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Augusto Felibertt

Víctor Cuica “El Soplo Eterno del Jazz Latino y la Identidad Venezolana

25 enero, 2026 by Augusto Felibertt

El legado de un visionario que unió el saxofón con la esencia del Caribe y el cine nacional.

Víctor Cuica no fue solo un músico; fue un puente entre dos mundos. Nacido el 19 de abril de 1949 en la emblemática parroquia de La Pastora, en Caracas, Cuica se consolidó como un destacado saxofonista y actor, reconocido mundialmente por su innovación al fusionar el Jazz con las raíces afro-caribeñas.

Su presencia marcó una época dorada en la cultura venezolana, compartiendo escenarios con leyendas de la talla de Tito Puente, Paquito D’Rivera, Porfi Jiménez y Gerry Weil.

Víctor Cuica “El Soplo Eterno del Jazz Latino y la Identidad Venezolana“
Víctor Cuica “El Soplo Eterno del Jazz Latino y la Identidad Venezolana“

Formación y los Primeros Pasos: El Nacimiento de un Estilo

La trayectoria de este virtuoso del saxofón tenor, soprano y la flauta comenzó en 1963, en la Escuela de Música Militar de La Victoria. Su paso por la banda de la marina venezolana fue el catalizador de su amor por el Jazz, lo que lo llevó a profundizar sus conocimientos en flauta, armonía y composición en la Escuela Superior de Música «José Ángel Lamas».

Su carrera profesional despegó en la orquesta de Chucho Sanoja. Poco después, se integró a la agrupación de Oscar D’León. Fue precisamente Cuica quien propuso el nombre «Dimensión Latina» para reemplazar al entonces «Oscar y sus Estrellas», bautizando así a la que se convertiría en la orquesta de salsa más icónica de Venezuela.

Victor Cuica en concierto realizado el dia 22 de agosto 2011 en la plaza Juan Pedro Lopez en Caracas
Victor Cuica en concierto realizado el dia 22 de agosto 2011 en la plaza Juan Pedro Lopez en Caracas

El Jazz Latino: Entre el Cine y los Escenarios Internacionales

A finales de los años 70, Cuica expandió su horizonte hacia el séptimo arte. En 1978, compuso e interpretó la banda sonora de «El Mar del Tiempo Perdido», basada en el relato de Gabriel García Márquez. Un año después, consolidó su propia agrupación, «Víctor Cuica y su Jazz Latino», debutando con éxito rotundo en el Teatro Alcázar de Caracas y proyectándose internacionalmente en Costa Rica.

Durante la década de los 80, la crítica lo encumbró como el innovador más importante de la fusión jazzística en la región. Su talento lo llevó a escenarios históricos:

  • 1981: Triunfó en el festival «Memphis in May», en Tennessee.
  • 1982: Se presentó en el prestigioso club «Domicile» en Múnich, Alemania.
  • 1985: Marcó un hito al ser la primera formación venezolana invitada al Festival Internacional de Jazz de Montreal, donde compartió aplausos con el legendario vibrafonista Lionel Hampton.

Madurez Artística y Reconocimientos

En los años 90, su música alcanzó nuevas dimensiones académicas cuando el maestro Eduardo Marturet compuso para él la obra «Música para seis y saxo», estrenada con la Sinfonietta Caracas. Esta pieza representó a Venezuela en la Exposición Universal de Sevilla en 1992.

Víctor Cuica no fue solo un músico; fue un puente entre dos mundos. Fotografia en Juan Sebastian Bar
Víctor Cuica no fue solo un músico; fue un puente entre dos mundos. Fotografia en Juan Sebastian Bar

Su discografía, que incluye joyas como “Que sea para siempre” (1948), “Noctámbulo” (1993), “Just Friends” (1998) y “Los Locos de Caracas” (1999), es un testimonio de su versatilidad. En 1995, la Casa del Artista de Venezuela lo condecoró como el Mejor Músico del Año.

Un Adiós con Sabor a Callejón y Bohemia

Víctor Cuica falleció el sábado 26 de diciembre de 2020, a los 71 años, a causa de un infarto. Su partida dejó un vacío en el cine, donde protagonizó cintas memorables como «Santera» (cuya banda sonora también compuso y premió en 1997), y en las noches bohemias de Caracas, donde su saxofón solía ser el protagonista.

El Homenaje de los Pares

El multipercursionista José Hidalgo, «El Tokun Mayor», describe a Cuica con palabras que resumen su esencia:

“Víctor Cuica es el mejor ejemplo de un artista íntimamente vinculado a su realidad cotidiana y a su origen cultural, sin perder de vista el carácter cosmopolita y universal de su mensaje musical. Cuica es la expresión del genuino jazz interpretado con la sencillez de la calle.

Y es que Víctor es tan auténtico en su trato personal como en su condición de artista. Esta virtud ha sido su compañera de tránsito por numerosos escenarios internacionales, abarcando ámbitos musicales, cinematográficos, teatrales y operísticos; siempre con la trascendencia del juglar bohemio, sencillo y audaz.

Víctor Cuica jamás deja de sorprendernos, bien sea a través de su voz o con el sonido del saxofón, instrumento que, con su ingenio habitual, lo convierte en un gran exponente del espectáculo por su creatividad y versatilidad.

Dj. Augusto Felibertt con el único y virtuoso Víctor Cuica
Dj. Augusto Felibertt con el único y virtuoso Víctor Cuica

Su talento ha recorrido diversos escenarios en Europa y América. Su propuesta se proyecta más allá de lo comercialmente difundido y, hoy, se nos presenta con una genial improvisación musical que no tiene comparación. “

Hoy, el nombre de Víctor Cuica permanece grabado en la historia como el hombre que le dio un color caribeño al Jazz y una voz propia al saxofón venezolano.

Victor Cuica y su Jazz Latino 23 de marzo 1980 en el Teatro Cantv
Victor Cuica y su Jazz Latino 23 de marzo 1980 en el Teatro Cantv

También Lea: Oscar Rojas son 54 años de trayectoria musical cargados de pasión, ritmo y sabrosura

Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Clubes, Febrero, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Orquesta, Radio

El Carnaval del Callao un Estallido de Oro, Ritmo y Tradición

25 enero, 2026 by Augusto Felibertt

El latido cultural del estado Bolívar

En el corazón minero de Venezuela, donde el oro dicta el pulso de la tierra, surge cada año una celebración que trasciende el simple festejo: el Carnaval del Callao.

No es solo una fiesta de disfraces, es una crónica viva de resistencia, mestizaje y alegría que ha resonado en el estado Bolívar por más de un siglo. Esta festividad, declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO en 2016, es el resultado de una fascinante mezcla de culturas antillanas, africanas y europeas.

El Carnaval de El Callao de Venezuela, Patrimonio Inmaterial de la Humanidad
El Carnaval de El Callao de Venezuela, Patrimonio Inmaterial de la Humanidad

Un viaje a las raíces: El origen del Calipso

La historia de este carnaval está intrínsecamente ligada a la fiebre del oro del siglo XIX. Inmigrantes de las Antillas británicas y francesas (Trinidad, Granada, Santa Lucía) trajeron consigo sus lenguas (patois), su gastronomía y, sobre todo, su música: el calipso.

A diferencia del calipso trinitario, el Calipso del Callao desarrolló una identidad propia. Se canta en inglés y castellano, acompañado por el bumbac, el rallo, la campana y el cuatro venezolano, creando un ritmo contagioso que narra las penurias y esperanzas de los mineros de la época.

Personajes emblemáticos: Los guardianes de la herencia

El Carnaval del Callao. Un Estallido de Oro, Ritmo y Tradición
El Carnaval del Callao. Un Estallido de Oro, Ritmo y Tradición

Lo que hace único al Carnaval del Callao es su colorida e inamovible jerarquía de personajes, cada uno con un significado profundo:

  • Las Madamas: Son las figuras centrales y pilares de la tradición. Representan a las matronas de las Antillas, vestidas con trajes señoriales de colores vivos, pañoletas atadas a la cabeza (turbantes) y abundantes collares. La figura de Isidora Agnes, la mítica «Negra Isidora», es recordada como la gran defensora de esta cultura.
  • Los Diablos Danzantes: Vestidos de rojo y negro, portan máscaras impresionantes con múltiples cuernos. Su función original era abrir paso a la comparsa y mantener el orden con sus látigos, simbolizando la protección de la festividad.
  • Los Mediopintas: Personajes que deambulan por las calles untados de una mezcla de carbón y melaza. Con humor, amenazan con «pintar» a los transeúntes a menos que estos les den una moneda (medio punto).
  • Los Mineros: Ataviados con sus cascos y herramientas, rinden homenaje a la principal actividad económica de la región y a los trabajadores que dieron origen al pueblo.

Más que una fiesta, una identidad

En el corazón minero de Venezuela
En el corazón minero de Venezuela

El Carnaval del Callao es un ejemplo de resiliencia cultural. Durante los días de fiesta, las barreras sociales se disuelven bajo el sonido del bumbac. Las familias se preparan durante todo el año para confeccionar los trajes y ensayar las canciones, transmitiendo este legado de generación en generación.

Visitar El Callao durante estas fechas es sumergirse en un torbellino de energía, historia y hospitalidad, donde cada comparsa cuenta una historia y cada ritmo celebra la libertad.

Isidora Agnes: La Reina Eterna que convirtió el Calipso en Patrimonio de la Humanidad.

Hablar de Isidora Agnes, universalmente conocida como «La Negra Isidora», no es solo recordar a una figura del pasado; es invocar el alma misma del Carnaval de El Callao. Ella fue la fuerza vital que rescató, protegió y proyectó esta tradición hasta elevarla a su estatus actual: Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.

Isidora Agnes La Reina del Calipso de El Calla
Isidora Agnes La Reina del Calipso de El Calla

A continuación, exploramos la vida y el impacto de la mujer que puso el ritmo del bumbac en el mapa del mundo.

Una líder forjada en El Callao

Nacida el 17 de agosto de 1923, Isidora fue mucho más que una figura festiva. De carácter firme y convicciones claras, se destacó como líder social y sindicalista. Su labor como la primera telefonista de la zona no fue casualidad: ese puesto le permitió ser el centro de conexión de su pueblo, escuchando de primera mano las necesidades y carencias de su gente.

Con raíces profundamente antillanas (hija de inmigrantes de Santa Lucía y Martinica), Isidora creció con el calipso en la sangre, lo que la llevó a defender su identidad con ferocidad en una época donde la tradición comenzaba a desvanecerse.

El rescate de una tradición en declive

A mediados del siglo XX, el Carnaval de El Callao atravesaba una crisis de identidad y perdía fuerza frente a otras influencias. Isidora, decidida a no dejar morir su herencia, emprendió una cruzada cultural:

  • Institucionalización: En 1954 fundó la «Asociación Amigos del Calipso», dándole una estructura formal a la festividad.
  • Disciplina y Estética: Organizó las comparsas bajo estándares de autenticidad, exigiendo rigor en la confección de los trajes y respeto por la música tradicional.
  • Proyección Nacional: Llevó el calipso fuera de las fronteras del estado Bolívar. Gracias a ella, Caracas y el resto de Venezuela conocieron el retumbar del bumbac y los coros en patois.

La «Madama» por excelencia

Si bien el Carnaval de El Callao cuenta con múltiples «Madamas» personajes que rinden honor a las matronas afroantillanas, Isidora se convirtió en el referente máximo. Ella no solo vestía el traje; personificaba la elegancia, el respeto y la alegría señorial de la figura. Su presencia en las calles dictaba el ritmo de la fiesta.

Más allá del baile: Su legado social

El compromiso de «La Negra» Isidora no terminaba cuando se guardaban los tambores. Fue una defensora incansable de El Callao. Se cuenta que «no le temblaba el pulso» para viajar hasta el Palacio de Miraflores y exigir a los presidentes de turno las mejoras que su pueblo merecía, logrando hitos como la instalación de la red de cloacas y la construcción del hospital local.

Isidora Agnes
Isidora Agnes

Datos que perpetúan su mito

  • El Himno del Carnaval: La famosa pieza «Isidora, Isidora, Isidora Callao Calipso Queen», compuesta por su entrañable amiga Lulú Basanta, es considerada hoy el himno no oficial de estas fiestas.
  • Una despedida poética: Falleció el 5 de marzo de 1986. Irónicamente, fue un Miércoles de Ceniza, el día en que termina el carnaval. Fue despedida con honores de Estado y, como fue su última voluntad, al ritmo del calipso.
  • Honor en el calendario: En conmemoración a su nacimiento, cada 17 de agosto se celebra el Día Municipal del Calipso en El Callao.

Tambien Lea: Samba el baile que despierta el Carnaval en Brasil 

Publicado en: 2026, Academias de baile, Artistas, Biografia, Febrero, Latino America, Noticias

Toña La Negra El Terciopelo Inigualable de la Canción Tropical

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

Un 19 de noviembre de 1982, en Ciudad de México, falleció Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, mejor conocida como “Toña La Negra”.

Fue una destacada cantante y actriz mexicana de origen africano, famosa por sus interpretaciones de boleros y canciones tropicales del compositor Agustín Lara, quien la consideró «la más grande cancionera de todos los tiempos» por su «estilo personalísimo», «la fuerza de su expresión y el terciopelo de su garganta privilegiada».

Toña La Negra El Terciopelo Inigualable de la Canción Tropical
Toña La Negra El Terciopelo Inigualable de la Canción Tropical

Antonia Peregrino nació en la ciudad de Veracruz, en el barrio de La Huaca, el 2 de noviembre de 1912.

Su padre, don Timoteo Peregrino Reyes, tocaba la guitarra y trabajaba como abridor de las cajas que llegaban al puerto; fue, además, uno de los fundadores del Gremio de Cargadores y Abridores de Comercio del Puerto de Veracruz.

Su madre, doña Daría Álvarez Campos, cantaba en las reuniones familiares.

Su abuelo paterno, don Severo Peregrino, era haitiano, y había emigrado a México en el siglo XIX.

Para 1927 ya se había casado con Guillermo Cházaro Ahumada, quien la llevó a Ciudad de México con su primer hijo, de solo cuarenta días de nacido.

El 16 de julio de 1929 debutó en el cabaret El Retiro y, haciendo temporada en ese lugar, donde se la conocía como la Peregrina, la conoció don Emilio Azcárraga Vidaurreta, quien fue, junto con Enrique Contel, quien la bautizó como Toña la Negra.

Un 19 de noviembre de 1982, en Ciudad de México, falleció Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, mejor conocida como “Toña La Negra”
Un 19 de noviembre de 1982, en Ciudad de México, falleció Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, mejor conocida como “Toña La Negra”

Empezó a ser reconocida con su interpretación de la canción “Enamorada” de Agustín Lara, quien también produjo para ella temas como “Lamento Jarocho”, “Veracruz”, “Noche criolla”, “Oración Caribe”, “Palmera”, “La clave azul” y “La cumbancha”, que presentaron juntos en una revista musical en el Teatro Esperanza, en diciembre de 1932, con tanto éxito que debieron prolongar sus presentaciones por mucho tiempo.

Su tono de voz era más bien grave, con un sonido aterciopelado y redondeado, e impecable técnica vocal, característica que se convirtieron en su sello interpretativo.

Azcárraga la incorpora al elenco de la emisora XEW, donde se presentaba a veces acompañada por Lara y otras por la orquesta de Alfredo Girón.

Poco después empiezan sus fastuosas presentaciones en el Teatro Politeama, frente a las Vizcaínas y al lado de la calle San Juan de Letrán.

Sus grabaciones para el sello RCA Victor constituyen uno de los más preciosos legados musicales en la historia del bolero.

Uno de los primeros discos que grabó para este sello contiene el tema «El cacahuatero»; esta grabación data de la década de los treinta. Para RCA Víctor, grabó varios discos de larga duración, entre ellos Caleidoscopio musical con Toña la Negra, Noche criolla, vol. II y La sensación jarocha, vol. III.

A mediados de los sesenta, firmó un contrato de exclusividad con Discos Orfeón, donde grabó los últimos álbumes de su carrera.

“Este amor salvaje”, “Por qué negar”, “Obsesión”, “Mentiras tuyas”, “Y sin embargo te quiero”, “Noche criolla”, “Pesar”, “Vereda tropical”, “Cada noche un amor”, “Angelitos negros”, “Lágrimas de sangre”, “Estás equivocado”, “De mujer a mujer”, “Como golondrinas”, “Diez años” y “Cenizas” son algunos de sus títulos de éxito que grabó en más de 75 discos LP, algunos de ellos para el sello Peerless. Ya famosa durante muchísimos años, llegó a grabar dos canciones con la legendaria Sonora Matancera en 1974.

Toña La Negra y La Reyna Celia Cruz
Toña La Negra y La Reyna Celia Cruz

En los últimos años, con algunos achaques de salud, se fue retirando de los escenarios y grabaciones.

Toña la Negra llevó siempre una vida personal muy reservada. Con su primer marido, el músico Guillermo Cházaro Ahumada, tuvo tres hijos: Ramón (n. 1932), Guillermo (n. 1933) y Ernesto (1935-1979). Toña y Cházaro Ahumada se separaron en 1945.

Posteriormente, en 1955, se casó de nuevo con el bajista veracruzano Víctor Ruiz Pazos, conocido como «Vitillo». Este matrimonio duró hasta 1963. En una entrevista, Ruiz Pazos habló acerca de las cualidades artísticas de Toña:

Su entrega, su sentimiento a la hora de cantar, su estilo, su forma de hacerlo, musicalmente cómo decía las cosas; he vivido mucho, he escuchado muchas cantantes fabulosas pero ninguna le llega a Doña Toña.

El cineasta alemán Christian Baudissin realizó un documental sobre Toña la Negra para televisión en 1993 con entrevistas con su exmarido el músico Vittillo (Víctor Ruiz Pazos) y otros artistas que la conocieron en vida.

Colaboradores:

Los Mejores Salseros del Mundo 

Dj. Augusto Felibertt

También Lea: Santa La Salsera y Diva de México con su voz y estilo único seguirá conquistándonos a todos

Publicado en: Artistas, Enero, Latino America, Musica Latina, Orquesta

Son 14 La Historia de la Orquesta y el Éxito de «A Bayamo en Coche»

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

La orquesta Son 14 se fundó en Santiago de Cuba en 1977 por el vocalista Eduardo «El Tiburón» Morales (nacido en Cuba en 1935) y el pianista y director musical Adalberto Álvarez.

Como su nombre indica, es una agrupación de 14 músicos dedicada a interpretar el son, el género musical nacional de Cuba. En 1978, se unió al grupo Lázaro Rosabal (nacido en Santiago de Cuba en 1953).

Rápidamente, grabaron varios discos para el sello local EGREM, muchos de los cuales se convirtieron en éxitos de ventas en toda Latinoamérica, lo que les permitió realizar extensas giras por América y Europa.

En 1992, el cofundador Álvarez dejó la banda para formar su propio grupo. Sin embargo, Son 14 continuó su trayectoria bajo la dirección musical de Rosabal.

Además de su continuo éxito en el mercado latino, la banda comenzó a ganar reconocimiento internacional, primero con la canción «El Son De La Madrugada», incluida en el recopilatorio Cuba – Fully Charged (Earthworks Records, 1993), y luego con el lanzamiento de Son – The BIG SOUND (Tumi Records, 1995), una compilación de su material de la época de Álvarez.

Son 14 de «A Bayamo en Coche»
Son 14 de «A Bayamo en Coche»

Tras presentar al público no latino la versión moderna y vibrante del son y sus variaciones («son montuno», «bolero son», etc.), Tumi Records les encargó una nueva grabación en los estudios EGREM de Cuba.

Publicado en 1996 como parte de la serie Cuba Explosion, el álbum Cubanía demostró que la banda no había perdido ni un ápice de su talento y energía musical bajo la dirección de Rosabal. Tres años después, el grupo lanzó La Máquina Musical, que incorporó ritmos tropicales colombianos a su sonido, promocionando el álbum con una gira europea que incluyó una actuación en el Festival Cuba Presente en el Barbican Centre de Londres. (Fuente: allmusic)

Eduardo Morales Orozco Tiburón
Eduardo Morales Orozco Tiburón

El Hito de «A Bayamo en Coche»

En 1979 se publicó el álbum A Bayamo en Coche, cuyo mayor éxito fue, precisamente, el tema que le da nombre.

El primer corte del disco, compuesto y arreglado por el camagüeyano Adalberto Álvarez, lo transformó en una de las principales figuras de la música popular bailable cubana desde ese mismo año.

La canción «A Bayamo en coche» no solo rescata el son tradicional y lo enriquece con otras sonoridades, sino que también recrea artísticamente una tradición arraigada en Bayamo, la cuna de la nacionalidad cubana. En esta ciudad, los coches (carruajes) se utilizan para pasear y recrearse, y la letra de la canción relata esos momentos.

El álbum contenía otros temas que sonaron muchísimo en Cuba entre 1978 y 1980, como «Calle Enramada» (una elegía sonera a esa arteria santiaguera), «El Son De La Madrugada» (con una hermosa versión posterior a cargo de Omara Portuondo), «Se quema la trocha» y «Elena la cumbanchera», lo que convirtió al disco en un hito dentro de la música cubana de este género. La mayor parte de los temas fueron interpretados por Tiburón Morales, el solista de la agrupación.

Homenaje a El Caballero del Son

Recientemente, se rindió homenaje al fundador de Son 14, Adalberto Álvarez, conocido como «El Caballero del Son», con un concierto en el teatro Karl Marx. Este evento celebró sus 46 años de carrera musical y los 35 años de la fundación de su orquesta posterior, Adalberto Álvarez y su Son.

El concierto fue un memorable homenaje a la obra del autor de «A Bayamo en coche». Se interpretaron algunos de sus mejores temas en las voces de destacados músicos cubanos:

  • Septeto Santiaguero (Son para un sonero)
  • Pancho Amat y Alain Pérez (Tu fiel trovador)
  • Alexander Abreu (Pura imagen)
  • Paulo F. G. (Fin de semana)

En otros momentos, Frank Fernández acompañó a dúo las voces de Adalberto Álvarez y Jorge Luis Rojas, «Rojitas», en Santa Cecilia. Además, Rojitas cantó con Tania Pantoja (Vivir lo nuestro) y en solitario (Y qué tú quieres que te den). Robertón y Lele, vocalistas de Van Van, interpretaron Agua que cae del cielo, mientras que la orquesta Adalberto Álvarez y su Son se encargó de De Cuba pa’l mundo entero, Son de la madrugada y Los caminos de Ifá.

En La Sala Show “El Saraito” Adalberto Álvarez (R.I.P) Fundador, Director. Arreglista y Pianista del Son 14 de Cuba, Dj. Augusto Felibertt y Vicente López
En La Sala Show “El Saraito” Adalberto Álvarez (R.I.P) Fundador, Director. Arreglista y Pianista del Son 14 de Cuba, Dj. Augusto Felibertt y Vicente López

Esa noche, el maestro José Luis Cortés destacó la calidad musical de Álvarez, concentrándose específicamente en «A Bayamo en coche», el tema que en 1979 anunció al público la existencia de un gran artista. Álvarez fue capaz de llevar el son a las escuelas de arte cubanas y ha defendido con altura y arte el son cubano, sin renunciar a la esencia de uno de los géneros musicales bailables que mejor representa la idiosincrasia cubana. (Fuente: Joel del Río, cibercuba)

 Detalle del Álbum «A Bayamo En Coche» (1980)

No. Tema Género Compositor
01. A Bayamo En Coche Son Adalberto Álvarez
02. El Son De La Madrugada Son guaguancó Adalberto Álvarez
03. Se Fue Mi Amor Y No Lo Vi Partir Bolero son Adalberto Álvarez
04. Calle Enramada Son Pedro Gómez
05. Elena La Cumbanchera Son Gerardo Martínez
06. Se Quema La Trocha Bachata-Son Adalberto Álvarez
07. Tal Vez Vuelvas A Llamarme Son montuno Adalberto Álvarez
08. Gimen Las Rosas Por Una Triste Ilusión Bolero Adalberto Álvarez
09. Vamos, Háblame Ahora Bachata-son Adalberto Álvarez

Músicos que participaron en la grabación (1979):

  • Director, Piano acústico, Teclados: Adalberto Álvarez
  • Voz, Percusión menor: Eduardo «El Tiburón» Morales, Héctor Wedderbron, Daniel Carmenates
  • Bajo: Jorge Machado
  • Guitarra: Efisio Barroso
  • Trompeta: Eduardo Sánchez, Guillermo Femández, José Fernández, Dagoberto Rodríguez
  • Trombón: Lázaro Rosabal
  • Tumbadora: Ubaldo Canes
  • Bongó, Cencerro: Guillermo Viera

Grabado en: Estudios EGREM (1979)

Colaboradores:

L’Òstia Latin Jazz

Dj. Augusto Felibertt

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Publicado en: Artistas, Enero, Latino America, Musica Latina, Orquesta

Compay Segundo El Patriarca Eterno del Son Cubano

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

Máximo Francisco Repilado Muñoz mejor conicido como Compay Segundo (1907-2003) La voz que conquistó el mundo a los noventa.

Máximo Francisco Repilado Muñoz, mundialmente conocido como Compay Segundo, es una de las figuras más emblemáticas y esenciales de la música tradicional cubana.

Nacido el 18 de noviembre de 1907 en Siboney, Santiago de Cuba, su vida fue una dedicación a la música que culminó con una fama global tardía, pero merecida, antes de su fallecimiento en La Habana el 13 de julio de 2003.

Máximo Francisco Repilado Muñoz, mundialmente conocido como Compay Segundo
Máximo Francisco Repilado Muñoz, mundialmente conocido como Compay Segundo

Orígenes y Formación Musical

Compay Segundo se crio en un ambiente musical y manual. Su padre, Máximo Repilado, era albañil y un gran amante de la música tradicional santiaguera, mientras que su madre, Caridad Muñoz, aportó una fuerte influencia cultural.

Proveniente de una familia numerosa, su hermano Lorenzo Repilado también fue una figura activa en la escena musical de Santiago.

Sus inicios fueron clásicos para la época. Compay comenzó su carrera como clarinetista en la Banda Municipal de Santiago, consolidando su formación al unirse posteriormente a la Banda del Ejército. En la década de 1930, migró a La Habana, un paso crucial que lo integró plenamente al circuito profesional de la capital.

Compay Segundo se crio en un ambiente musical y manual
Compay Segundo se crio en un ambiente musical y manual

 Los Compadres y el Nacimiento del Nombre

La etapa que le daría su nombre artístico y una fama nacional fue la formación del Dúo Los Compadres en los años 40 junto a Lorenzo Hierrezuelo.

  • El Apodo: El nombre «Compay Segundo» surgió porque Máximo Repilado siempre cantaba la voz armónica grave o el «segundo» en la canción, mientras que Hierrezuelo hacía la voz principal. De ahí, el diminutivo afectivo cubano «Compay» (compadre) más «Segundo».
  • Éxito Nacional: El dúo se convirtió en una sensación en toda Cuba, dejando clásicos inolvidables del son oriental como «Macusa,» «Mi Son Orientál» y la versión temprana de la que sería su canción más famosa: «Chan Chan.»
Compay creó el armónico, un híbrido entre guitarra española y tres cubano, con 7 cuerdas
Compay creó el armónico, un híbrido entre guitarra española y tres cubano, con 7 cuerdas

El Armónico: Su Contribución Instrumental

Una de las contribuciones más singulares de Compay fue la invención del «armónico,» un instrumento que diseñó él mismo. Se trata de un híbrido de siete cuerdas, a medio camino entre la guitarra española tradicional y el tres cubano. Este instrumento le permitía ejecutar bajos, armonía y melodía simultáneamente, creando una sonoridad única que fue la base de su estilo.

El Fenómeno Buena Vista Social Club

Cuando parecía que la carrera de Compay estaba en el ocaso, el destino le tenía reservada la etapa más gloriosa. En 1997, a la edad de 90 años, fue invitado por el músico estadounidense Ry Cooder a participar en la grabación del álbum «Buena Vista Social Club.»

  • Fama Global: El éxito del disco y el posterior documental dirigido por Wim Wenders lo catapultaron a la fama mundial.
  • El Himno: Su inconfundible voz y la mágica interpretación del tema «Chan Chan» lo convirtieron en una superestrella internacional, ofreciendo conciertos en los escenarios más prestigiosos del planeta y llevando el son cubano a audiencias de todas las edades.
El Fenómeno Buena Vista Social Club
El Fenómeno Buena Vista Social Club

Legado y Continuidad Familiar

Compay Segundo dejó un repertorio de canciones que son consideradas tesoros nacionales. Entre sus temas más destacados se encuentran «Chan Chan,» «Sarandonga,» «Las Flores de la Vida,» «Orgullecida,» y el popular bolero «Veinte Años,» que él popularizó.

Compay fue padre de al menos nueve hijos. Su legado musical no solo se mantiene vivo a través de sus grabaciones, sino a través de la actividad de sus descendientes:

  • Basilio Repilado (1954–2012): Fundador y arreglista del Grupo Compay Segundo.
  • Salvador Repilado: Contrabajista y actual director del Grupo Compay Segundo, el conjunto oficial de giras internacionales.

Además, las generaciones más jóvenes (nietos y bisnietos) como Yohel, Alejandro y Yurisley Repilado continúan la tradición en La Habana con el ensamble “Los Herederos de Compay Segundo,” asegurando que el sonido inconfundible del Patriarca del Son Cubano siga resonando en Cuba y el mundo.

Colaboracion:

Sr. Eduardo Guilarte

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Publicado en: Artistas, Biografia, Enero, Latino America, Musica Latina, Orquesta, Septiembre

Dámaso Pérez Prado y la Sucesión del «Rey del Mambo»

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

Dámaso Pérez Prado fue un músico, compositor, arreglista y director de orquesta cubano, conocido mundialmente como el «Rey del Mambo».

El 3 de diciembre de 1983, falleció en Milán, Italia, Pantaleón Pérez Prado, un excelente bajista y compositor. Había nacido el 27 de diciembre de 1926 en Matanzas, Cuba.

Inicios y Carrera de Pantaleón

Pantaleón siguió los pasos de su famoso hermano mayor, Dámaso Pérez Prado. A los 18 años formó su primera orquesta, la cual dejó en 1950 para integrarse como contrabajista en la agrupación de Dámaso, a quien acompañó durante algunos años.

También tocó por un corto tiempo en La Habana con la Orquesta de Laito Castro. A mediados de la década de los 50, Pantaleón Pérez Prado se independizó y viajó a Europa, donde dirigió una orquesta de músicos cubanos. Esta agrupación obtuvo gran éxito interpretando los temas que había popularizado Dámaso.

Dámaso Pérez Prado y la Sucesión del Rey del Mambo
Dámaso Pérez Prado y la Sucesión del Rey del Mambo

La Disputa Legal

En 1956, una disputa entre Dámaso Pérez Prado y su hermano menor, Pantaleón (1926-1983), generó un inusual conflicto legal. Dámaso demandó a su hermano por $500,000 dólares, acusándolo de suplantación de identidad.

En la cultura hispana es común que los hijos reciban los apellidos de ambos padres. En este caso, los nombres de nacimiento de los hermanos eran Dámaso Pérez Prado y Pantaleón Pérez Prado, respectivamente, siendo Pérez el apellido del padre y Prado el de la madre.

En Portugal, el tema que interpretaba Pantaleón, «Mambo del Estudiante», se convirtió en el «himno oficial» de la Universidad de Coimbra. También triunfó en España, Francia e Italia, donde fue presentado como «Pérez Prado, Rey del Mambo», lo que producía una intencionada confusión con su hermano Dámaso.

Dámaso inició acciones legales que concluyeron con la prohibición para Pantaleón de utilizar el título de «Rey del Mambo», al mismo tiempo que se le obligaba a utilizar su nombre completo. Algunos sugieren que, más allá del pleito, hubo un acuerdo tácito entre los dos hermanos, basándose en el hecho de que Dámaso visitó Europa en contadas ocasiones, centrando sus actividades en América, mientras que Pantaleón se radicó definitivamente en Milán.

Confusión en el Nombre y Reaparición del Conflicto

Originalmente, la RCA acreditaba las grabaciones a Dámaso Pérez Prado. Sin embargo, cuando sus discos comenzaron a aparecer en EE. UU., la compañía discográfica acortó su nombre al más aliterado Pérez Prado. En 1955, Dámaso dejó su nombre completo y lo cambió legalmente a Pérez Prado.

Aproximadamente en esa época, Pantaleón, que tocaba el bajo con su propio grupo, se presentó en el teatro Alhambra de París bajo el nombre de «Pérez Prado, el Rey del Mambo». Pantaleón fue posteriormente restringido por orden judicial de hacerse pasar por Pérez.

Sin embargo, las hostilidades se reanudaron cuando un furioso visitante francés llamó al Hollywood Palladium, donde Pérez Prado se presentaba, y le gritó a la gerencia por presentar a un «impostor», alegando que él había bailado con el «verdadero» Prado (en realidad, Pantaleón) en Deauville unas pocas semanas antes.

Dámaso Pérez Prado fue un músico, compositor, arreglista y director de orquesta cubano, conocido mundialmente como el Rey del Mambo.
Dámaso Pérez Prado fue un músico, compositor, arreglista y director de orquesta cubano, conocido mundialmente como el Rey del Mambo.

La demanda que siguió puso efectivamente a Pantaleón fuera de combate, pero el hermano menor tuvo una forma de venganza póstuma. Cuando Pantaleón murió en 1983, un obituario ampliamente difundido fue titulado «Mambo King muere en Milán», lo que llevó a muchas personas a creer (erróneamente) que era Dámaso quien había fallecido.

Trayectoria y Legado de Pantaleón

Pantaleón Pérez Prado se presentó en Grecia y llegó a Irán, por invitación del propio Sha y su esposa, la princesa Soraya. Continuó activo hasta poco antes de su muerte en 1983.

Éxitos Notables de Dámaso Pérez Prado

Los temas más conocidos de Dámaso Pérez Prado incluyen:

  • «Mambo No. 5»
  • «Qué rico el mambo» (también conocida como «Mambo Jambo»)
  • «Mambo No. 8»
  • «Cherry Pink and Apple Blossom White» (Cerezo Rosa), que fue un éxito número uno en Estados Unidos.
  • «Patricia», que fue un éxito mundial y se incluyó en la película La Dolce Vita de Federico Fellini.
Dámaso Pérez Prado
Dámaso Pérez Prado

Legado: Además de sus grabaciones, Dámaso Pérez Prado participó como actor y músico en varias películas mexicanas. Su música fue clave en la popularización internacional del mambo y su estilo sigue siendo influyente en la música latina y el jazz.

Colaboración:

Los Mejores Salseros del Mundo 

Dj. Augusto Felibertt

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Publicado en: Artistas, Biografia, Enero, Europa, Latino America, Musica Latina, Orquesta, Radio

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