Biografia, Febrero, Latino America, Noticias

Toña La Negra El Terciopelo Inigualable de la Canción Tropical

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

Un 19 de noviembre de 1982, en Ciudad de México, falleció Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, mejor conocida como “Toña La Negra”.

Fue una destacada cantante y actriz mexicana de origen africano, famosa por sus interpretaciones de boleros y canciones tropicales del compositor Agustín Lara, quien la consideró «la más grande cancionera de todos los tiempos» por su «estilo personalísimo», «la fuerza de su expresión y el terciopelo de su garganta privilegiada».

Toña La Negra El Terciopelo Inigualable de la Canción Tropical
Toña La Negra El Terciopelo Inigualable de la Canción Tropical

Antonia Peregrino nació en la ciudad de Veracruz, en el barrio de La Huaca, el 2 de noviembre de 1912.

Su padre, don Timoteo Peregrino Reyes, tocaba la guitarra y trabajaba como abridor de las cajas que llegaban al puerto; fue, además, uno de los fundadores del Gremio de Cargadores y Abridores de Comercio del Puerto de Veracruz.

Su madre, doña Daría Álvarez Campos, cantaba en las reuniones familiares.

Su abuelo paterno, don Severo Peregrino, era haitiano, y había emigrado a México en el siglo XIX.

Para 1927 ya se había casado con Guillermo Cházaro Ahumada, quien la llevó a Ciudad de México con su primer hijo, de solo cuarenta días de nacido.

El 16 de julio de 1929 debutó en el cabaret El Retiro y, haciendo temporada en ese lugar, donde se la conocía como la Peregrina, la conoció don Emilio Azcárraga Vidaurreta, quien fue, junto con Enrique Contel, quien la bautizó como Toña la Negra.

Un 19 de noviembre de 1982, en Ciudad de México, falleció Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, mejor conocida como “Toña La Negra”
Un 19 de noviembre de 1982, en Ciudad de México, falleció Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, mejor conocida como “Toña La Negra”

Empezó a ser reconocida con su interpretación de la canción “Enamorada” de Agustín Lara, quien también produjo para ella temas como “Lamento Jarocho”, “Veracruz”, “Noche criolla”, “Oración Caribe”, “Palmera”, “La clave azul” y “La cumbancha”, que presentaron juntos en una revista musical en el Teatro Esperanza, en diciembre de 1932, con tanto éxito que debieron prolongar sus presentaciones por mucho tiempo.

Su tono de voz era más bien grave, con un sonido aterciopelado y redondeado, e impecable técnica vocal, característica que se convirtieron en su sello interpretativo.

Azcárraga la incorpora al elenco de la emisora XEW, donde se presentaba a veces acompañada por Lara y otras por la orquesta de Alfredo Girón.

Poco después empiezan sus fastuosas presentaciones en el Teatro Politeama, frente a las Vizcaínas y al lado de la calle San Juan de Letrán.

Sus grabaciones para el sello RCA Victor constituyen uno de los más preciosos legados musicales en la historia del bolero.

Uno de los primeros discos que grabó para este sello contiene el tema «El cacahuatero»; esta grabación data de la década de los treinta. Para RCA Víctor, grabó varios discos de larga duración, entre ellos Caleidoscopio musical con Toña la Negra, Noche criolla, vol. II y La sensación jarocha, vol. III.

A mediados de los sesenta, firmó un contrato de exclusividad con Discos Orfeón, donde grabó los últimos álbumes de su carrera.

“Este amor salvaje”, “Por qué negar”, “Obsesión”, “Mentiras tuyas”, “Y sin embargo te quiero”, “Noche criolla”, “Pesar”, “Vereda tropical”, “Cada noche un amor”, “Angelitos negros”, “Lágrimas de sangre”, “Estás equivocado”, “De mujer a mujer”, “Como golondrinas”, “Diez años” y “Cenizas” son algunos de sus títulos de éxito que grabó en más de 75 discos LP, algunos de ellos para el sello Peerless. Ya famosa durante muchísimos años, llegó a grabar dos canciones con la legendaria Sonora Matancera en 1974.

Toña La Negra y La Reyna Celia Cruz
Toña La Negra y La Reyna Celia Cruz

En los últimos años, con algunos achaques de salud, se fue retirando de los escenarios y grabaciones.

Toña la Negra llevó siempre una vida personal muy reservada. Con su primer marido, el músico Guillermo Cházaro Ahumada, tuvo tres hijos: Ramón (n. 1932), Guillermo (n. 1933) y Ernesto (1935-1979). Toña y Cházaro Ahumada se separaron en 1945.

Posteriormente, en 1955, se casó de nuevo con el bajista veracruzano Víctor Ruiz Pazos, conocido como «Vitillo». Este matrimonio duró hasta 1963. En una entrevista, Ruiz Pazos habló acerca de las cualidades artísticas de Toña:

Su entrega, su sentimiento a la hora de cantar, su estilo, su forma de hacerlo, musicalmente cómo decía las cosas; he vivido mucho, he escuchado muchas cantantes fabulosas pero ninguna le llega a Doña Toña.

El cineasta alemán Christian Baudissin realizó un documental sobre Toña la Negra para televisión en 1993 con entrevistas con su exmarido el músico Vittillo (Víctor Ruiz Pazos) y otros artistas que la conocieron en vida.

Colaboradores:

Los Mejores Salseros del Mundo 

Dj. Augusto Felibertt

También Lea: Santa La Salsera y Diva de México con su voz y estilo único seguirá conquistándonos a todos

Publicado en: Artistas, Enero, Latino America, Musica Latina, Orquesta

Son 14 La Historia de la Orquesta y el Éxito de «A Bayamo en Coche»

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

La orquesta Son 14 se fundó en Santiago de Cuba en 1977 por el vocalista Eduardo «El Tiburón» Morales (nacido en Cuba en 1935) y el pianista y director musical Adalberto Álvarez.

Como su nombre indica, es una agrupación de 14 músicos dedicada a interpretar el son, el género musical nacional de Cuba. En 1978, se unió al grupo Lázaro Rosabal (nacido en Santiago de Cuba en 1953).

Rápidamente, grabaron varios discos para el sello local EGREM, muchos de los cuales se convirtieron en éxitos de ventas en toda Latinoamérica, lo que les permitió realizar extensas giras por América y Europa.

En 1992, el cofundador Álvarez dejó la banda para formar su propio grupo. Sin embargo, Son 14 continuó su trayectoria bajo la dirección musical de Rosabal.

Además de su continuo éxito en el mercado latino, la banda comenzó a ganar reconocimiento internacional, primero con la canción «El Son De La Madrugada», incluida en el recopilatorio Cuba – Fully Charged (Earthworks Records, 1993), y luego con el lanzamiento de Son – The BIG SOUND (Tumi Records, 1995), una compilación de su material de la época de Álvarez.

Son 14 de «A Bayamo en Coche»
Son 14 de «A Bayamo en Coche»

Tras presentar al público no latino la versión moderna y vibrante del son y sus variaciones («son montuno», «bolero son», etc.), Tumi Records les encargó una nueva grabación en los estudios EGREM de Cuba.

Publicado en 1996 como parte de la serie Cuba Explosion, el álbum Cubanía demostró que la banda no había perdido ni un ápice de su talento y energía musical bajo la dirección de Rosabal. Tres años después, el grupo lanzó La Máquina Musical, que incorporó ritmos tropicales colombianos a su sonido, promocionando el álbum con una gira europea que incluyó una actuación en el Festival Cuba Presente en el Barbican Centre de Londres. (Fuente: allmusic)

Eduardo Morales Orozco Tiburón
Eduardo Morales Orozco Tiburón

El Hito de «A Bayamo en Coche»

En 1979 se publicó el álbum A Bayamo en Coche, cuyo mayor éxito fue, precisamente, el tema que le da nombre.

El primer corte del disco, compuesto y arreglado por el camagüeyano Adalberto Álvarez, lo transformó en una de las principales figuras de la música popular bailable cubana desde ese mismo año.

La canción «A Bayamo en coche» no solo rescata el son tradicional y lo enriquece con otras sonoridades, sino que también recrea artísticamente una tradición arraigada en Bayamo, la cuna de la nacionalidad cubana. En esta ciudad, los coches (carruajes) se utilizan para pasear y recrearse, y la letra de la canción relata esos momentos.

El álbum contenía otros temas que sonaron muchísimo en Cuba entre 1978 y 1980, como «Calle Enramada» (una elegía sonera a esa arteria santiaguera), «El Son De La Madrugada» (con una hermosa versión posterior a cargo de Omara Portuondo), «Se quema la trocha» y «Elena la cumbanchera», lo que convirtió al disco en un hito dentro de la música cubana de este género. La mayor parte de los temas fueron interpretados por Tiburón Morales, el solista de la agrupación.

Homenaje a El Caballero del Son

Recientemente, se rindió homenaje al fundador de Son 14, Adalberto Álvarez, conocido como «El Caballero del Son», con un concierto en el teatro Karl Marx. Este evento celebró sus 46 años de carrera musical y los 35 años de la fundación de su orquesta posterior, Adalberto Álvarez y su Son.

El concierto fue un memorable homenaje a la obra del autor de «A Bayamo en coche». Se interpretaron algunos de sus mejores temas en las voces de destacados músicos cubanos:

  • Septeto Santiaguero (Son para un sonero)
  • Pancho Amat y Alain Pérez (Tu fiel trovador)
  • Alexander Abreu (Pura imagen)
  • Paulo F. G. (Fin de semana)

En otros momentos, Frank Fernández acompañó a dúo las voces de Adalberto Álvarez y Jorge Luis Rojas, «Rojitas», en Santa Cecilia. Además, Rojitas cantó con Tania Pantoja (Vivir lo nuestro) y en solitario (Y qué tú quieres que te den). Robertón y Lele, vocalistas de Van Van, interpretaron Agua que cae del cielo, mientras que la orquesta Adalberto Álvarez y su Son se encargó de De Cuba pa’l mundo entero, Son de la madrugada y Los caminos de Ifá.

En La Sala Show “El Saraito” Adalberto Álvarez (R.I.P) Fundador, Director. Arreglista y Pianista del Son 14 de Cuba, Dj. Augusto Felibertt y Vicente López
En La Sala Show “El Saraito” Adalberto Álvarez (R.I.P) Fundador, Director. Arreglista y Pianista del Son 14 de Cuba, Dj. Augusto Felibertt y Vicente López

Esa noche, el maestro José Luis Cortés destacó la calidad musical de Álvarez, concentrándose específicamente en «A Bayamo en coche», el tema que en 1979 anunció al público la existencia de un gran artista. Álvarez fue capaz de llevar el son a las escuelas de arte cubanas y ha defendido con altura y arte el son cubano, sin renunciar a la esencia de uno de los géneros musicales bailables que mejor representa la idiosincrasia cubana. (Fuente: Joel del Río, cibercuba)

 Detalle del Álbum «A Bayamo En Coche» (1980)

No. Tema Género Compositor
01. A Bayamo En Coche Son Adalberto Álvarez
02. El Son De La Madrugada Son guaguancó Adalberto Álvarez
03. Se Fue Mi Amor Y No Lo Vi Partir Bolero son Adalberto Álvarez
04. Calle Enramada Son Pedro Gómez
05. Elena La Cumbanchera Son Gerardo Martínez
06. Se Quema La Trocha Bachata-Son Adalberto Álvarez
07. Tal Vez Vuelvas A Llamarme Son montuno Adalberto Álvarez
08. Gimen Las Rosas Por Una Triste Ilusión Bolero Adalberto Álvarez
09. Vamos, Háblame Ahora Bachata-son Adalberto Álvarez

Músicos que participaron en la grabación (1979):

  • Director, Piano acústico, Teclados: Adalberto Álvarez
  • Voz, Percusión menor: Eduardo «El Tiburón» Morales, Héctor Wedderbron, Daniel Carmenates
  • Bajo: Jorge Machado
  • Guitarra: Efisio Barroso
  • Trompeta: Eduardo Sánchez, Guillermo Femández, José Fernández, Dagoberto Rodríguez
  • Trombón: Lázaro Rosabal
  • Tumbadora: Ubaldo Canes
  • Bongó, Cencerro: Guillermo Viera

Grabado en: Estudios EGREM (1979)

Colaboradores:

L’Òstia Latin Jazz

Dj. Augusto Felibertt

También Lea: Luis Conte: El percusionista cubano-estadounidense que fusiona el son cubano con la música global

Publicado en: Artistas, Enero, Latino America, Musica Latina, Orquesta

  • Página 1
  • Página 2
  • Página 3
  • Páginas intermedias omitidas …
  • Página 57
  • Ir a la página siguiente »

International Salsa Magazine (ISM) es una publicación mensual sobre las actividades de Salsa alrededor del mundo, que se publica desde 2007. Es una red mundial de voluntarios coordinada por ISM Magazine. Estamos trabajando para fortalecer todos los eventos trabajando juntos.