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Artistas

Andy Montañez El Niño de Trastalleres su Voz Eterna y su legado transciende en generaciones

28 agosto, 2026 by Augusto Felibertt

De las Calles de Santurce a la Cúspide del Movimiento Salsero Mundial.

La historia de la música latina no se puede escribir sin dedicar un capítulo de honor a Andrés Montañez Rodríguez, conocido universalmente como Andy Montañez.

Nacido el 7 de mayo de 1942 en el populoso barrio de Trastalleres, en Santurce, Puerto Rico, Andy no solo se convirtió en una de las voces más prodigiosas y carismáticas del género, sino también en un pilar fundamental para la masificación y preservación de la salsa a nivel internacional.

Andy Montañez El Niño de Trastalleres
Andy Montañez El Niño de Trastalleres

Crecer en un entorno humilde pero repleto de matices musicales moldeó su sensibilidad artística desde muy joven. Influenciado por los boleros de la época, la música jíbara y los ritmos afrocaribeños que resonaban en las esquinas de su barrio, el joven Andrés demostró rápidamente poseer un timbre de voz barítono, potente, afinado y cargado de una sonoridad emotiva incomparable. S

in embargo, nadie imaginaba que aquel muchacho de Trastalleres terminaría convirtiéndose en una leyenda viva de la música caribeña.

La Era Dorada con El Gran Combo de Puerto Rico (1962–1977).

El salto definitivo a la profesionalización llegó en 1962. Tras la desintegración del combo de Cortijo y su Combo, Rafael Ithier fundó El Gran Combo de Puerto Rico y reclutó a Andy Montañez como cantante principal junto a Pellín Rodríguez. Esta dupla vocal se convirtió en el motor que impulsó a la agrupación hacia el éxito rotundo durante quince años.

Junto a «La Universidad de la Salsa», Andy inmortalizó clásicos de la música tropical que continúan vigentes en la memoria colectiva de los bailadores.

Temas como Las Hojas Secas, Julia, Un Verano en Nueva York, El Barbero Loco, Vagabundo y Un Alma Buena no solo dominaron las listas de radio en toda América Latina, sino que definieron el sonido de la salsa en la década de 1970.

Su Voz Eterna y su legado transciende en generaciones.
Su Voz Eterna y su legado transciende en generaciones.

Importancia en su Trayectoria:

El paso de Andy Montañez por la Puerto Rico All Stars representa un capítulo brillante en la historia de la salsa boricua.

La súper agrupación concebida a mediados de los años 70 bajo el liderazgo y la visión del trombonista y productor Frankie Gregory nació como la respuesta boricua al fenómeno neoyorquino de la Fania All-Stars, reuniendo a la élite de instrumentistas, arreglistas y vocalistas de la isla.

«Su participación en la Puerto Rico All Stars no solo reafirmó el patriotismo musical del colectivo, sino que sirvió como un puente de madurez sonora justo antes de consolidar su propia orquesta a partir de 1980».

Para el melómano y coleccionista de la salsa dura, la presencia de «El Niño de Trastalleres» en la Puerto Rico All Stars dejó una huella imborrable que demostró que su voz encajaba perfectamente tanto en el formato de charanga o combo como en el rigor técnico de una big band/superorquesta de estrellas.

Andy Nacido el 7 de mayo de 1942 en el populoso barrio de Trastalleres, en Santurce, Puerto Rico
Andy Nacido el 7 de mayo de 1942 en el populoso barrio de Trastalleres, en Santurce, Puerto Rico

Su capacidad para pasar del guaguancó cadencioso al bolero romántico con igual maestría asentó las bases de su popularidad.

La Dimensión Latina y la Consolidación Internacional:

En 1977, Andy Montañez tomó una de las decisiones más arriesgadas y comentadas de su trayectoria: salir de El Gran Combo para mudarse a Caracas y unirse a La Dimensión Latina, ocupando el lugar dejado por Oscar D’León.

Aunque el reto era enorme debido al vacío de la partida del «Sonero del Mundo», Montañez demostró su versatilidad y respeto por la clave salsera.

En Venezuela, consolidó una etapa brillante grabando éxitos de la talla de El Eco de un Tambor, Son de la Loma, Cantares y Pan de Piquito.

Su paso por La Dimensión Latina no solo reconfirmó su estatus como intérprete de primer orden, sino que fortaleció aún más sus lazos afectivos con el público venezolano, mercado donde se convirtió en un verdadero ídolo popular.

El Proyecto en Solista y las Nuevas Fusiones:

A comienzos de la década de 1980, Andy regresó a su tierra natal para lanzar su carrera como solista, respaldado por su propia orquesta y con la colaboración constante de arreglistas de alto nivel.

Durante este período, logró mantenerse en la cima de la salsa romántica y sensual sin perder la esencia del golpe callejero y la sabrosura criolla.

De esta etapa destacan himnos que marcaron a generaciones, tales como:

  • «Casi Te Envidio»
  • «Payaso»
  • «Cobarde, Cobarde»
  • «Me Gusta»
  • «Milonga para una Mirada»

Fiel a su espíritu inquieto, Andy no dudó en experimentar. A lo largo de los años 90 y 2000, exploró fusiones musicales incorporando elementos del bolero tradicional junto al Trío Los Andinos, así como incursiones en el reguetón y los ritmos urbanos junto a jóvenes artistas boricuas como Daddy Yankee y Julio Voltio. Esta apertura mental le permitió conectar con nuevas generaciones de oyentes sin traicionar jamás su raíz salsera.

Legado, Impacto Cultural y el Sello del Niño de Trastalleres:

El legado de Andy Montañez trasciende lo estrictamente discográfico; se trata de un símbolo de identidad y orgullo caribeño.

Andy dice Gracias Puerto Rico
Andy dice Gracias Puerto Rico

Su talento ha sido reconocido con múltiples galardones a nivel mundial, incluyendo el prestigioso Premio Grammy Latino a la Excelencia Musical en 2006 (por su álbum AM/PM Linea Directa junto al trovador cubano Pablo Milanés), confirmando su capacidad para tender puentes entre la salsa, la trova y la canción de autor.

Más allá de su registro vocal impecable y su innegable swing sobre el escenario, lo que verdaderamente distingue a Andy Montañez es su calidad humana, su carisma genuino y esa humildad intacta que siempre ha mantenido.

A pesar de haber recorrido los escenarios más importantes del mundo, jamás ha renunciado a su origen: siempre será orgullosamente «El Niño de Trastalleres».

Andy Montañez de las Calles de Santurce a la Cúspide del Movimiento Salsero Mundial
Andy Montañez de las Calles de Santurce a la Cúspide del Movimiento Salsero Mundial

Su voz sigue siendo faro y referencia obligada para soneros de todas las latitudes que buscan entender el arte de cantar con el corazón, la clave y la sabrosura del Caribe.

También Lea: El Mulato Mayor Jerry Rivas y su Leyenda de Medio Siglo con El Gran Combo de Puerto Rico

Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America, Orquesta, Septiembre

Domingo Quiñones El más que Canta, Sonero, Poeta y Guerrero de la Salsa

26 agosto, 2026 by Augusto Felibertt

Un Talento nacido en la Diáspora y forjado en el Barrio

Domingo Quiñones nació el 9 de agosto de 1963 en Perth Amboy, Nueva Jersey. Hijo de padres puertorriqueños, a los cuatro años regresó con su familia a la isla para establecerse en el municipio de Ceiba.

En 1977, un joven Domingo regresó a Nueva York, donde seis años más tarde comenzó formalmente su trayectoria profesional al unirse al Conjunto Nativo.

Domingo Quiñones El más que Canta, Sonero, Poeta y Guerrero de la Salsa
Domingo Quiñones El más que Canta, Sonero, Poeta y Guerrero de la Salsa

En ese entorno neoyorquino, el sonero en ciernes comenzó a pulir su talento colaborando con reconocidas agrupaciones y artistas como Rafael de Jesús, José Alberto «El Canario», Johnny Rodríguez y el Conjunto Clásico.

 Para 1985, ingresó a la orquesta del maestro Luis «Perico» Ortiz, convirtiéndose apenas ocho meses después en su vocalista principal. Con esta agrupación grabó cuatro producciones emblemáticas, entre las que destacan La vida en broma (1985), In Tradition (1986) y Perico (1987).

Domingo Un Talento nacido en la Diáspora y forjado en el Barrio
Domingo Un Talento nacido en la Diáspora y forjado en el Barrio

Su desempeño lo llevó a consolidarse rápidamente y a convertirse en el primer ganador del prestigioso «Festival de Soneros: Duelo al Anochecer».

La consolidación en solitario y la madurez musical:

En 1990, Quiñones firmó con el influyente sello RMM Records y lanzó su primer álbum como solista, Domingo es mi nombre, producido por Charlie Donato. Tras una destacada participación en el disco número 100 del legendario Tito Puente, presentó su segunda producción, Pintando lunas.

Temas como el dueto «Enséñame» junto a Tony Vega y su versión en salsa de «Crazy for You» demostraron la versatilidad de este joven intérprete. Posteriormente, tras importantes vivencias personales, lanzó Se necesita un milagro, uno de los discos más trascendentales de su carrera.

En esta quinta producción bajo RMM producida por Carlos «Cuto» Soto, con quien ya había trabajado en el álbum Mi meta, Domingo abordó temáticas espirituales, sentimentales y sociales. Tras su lanzamiento a finales de 1997, el trabajo fue distinguido por la Fundación Nacional para la Cultura Popular de Puerto Rico como una de las producciones más relevantes del año.

Domingo y Tito el Bambino
Domingo y Tito el Bambino

Siguiendo esa misma línea reflexiva, a finales de 1998 presentó el álbum La verdadera Navidad.

En esta producción destacó su composición «Si mi papá se quitara», un sensible tema que plasma la preocupación de un niño ante la adicción de su padre y que se convirtió en uno de los éxitos más sonados de la temporada.

Versatilidad artística: Del escenario musical al teatro y al cine:

En constante evolución, la pasión de Domingo Quiñones por las artes lo llevó a incursionar con éxito en el teatro y la cinematografía. En marzo de 1998 debutó en la Sala de Festivales de Puerto Rico dentro del elenco de la versión tropical de la ópera rock Jesucristo Superstar.

Poco después, fue seleccionado para encarnar al legendario cantante en la obra teatral Quién mató a Héctor Lavoe, presentada por el Puerto Rico Traveling Theater en Nueva York.

En medio de las conversaciones para adaptar dicha obra al cine, Domingo recibió ovaciones cerradas durante el histórico reencuentro de la Fania All-Stars en el Estadio Municipal Hiram Bithorn de Puerto Rico.

Domingo Quiñones y Dj. Augusto Felibertt
Domingo Quiñones y Dj. Augusto Felibertt

A este triunfo le siguió el exitoso lanzamiento de su álbum Poeta y guerrero, donde reafirmó su gran calidad interpretativa y compositiva.

Más allá de la música y las tablas, el salsero boricua debutó en el séptimo arte con la película Héroes de otra patria.

Su actuación le valió una mención honorífica en el Festival Internacional de Cine de Viña del Mar, y el filme fue seleccionado como la representación oficial de Puerto Rico para competir en la categoría de Mejor Película Extranjera en los Premios Oscar de 1999.

Hoy en día, su faceta como compositor, productor, actor e intérprete lo consagra como uno de los cantantes más completos y respetados de la salsa contemporánea.

También Lea: Ralph Mercado el visionario que transformó el ritmo del barrio en un fenómeno global

El Gigante de la Salsa en New York

Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Entrevistas, Latino America, Musica Latina, Norte America, Noticias, Orquesta, Septiembre

La Explosión del ritmo Tony Succar conquista la mítica Arena de Tempo Latino 2026

26 agosto, 2026 by Augusto Felibertt

El percusionista y productor peruano galardonado con el Latin Grammy cerró la 31ª edición del emblemático festival francés con un despliegue de dinamismo, percusión de vanguardia y pura clave salsera.

La explosión del ritmo Tony Succar conquista la mítica Arena de Tempo Latino 2026.
La explosión del ritmo Tony Succar conquista la mítica Arena de Tempo Latino 2026.

VIC-FEZENSAC (FRANCIA)  La pequeña localidad de Vic-Fezensac, en el corazón del departamento de Gers, volvió a convertirse en la capital europea de las músicas afrocubanas del 30 de julio al 2 de agosto de 2026.

En la jornada de clausura, la mítica plaza de toros convertida en la Tempo Arena presenció uno de los espectáculos más electrizantes de sus más de tres décadas de historia: la presentación del percusionista, arreglista y productor peruano-estadounidense Tony Succar.

El gran broche de oro en el Tempo Arena

El festival Tempo Latino celebra la herencia de los ritmos caribeños. La noche del domingo 2 de agosto, tras el virtuosismo jazzístico del pianista cubano Alfredo Rodríguez, Succar tomó el escenario principal rodeado de una nómina de músicos excepcionales.

El percusionista y productor peruano galardonado con el Latin Grammy cerró la 31ª edición.
El percusionista y productor peruano galardonado con el Latin Grammy cerró la 31ª edición.

Desde el primer golpe de timbal, el productor ganador de dos premios Latin Grammy demostró por qué es considerado una de las fuerzas creativas más influyentes en la evolución de la salsa contemporánea.

El concierto arrancó con una energía arrolladora que puso de pie a miles de bailadores eufóricos. Succar desplegó un repertorio que navegó entre:

  • Salsa dura: De corte clásico y alta potencia.
  • Jazz afrocubano: Lleno de colores, armonías e improvisación.
  • Pop caribeño: Aportando los matices frescos que caracterizan su propuesta musical.

La acústica circular del recinto taurino sirvió como resonador para los polirritmos de la percusión, donde los solos de timbal del propio Tony reafirmaron su maestría técnica y su arraigo con la tradición.

Vanguardia, tributos y visión global

Uno de los momentos cumbres de la velada llegó con las reinterpretaciones salseras de su famoso proyecto Unity: The Latin Tribute to Michael Jackson, un hito discográfico que transformó el pop global en auténtica descarga tropical.

Tony Succar y Mimy Succar (cuyo nombre real es Miriam Tayrako Sakaguchi).
Tony Succar y Mimy Succar (cuyo nombre real es Miriam Tayrako Sakaguchi).

La audiencia europea coreó arreglos donde los metales afilados y la síncopa salsera renovaron los clásicos del «Rey del Pop».

Asimismo, Succar aprovechó la plataforma de Vic-Fezensac para presentar piezas de sus producciones recientes, marcadas por arreglos vanguardistas que no pierden el pulso bailable.

La solidez de la sección de vientos y el ensamble rítmico mantuvieron la tensión festiva en todo momento, evidenciando un nivel de producción riguroso que no escatima en sabor.

La vigencia de la salsa en suelo europeo

La 31ª edición de Tempo Latino reunió a exponentes de primer nivel de diversos géneros, compartiendo cartel con figuras destacadas:

Artistas y Agrupaciones Destacadas
Tony Succar
Alfredo Rodríguez
Maïté Hontelé
Orquesta Akokán
La Yegros
Matt Bianco

Sin embargo, la presentación de Tony Succar en la jornada final sirvió como recordatorio del estado actual de la salsa: un género vivo, mutante y plenamente global.

Con este concierto, Succar no solo saldó una cita pendiente con el público europeo aficionado a la clave, sino que consolidó su lugar entre los grandes defensores del sonido tropical contemporáneo.

Cuando las luces del Tempo Arena finalmente se apagaron, la ovación retumbó en las calles de Vic-Fezensac, confirmando que la salsa de nueva generación tiene en Tony Succar a uno de sus arquitectos más audaces.

Tony Succar: Muchas gracias TEMPO LATINO Fue un honor poder regresar después de 9 años a este gran festival. Gozamos muchísimo! Y me da tanta alegría ver que, por este lado del mundo, amen tanto la salsaaa.

 By: Titouan Maza & Jean Paul Pourque.

Succar en el Arènes de Vic-Fezensac
Succar en el Arènes de Vic-Fezensac

También Lea: Antonio “Tony” Succar, percusionista, compositor, arreglista, líder de banda y productor musical

Publicado en: 2026, Academias de baile, Artistas, Asia, Clubes, Entrevistas, Europa, Eventos, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Noticias, Orquesta, Radio, Septiembre

Julián Silva en La Excelencia ha superado las dificultades típicas del negocio de la música

24 agosto, 2026 by Karina Garcia

El compositor, productor y músico estadounidense de origen colombiano Julián Silva nos ha ofrecido una muy agradable conversación en la que tocamos todo tipo de temas en relación a su carrera y la agrupación que actualmente dirige, Orquesta La Excelencia.

El artista ha sido recibido por un sinfín de mercados internacionales y ha sido el responsable de giras y presentaciones completamente vendidas en más de 16 países en total, por lo que es para nosotros un honor haber compartido un rato  con el músico y saber qué tiene para contarnos.

Compositor Julián Silva
Este es el compositor, productor y músico Julián Silva

¿Qué inspiró a Julián a iniciarse en la música?

A pesar de no tener ningún familiar músico, Julián hace hincapié en que su padre tocaba y cantaba con sus hermanos de forma aficionada, pero no era para nada profesional lo que hacían. Todo era mero entretenimiento. Debido a este gusto tan grande por la música, siempre escuchaba todo tipo de artistas, especialmente salseros, junto a sus hijos de pequeños, lo que despertó en Julián las ganas de aprender a tocar.

Fue así como el jovencito nacido en Cali, Colombia, y nacionalizado estadounidense empezó a tocar guitarra a la edad de 11 años y formó un pequeño grupo junto a unos amigos con los que tocaba música de trío. También quiso aprender a tocar instrumentos de viento como el saxofón y el trombón y de percusión. También tomó otras clases de música durante su época en high school, pero después de eso, todo lo que aprendió fue por oído y práctica. Lo mismo le pasó al momento de escribir y componer música, para lo cual no necesitó ningún tipo de formación académica que le ayudara. 

Música y psicología

Luego de graduarse de psicología en la Louisiana State University, Julián se mudó a Nueva York, ya que era en esta ciudad donde podría verdaderamente explorar sus raíces latinas a través del arte. Cabe resaltar que, gracias a estos conocimientos adquiridos durante su formación universitaria, ha podido unir las dos carreras que le apasionan. 

Luego de sus estudios de pregrado, también cursó una maestría en musicoterapia, por lo que, hoy en día, se define como un músico profesional, pero a su vez, como un músicoterapeuta. Es decir, usa la música para ayudar a la gente, especialmente niños y adultos mayores, a mejorar su salud tanto física como emocional.

Julián y su banda
Julián Silva y su banda La Excelencia

Una de las cosas que más lo inspiró a usar la música como una forma de terapia fue su propia situación como inmigrante, ya que él mismo, siendo un niño recién llegado de Colombia que no hablaba nada de inglés en Louisiana, le costaba mucho conectar con los demás debido a la barrera idiomática, así que empezó a usar la música para eso.

Primeras oportunidades profesionales en la música

Estando aún en Louisiana, Julián notó que no había una gran cantidad latinos en ese estado, pero había un grupo bastante nutrido de hondureños y dominicanos, por lo que el merengue era bastante popular en esa zona. Eso no era lo que el joven buscaba y muchos de estos grupos de merengue, por su falta de experiencia con el género, no lo querían aceptar, por lo que siempre tuvo muy claro que quería crear su propia agrupación para evitarse ese tipo de problemas.

Fue así como, con tan solo 17 años, tuvo su propia banda y tocó en diversos lugares de todo Estados Unidos, hasta que finalmente le tocó ir a Austin Texas, donde abrieron para Larry Harlow and his Latin Legends Band. Fue ese día que tuvo la oportunidad de conocer al mismísimo Harlow y al timbalero Chino Nuñez. Durante su charla con estas estrellas, Julián les dejó saber sus intenciones de seguir evolucionando en esta carrera, a lo que Harlow y Nuñez le aconsejaron que, si quería tocar salsa definitivamente y tener éxito, tenía que mudarse a Nueva York, cosa que finalmente hizo luego de graduarse de la universidad.

Orquesta La Excelencia

Si bien es cierto que el año de inicio oficial de la Orquesta La Excelencia fue el 2005, fue en el 2001 cuando él llega a Nueva York con un grupo que ya tenía, Los Calientes del Son, el cual había sido previamente firmado por una disquera y estaba en proceso de lanzar su primer álbum. Sin embargo, pasaron los terribles y mundialmente famosos eventos del 11 de septiembre, lo que ocasionó que mucho del turismo de la época bajara estrepitosamente y que el arte en Nueva York se viera obligado a hacer una parada temporal. A eso hay que sumar que reggaeton y la bachata comenzarán a generar mucho auge y dejaran a la salsa atrás.

La Excelencia en Tempo Latino
La Excelencia presentándose en Tempo Latino en 2023

Los ya mencionados hechos ocasionaron que la disquera engavetara el álbum en espera de que las condiciones mejoraran. En el año 2004, al ver que la situación no cambió nunca, Julián decidió salirse del contrato, fundar un grupo nuevo al que puso por nombre La Excelencia y hacer lo que él mismo denominó ‘‘salsa con conciencia’’.

Debido a que no eran muchos los músicos con experiencia que conocía, reclutó a jóvenes aspirantes a músicos, de los cuales algunos ni siquiera habían terminado high school. En ese momento, empezó a escribir más seriamente, compuso su primer tema musical ‘‘La Lucha’’ y se enfrentó a uno de los más grandes problemas que tendría su naciente orquestas: el anonimato. Ni a él ni a sus compañeros los conocía nadie, no habían estudiado con grandes músicos ni tenían familiares con conexiones dentro de la industria, lo que les hizo todo mucho más difícil.

A medida que iban ganando cada vez más prestigio, lanzaban discos como ‘‘Salsa Con Conciencia’’, ‘‘Mi Tumbao Social’’ y ‘‘Ecos del Barrio’’. En el 2012, tuvieron una pausa porque los muchachos querían enfocarse en sus propias carreras, otros proyectos y empezar sus familias, pero nunca estuvieron separados del todo. Se volvieron a juntar entre el 2018 y 2019, cuando lanzan su cuarto álbum ‘‘Machete’’, que sería oficialmente lanzado en marzo del año 2020. Sin embargo, una vez más el destino vuelve a sorprender a Julián y se presentó la pandemia del Covid-19.

Aunque preocupados, no se dejaron amilanar por las circunstancias y siguieron adelante con el lanzamiento para que la gente los disfrutara desde sus hogares en la cuarentena, lo cual salió bastante bien a nivel de números y popularidad.

Hoy en día, La Excelencia cuenta con el mismo Julián, el bajista Luis Orona, el pianista Willie Rodríguez y el cantante Gilberto Velázquez.

Read also: Héctor Rivera ‘‘Riverita’’ nos cuenta la historia de cómo creó Riverita Y Su Orquesta Noche Caliente

Publicado en: 2026, Artistas, Entrevistas, Musica Latina, Norte America, Septiembre

Productora, compositora y cantante colombiana Alea: de la Guajira Colombiana a Boston

12 agosto, 2026 by Karina Garcia

La cantante colombiana María Alejandra Jiménez, también conocida como Alea, nos ha concedido el gran honor de responder a nuestras preguntas para conocer un poco más de sí misma y su trayectoria, cosa que nos tiene bastante complacidos. No siempre se tiene la oportunidad de tratar con una artista tan versátil y talentosa. 

La joven proveniente de La Guajira colombiana, hoy en día, se desempeña como una productora artística, compositora y cantante que ha experimentado con géneros como el jazz, el Latin Jazz, la música folklórica colombiana, entre otros más. 

Actriz Alea
Productora, compositora, cantante y actriz de voz colombiana Alea Jiménez

¿Qué tenía la música que llamó la atención de Alea?

A esta misma pregunta, Alea nos respondió que recuerda haber tenido dos o tres años de edad cuando estuvo en su primera fiesta de salsa en la sala de su casa. También recuerda cómo esa música que escuchaba por primera vez la atrapó por completo en un placentero trance que la tuvo bailando durante horas. Fueron los ritmos y el compás lo que le encantaron al punto de no olvidarlos nunca más. 

Tenía apenas unos 15 años de edad cuando hizo su primera presentación musical pagada. Describe el proceso de irse haciendo a sí misma como artista como lleno de diversión y muy creativo. Sin embargo, no fue hasta el año 2015, época en la que ya vivía en la ciudad de Boston, Massachusetts, cuando tomó la decisión de ponerse ‘‘Alea’’ como nombre artístico.

Fue en ese mismo lugar en el que por fin se profesionalizó en el área, estudiando música en el Berklee College of Music con un enfoque especial en el área de jazz e interpretación vocal. También es importante mencionar que, antes de eso, Alea ya había estudiado comunicación organizacional en la Colegiatura Colombiana, Medellín.

El primer EP de Alea

Si bien es cierto que las fuentes oficiales indican que Alea lanzó su primer EP fue ‘‘Alborotá’’ en el año 2010, el cual, por cierto, fue nominado como Mejor Álbum Latino del Año, pero resulta ser que no es tan así. La artista cafetalera nos corrigió diciendo que, en realidad, su primer EP fue su proyecto de graduación en la universidad, el cual era un material con un enfoque bastante marcado hacia el jazz y algo de folklore típico de su país. Sin embargo, aún le faltaba mucho por aprender y conocer sobre la música.

Alea cantando
Alea cantando en vivo

Cuando finalmente llegó ‘‘Alborotá’’, se convirtió en su primer acercamiento al sonido que realmente quería lograr. Alea buscaba que su trabajo musical fungiera como homenaje a sus raíces latinoamericanas, al feminismo y al empoderamiento de la mujer en esta era. Del mismo modo, quería proponer un sonido que venía de la ciudad que en ese momento la inspiraba más, que era Nueva York. 

Se trataba de un sonido muy contemporáneo y acústico que fue producido por la disquera especializada en vinilos Jarana Records. La artista dice que simplemente se dejó llevar por lo que la música le hacía sentir y, para su sorpresa, el público recibió el álbum increíblemente bien, mucho mejor de lo que ella se esperó en un inicio. 

Jamás en la vida se hubiera esperado que algo producto de su trabajo iba a llegar a ser considerado como uno de los mejores álbumes de la revista The Rolling Stones o por la organización de medios y radiodifusión National Public Radio (NPR), pero en efecto así fue, por lo que todo su esfuerzo hasta entonces había valido completamente la pena. 

Tratándose de una artista independiente sin una gran cantidad de recursos económicos para invertir en promoción o marketing, este triunfo la hizo sentirse mucho más orgullosa de sí misma de lo que hubiera previsto.

Actuación de voz

Además de cantar, actividad que Alea ama con locura, también ha dedicado gran parte de su carrera a actuar y prestar su voz a importantes producciones cuando todavía se encontraba viviendo en Mushaisa, en la Guajira, y luego en Medellín. Posteriormente, también haría lo propio en Estados Unidos, ya que esta parte de las artes siempre le ha gustado. 

Cantante Alea
Cantante Alea Jiménez
Bajista Andrés Fonseca Alfonso
Guitarrista Gustavo Alfonso Díaz
Saxofonista D.J. Duffy
Trombonista Melisa Raquel
Coreógrafa Argelia Rossana
Director musical Felipe Fournier

Aún estando en Colombia, también tuvo la oportunidad de aprender un poco sobre radio y de radiodifusión televisiva mientras estudiaba en su país, por lo que todas estas áreas se le dieron de forma muy natural. Esto también le sirvió como una segunda carrera para no tener encima la presión de tener que conseguir todos sus ingresos solo de la música.

Primero, trabajó como asociada de producción para una compañía de música y sonido, y luego, como productora, lo cual le brindó una visión muy marcada sobre cómo hacer las cosas correctamente en este oficio. 

También nos contó que cuenta con un estudio en su propia casa desde el cual hace prácticamente todo su trabajo y que ha hecho talleres con SAG-AFTRA (principal sindicato de los profesionales del entretenimiento y la comunicación en Estados Unidos) como miembro.

Así mismo, ha prestado su voz para diversos comerciales de grandes compañías como Walmart, Nissan, Verizon, MLB Bobbleheads, LinkedIn, Pepto, Corona Refresca, Waze de Google, Liberty Mutual y Denny’s.

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Publicado en: 2026, Artistas, Entrevistas, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America, Septiembre

Maná – Biografía / Discografía

10 agosto, 2026 by Karina Bernales

Latin America / Mexico / Guadalajara

Maná es un cuarteto mexicano fundado en 1987 en Guadalajara, México, cuyo sonido se basa en ritmos latinos, rock latino, pop latino y rock en español. La banda está integrada por: Fernando Olvera (guitarra rítmica, armónica y voz), Juan Calleros (bajo y contrabajo), Alejandro González (batería y voz) y Sergio Vallín (guitarra líder y voz).

Maná - Orquesta
Maná – Orquesta

Originalmente, hacia finales de los años 70, la banda se llamaba «The Green Hat Spies» e interpretaba versiones de grupos que admiraban, como The Beatles, Led Zeppelin, The Police y The Rolling Stones, entre otros. Posteriormente, el grupo acortó su nombre a «Green Hat» y, finalmente, en 1980, adoptó la versión en español: «Sombrero Verde». Sus miembros —Fher Olvera (voz), Gustavo Orozco (guitarra eléctrica) y los hermanos Calleros (Juan al bajo, Ulises a la guitarra eléctrica y Abraham a la batería)— tocaban en bares de su ciudad natal (Guadalajara, México). La banda apostó por hacer rock en su propio idioma, siendo uno de los primeros grupos en atreverse a componer sus propias canciones en una época en la que el rock en español aún no era una tendencia mundial. Bajo este último nombre grabaron dos producciones musicales que no lograron alcanzar gran popularidad.

Maná - Orquesta - Foto
Maná – Orquesta – Foto

Actualmente, el grupo ha ganado múltiples galardones: 4 premios Grammy, 8 Grammy Latinos, 5 MTV Video Music Awards Latinoamérica, 5 Premios Juventud, 19 premios Billboard de la Música Latina y 15 premios Lo Nuestro. Además, la banda ha vendido más de 40 millones de discos en todo el mundo, lo que la convierte en el grupo de rock latino más exitoso de todos los tiempos, logrando triunfar comercialmente en México, Australia y España, y ganando popularidad y reconocimiento en toda América Latina, Estados Unidos, Europa Occidental, Asia y Oriente Medio. Miembros actuales

  • José Fernando Emilio Olvera Sierra (Fher): Voz, guitarra y armónica
  • Juan Diego Calleros Ramos (Juan Calleros): Bajo
  • Sergio Vallín Loera (Sergio Vallin): Guitarra, coros
  • Alejandro González Trujillo (Álex «el Animal» González): Batería, voz, coros y percusiones
Maná - Orquesta - Foto 2
Maná – Orquesta – Foto 2

Discografía de la banda internacional mexicana Maná, está compuesta por 8 álbumes de estudio, 3 álbumes en vivo, 6 álbumes recopilatorios, 5 álbumes de video, 54 sencillos y 37 videos musicales.

DISCOGRAFÍA

Maná (1987)

En busca de proyección internacional, Maná, nombre elegido por el significado de la palabra en polinesio: «Energía Positiva», firmó con Polygram Records y lanzó su primer álbum y tercero en general, Maná, que salió a la venta el 12 de mayo de 1987. Este álbum fortalecería el movimiento del rock en español.

Maná (1987)
Maná (1987)

Entre sus 10 sencillos se encuentran: Robot, Mentirosa, Bailando, México, Entré por la ventana, Cayó mi nave, Mueve tus caderas, En la playa, Lentes de sol y Queremos paz. La duración total de esta producción es de 35:20.

A pesar de cierto éxito, Maná no quedó del todo satisfecho con su primera grabación y abandonó el grupo. Diversas fricciones con el sello, debido al deseo de mantener la identidad del grupo frente a los intereses comerciales, llevaron a Maná a firmar con otra discográfica.

Falta amor (1989)

Este álbum se publicó el 2 de julio de 1990 bajo el sello Warner Music. Incluye el sencillo conocido como «Rayando el sol». Tras la mala experiencia con el primer álbum, Fher y Alex eran conscientes de los riesgos de ponerse en manos de un productor que veía al grupo como un concepto puramente comercial; por ello, decidieron emprender un camino que han seguido desde entonces: asumir ellos mismos la producción de todos sus discos.

Con esa premisa grabaron el álbum, que no alcanzó el éxito hasta un año después de su lanzamiento gracias al sencillo «Rayando el sol», el cual se convirtió en el primer gran éxito de Maná; también gozaron de buena acogida temas como «Pérdido en un barco», «Estoy agotado» y «Buscándola». Por otro lado, el álbum destaca dos canciones caracterizadas por su alto grado de compromiso social: «Falta amor», dedicada a los niños de la calle, y «La puerta azul», que refleja su postura en contra de las drogas.

Maná - Falta amor (1989)
Maná – Falta amor (1989)

El grupo ofreció 112 presentaciones en México y realizó su primer concierto masivo fuera de las fronteras de su país, en el Coliseo General Rumiñahui de Quito, Ecuador.

El álbum *Falta amor* vendió cerca de un millón de copias y obtuvo 10 discos de oro, 5 de platino, 2 de doble platino y 1 de triple platino; además, fue reconocido por Billboard como el Mejor Álbum, y sus autores recibieron el reconocimiento al mejor grupo de pop-rock.

¿Dónde jugarán los niños? (1992)

En 1991, Maná afrontó el primer cambio en su alineación con la salida de Ulises Calleros, quien desde entonces ejerce como mánager del grupo. Esto supuso la llegada de dos nuevos miembros: el tecladista Iván González y el guitarrista César «El Vampiro» López. Con esta nueva formación grabaron en Los Ángeles, en 1992, *¿Dónde jugarán los niños?*; el álbum marcó un verdadero hito en la historia del grupo y del rock en español, manteniéndose durante 97 semanas en la lista de Billboard de los discos más vendidos en Latinoamérica. El álbum salió a la venta el 27 de octubre de 1992. Actualmente, *¿Dónde jugarán los niños?* ha vendido más de 10 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en el álbum más vendido en la historia del rock en español.

Maná - ¿Dónde jugarán los niños? (1992)
Maná – ¿Dónde jugarán los niños? (1992)

Ocho sencillos de esta producción de 12 canciones encabezaron las listas de popularidad en toda Hispanoamérica y se han convertido en clásicos de su repertorio: «Vivir sin aire», «¿Dónde jugarán los niños?», «De pies a cabeza», «Como te deseo», «Oye mi amor», «Cómo diablos», «Te lloré un río» y «Me vale».

La internacionalización de Maná comenzó en 1993 con una maquinaria promocional de primer nivel y una serie de 268 conciertos en más de 17 países. La gira fue un éxito y consolidó a la banda tanto en la comunidad latina de Estados Unidos como en mercados como Chile y Argentina.

Argentina y España —territorios históricamente difíciles de conquistar para artistas latinos no locales— también sucumbieron ante el fenómeno Maná gracias a la canción «Vivir sin aire», que alcanzó el primer puesto en las listas de ambos países, algo que no ocurría desde hacía 26 años. Este sencillo fue galardonado con el premio al mejor video del año en los MTV Video Music Awards Latinoamérica.

Este álbum marcó la única etapa de Maná como quinteto. *¿Dónde jugarán los niños?* fue relanzado con dos remezclas el 15 de febrero de 1994.

Maná en vivo (1994)

Con su nuevo estatus en la escena internacional del pop rock latino, el trío Fher, Alex y Juan lanzaron el álbum en vivo Maná (1994) con la idea de capturar la energía y cada momento que viven durante sus presentaciones.

El disco doble fue grabado entre agosto y septiembre de 1994, durante las presentaciones del grupo en el Anfiteatro Universal de Los Ángeles, el San Diego Sports Arena de San Diego, el Teatro Aragón de Chicago, el Teatro Gran Rex de Buenos Aires, el Estadio Nacional de Chile de Santiago y la sala Standard de Barcelona. Una vez más, la revista Billboard fue galardonada con el premio al Mejor Álbum de Rock/Poplive del año.

Maná en vivo (1994)
Maná en vivo (1994)

El CD1 tiene 10 singles: De pies a cabeza, Oye mi amor, Refrigerador, ¿Dónde jugarán los niños?, Soledad, Huele a tristeza, Te lloré un río, Estoy agotado, Perdido en un barco y Buscándola.

Asimismo, el CD2 cuenta con 8 sencillos: La chula, El rey (José Alfredo Jiménez Cover), Como diablos, Me vale, Rayando el sol, Como te deseo, La puerta azul (Acoustic) (Bonus Track) y Vivir sin aire (Acoustic) (Bonus Track).

Cuando los ángeles lloran (1995)

Con el deseo de volver a su formato original de cuarteto, Maná experimentó el tercer y último cambio en su alineación. La banda realizó audiciones a más de 80 guitarristas de México, Argentina, Chile y Estados Unidos, hasta que finalmente encontró en Aguascalientes (México) el talento que buscaba: Sergio Vallín, cuya sensibilidad, técnica y versatilidad aportaron un brillo y un sonido de guitarra distintivos a las producciones del grupo. Con esta nueva formación, grabaron y lanzaron el álbum *Cuando los ángeles lloran* (1995), realizado entre Los Ángeles (EE. UU.) y Puerto Vallarta (México). Esta producción se distinguió por una notable evolución tanto en las letras como en el sonido del grupo. Los sencillos «Déjame entrar», «No ha parado de llover» y «Hundido en un rincón» no solo fueron éxitos radiofónicos, sino que sus respectivos videoclips gozaron de gran rotación en los canales de música y ganaron varios premios por su calidad.

El álbum les valió su primera nominación al Grammy estadounidense y el premio Billboard al Mejor Álbum de Rock/Pop Latino, estableciendo un récord de seis premios Billboard recibidos en un periodo de tres años.

Maná - Cuando los ángeles lloran (1995)
Maná – Cuando los ángeles lloran (1995)

Con este nuevo disco, el grupo inició su gira el 12 de mayo de 1995, ofreciendo un total de 52 conciertos en 13 países en menos de cinco meses, lo que demostró la magnitud del fenómeno que representaba Maná.

Durante su visita a España ese mismo año, el grupo actuó en la Plaza de Toros de Las Ventas, logrando llenos absolutos en cada lugar que visitaron.

*Cuando los ángeles lloran* y su correspondiente gira de conciertos supusieron otros logros para la banda, como la participación de Maná en el Festival de Jazz de Montreux y en la conferencia Midem —celebrados en Suiza y Francia, respectivamente—, hitos nunca antes alcanzados por el grupo. Asimismo, participaron con un tema en la película *My Family*, a petición del director Francis Ford Coppola.

A mediados de abril de 1996, Maná continuó con una extensa y esperada gira por México y Estados Unidos. Esta gira les valió importantes artículos en revistas de prestigio como *Rolling Stone*, *Time*, *Details*, *People Magazine*, *Newsweek* y *Pollstar*.

Sueños líquidos (1997)

Esta producción se grabó en una hermosa casa con vista a la Bahía de Banderas, en Conchas Chinas. El resultado fue una enérgica mezcla de rock, pop y ritmos latinos que abarcan desde la bossa nova hasta el flamenco, pasando por la cadencia caribeña del reggae. De este álbum surgen sencillos importantes como «En el Muelle de San Blas», «Hechicera», «Clavado en un bar» y «Como dueles en los labios».

El álbum se lanzó en octubre de 1997 y se lanzó simultáneamente en 36 países; debutó en el primer lugar de la lista Billboard Hot Latin 50.

El 30 de enero de 1998, la banda inició su gira más ambiciosa, Sueños Líquidos World Tour, en Chile, para luego visitar Uruguay y México.

Entre las presentaciones que destacan en el Sueños Líquidos Tour 98 se encuentran las de Bolivia, Colombia, Perú, Costa Rica, Nicaragua, Venezuela, Chile, Puerto Rico, Honduras y El Salvador.

Maná - Sueños líquidos (1997)
Maná – Sueños líquidos (1997)

Otras presentaciones destacadas son los conciertos en el Auditorio Nacional, sala donde Maná batió el récord, al ser la primera vez que una banda de este género se presentaba siete veces consecutivas en este escenario.

Maná firmó con la agencia Creative Artists Agency (CAA) y así se unió a la impresionante lista de artistas representados, entre los que se incluyen Bon Jovi, Alanis Morissette, Eric Clapton, Madonna, Depeche Mode, Carlos Santana, Bob Dylan y George Michael, entre otros.

Su primera gira con CAA comenzó el 21 de agosto de 1998 en Los Ángeles y abarcó más de 30 ciudades, con un total de 36 conciertos en pabellones y anfiteatros, la mayoría de ellos con entradas agotadas. Destacaron sus presentaciones en el Universal Amphitheatre de Los Ángeles y en el Rosemont Horizon Arena, donde batieron un récord al convertirse en el primer grupo de pop-rock latino en llenar el recinto. Esta fue la gira más grande realizada por un grupo de pop-rock latino en Estados Unidos.

La banda fue nominada por sexta vez consecutiva a los premios de la revista Billboard por el álbum *Sueños Líquidos*, en la categoría de Mejor Álbum de Pop-Rock del Año, logrando alzarse con el codiciado galardón. El 24 de febrero de 1999, recibieron el primer premio Grammy estadounidense otorgado a una banda mexicana de pop-rock.

Asimismo, en diciembre de 1998, Fher recibió una invitación de Carlos Santana para participar en su nuevo álbum. Fher compuso «Corazón espinado», un tema que abrió fronteras a la música latina tras situarse en los primeros puestos de las listas de éxitos en Europa, Asia y América. La grabación se realizó en las ciudades de Los Ángeles y San Francisco (California), donde surgió una gran amistad entre ambos músicos.

Como resultado de esta colaboración, Alex y Fher recibieron el premio Grammy como productores y compositores de la canción, además de realizar una gira por Estados Unidos y México junto a Santana. El grupo compartió escenarios —desde pabellones y auditorios hasta estadios— con Carlos Santana en una extensa gira que se desarrolló entre el 29 de julio y diciembre de 1999, sumando un total de 43 presentaciones.

MTV «Unplugged» (1999)

Maná - MTV "Unplugged" (1999)
Maná – MTV «Unplugged» (1999)

La cadena MTV llevaba varios años solicitando la participación de Maná en su serie de grabaciones *Unplugged*; sin embargo, la banda no había podido atender la petición debido a los compromisos que implicaban sus grabaciones y sus extensas giras.

Finalmente, se dieron las condiciones adecuadas para el proyecto y, el 9 de marzo de 1999, Maná grabó su *Unplugged* en Miami, en un ambiente íntimo y ante una audiencia de 70 afortunados seguidores. En este material, el grupo incluyó éxitos de su repertorio y tres versiones en formato acústico; también incluyó el interludio musical «Coladito» y un duelo de percusión entre Alex González y el músico invitado Luis Conte, donde se pudo apreciar la destreza de ambos intérpretes.

El 22 de junio de 1999, el material salió a la venta simultáneamente en todo el continente americano, alcanzando el primer puesto en la lista «Top 50 Latin» de la revista *Billboard*; con esto, la banda repitió la hazaña de ser el único grupo de rock latino en lograr tal posición. Hasta la fecha, este álbum sigue siendo uno de los más vendidos de la serie televisiva; además, marcó un hito al ser el primer artista latino en lanzar un material de este tipo (CD/DVD).

De esta producción surgió el primer sencillo, «Se me olvidó otra vez» —tema original de Juan Gabriel—, el cual permaneció más de cinco semanas consecutivas en el primer lugar de las listas de radio en gran parte de México y Latinoamérica. «Te solté la rienda», del compositor José Alfredo Jiménez, fue otro de los sencillos exitosos derivados de esta grabación.

A principios de enero de 2000, Maná recibió la noticia de su nominación al Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Pop Latino por su disco *Unplugged*; esta fue la tercera vez consecutiva que el grupo fue nominado a estos prestigiosos galardones.

A mediados de abril, se celebraron en Miami los premios Billboard de la Música Latina, donde Maná obtuvo dos galardones importantes: el primero, al Mejor Álbum de Rock/Pop Latino por su producción *MTV Unplugged*; y el segundo, otorgado a su fundación ecológica «Selva Negra» —el premio «Espíritu de Esperanza»—, que se concede únicamente a aquellos artistas que se han distinguido por realizar labores altruistas en favor del medio ambiente y los derechos humanos. Por esas mismas fechas, el grupo recibe un reconocimiento que se le otorgaba por primera vez: el premio al Mejor Artista Latino de Blockbuster, concedido por la mayor cadena estadounidense de alquiler y venta de vídeos y música.

En septiembre, el grupo asiste a la primera edición anual de los Grammy Latinos, donde gana tres premios Grammy por su participación en el álbum del guitarrista Carlos Santana.

Revolución de amor (2002)

A principios de 2002, la banda se reunió para componer y grabar demos de lo que sería su siguiente álbum de estudio, cinco años después del lanzamiento de Sueños líquidos. Revolución de amor se publicó el 20 de agosto de 2002, un álbum en el que la búsqueda de la banda muestra su esencia al fusionar el sonido rock de los sesenta y setenta con otros géneros de la música latina.

Maná - Revolución de amor (2002)
Maná – Revolución de amor (2002)

Este, su sexto álbum de estudio, se grabó íntegramente en Los Ángeles entre febrero y mayo de 2002 y contó con la participación de Carlos Santana y su guitarra en «Justicia, Tierra y Libertad», así como de Rubén Blades en «Sábanas frías». Cabe destacar la participación del guitarrista Sergio Vallín, quien interpretó el tema «Por qué te vas?», dedicado a sus padres.

Revolución de amor alcanzó el primer puesto en ventas en España, Latinoamérica y Estados Unidos durante cinco semanas consecutivas. Sus sencillos más destacados fueron «Ángel de amor», «Eres mi religión» y «Mariposa traicionera».

Gracias a su éxito en Italia, el cantante Zucchero lo invitó a participar en el dúo «Baila morena», que triunfó tanto en América como en Europa. Maná le devolvió el gesto al cantante invitándolo a participar en la canción «Eres mi religión», pero esta vez en italiano, la cual se incluyó en una edición especial del álbum Revolución de amor, editado en Europa.

El 29 de septiembre de 2002, Maná se embarcó en una nueva gira de dos años que los llevaría como nunca antes al mercado internacional. La gira llevó al grupo no solo a ciudades de Estados Unidos, México, Latinoamérica y España, sino también a nuevos lugares como Italia, Francia, Alemania y Brasil. En total, el grupo ofreció más de 100 conciertos en 24 países.

Durante su estancia en Europa, la banda participó en el especial Pavarotti & Friends junto a Zucchero, donde compartieron escenario con estrellas como Bono, Eric Clapton, Lionel Richie, Queen, Deep Purple, Ricky Martin y Andrea Bocceli. Maná recibió dos nominaciones en la cuarta edición de los Latin Grammy, que tuvo lugar en Miami el 3 de septiembre de 2003, y se alzó con el premio al Mejor Álbum de Rock de un Dúo o Grupo.

Esenciales (2003)

Maná - Esenciales (2003)
Maná – Esenciales (2003)

*Esenciales* es una recopilación en CD lanzada por Maná el 18 de noviembre de 2003. Consta de tres discos con sus canciones más destacadas hasta esa fecha, divididos por temáticas: *Sol* (canciones bailables), *Luna* (temas con un toque romántico) y *Eclipse* (lo mejor de su repertorio en general; esta última edición solo se publicó en el continente americano). Los discos incluyen un tema inédito, «Take You to Heaven», y el disco *Sol* contiene una versión de «Fool in the Rain» de Led Zeppelin, grabada por Maná para un álbum tributo a dicha banda.

Como muestra de agradecimiento a sus seguidores, el 12 de diciembre de 2004 lanzaron el DVD titulado *Acceso Total*, que incluye imágenes inéditas de los camerinos durante la gira *Revolución de Amor* (2002-2003), permitiendo así que los fans tuvieran «acceso total» a la experiencia de vivir la gira de Maná.

Amar es combatir (2006)

Este álbum se grabó en Miami y en él la banda fusionó rock, pop, música latina, reggae y *drum and bass*. Producido por Fher y Alex —al igual que sus discos anteriores—, *Amar es combatir* salió a la venta el 22 de agosto de 2006 y se publicó en 40 países. Alcanzó el puesto número 4 en la lista *Billboard 200* de Estados Unidos, un récord para una producción totalmente en español que solo había logrado anteriormente el álbum *Fijación Oral Vol. 1* de Shakira.

Su primer sencillo, «Labios compartidos», se mantuvo durante ocho semanas consecutivas en lo más alto de las listas de radio latinas y fue reconocido por los medios hispanos de Estados Unidos como una de las canciones más escuchadas y premiadas de 2006.

Los sencillos posteriores —»Bendita tu luz» (a dúo con Juan Luis Guerra), «Manda una señal» y «Ojalá pudiera borrarte»— también alcanzaron los primeros puestos de las listas de éxitos. A ellos se sumó un quinto sencillo, «El rey tiburón», que logró destacar en un contexto donde lanzar cinco sencillos de un mismo álbum se estaba volviendo poco habitual debido a la difícil situación que atravesaba la industria.

Maná - Amar es combatir (2006)
Maná – Amar es combatir (2006)

En noviembre de 2006, el grupo participó en la séptima edición de los premios Grammy Latinos. Allí, además de ofrecer una excelente interpretación de sus éxitos junto a Juan Luis Guerra —momento culminante de la velada que les valió una cálida ovación de los asistentes—, fueron homenajeados por su trayectoria y sus logros musicales.

En febrero de 2007, tras recibir cinco nominaciones a los premios Billboard Latinos, cuatro a los premios Lo Nuestro y una candidatura al Grammy estadounidense en la categoría de Mejor Álbum de Rock Alternativo o Urbano, Maná inició la gira «Amar es combatir». Esta contó con la mayor producción que el grupo había presentado hasta la fecha (más de 60 toneladas de equipo) y comprendió 116 conciertos a lo largo de un año y medio.

Entre los galardones más destacados que la banda obtuvo gracias a este trabajo se encuentran un Grammy estadounidense al Mejor Álbum de Rock Alternativo o Urbano; tres premios Lo Nuestro (Álbum de Rock del Año, Artista de Rock del Año y Canción de Rock del Año); y dos premios Billboard Latinos (Álbum de Rock Alternativo del Año y Tema Pop del Año en Radio para Dúo o Grupo).

Arde el cielo (2008)

El 29 de abril de 2008, Maná presentó en Los Ángeles el CD/DVD titulado *Arde el cielo*, grabado durante la gira *Amar es combatir* en el Coliseo José M. Agrelot de Puerto Rico, en marzo de 2007.

Maná - Arde el cielo (2008)
Maná – Arde el cielo (2008)

El material incluye 12 temas en vivo que representan y repasan la trayectoria de Maná —desde «Rayando el sol» hasta «Labios compartidos», pasando por «El rey» y canciones tan conocidas como «En el muelle de San Blas» o «Vivir sin aire»—, además de dos grabaciones de estudio inéditas. La primera de estas nuevas canciones es «Si no te hubieras ido», un tema de Marco Antonio Solís versionado por otros artistas, pero al que Maná logró imprimir su sello distintivo.

La segunda canción nueva del CD es «Arde el cielo», un tema compuesto por Fher y producido en colaboración con Álex González. Ambos temas fueron éxitos en 2008.

Drama y luz (2011)

*Drama y luz* representa un hito en la carrera de Maná. Se trata de un álbum gestado a lo largo de más de 1.000 días, con sus «mil y una noches».

El proyecto comenzó a tomar forma en junio de 2008 y concluyó a principios de abril de 2011. Durante esos 34 meses se compusieron, arreglaron y grabaron más de cuarenta maquetas; solo una rigurosa selección de trece temas vio la luz.

Maná - Drama y luz (2011)
Maná – Drama y luz (2011)

El primer sencillo de *Drama y luz* es «Lluvia al corazón», un tema que transmite un mensaje de esperanza frente a los nubarrones de un futuro incierto, en un planeta agonizante donde la humanidad no debe perder la fe.

El segundo sencillo es «Amor clandestino», tema que se convirtió en otro éxito de Maná. El tercer sencillo, «El verdadero amor perdona», fue otro triunfo radiofónico, especialmente en su versión junto a Prince Royce, la cual alcanzó los primeros puestos de las listas *Latin Songs* y ​​*Latin Pop Airplay*. El cuarto y último sencillo de esta producción se titula «Mi reina del dolor», una canción que fue ganando popularidad gracias a su gran ritmo, guitarras y batería.

Exiliados en la bahía (2012)

Maná - Exiliados en la bahía (2012)
Maná – Exiliados en la bahía (2012)

Exiliados en la bahía es una recopilación lanzada el 28 de agosto de 2012 que incluye los éxitos de la banda a lo largo de sus 20 años de trayectoria. Contiene dos temas en vivo, «Lluvia al corazón» y «El verdadero amor perdona», grabados durante la gira Drama y Luz World Tour en Buenos Aires, Argentina.

El primer sencillo es «Hasta que te conocí», una versión de Juan Gabriel. También incluye «Un nuevo amanecer», un tema inédito.

Cama incendiada (2015)

Este es el noveno álbum de estudio (y el undécimo en total) de la banda. Fue lanzado a la venta el 21 de abril de 2015.

Maná - Cama incendiada (2015)
Maná – Cama incendiada (2015)

El primer sencillo fue «Mi verdad», con el apoyo de la cantante colombiana Shakira. El segundo sencillo fue «La prisión», y el 24 de julio se lanzó una versión electrónica con el DJ estadounidense Steve Aoki, rompiendo por completo con los patrones musicales que la banda había utilizado. El tercer sencillo del álbum es el tema Ironía, cuyo video oficial se lanzó el 12 de octubre.

Publicado en: 2016, Artistas, Latino America, Norte America, Orquesta, Septiembre

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