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Artistas

Larry Harlow e Ismael Miranda: inicio de la llamada «Salsa Arseniana» en honor a la música de Arsenio Rodriguez, el creador del Son Montuno y «Rey del Guaguanco»

22 diciembre, 2024 by Augusto Felibertt

Extraído del libro llamado: «El origen y la creación de la Salsa»; creador: Mon Rivera, promotor: Al Santiago.

A la venta por Amazon kdp, dandole click al siguiente link:

Con que  se adjunta un  resumen  completo  de  la obra musical de  larry Harlow con Ismael Miranda desde su creación  en 1966 al 71.

Al final  se acompaña el tema original de Arsenio: «Oiga  mi Guaguanco»,  con  el fabuloso arreglo musical del mismo Harlow  en «Salsa Clasica», con el  cantar exquisito  del «Niño Bonito de Puerto Rico» Ismael Miranda.

Larry Harlow e Ismael  Miranda: 1966 – 1971 con trombones.

Julio Cesar Galindo Alarcón Diplomático de Peru Ministro (R), Historiador Musical. Autor de Libro sobre Creacion de la Salsa
Julio Cesar Galindo Alarcón Diplomático de Peru Ministro (R), Historiador Musical. Autor de Libro sobre Creacion de la Salsa

Lawrence Ira Khan, conocido más en el  ambiente musical como Larry Harlow cariñosamente reconocido como “El  Judío Maravilloso”, nació en Brooklyn Nueva York, el 20  de marzo de 1939 y  falleció  en Nueva York  el  20  de  agosto  del  2021, de nacionalidad norteamericana, músico, director de orquesta, pianista,  compositor, arreglista musical,  productor, creador  de  la llamada  “Opera Latina”, en  el  73 fue uno de los  más importantes  difusores del Jazz afrocubano, de la  Salsa “Arseniana” y  de la Salsa Clásica confirmando al más alto nivel el uso del trombón y de la técnica instrumental USA, corroborados  como las dos características  más  importantes que identifican al nuevo Movimiento Musical Americano.

El inicio de la obra musical de Larry  debemos analizarla  a  partir de su regreso de Cuba en 1959, luego de haber viajado a la isla a  mediados de los 50, a conocer y estudiar la música cubana en sus  diferentes ritmos, pero por motivo de la  Revolución tuvo que volver a Nueva York; encontrando el auge  y  entusiasmo producido por la Pachanga difundida  por  Charlie Palmieri, Pacheco, Quijano, Orlando Marin, Mon,  Eddie Palmieri,  Ray Barretto, Richie, entre otros.

A fines del 65  forma su orquesta  con trombones  y aplicación de  la  técnica  instrumental   del  Jazz;   firma contrato con  el  sello  “Fania” teniendo en  proyecto grabar su primer álbum.

En  el 66  graba  su primer álbum  llamado “Heavy Smokin” con el canto de  Felo Brito; L.P.  poco conocido,  en el que destacan: “Tu  Tu  Ratan”,  “Maria  la  O”,  “Rica  Combinación”,  “Mi  Guaguancó”,  “Orchestra Harlow”   y   “Adios  Mamá”.

En el mismo 66  graba su segundo álbum cuyo nombre es “Gettin’ Off” o “Bajándote”, cantado por  Ramón Quian: “Monguito” el  Unico,  excelente larga duración que tuvo un gran  éxito.

Sobresalen   “Bajandote”, “Guarachita,   cantada   por  Vickie;    “Tu  no  lo  creas”,   “Meta  y Guaguancó”, “Coco  May  May”  y “Cienfuegos”.

En el 66,  aparece un joven adolescente cantando en el grupo de Andy  Harlow y su  Sexteto.

Andy lo cedió a  su amigo Joey Pastrana al  inicio del año 67 para  que  grabara  el  álbum “Let’s Ball”, en el  que el  joven  cantante Ismael Miranda  tuvo su primer éxito con el  tema  “Rumbón  Melón”.

Larry Harlow a  quien le faltaba un buen cantante, ofreció  el puesto a Ismael,  quien sin dudarlo lo aceptó de inmediato; y debuto con Larry  en su tercer álbum  en el 67 llamado  “El Exigente”  y así comenzó la  DUPLA MARAVILLOSA DE LARRY HARLOW E ISMAEL MIRANDA, quienes juntos conformaron un  dueto sensacional, asombroso  e  impresionante, en la Historia de la Salsa Clásica.

En  “El Exigente” con  el  debut  del  “Niño  Bonito  de Puerto Rico” destacan los temas: “El Exigente”, “Las luces”, “Rumba me llaman” y  “El Mejor”.

Al  año siguiente,  en el 68,  graba el álbum,  “Orchestra Harlow  presenta a  Ismael Miranda”.

Con esta insuperable  combinación, se inicia la Salsa Clásica, Brava y Dura Niuyorquina al estilo único del  “Judío Maravilloso” con el canto del  fabuloso Ismael Miranda una  de  las voces más atractivas,  finas  y  agudas en la  historia  de la  Salsa, en que destacan los temas:  “La Contraria”,   “Jaguey”,   “Yo me voy”,   “Lamento Cubano”,   “Bobby’s  Boo-galoo,  “Rumba a  la  vida”  y  “Mi  Guajira si”.

En el 69  graba su quinto álbum y tercero  con  Ismael  Miranda, llamado  “Mi  Mono y  Yo”, en el  que continúa la cátedra de  Salsa Clásica con  fusión de  Jazz  afrocubano, en  que  destacan   casi todos  los temas:  “El Malecón”,  “Voy para la luna”, “Amorcito Ven”,  “Jovenes  del  Muelle”,  “Ven  Rumbero  Ven”, “Para  donde  tu  vas”,  “Mi  Madre”  y  “Traigo  Guajira”.

DIPLOMATICO DE PERU, MINISTRO (R); HISTORIADOR MUSICAL; AUTOR DE LIBRO SOBRE CREACION DE LA SALSA.
DIPLOMATICO DE PERU, MINISTRO (R); HISTORIADOR MUSICAL; AUTOR DE LIBRO SOBRE CREACION DE LA SALSA.

Con  estos  dos  últimos  álbumes, Larry  con Ismael  habían conseguido el éxito esperado; y se habían convertido  en  la  orquesta  favorita   en  todos  los  Conciertos  de Salsa  que ya se habían hecho costumbre en los fines de semana de la  Gran  Manzana.

En el 69,  el  autor fue  testigo  durante un mes  de estos Conciertos Bailables de Salsa  que normalmente  se daban  en los salones de los Hoteles de los distritos de Nueva York.

En el 70,  Larry  introduce  el  piano  eléctrico  en  su  formato orquestal; esto  motiva  a   que  su  álbum  del  mismo año,  lo titule: “Electric  Harlow”.  Con la  grabación  de  este  álbum  realmente se inicia  la  llamada  “Salsa  Arseniana”  de  Larry,  coincidente con  el último  año  de  vida  del  Gran  músico  cubano Arsenio Rodríguez,  el  padre  del   Son  Montuno  y  “Rey  del  Guaguancó”,  Leyenda  y Genio  indiscutible  del  desarrollo  de  la  música cubana;  pero,  no obstante,  haber  sido  el  músico  cubano más importante del Siglo XX,  por su  contribución  de  haber  creado  el  Son  Montuno  y  la  modernización  del  Guaguancó,  NO TIENE  NADA  QUE  VER  CON  LA CREACION  DE LA SALSA:  PERO  SI;  POR  SU VALIOSO APORTE,  CON EL DESARROLLO  DEL MOVIMIENTO CREADO POR MON.

En  “Electric  Harlow”  destacan:   “La  Revolution”,   el   maravilloso arreglo en  Salsa de  “Oiga mi Guaguancó”,  de  Arsenio  Rodríguez, “Guasasa”,  “Con Dulzura”,  “Donde va Chichi”  y  “Tu Cosita  Mami”. En el 71 graba su  álbum  “Abran  Paso”,  y  aquí  tenemos que referirnos  a  Ismael  Miranda  como   cantautor;   porque  si  desde  su primer  álbum  grabado  con  Larry:  “El  Exigente”;   ya  había mostrado su  fibra  de   compositor,  habiendo   compuesto   algunos  temas  en  forma  conjunta con  Harlow;  en  este  del  71:  “Abran Paso”,  confirma  y  ratifica  sus condiciones  de  cantautor,  componiendo cinco temas de su autoría, distinguiéndose exitosamente  el tema  del  mismo  nombre  del  álbum:  “Abran  Paso”,  “Donde  lle- vas  el  Son”,  “Abandonada  fue”,   “Oigan  bien  mi  Guaguancó”  y   “Dolor  y  Amor”.  También destacan: Se casa   la   Rumba”   y   “Vengo  Virao”,  del  Tite  Curet  Alonso.

Orchestra Harlow Vocal Ismael Miranda – Electric Harlow
Orchestra Harlow Vocal Ismael Miranda – Electric Harlow

Habiendo  fallecido  el  penúltimo  día  del  70  Arsenio  Rodríguez, Larry Harlow,  a  los  pocos  meses  tenía  la  idea  de  ofrecerle  un Homenaje póstumo,  el mismo que se materializó con la grabación en el 71  de un álbum  “Homenaje Póstumo”,  el que se  denominó  “Tribute to Arsenio Rodríguez”,  incluyendo  cuatro  exitosos temas de  Arsenio:  “Tumba y  Bongo”,   “No me  llores”,  “Sueltala”  y   “El Terror”;  “Arsenio”, tema de Harlow con Ismael Miranda  y “Saludos a todos los Barrios”, de Lázaro Prieto.  La  Orquesta  Harlow  en  los dos últimos álbumes estuvo integrada con:  Director y  piano: Larry Harlow;   Cantante:  Ismael Miranda;  Trompetas:  Larry  Spencer  y  Ralph  Castrello;  Trombones:  Lewis Khan,  Leopoldo  Pineda y Sam Burtis;  Bajo:  Lydio  Fuentes;   Congas:  Frankie  Rodríguez;  Bongó: Manny  Oquendo;  Timbal:  Phil  Newsum;  y  Tres  y  Cuatro:  Yomo Toro,  en “Abran Paso”.

Por  último;  Larry  Harlow   participó  como  pianista   en  el   “Red Garter”;  e   igualmente  como  pianista  y   productor  en  el “Cheetah”.

Ismael Miranda  lo hizo como cantante en los dos  conciertos de la  “Fania All Stars” del  68  y  71.

Julio Cesar Galindo Alarcón

Diplomático de Perú Ministro (R), Historiador Musical. Autor de Libro sobre Creacion de la Salsa.

También Lea: Larry Harlow »El Judío de la Salsa»: innovador e irreverente

Publicado en: 2025, Artistas, Biografia, Enero, Entrevistas, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Octubre

Fundación Cultural Madera 15 donde la Hermandad, el Deporte, la Danza y la Salsa van de la Mano

22 diciembre, 2024 by Augusto Felibertt

Para finales de los años 70 e inicio de los 80 un grupo de jóvenes de diferentes partes del país reunidos por casualidades de la vida en el mismo sector 4 de las Mercedes en La Victoria Estado Aragua, comienzan a escuchar el nuevo género de la época la popular «Salsa».

Fundación Cultural Madera 15 donde la Hermandad, el Deporte, la Danza y la Salsa van de la Mano
Fundación Cultural Madera 15 donde la Hermandad, el Deporte, la Danza y la Salsa van de la Mano

Cada uno con gustos distintos pero sin salirse del género, ellos sintieron el deseo de imitar a las bandas venezolanas e internacionales que conocían a través de los Lps, por ello cada fin de semana se organizaban para tocar sus instrumentos con músicos ya estudiados y los guataqueros de forma empírica.

Estas reuniones se hicieron cada vez más frecuentes y por la necesidad de un conocido de la zona de tener una agrupación salsera deciden armar el primer grupo de Salsa del sector llamado El «Quinto Sonero», luego a los años con muchos de los integrantes de la agrupación anterior forman el grupo «Juancito y su Son» y años más tarde el «Conjunto Sabor».

Cabe señalar que los ensayos de las distintas agrupaciones se realizaban en las casas de alguno de los integrantes interpretando temas de Ray Barreto; Eddie Palmieri; Dimensión Latina; Grupo Mango; Trabuco Venezolano Grupo Libre y por supuesto el Grupo Madera; entre otros.

Ya a finales de los 80 éste mismo grupo de jóvenes apoyados siempre por sus familias deciden formalizar todos los eventos que se realizaban durante el año, creando de ésta manera la «Fundación Madera 15» unificando la cultura, el deporte, el arte y la danza todo en lo que antes era una «Placita» y a los años se transformó en una Cancha, la cual pasaría a hacer su locación principal.

Su nombre se debe a la admiración que todos sentían por el Grupo Madera y producto de su inesperado accidente en el cual perdieron la vida la gran mayoría de sus integrantes el 15 de Agosto de 1980.

Fundación Cultural Madera 15
Fundación Cultural Madera 15

Por ello el cariño y la interpretación de muchos de sus canciones y a la asistencia a sus conciertos. Una vez ocurrida la tragedia crece más la pasión por la agrupación caraqueña específicamente del barrio Marín de San Agustín del Sur la cual fue invitada para la inauguración de la Cancha en 1989, invitación que fue aceptada y se pudo disfrutar de tres días de cantos y bailes afrocaribeños entre vecinos y allegados a la zona.

A partir de allí se realizan actividades culturales; recreativas; deportivas y una de las reuniones más importantes se organiza cada año todos los 31 de Diciembre, donde se lleva a cabo la Guataca de Fin de Año, la cual empezó como una reunión informal de éstos jóvenes cada fin de año específicamente el 31 en el día y se continuaba con una sopa el 1ero de Enero dando la bienvenida al año entrante.

Actualmente por decreto de la Alcaldía del Municipio Ribas en la Victoria Estado Aragua, específicamente por el Alcalde Juan Carlos «Jaimito» Sánchez en su 1er período año 2012, se celebra el Día Municipal de la Salsa,  y se invitan a cultores y músicos de diferentes zonas del país a participar de ésta fecha tan especial con todos los asistentes, los cuales disfrutan de un día único cargado de mucho sentimiento.

Por años han pasado todo tipo de músicos orquestas grupos y personajes de la salsa que han enaltecido la cultura salsera, así como personajes de la gaita y el folklore.

Hoy en día aún se mantiene la tradición de realizar la Guataca homenajeando en vida a sus personajes insignes y recordando a los que partieron a otro plano y a los que lamentablemente emigraron.

De la mano con la música se formó también el grupo de danzas de la zona llamado en sus inicios «Los Gurrugurru» los cuales interpretaban bailes nacionalistas y cantaban aguinaldos y parranda en cada navidad. Hoy en día todavía existe el grupo de danzas con el nombre de «Danzas Tricolor» también bailando todos los bailes folclóricos nacionales.

Danzas Tricolor
Danzas Tricolor

Por ambas agrupaciones pasaron la gran mayoría de los jóvenes del sector y tras generaciones sus hijos y ahora nietos, todos bajo la dirección de Griseida y Mileyda Batidas.

Es importante resaltar algunos nombres emblemáticos de la fundación entre ellos destacan:

Benilde (RIP), Mercedes (RIP), Ligia (RIP), Aminta (RIP), Alicia (RIP), Carmen (RIP), , Williams (RIP), Santana (RIP), Agustín (RIP), Neptali (RIP), Mileyda (RIP), Ángel Miguel (RIP), Amalia, Dinora, Raquel, Adela, Eugenia, Ángel, Jaime, Nelly, Entre otros.

Familias Participantes:

Los Bauter, Los Yanes, Los Ascanio, Los Bastidas Salazar, Los Momplasiert, Los Power, Los Anzolar, Los Escalona, Los Guevara y muchas más.

Sitios memorables

La Placita, La Cancha, La Matica de Amalia, La Esquina de los Bauter y El Terreno.

Allí quedaron plasmadas las huellas de todos los que en su momento entregaron el corazón por el bien del sector más rumbero de la Victoria.

Para ellos vaya éste mensaje:
MADERA 15 somos todos y hasta los que partieron

Colaboración y Fuente Principal:

Lcda. Shinaury Rojas / Publicista para Salsa Escrita

Fotógrafo Nelson Bauter

Actividad con el Septeto Caribe y Nelson Bauter en La Fundación Cultural Madera 15
Actividad con el Septeto Caribe y Nelson Bauter en La Fundación Cultural Madera 15

También Lea: Djane. Shina Rojas una Pasión Convertida en Realidad

Publicado en: Artistas, Descargas, Enero, Entrevistas, Eventos, Latino America, Musica Latina, Orquesta

Aporte de la milonga a la música latina en general

22 diciembre, 2024 by Karina Garcia

Hay muchos géneros latinos que han logrado hacerse con un lugar en la escena musical de Estados Unidos gracias a la constancia de muchos de sus grandes exponentes, siendo la salsa el género del que más hablamos. Sin embargo, hoy queremos cambiar un poco de tema y analizar lo que es la milonga y lo popular que se ha hecho en los últimos años.

Malevo y su dama
Recreación de »Malevo y Su Dama» en Buenos Aires, 1970

Definición de lo que es la milonga

La milonga puede ser definida como un género musical folklórico proveniente de la región del Río de la Plata, el cual suele ser ejecutado con un acompañamiento de guitarra en 6/8. Por lo general, se divide en dos modalidades que son la milonga campera (el género en su forma más pura) y la milonga ciudadana (estilo posterior a la milonga campera).

Etimología de ‘‘milonga’’

A pesar de que el género musical es conocida por ser originaria de Argentina, Uruguay y ciertas zonas de Brasil, ‘‘milonga’’ significa ‘‘palabra’’ en el idioma quimbundu (idioma de origen angoleño que coincide en varias expresiones con el portugués). Importante mencionar que este es el lenguaje usado por algunas tribus provenientes de Angola, la cual fue colonia de Portugal, y que mucha de la población esclava de esas tierras fue trasladada a Brasil, Uruguay y Argentina.

Según la información recabada de algunos estudiosos, luego de la derrota sufrida por el prócer argentino Juan Manuel de Rosas en Caseros por parte del entonces gobernador de Entre Ríos Justo José de Urquiza, los soldados brasileños tomaron por sorpresa a los porteños mientras cantaban guajiras como burla, a la vez que los porteños cantaban milongas.

A oídos de los brasileros, esas canciones sonaban como un palabrerío poco comprensible para ellos. Al final, como resultado, el término caló tanto que los lugareños comenzaron a referirse a sus propias guajiras acriolladas que cantaban como milongas.

La milonga de buenos aires
Yanina Quiñones y Neri Piliu bailando “La milonga de Buenos Aires” en el 4to TangoLovers Festival 2018 en Atenas, Grecia

Un poco de la historia de la milonga

La milonga es conocida por su alegría, rapidez y sensualidad al momento de ser ejecutada por sus bailarines. Su ritmo binario es de una gran simpleza, por lo que contrasta mucho con los cuatro tiempos de la guitarra que aporta la melodía al baile y suele venir acompañado de letras ocasionalmente.

También ha estado siempre muy relacionada con la paya y el tango. En el caso de la paya, la milonga se sirvió de algunos de sus elementos específicamente para el baile, mientras que el tango utiliza algunos detalles del ritmo y la melodía en la milonga para su propio baile. Hoy en día, los tres géneros son considerados como una parte muy importante de la escena musical de Río de La Plata y cada uno de ellos tienen sus propios características que los distinguen el uno del otro.

La milonga tuvo muchísimo que ver con el nacimiento del tango, pero al mismo tiempo, fue evolucionando y manteniendo su independencia. De hecho, hay una especie de mezcla entre ambos al que se le denominó tango milonga que está casi extinto, aunque se sabe que muchos músicos quisieron darle uso para darle al ritmo del tango más fortaleza y sostenibilidad. 

En cuanto a los lugares donde podía bailarse milonga, el género solía encontrarse en clubs de barrio, salones de baile, confiterías y boites. La música que se usaba solía ser grabada, aunque los dueños de los lugares contrataban grupos musicales reducidos de forma ocasional para variar la modalidad. La popularidad que dichos grupos obtuvieron fue tan grande que varios de sus músicos lograron integrarse a orquestas de bastante relevancia en su momento. 

Las parejas que acudían a clubs milongueros a bailar tango de salón y tango orillero. El primero solo se componía de compás y elegancia, mientras que el segundo tenía compás, elegancia y figura. Entre los lugares más famosos para bailar milonga que continúan activos hasta el día de hoy, podemos mencionar a El Barracas Central, Unidos en Pompeya, El Sunderland y muchos otros más.

Se dice de mi en milonga
Theddy Lizama y Pamela Ramos Aracena bailando »Se dice de mí» en Santiago de Chile, noviembre 2022

Milonga en la actualidad

Hoy en día, la milonga se ha convertido en un género de bastante importancia para personas deseosas de aprender a bailar más que salsa, bachata o merengue. Este género les ofrece la oportunidad de probar algo completamente distinto en el que pueden conectarse con los demás de formas que no hubieran imaginado gracias a su peculiar ritmo y desbordante sensualidad.

Adicional a eso, cada día son más y más comunes los eventos a los que también se les llama milongas, que consisten en bailes multitudinarios en los que las parejas sacan sus mejores pasos al ritmo de diversos géneros, como milonga, tango y vals criollo. Por lo general, la programación de una milonga se divide en bloques de tres, cuatro o cinco bailes que se separan por piezas cortas de música ligera. Además, cada bloque contiene un tipo de ritmo al que se le agrupa por orquesta, cantante o compositor.

Estos eventos solían ser muy típicos en Argentina, pero han ido extendiéndose poco a poco por varias partes del mundo, incluyendo Estados Unidos. Hoy en día, es muy común encontrar restaurantes, clubs nocturnos y academias que ofrecen este tipo de entretenimiento a sus asistentes como lo son Alberto’s Night Club (San Francisco), The Tango Room (Los Ángeles), Milonga La Paz Tango Club (San Francisco), Tango De Rey (San Diego), Tango La Nacional (Nueva York), Fairmont Tango Club (Philadelphia), Dance Fire Studio (Nueva York), y muchos más.

También lee: El mejor grupo de marimba encontrado en Los Ángeles

Publicado en: 2025, Artistas, Enero, Musica Latina, Norte America

Historia de superación del compositor y pianista nicaragüense Donald Vega

16 diciembre, 2024 by Karina Garcia

La historia del personaje del que vamos a hablar hoy es sumamente fascinante, ya que los desafíos que ha debido atravesar no fueron impedimento para convertirse en el gran músico que ha llegado a ser. Hablamos de Donald Vega y la inspiración que puede representar para quienes vean imposibles sus sueños y metas por cumplir.

Donald y su piano
Compositor y pianista nicaragüence Donald Vega y su piano

Donald Vega y su interesante historia

Donald Vega es un compositor y pianista de jazz nacido en Masaya, Nicaragua, cuya familia ha tenido músicos desde varias generaciones. Su abuelo, Don Alberto Gutiérrez Laguna era compositor y multiinstrumentista y tenía un amor por la música que fue heredado a sus hijos a medida que fueron creciendo. Así fue el caso de su tío, Tránsito Gutiérrez, quien fue homenajeado en el año 2022 en el Teatro Nacional Rubén Dario por su gran trayectoria artística.

Tránsito fue una de las grandes inspiraciones para que su sobrino empezara a interesarse en la música y tocar. piano a la tierra edad de tres años guiándose únicamente por su oido. Su abuelo Alberto, al ver esto, quiso enseñarle a su nieto Donald a leer música y a irlo preparando lo mejor posible para el futuro. Coo parte de esa preparación, asistió al conservatorio para estudiar a los mayores exponentes de la música clásica como Beethoven, Chopin o Mozart. 

Por desgracia, sus padres entendieron rápidamente que el país no era seguro para que su hijo persiguiera sus sueños allí. 

Desafíos de la adolescencia 

En esa época, los jóvenes de 15 y 16 años estaban obligados a ingresar al ejército nicaragüense, por lo que su madre salió del país centroamericano a buscar la forma de sacarlo a él y a sus hermanos y darles un mejor futuro lejos de conflictos armados. Algo que le impactó de esa época es que había muchos velorios en su vecindario en los que el cuerpo nisiquiera estaba presente, sino algunas partes del uniforme militar como el casco o las botas. Esto llevó a su madre a querer sacar a su hijo del país, así que le consiguió una visa para ir a México y poder cruzar la frontera terrestre hacia Estados Unidos junto a su madrina. 

Donald y Poncho
Donald Vega cuando tocó junto a Poncho Sanchez hace algunos años

Su primera parada fue Los Ángeles, donde se juntó con su madre solicitó asilo político. En ese momento, no tenía ningún recurso para comprar instrumentos, pero logró obtener una beca en un conservatorio donde lo apoyaron mucho para formarse correctamente a pesar de la falta de dinero en ese momento.

Estando en la escuela, una profesora de música lo escuchó tocar piano y lo invitó a participar en una competencia nacional de música en Los Ángeles en la que ganó el primer lugar y, como obsequio, le dieron 5000 dolares y un piano. Se puede decir que este fue su inicio oficial en el mundo de la música, así que agradece de todo corazón haber participado en el concurso.

Tiempo después, recibió una beca para estudiar en el Manhattan School of Music en Nueva York y el Juilliard School of Music, del cual hoy en día es profesor de música.

Golden Striker Trio

La oportunidad de pertenecer al Golden Striker Trio es descrita por Donald como increíble, ya que ha sido una experiencia muy fascinante con un comienzo interesante.

Todo empezó cuando un alumno de Ron Carter en Juilliard, con quien Donald realizó una grabación en conjunto en Nueva Orleans para ser mostrada al profesor Carter a fin de determinar qué aspectos debían mejorarse. Carter quedó tan fascinado con Donald que pidió conocerlo y conversar con él para saber más de su trabajo.

Cuando se conocen, el profesor le propone al artista ir a verlo a una de sus presentaciones, Luego de verlo en vivo, lo citó en su casa y le dijo que le daba la oportunidad de participar en su Golden Striker Trio como pianista, ya que el anterior quería dedicarse más a su propio grupo. Ya Donald tiene más de 15 años trabajando con Carter y su agrupación, con la que está muy agradecido por lo logrado y lo aprendido. 

Donald, Ron y Russell
Donald Vega, maestro Ron Carter y el guitarrista Russell Malone del Golder Striker Trio

Backcountry Jazz                                                                                                                                                                                                                                                                                 

Backcountry es una organización sin fines de lucro que busca apoyar a jóvenes talentos de escasos recursos para lograr sus sueños dentro de la música. Donald ha pasado a formar parte de esta noble inictaiva motivado a las enseñanzas de sus padres, quienes siempre le han dicho que debe ser generoso y dar de su tiempo a los demás. Por esa misma razón es que también se dedica a impartir clases en el Juilliard School of Music, ya que compartir de su tiempo y conocimientos con los demás le da una satisfacción increíble.

Debido a la situación que él mismo vivió con la falta de dinero e instrumentos para poder salir adelante en su pasión, entiende perfectamente como se sienten los niños y jóvenes que no cuentan con los recursos para poder salir adelante en la música, así que busca poderles dar una mano a través de esta organización y sus mentorías.

Nominación a los Grammys por As I Travel

Donald habla de ‘‘As I Travel’’ como una descripción de todo el camino por el que tuvo que pasar para convertirse en el músico que hoy en día es. También se inspiró en su recorrido por los más de 44 países que ha visitado junto a diferentes músicos entre los que, por supuesto, se incluye Ron Carter.

Todo el disco estsá inspirado en sus experiencias. Un ejemplo de eso es ‘‘¡Baila! Dance Like No One’s Watching’’, la cual es inspirada en la felicidad de quienes le rodean, especialmente de su hijo, su mayor inspiración para escribir el tema. Es una celebración a la vida, la familia y sus paisanos en Nicaragua.

Donald y Ruben
Rubén Blades y Donald Vega posando para la cámara

Otro ejemplo digno de mencionar es ‘‘I Know I can Fly’’, cuya inspiración fue la serie de desafíos que tuvo que enfrentar al momento de llegar a Estados Unidos y todo el proceso de adaptarse al país, el estilo de vida, el clima y el idioma. También se inspiró es su determinación de triunfar a pesar de todos los retos que se le presentaron en el camino. 

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Publicado en: 2024, Artistas, Enero, Entrevistas, Musica Latina, Norte America

Trompetista de jazz latino y mambo Jonathan Powell y sus grandes colaboraciones

15 diciembre, 2024 by Karina Garcia

El trompetista Jonathan Powell es uno de los tantos ejemplos que muestran lo mucho que tantos artistas estadounidenses se han fijado en la música latina a lo largo de los últimos años, así que esta es una gran oportunidad para conocer una de las tantas historias que hay sobre lo que nuestra herencia ha logrado en este país.

Jonathan tocando
Músico Jonathan Powell tocando la trompeta en vivo

Instrumentos que captaron la atención de Jonathan

Algo importante que señalar es que ambos padres de Jonathan fueron músicos. Su padre tocaba el bajo eléctrico y su madre el chelo, así que evidentemente tiene de donde heredar tanto talento. Sin embargo, sus intereses en la música se fueron por un lado un poco distinto.

El instrumento por el que más se le conoce al artista en la actualidad es la trompeta debido a su gran destreza a la hora de manejarla, pero no es el único instrumento que ha aprendido a tocar. También toca el trombón, la tuba y otros instrumentos bajos, pero no tiene la misma fascinación con ellos que con la trompeta.

Su interés en la música empezó cuando cursaba la escuela secundaria, época en la que llegó a estar en algunas bandas estudiantiles y así siguió hasta acumular la trayectoria musical de más de 30 años que ya lleva a cuestas.

Entrenamiento académico de Jonathan

La mayor parte de lo que Jonathan ha llegado a aprender se lo debe a la experiencia que él mismo ha ido adquiriendo a través de su trabajo, aunque en ningún momento demerita la educación formal con respecto a lo musical. Es más, asistió a la North Carolina School of the Arts y estudió con los mejores profesores de la institución en el área clásica.

Cuando cumplió los 19 años, tomó la decisión de mudarse a Nueva York, donde actualmente reside desde entonces. Estando allí, no se preocupó tanto por seguir estudiando música, sino por adquirir tanta experiencia como pudiera a través de la práctica.

Jonathan grabando
Jonathan Powell grabando música para su álbum »Mambo Jazz Party»

Interés en la música latina

Aunque el interés de Jonathan en la música empezó con el género clásico, su mudanza a Florida lo hizo buscar otros horizontes. En el mencionado estado, él y su hermano Jeremy empezaron a tener contacto con emisoras radiales que sonaban géneros latinos y esto les llevó a conocer a los hermanos Juan y Victor García-Herreros, que son dos músicos muy experimentados en el jazz latino, pero también en la música latina en general. Los chicos regresaron a Florida luego de haber cursado sus estudios en el Berklee College of Music e iniciaron un grupo con Jonathan y Jeremy hasta que debieron mudarse a Nueva York.

Cuando Jonathan termina high school y se muda también a Nueva York, se reencuentra con Juan y Victor quienes le ofrecen unirse a su orquesta La Creación, con la cual tocó todos los fines de semana durante varios años. Esta sería lo que el joven músico describiría como su primera experiencia real en el mundo de la música, llevándolo a participar en la orquesta La Excelencia y a tocar con Arturo O’ Farrill y Eddie Palmieri. 

Aprendizaje de otros grandes artistas

Así como Jonathan ha tocado con O‘Farrill y Palmieri, también ha podido compartir escenario con Miguel Zenón, Tito Puente Jr., Oscar Hernández de Spanish Harlem Orchestra, Israel Tanenbaum y muchos otros más.

A pesar de no haber recibido tanta formación académica, el haber tenido la oportunidad de haber tocado con las ya mencionadas estrellas de la música y muchos más realmente le enseñó muchas cosas que no hubiera podido aprender en ninguna institución educativa. Asegura que de quien más aprendió fue del maestro Palmieri, ya que el legendario pianista es muy generoso al momento de compartir sus conocimientos con quien los necesite gracias a su amplia experiencia en este mundo tan rico. 

‘‘Palmieri ha estado por allí desde los cincuentas y sesentas y ha tocado con los más importantes artistas de su generación, así que es mucho lo que tiene para enseñar. La gente no tiene idea de lo mucho que sabe y lo profundo que son sus conocimientos sobre la música’’ dijo el trompetista sobre una de sus grandes inspiraciones vivientes.

Sin embargo, como trompetista, otra de sus grandes inspiraciones fue el arreglista, compositor y productor puertorriqueño Juancito Torres por la forma en la que tocaba, ya que la considera muy especial y única comparada con muchos otros músicos.

Jonathan y Palmieri
Maestro Eddie Palmieri y Jonathan Powell sonriendo para la cámara

Nu Shanga

Deseoso de poder manejar su propia agrupación musical, Jonathan ofreció al público una propuesta muy interesada a la que bautizó Nu Sangha inspirándose en el idioma tibetano, ya que estas dos palabras juntas significan ‘‘nueva comunidad’’. Con este grupo, tuvo mucha más libertad al momento de elegir cómo quería abordar cada ritmo y quiso darle un enfoque mucho más moderno al jazz que venía tocando a través de elementos electrónicos pocas veces usados previamente.

Con Nu Sangha, disfrutó mucho todo lo que hizo a nivel profesional y pudo experimentar de formas muy creativas con todo lo que había aprendido hasta el momento, llevándolo a lanzar los álbumes ‘‘Transcend‘’ y ‘‘Beacons of Light ‘’.

Mambo Jazz Party

Según las propias palabras de Jonathan, Mambo Jazz Party, el más reciente trabajo musical del artista, todo el proceso de grabarlo tomó más de 10 años en total, ya que ese fue el tiempo que se llevó crear toda la música que aparece en el material discográfico. Empezó la creación en el año 2014 y no fue sino hasta el 2022 que Jonathan añadió los detalles finales como algunas voces que faltaron, pero asegura que todo el tiempo invertido valió la pena.

En el álbum, podremos encontrar a Jimmy Bosch, el guitarrista Nir Felder, el flautista Itai Kriss, el pianista Manuel Valera, la vocalista Ariadne Trujillo, el cantante Anthony Almonte y muchos otros grandes artistas que embellecen esta creación.

En otras entrevistan, Jonathan ha descrito este álbum como una mezcla entre elementos tradicionales de la salsa y el jazz latino, sonidos electrónicos y mucho espiritualismo, lo cual puede resumir muy bien lo que representa este trabajo musical para Jonathan Powell. 

Mambo Jazz Party de Jonathan
Portada del ábum »Mambo Jazz Party» de Jonathan Powell

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Adiós a José Antonio Abreu, el más querido Maestro Parte 1

11 diciembre, 2024 by Ana Rosa Massieu Yanes

Latino America / Venezuela / Caracas

José Antonio Abreu

Este extraordinario ser humano murió el sábado 24 de marzo a sus 78 años. Ante la conmoción y tristeza infinita de músicos, familiares, amigos, profesores de música, sus miles de discípulos y todos sus seguidores, el domingo 25 de marzo tuvo lugar su velatorio en la Sala Simón Bolívar del Centro Nacional de Acción Social por la Música, y fue enterrado en el Cementerio del Este, en Caracas, Venezuela.

José Antonio Abreu
José Antonio Abreu

Las manifestaciones de dolor, y a la vez de agradecimiento, que ha producido la muerte del Maestro han sonado en todos los rincones del mundo, en donde su persona y su obra han sido tanto motivo de inspiración como objeto de admiración y reconocimiento.

La enseñanza del ARTE Y LA MÚSICA en el mundo entero cambió radicalmente a partir de la creación de EL SISTEMA. Invitamos a todos a leer aquí el reportaje completo sobre su actividad publicado en nuestra revista, en junio de 2015, a propósito de su 40° Aniversario.

El Milagro Musical venezolano

José Antonio Abreu economista, gerente, emprendedor, visionario, compositor, director de orquesta, maestro insigne y tutor de varias generaciones de venezolanos es el fundador de lo que se reconoce como el milagro musical venezolano: El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela. “Este músico venezolano, sembrador de ilusiones y constructor de sueños, ha llevado a cabo una tarea que supera el horizonte musical y cultural, y se inserta en el rescate y formación de la juventud venezolana y latinoamericana”.

José Antonio Abreu enseñando
José Antonio Abreu enseñando

http://fundamusical.org.ve/category/el-sistema/jose-antonio-abreu/

“La vida de José Antonio Abreu es el viaje estelar a la tierra de un ser humano privilegiado, con un itinerario perfectamente planificado,

siempre cumplido y ascendente. Gracias a su misión visionaria, Venezuela

ha logrado cristalizar uno de los programas culturales, artísticos y sociales

de mayor trascendencia para América, el Caribe y el mundo”.

Venezuela Sembrada de Orquestas de Chefi Borzacchini.

Banco del Caribe. Caracas, 2004.

“HAY SERES QUE PARECEN MARCADOS por la tiza de Dios. Son seres destinados a dejar huella de su paso en la tierra. Hay artistas que realizan obras de arte con el propósito de conquistar la belleza, alcanzar la fama o vencer a la muerte. Hay otros, en cambio, más escasos y especiales, que prefieren consagrarse a hacer del otro ser humano una obra de arte. Ese es el caso de José Antonio Abreu: sin duda, uno de los venezolanos más definitivos y trascendentes de la Venezuela contemporánea”.

Los Imposibles 3. Conversaciones al borde de un micrófono. Leonardo Padrón.

Aguilar, Editorial Santillana. Caracas, 2008.

Foto de José Antonio Abreu
Foto de José Antonio Abreu

José Antonio Abreu nació en Valera, estado Trujillo, Venezuela, el 7 de mayo de 1939 y desde temprana edad demostró su sensibilidad musical y artística. Inicia sus estudios de música a la edad de nueve años con la pianista y querida profesora Doralisa de Medina, en la ciudad de Barquisimeto, estado Lara, considerada antaño la capital musical de Venezuela, y luego se traslada a Caracas en 1957.

Ingresa a la Escuela Superior de Música José Ángel Lamas,  donde se convierte en discípulo de importantes maestros venezolanos como Vicente Emilio Sojo, con quien estudia composición; Moisés Moleiro, su profesor de piano, y Evencio Castellanos, quien le da clases de órgano y clavecín.

En 1964 obtiene los títulos de Profesor Ejecutante y Maestro Compositor. Más tarde realiza estudios de Dirección Orquestal con el maestro Gonzalo Castellanos Yumar y se convierte en director invitado de las principales orquestas venezolanas.

A fin de poder materializar su proyecto de vida, la fundación de El Sistema, Abreu forjó primero una importante trayectoria como planificador y economista. Obtuvo el título de Economista en la Universidad Católica Andrés Bello, de Caracas, y un Ph.D en Economía Petrolera, en la Universidad de Pennsylvania, USA.

Durante las prácticas de orquesta
Durante las prácticas de orquesta

Sus logros académicos le permitieron distinguirse como profesor universitario, planificador y asesor económico, desempeñándose como Director de Planificación de Cordiplán, Asesor del Consejo de Economía Nacional, Presidente del Consejo Nacional de la Cultura, Ministro de Estado para la Cultura y Diputado al Congreso Nacional de la República.

En 1975 funda la Orquesta Nacional Juvenil de Venezuela Juan José Landaeta, que más tarde se llamaría Orquesta Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, convertida hoy día en la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, orquesta “cúspide” del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, una enorme red sembrada por todo el territorio venezolano, en cuyo seno han sido formadas varias generaciones de músicos venezolanos.

Entre 1960 y 1980, Abreu consiguió tiempos entre la gerencia, la docencia y la organización de la naciente empresa cultural que es El Sistema de Orquestas y Coros, para la creación musical y una nutrida agenda artística que le permitió alzar su batuta frente a la Orquesta Sinfónica Venezuela como director invitado y, posteriormente, frente a la Sinfónica Juvenil de Venezuela y la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar.

Nuevos estudiantes de musica
Nuevos estudiantes de musica

Abreu escribió algunas obras musicales, entre las cuales se cuentan La cantata sinfónica Veni Mulier de Samaria (Premio Nacional de Composición, 1966); Oratorio sobre textos del Apocalipsis, Tríptico para once instrumentos y Quinteto de Vientos.

Asumió el reto de la dirección orquestal con su estilo riguroso, exigente y, sobre todo, siempre buscando las profundidades, sutilezas y sentido de las obras que dirigía. En esta faceta ha sido también un maestro y ha dejado su impronta en el sello musical y el singular sonido que posee la Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, así como en otras orquestas del Sistema que han sido dirigidas por él, como las Sinfónica Juvenil Teresa Carreño o la Sinfónica Juvenil de Caracas.

Abreu ha sido tutor y el maestro más influyente en el estilo y el aprendizaje de Gustavo Dudamel, Diego Matheuz, Christian Vásquez, Dietrich Paredes, así como de otros jóvenes directores que actualmente están dando sus primeros pasos en la dirección orquestal.

Premios y reconocimientos

“Esta hermosa distinción me permite redoblar mis esfuerzos por construir un mundo cada vez mejor a través de la siembra de la música en el alma de los niños y jóvenes”. Con estas palabras el maestro José Antonio Abreu recibió el 10 de octubre de 2013, en la ciudad de Tokio, Japón, el Premio Especial Cultura de Paz que entrega la Fundación Goi para la Paz, institución que alabó al creador del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela “por haber dedicado su vida a la labor social para promover la cultura de paz a través de la música”.

José Antonio Abreu en el escenario
José Antonio Abreu en el escenario

“Con cuatro décadas de trayectoria, la obra de Abreu es el programa de responsabilidad social más importante de Venezuela y está inspirando a muchas naciones en todo el mundo. Por su invalorable aporte musical, y por haber colmado de esperanzas, de conciencia nacionalista y de herramientas para el trabajo a miles de niños y jóvenes venezolanos y latinoamericanos, este venezolano ejemplar ha recibido múltiples reconocimientos nacionales e internacionales, otorgados por numerosos gobiernos, países, fundaciones y organizaciones no gubernamentales”, entre los cuales se destacan los siguientes:

2014:

  • Premio Notre Dame Servicio Público en Latinoamericana. Indiana, Estados Unidos.
  • Premio Festival de Abu Dhabi. Festival de Abu Dhabi, Emiratos Árabes Unidos.

2013:

  • Premio Especial Cultura de Paz de la Fundación Goi para la Paz, Tokio, Japón.
  • Premio Charles Ansbacher Music for All. Segunda edición. Organización “Free for All Concert Fund”.
  • Gran Cruz de la Orden Nacional Cruzeiro del Sur. Brasil.
  • Premio Europeo Trebbia. Praga, República Checa.
  • Premio Iberoamericano de Música Cortes de Cádiz. Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Cádiz, España.
  • Educador del año. Musical America Worldwide, USA.

2012:

  • Medalla Hanz Lenz de la Confederación de las Federaciones de Orquestas de Alemania.
  • Premio Ciudad de Ravello. Italia.
  • Orden Ciudad de Valencia en su primera clase La Alcaldía de Valencia, estado Carabobo, Venezuela.

2011:

  • Premio Especial Echo Klassik de la Academia de Fonografía de Alemania, la Institución Cultural de la Asociación de la Industria de la Música Alemana.
  • Cruz de Honor Austríaca para las Ciencias y las Artes del gobierno de Austria.

2010:

  • Premio Erasmus 2010 de La Fundación Praemium Erasmianum

2009:

  • Chevalier de la Légion d’Honneur (Caballero de la Legión de Honor). Francia.
  • Polar Music Prize.
  • Premio Frederick Stock. Institute for Learning, Access and Training de la Orquesta Sinfónica de Chicago.
  • Bridge Builders Award.
  • Frankfurt Music Prize.
  • Premio TED. Premio de Tecnología, Entretenimiento y Diseño (TED).

2008:

  • Premio Yehudi Menuhin a la Integración de las Artes y la Educación. Fundación Albéniz. España.
  • Premio Príncipe de Asturias de las Artes de la Fundación Príncipe de Asturias.
  • Gran Cordón de la Orden del Sol Naciente. Japón.
  • Premio Glenn Gould. Fundación Glenn Gould. Canada.
  • Premio Internacional Puccini. Fundación Festival Pucciniano.

Entre otros de los premios recibidos por el maestro Abreu y El Sistema están:

– Premio WQXR Gramophone. Inglaterra, 2007; Premio Don Juan de Borbón de la Música, 2007; Premio GlobArt, 2006; Premio Internacional de la Paz para las Artes y la Cultura, 2004; Premio UNICEF. Comité Italiano para la UNICEF, 2006. Praemium Imperiale. Asociación de Artes del Japón, 2006. Premio Internacional por la Paz para el Arte y la Cultura. World Culture Open, 2004; The Right Livelihood Award. Suecia, 2001, entre otros. Así como, infinidad de Doctorados Honoris Causa de Universidades venezolanas y de todo el mundo, Órdenes al Mérito, Medallas de Oro.

Foto de José Antonio Abreu y Gustavo Dudamel
Foto de José Antonio Abreu y Gustavo Dudamel

Los invitamos a revisar la lista completa de reconocimientos recibidos por el maestro Abreu y El Sistema en la página Web de  FundaMusical:

http://fundamusical.org.ve/category/el-sistema/reconocimientos/

EL SISTEMA —El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela— 

Orquestas Juveniles e Infantiles de José Antonio Abreu
Orquestas Juveniles e Infantiles de José Antonio Abreu

“El Sistema de Orquesta es la dimensión ideal de Venezuela. Desde el principio vi en las orquestas la más hermosa expresión de unidad nacional. Vi una Venezuela pujante, llena de voluntades y de esfuerzos por conseguir lo que se quiere. La irradiación de las Orquestas en la comunidad, en cada pueblo, en cada estado, en la familia, indudablemente va transformando la sociedad venezolana. Y lo importante de esto es que si las otras artes hiciesen lo mismo, indudablemente, el arte constituye un instrumento fundamental, estratégico, único y revolucionario para la transformación del país”.

José Antonio Abreu

Venezuela Sembrada de Orquestas. Chefi Borzacchini. Banco del Caribe, 2004.

“Gracias a El Sistema, los jóvenes de todo el mundo pueden beneficiarse del poder de la música para lograr un cambio en sus existencias. Pero en su aspecto más profundo, El Sistema es un programa social que ha salvado vidas y seguirá salvando muchas más”.

Sir Simon Rattle. Director Musical de la Filarmónica de Berlín

Durante las prácticas de los jóvenes integrantes de la orquesta
Durante las prácticas de los jóvenes integrantes de la orquesta

«La misión fundamental de El Sistema no es solo ayudar a los niños, sino frecuente –y literalmente– rescatarlos y, en el proceso, también producir cambios reales y duraderos en la vida de sus familias y comunidades.

“La orquesta y el coro son mucho más que espacios de desarrollo artístico –dice Abreu–. Son ejemplos y escuelas de vida social. Desde el mismo minuto en el que un niño es formado en la ejecución de un instrumento, ese niño deja de ser pobre. Se convierte en un agente de progreso que se convertirá en un ciudadano” »

Cambiando Vidas: Gustavo Dudamel, El Sistema y el poder transformador de la música.

Tricia Tunstall. Editorial Alfa, Caracas 2014. 

El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela también conocido como El Sistema, fue concebido y fundado en 1975 por el maestro José Antonio Abreu para sistematizar la instrucción y la práctica colectiva e individual de la música a través de orquestas sinfónicas y coros, como instrumentos de organización social y de desarrollo humanístico.

Prácticas de Orquestas Juveniles e Infantiles
Prácticas de Orquestas Juveniles e Infantiles

Este modelo pedagógico, artístico y social, que ha alcanzado relevancia en el mundo entero, constituye el programa de responsabilidad social de mayor impacto en la historia de Venezuela. Su órgano rector es la Fundación Musical Simón Bolívar, adscrita al Ministerio del Poder Popular del Despacho de la Presidencia y Seguimiento de la Gestión de Gobierno de la República Bolivariana de Venezuela.

El Sistema está fundamentado en la formación, a la más temprana edad, de individuos integrales para la sociedad a través de la práctica individual y colectiva de la música. Incorpora a niños, niñas y jóvenes de todas las clases sociales:

66% proviene de hogares de escaso recursos económicos, o que vive en condiciones adversas y en zonas vulnerables; mientras que el otro 34% atendido pertenece a zonas urbanas con mejores posibilidades de acceso, logrando así un ejemplo de inclusión de todos los sectores y estratos de la población venezolana, sin distinciones de ningún tipo. De esta manera, las orquestas y coros irradian sus efectos sanadores y edificantes sobre cada alumno, su familia y su comunidad.

Programa de Formación Orquestal y Coral

El enfoque de este proyecto artístico-social se destaca por la práctica musical colectiva desde temprana edad donde la premisa es hacer música de calidad a través de grupos orquestales, corales, de cámara, folclóricos, alternativos y de diversos géneros que constituyen y forman parte de una comunidad y de los Núcleos, columna vertebral educativa, artística y administrativa de El Sistema a lo largo del territorio nacional.

Frente al atril y bajo el liderazgo del director, la música se transforma en poderoso agente de cambios positivos; los alumnos aprenden a trabajar en equipo y por el logro de metas, a través de la superación de niveles programáticos, de la ejecución de un repertorio sinfónico y coral secuencial, y de presentaciones en los escenarios nacionales e internacionales.

Foto de los integrantes Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela
Foto de los integrantes Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela

La metodología también incluye clases individuales de instrumentos sinfónicos hasta llegar a los ensayos generales, con un repertorio secuencial estructurado gradualmente por cada nivel que incluye obras de todos los géneros -nacionales y universales-. De esta manera, se promueve el desarrollo de una carrera artística de manera individual y grupal, con el apoyo de un profesorado preparado para facilitar un aprendizaje significativo.

El proceso de enseñanza-aprendizaje se complementa a través de la práctica diaria y continua de los integrantes de El Sistema, combinando sus actividades en los núcleos con presentaciones frecuentes ante el público para hacer de su trabajo y logros un aprendizaje constante y significativo.

El Núcleo

La estructura funcional, educativa, artística y administrativa que da forma a El Sistema es el núcleo. Allí se llevan a cabo todos los programas orquestales y corales de la Fundación Musical Simón Bolívar, lo que los convierte en centros de enseñanza que, en muchos casos, funcionan como centros de promoción de las actividades educativas, artísticas y culturales de las comunidades. Los núcleos varían en tamaño y complejidad y están ubicados en todos los estados del país.

Las nuevas generaciones
Las nuevas generaciones

Los núcleos ofrecen programas de desarrollo musical para niños entre 2 y 6 años de edad, que van desde la estimulación e iniciación musical hasta la conformación de una agrupación que abarque contenidos y actividades musicales adecuados a sus edades. A partir de los 6 años de edad, los alumnos tienen la oportunidad de desarrollarse en orquestas pre-infantiles, infantiles y juveniles, esta última para jóvenes entre 12 y 18 años de edad.

El Módulo

Es una estructura que se suma a esta red para llegar a los pueblos más recónditos del país, a las zonas fronterizas, a comunidades, urbanizaciones y escuelas, con el propósito de que ninguna niña, niño o joven venezolano quede excluido de la experiencia y disfrute que brinda la música.

El entorno

Además de desarrollarse en el ámbito musical, el proceso de enseñanza-aprendizaje facilita el desarrollo integral del beneficiario desde su nacimiento hasta su adultez, fomentando la responsabilidad, disciplina, compromiso, trabajo en equipo, respeto, convivencia, colaboración y el sentido de pertenencia, formando así ciudadanos multiplicadores de todos estos valores en sus entornos familiares y comunidades.

Trabajo con los padres, representantes y comunidades

En el proceso de enseñanza-aprendizaje de El Sistema se mantiene un vínculo constante con la comunidad y el entorno familiar de los niños y jóvenes, con el fin de propiciar un entorno motivador para los beneficiarios que les permita proseguir en su proceso artístico educativo. Padres, representantes y comunidad se convierten así en beneficiarios indirectos.

En la actualidad, El Sistema cuenta con 423 núcleos y 1.340 módulos que atienden a 700.000 niñas, niños, adolescentes y jóvenes. El personal académico está conformado por  9.010 docentes, distribuidos en los 24 estados de Venezuela, conformando una compleja y sistemática red nacional de orquestas y coros juveniles e infantiles: 1.305 orquestas juveniles, infantiles y preinfantiles; 1.121 coros infantiles y juveniles.

El Sistema Nacional de Coros

Estimula la formación de niños y jóvenes en la educación coral, fomentando la creación de redes que generen sistemas de formación de directores corales, estudiantes de canto lírico y grupos vocales. Quienes destacan en todos los niveles de formación, integran el Coro Sinfónico Juvenil, mientras que el Coro Sinfónico Nacional Juvenil de Venezuela queda conformado por selecciones regionales.

Otros programas:

Programa nuevos Integrantes de El Sistema

Estimula el crecimiento de los bebés desde el período prenatal hasta los 3 años de Edad.

Programa Orquesta de Papel fomenta la unión entre la familia, el niño y el docente, concebido para que el proceso de iniciación orquestal y coral de alumnos en edades comprendidas entre los 3 y 6 años, resulte placentero y satisfactorio.

Programa Alma Llanera, que forma niños y jóvenes a través de la práctica colectiva de la música con instrumentos tradicionales venezolanos, con el fin de rescatar y preservar la música folklórica popular venezolana.

Programa Nuevas Orquestas y Géneros Musicales que   ofrece formación académica al músico del género popular y promueve el surgimiento de agrupaciones de todos los estilos. Música Venezolana en todos sus géneros y vertientes (música popular, folclórica, llanera, afro-venezolana, oriental, zuliana y caribeña); Música Urbana; Jazz; Música Latina y Caribeña, incluyendo el género de la salsa.

Dos programas destacan por su capacidad de integración y reinserción social: el Programa de Educación Especial; que integra a personas con discapacidades a través de la música, y el Programa de Orquestas Sinfónicas Penitenciarias, que busca minimizar los niveles de violencia dentro de los recintos penales y facilitar el proceso de reinserción social mediante el aprendizaje, la práctica y el disfrute de la música.

Programa de Atención Hospitalaria que brinda asistencia a pequeños y adolescentes que padecen enfermedades y permanecen en centros de salud.

Programa de Lutería  que capacita a jóvenes en la fabricación y reparación de instrumentos musicales.

Foto Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela
Foto Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela

Mayor información en:

http://fundamusical.org.ve/category/el-sistema/que-es-el-sistema/

http://fundamusical.org.ve/category/el-sistema/impacto-social/

http://fundamusical.org.ve/category/educacion/metodologia/

http://fundamusical.org.ve/nucleos/

http://fundamusical.org.ve/educacion/

 

Progreso en la práctica

Simultáneamente al plan pedagógico, que se aplica en toda la red nacional de El Sistema, es decir, en todos los núcleos del territorio venezolano, se desarrolla un proceso de ascenso en la práctica: los estudiantes-ejecutantes se alistan en las Orquestas Pre-Infantiles, en las Orquestas Infantiles, y, más tarde pasan a las Orquestas Juveniles. Por último, los ejecutantes más talentosos, mediante procesos de rigurosas audiciones, son seleccionados para ocupar un atril en la Orquesta Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, en su sección «A» o «B» en donde alcanzan la mayor experiencia y el más alto nivel profesional.

En cada una de las orquestas, en sus distintas categorías se promueve el esfuerzo personal y grupal de los alumnos. Por ejemplo, los niños, niñas y adolescentes que se esmeran y progresan tienen la posibilidad de «ganar» premios como lo son participar en los cursos de perfeccionamiento, talleres, seminarios, ensayos y conciertos con docentes nacionales e internacionales.

http://www.musicabancaribe.com/Publicaciones/Libro_digital/VenezuelaEnElCielo/info/capitulo6/i/index.php#prev

 

Estructuras pedagógicas en aumento

El plan pedagógico de El Sistema contempló, desde 1980, aproximadamente, la fundación de estructuras pedagógicas ejemplares y modelos como escenarios para la formación y perfeccionamiento de los músicos.

A medida que ha ido creciendo la demanda de los niños y niñas que ingresan a El Sistema y sus núcleos, los proyectos para la construcción de nuevos centros de enseñanza van en aumento. Entre ellos, el Conservatorio Simón Bolívar, el Centro Académico Infantil Montalbán, el Centro de Acción Social para la Música, el Centro Académico de Lutería y las doce Academias Latinoamericanas para los instrumentos de: Violín, Viola, Violoncello, Flauta, Corno, Contrabajo, Clarinete, Arpa clásica, Trompeta, Oboe, Fagot y Trombón.

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El Conservatorio Simón Bolívar

 

El Conservatorio Simón Bolívar ofrece la formación del más alto rango pedagógico y artístico a la cada vez más creciente plantilla de alumnos, con un completísimo pensum de estudios en el que la práctica orquestal se lleva un 70%, aproximadamente. Se otorga el título de Músico Ejecutante, un aval importante que permite a los graduados poder continuar estudios superiores en universidades.

 

“…el Conservatorio Simón Bolívar se ha erigido como cabeza y modelo de una red de conservatorios ya establecidos en Yaracuy, Carabobo, Aragua, Guárico y Ciudad Bolívar. Sin embargo, me emociona y complace el nuevo reto ante el cual estamos: ampliar el horizonte musical y artístico de ese gran contingente de alumnos que tiene El Sistema y de los que ingresarán en el futuro. Se trata de los nuevos contenidos: el Programa de Enseñanza de la Música Popular Venezolana, en todas sus vertientes, incluyendo la de raíz afro-venezolana; el Programa de Música Urbana; el Programa de Jazz, que ya viene adelantado con nuestra Sinfónica Simón Bolívar Big Band Jazz y el Programa de Música Latina y Caribeña, que incluye especialmente el género de la salsa. Esto ya está andando con la creación de más de 15 núcleos pilotos y con la conformación de un cuerpo de profesores especializados en dichos géneros. La idea es que estos programas capten y canalicen el talento de muchos músicos y estudiantes que tienen mayores virtudes para esas corrientes musicales, siempre persiguiendo y logrando el mismo nivel de excelencia de quienes interpretan la música sinfónica en nuestras orquestas”.

Valdemar Rodríguez. Tomado de la entrevista realizada a Valdemar Rodríguez, clarinetista, Director del CSB, creador de la Academia Latinoamericana de Clarinete, entre otros títulos y cargos, por Chefi Borzhacchini en el libro digital Venezuela en el Cielo de Los Escenarios. Banco del Caribe, 2010

 

http://www.musicabancaribe.com/Publicaciones/Libro_digital/VenezuelaEnElCielo/info/capitulo6/ii/

 

Diversificación de la enseñanza, orquestas y festivales

 

De la misma manera que se ha diversificado la enseñanza, incluyendo diferentes géneros musicales –popular, urbana, jazz, latina caribeña, salsa– han surgido otras orquestas dedicadas a desarrollar cada uno de estos géneros, así como festivales para promoverlos en el ámbito regional. Estos eventos, organizados por El Sistema, giran entorno a un artista, músico, compositor, instrumento, o surgen para el encuentro entre talentos musicales de diversas regiones, locales o internacionales. Entre ellos se cuentan los festivales Internacional de Percusión FIP-Llanos, Festival España-Venezuela, Festival de Nuevos Clarinetistas Venezolanos, Festival de Música de Cámara (en Mérida y en Caracas), Festival Internacional de Flauta, Festival Internacional de Fagot, Festival Internacional de Clarinete, Festival Internacional de Oboe, Festival de Jóvenes Virtuosos, Festival de Juventudes, Festival de Jóvenes Directores y Festival Latinoamericano de Música, entre otros.

 

Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela

 

La Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela (OSSBV) fue fundada por el maestro José Antonio Abreu y es actualmente la agrupación cúspide de El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela. Bajo la dirección musical del maestro Gustavo Dudamel, sus 180 jóvenes músicos, cuyas edades oscilan entre los 18 y 28 años, nombrados Embajadores de Paz por la UNESCO, han sido entrenados en el Programa Académico Orquestal de la Fundación Musical Simón Bolívar, a través del cual han recibido clases magistrales con destacados profesores y solistas de talla mundial, entre ellos maestros de la Filarmónica de Berlín, de la Academia Sibelius de Finlandia, Academia Bach de Stuttgart y del Conservatorio de Nueva Inglaterra de Boston. Sus presentaciones con directores de prestigio internacional incluyen a Simon Rattle, Claudio Abbado, Daniel Baremboim, Krzysztof Penderecki, Essa Pekka-Salonen y Lorin Maazel, entre muchos otros.

 

Otras orquestas

  1. Orquesta Afrovenezolana Simón Bolívar
  2. Orquesta Barroca Juvenil Simón Bolívar
  3. Orquesta Juvenil de Caracas
  4. Orquesta Juvenil e Infantil Alma Llanera del Estado Guárico
  5. Orquesta Latino Caribeña Simón Bolívar
  6. Orquesta Nacional de Flautas de Venezuela
  7. Orquesta Nacional Infantil de Venezuela
  8. Orquesta Rock Sinfónico Simón Bolívar
  9. Orquesta Sinfónica de Juventudes Francisco de Miranda
  10. Orquesta Sinfónica Juvenil de Carabobo
  11. Orquestas Sinfónicas Penitenciarias
  12. Sinfónica Juvenil Teresa Carreño de Venezuela

Bandas

  1. Banda Sinfónica Juvenil Simón Bolívar
  2. Simón Bolívar Big-Band Jazz

Ensambles

  1. Ensamble 7/4
  2. Ensamble de Metales Carabobo
  3. Ensamble de Metales de Venezuela

Grupos de Cámara

  1. Cuarteto de Cuerdas Simón Bolívar
  2. Cuarteto Libertadores
  3. Cuarteto Teresa Carreño
  4. Cuarteto Yaracuy

Coros

  1. Coro de Manos Blancas
  2. Coral Nacional Juvenil Simón Bolívar de Venezuela
  3. Red de Orquestas y Coros Penitenciarios

Mayor información en:

http://fundamusical.org.ve/agrupaciones/

El Sistema en el mundo

La filosofía y metodología de El Sistema ha tenido una capacidad casi mágica para inspirar a artistas, educadores y activistas sociales a lo largo y ancho del planeta, tal como lo expresa Tricia Tunstall en su libro Cambiando Vidas …“sus principios rectores –la orquesta como escuela de civilidad y el paso de una visión centrada en la música a una visión humanística de cambio social a través de la música–”  han sido tomados como un modelo a seguir y El Sistema se ha implantado o adaptado en más de 66 países en los cinco continentes.

Programas inspirados en El Sistema han emergido en:

  • AMERICA: Argentina, Barbados, Bolivia, Brasil, Canada, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador,  El Salvador, Estados Unidos, Guadalupe, Guatemala, Haití, Honduras, Jamaica, México, Panamá, Paraguay, Perú, Puerto Rico, República Dominicana, Santa Lucia, Trinidad y Tobago, Uruguay.
  • AFRICA: Angola, Kenia, Sudáfrica, Uganda.
  • EUROPA: Alemania,  Armenia, Austria, Bosnia, Croacia, Dinamarca, Escocia, Eslovaquia, España, Finlandia, Francia, Gales, Groenlandia, Inglaterra, Irlanda, Islandia, Italia, Luzemburgo, Noruega, Países Bajos, Portugal, República Checa, Romania, Serbia, Suecia, Suiza, Turquia.
  • ASIA: Afganistán, Japón, Corea del Sur, Filipinas, India, Taiwan, Vietnan, Singapur.
  • OCEANIA: Australia, Nueva Zelanda.

Publicado en: 2018, Abril, Artistas, Biografia, Latino America

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