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Entrevistas

Gilberto Santa Rosa en el Spanish Harlem Salsa Museum

19 octubre, 2026 by International Salsa Magazine presenta

Desde el Spanish Harlem Salsa Museum, nos enorgullece hablar de la visita que hemos recibido de ‘‘El Caballero de La Salsa’’ Gilberto Santa Rosa, quien nos ha concedido el honor de asistir a nuestras instalaciones y compartir un rato tanto su servidor Johnny Cruz como el resto de de su equipo. 

A continuación, daremos un pequeño recorrido por la prolífica carrera de este histórico cantante de salsa y bolero boricua, a quien ahora podemos presumir de haber tenido aquí.

Johnny y Gilberto
Gilberto Santa Rosa junto a Johnny Cruz en el Spaha Harlem Salsa Museum

 

Un resumen de lo mejor de la carrera de Gilberto Santa Rosa

Gilberto Santa Rosa Cortés inició su carrera en su juventud formando parte de algunas de  las agrupaciones musicales más importantes de su país natal, entre las que podemos mencionar a las de Tommy Olivencia y Willie Rosario.

Una vez que se sintió preparado para dar el gran paso, debutó como solista junto a su propia orquesta bajo el sello Combo Records en el año 1986. A partir de allí, todo lo que vino para el artista fueron grandes triunfos y éxitos masivos, entre los que podemos mencionar a temas como ‘‘Perdóname’’, ‘‘Vivir Sin Ella’’ y ‘‘Que Alguien Me Diga’’.

A principios de la década de 1990, firmó con Sony Music, con la cual continuó cosechando grandes éxitos para su carrera como lo fueron ‘‘A Dos Tiempos de Un Tiempo’’, ‘‘Punto de Vista’’ y ‘‘Nace Aquí’’.

Muy poco tiempo después, más específicamente en 1995, consiguió un hito histórico que fue convertirse en el primer cantante de salsa tropical en ofrecer un concierto en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York, el cual quedó grabado completamente en vivo para disfrute de quienes no tuvieron la fortuna de asistir a esa noche tan especial para el boricua y su fiel público. 

Gilberto en el museo
Gilberto Santa Rosa nos visitó y ofreció unas palabras a sus fanáticos

También fue pionero en la fusión del género con música de cámara en su proyecto ‘‘Salsa Sinfónica’’ en 1998, en el cual mezcló su salsa tropical tan característica y la música típica de una orquesta sinfónica, lo cual fue bastante innovador en su momento.

Logros más importantes

Santa Rosa es uno de los artistas de origen latino con más producciones discográficas en los más altos lugares de las listas Billboard Tropical. Del mismo modo, ha logrado romper un Récord Guinness justamente por mantener la mayor cantidad de discos en dichas listas, lo cual es impresionante. 

Tampoco podemos dejar de mencionar que ha sido galardonado con una cantidad nada despreciable de premios Grammy y Grammy Latino, entre los que podemos mencionar categorías como Mejor Álbum de Salsa y Álbum Vocal Pop Tradicional. Y hace apenas unos cinco años, en el 2021, obtuvo el Premio Latin Grammy A La Excelencia Musical gracias a la espectacular trayectoria de las últimas décadas. 

Johnny, Alexandra y Gilberto
Gilberto Santa Rosa, su esposa Alexandra Malagón y Johnny Cruz

Visita al Spanish Harlem Salsa Museum

Hemos recibido una enorme cantidad de visitas tanto de artistas como de sus familiares y amigos a lo largo de los últimos años, pero nunca nos imaginamos que ‘‘El Caballero de La Salsa’’ nos honraría este año con su grata presencia en nuestras instalaciones. Tanto el artista como su hermosa esposa, Alexandra Malagón. 

A través de nuestras redes sociales, Santa Rosa compartió unas palabras con nuestro público y las compartimos a continuación:

‘‘Estoy muy contento de estar aquí. La gente que vive en Nueva York, cuando tengan una oportunidad, tiene que venir al Museo de La Salsa. Tiene una cantidad de maravillas increíbles y cada pieza tiene su historia y eso es lo más interesante. Gracias a ustedes por lo que están haciendo para preservar la historia de un género que ha dado tanta alegría al mundo y que continúa haciendo su trabajo’’.

JC

También lee: Alexander Masucci apoya al Museo de La Salsa y a nuestro trabajo

Publicado en: 2026, Artistas, Entrevistas, Musica Latina, Norte America, Noviembre

El compositor, director artístico y saxofonista ruso Yaacov Mayman conquista Nueva York

12 octubre, 2026 by Karina Garcia

Estamos verdaderamente muy felices de poder convivir con el compositor, director artístico y saxofonista nominado al Grammy Yaacov Mayman, a quien hemos podido entrevistar por correo sobre los aspectos más importantes de su carrera y con qué grandes luminarias ha podido colaborar tanto en tarima como en estudios de grabación.

A continuación, hablaremos de algunos de los puntos más trascendentales de su brillante trayectoria hasta la fecha.

Yaacov Mayman tocando el saxofón en vivo
Yaacov Mayman tocando el saxofón en vivo. Foto tomada por Al Gor

Cómo es que Yaacov empezó a interesarse por la música en primer lugar 

Yaacov, quien es originario de Rusia y residente en Israel por muchos años, decidió que quería tocar el saxofón al escuchar a Charlie Parker por primera vez. El sonido, libertad e imaginación de Parker abrieron ante él un mundo completamente nuevo que tenía que explorar en su totalidad.

Sin embargo, su base musical no comenzó allí, sino en su natal Moscú, donde solía asistir a conciertos de música clásica desde muy joven. Originalmente quería ser cantante, pero no fue admitido en la Escuela Central de Música, pero sí lo aceptaron en la escuela de música local en la clase de violonchelo. Fue así como inició su educación musical formal y, más adelante, el jazz lo llevó al saxofón.

A eso hay que añadir que su madre es artista y su padre ingeniero. La mayor parte de su familia trabajaba en áreas técnicas. Creció rodeado de creatividad y disciplina y describe a la música como su propia forma de expresar esas cualidades.

Primera experiencia laboral

La primera experiencia laboral de Yaacov como saxofonista fue durante un concierto con una big band. Previo a eso, había tocado el violonchelo con la orquesta de su escuela de música, por lo que ya sabía lo que era estar en el escenario con otros músicos, pero tocar jazz junto a una big band fue una experiencia completamente nueva. Sintió que esta fue la primera vez en la que tuvo la oportunidad de expresar su propia voz a través de la improvisación.

En aquella oportunidad, empezó a tener claro que siempre tiene que escuchar a toda la banda, entender su papel y estar listo para cuando llegue su momento. Esa primera experiencia fue una base que todavía lleva consigo en la actualidad.

Yaacov Mayman tocando con Valery Ponomarev

 

Colaboraciones con otros grandes artistas

A lo largo de su carrera de 30 años en la industria, Yaacov ha colaborado con grandes figuras de la talla de Benny Golson, Joe Lovano, Bill Evans, Randy Brecker y la Bobby Sanabria Multiverse Afro Latin Big Band. El músico asegura que haber trabajado con artistas de este calibre es educación en sí misma.

El fraseo, la disciplina y el dominio del escenario de estas figuras le enseñaron a escuchar más de cerca y responder con naturalidad. Cada uno de ellos tiene una voz musical personal y estar cerca de ellos hizo que Yaacov se animara mucho más en desarrollar la propia.

También aprendió que un sonido potente no solo requiere de calidez y sensibilidad, sino también de fuerza. Todo se trata de cómo se le da forma a una frase, cómo se usa el espacio y qué tan honesta es la comunicación que hay. La confianza entre los músicos nace de la preparación de quienes están en el escenario en ese momento.

Escenarios icónicos

Yaacov ha actuado en escenarios icónicos como el Carnegie Hall, el Birdland Jazz Club y el Dizzy’s Club Coca-Cola, pero el artista piensa en su carrera como una serie de momentos importantes, no un punto de inflexión en el que todo cambió por completo. Nos dijo que, para él, haber tocado en el Carnegie Hall conlleva un sentido especial de responsabilidad por lo que este venue representa. En cuanto al Birdland y Dizzy’s, es en estos lugares donde más cerca se ha sentido de la tradición del jazz.

Yaacov asegura que su verdadero punto de inflexión fue la construcción de su vida musical en Nueva York. Fue allí donde finalmente se puso en contacto con músicos realmente extraordinarios y conectó con un público que conoce y ama la música. Fue así como ganó la confianza necesaria para llegar cada vez más alto.

Yaacov and Bobby
Yaacov Mayman, Bobby Sanabria, Rufus Reed y George A Johnson Jr. ensayando para el concierto de jazz de la gala del MADEinNY

Yaacov como director artístico de la Made in NY Jazz Competition y del Made in NY Jazz Festival

Yaacov dice que lo que le atrajo del formato digital fue la posibilidad de escuchar músicos con enorme talento sin importar su origen. Hay muchos artistas que tienen lo necesario para triunfar, pero no cuentan con la facilidad de viajar a Nueva York ni con los medios para llegar a las personas que podrían empujar sus carreras. Es así como un concurso en línea les ofrece a estos artistas la oportunidad de ser escuchados y crear conexiones que puedan derivar en futuras colaboraciones.

Siendo el director artístico de Made in New York, no puede interesarse únicamente en la destreza técnica, sino que también busca una voz específica, musicalidad, creatividad y sentimiento. Más que un buen eso de las cualidades que se tengan como artista, también se busca escuchar a quien está detrás de cada nota. 

En el caso del festival, los artistas comparten escenario, intercambian ideas y se enseñan cosas entre ellos 

Community Concert Network Inc.

Otro rol importante por el que Yaacov se destaca es el de presidente de la organización sin fines de lucro Community Concert Network Inc., la cual se dedica a ofrecer programas y eventos culturales de jazz a comunidades humildes en Nueva York. Esta se ha convertido en una faceta tremendamente importante para el músico debido a que considera que la música en vivo debe estar al alcance de cualquiera sin importar su clase social.

Muchas veces, el costo de una entrada o la incapacidad de viajar a determinado lugar dificultan enormemente el acceso a la buena música en vivo, lo cual en mayor o menor medida inspiró la creación de esta iniciativa. Sobre esto, señaló lo siguiente: 

‘‘Nueva York tiene una cultura musical extraordinariamente y quiero que muchas más de sus comunidades puedan disfrutarla. Llevar conciertos a centros comunitarios nos permite encontrarnos con la gente en donde quiera que se encuentre y hacer que la experiencia sea mucho más acogedora y personal’’.

Yaacov es el presidente
Yaacov es el presidente de la organización sin fines de lucro Community Concert Network Inc.

También lee: El Museo Del Barrio nos hace sentir orgullosos de nuestra latinidad

Publicado en: 2026, Artistas, Entrevistas, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Zach Phillips nos ofrece las últimas novedades sobre el NAMM Show

30 septiembre, 2026 by Karina Garcia

Luego de unos cuantos intentos, finalmente hemos tenido el honor de conversar con el Director de Servicios A Los Miembros de NAMM Zach Phillips, quien nos hizo espacio en su agenda para hablar sobre todo el trabajo que tanto él como sus colaboradores han estado haciendo para NAMM, la parte educativa de la compañía y el evento anual que realizan, The NAMM Show.

Zach Phillips de NAMM
Director de Servicios A Los Miembros de NAMM Zach Phillips posando para la cámara

Experiencia de Zach como músico

Antes de que Zach nos contara todo lo relacionado con NAMM, quisimos conocer un poco sobre la carrera como músico que había tenido previo a eso. Nos aclaró que fue compositor, multiinstrumentista y cantante. Incluso aunque le está dedicando la mayor parte de su tiempo a NAMM sigue escribiendo canciones, grabando música y lanzando álbumes.

Con respecto a sus géneros preferidos, le gusta muchísimo el hip-hop, pero los tipos de música que suelen tocar son la Americana y el rock folk, los cuales, según sus propias palabras, no son tan interesantes ni tan complejos como si es la salsa.

También formó parte de una agrupación que llevó por nombre Zach and The Walkins, pero la música que hoy en día está lanzando está bajo su propio nombre y la distribuye a través de Spotify y el resto de los servicios de streaming.

Cuál fue el inicio The NAMM Show y cuál es su misión

Sobre el tema NAMM, Zach comenzó explicando que NAMM es una organización sin fines de lucro que está al servicio de la música, el sonido y la industria tecnológica del entretenimiento a nivel global. Su misión primordial es fortalecer la industria y promover la creación musical desde su fundación en el año 1901, lo que significa que lleva 125 años de creada.

Zach tocando guitarra en el NAMM Show
Zach Phillips cantando y tocando la guitarra en el NAMM Show

La organización fue creada por un grupo de comerciantes de pianos y su primera feria comercial se llevó a cabo en 1909, por lo que obviamente los precursores de la idea de NAMM ni siquiera viven, pero dejaron un legado que sigue llevándose con orgullo sobre los hombros de quienes hoy en día continúan sacando el proyecto adelante.

La asociación ofrece muchos servicios para sus miembros, siendo el más grande de ellos The NAMM Show. La edición de este al 2026 tuvo una asistencia total de 60.000 personas, más de 1.600 expositores y cerca de 5.500 marcas. En esencia NAMM sigue siendo una asociación apasionada por la música y el fortalecimiento de la industria, cosa que Zach no cree que vaya a cambiar. 

Una de las cosas que sigue fomentando el NAMM Show es la oportunidad de establecer contactos y estimular la innovación en la industria. Es una plataforma para ofrecer nuevos productos y hacer que las marcas aumenten su presencia en el mercado. También tiene un componente educativo muy importante que incluye unas 250 sesiones y paneles en los que se enseñan ideas, estrategias y prácticas destinadas a mejorar el desempeño de los presentes.

Por que Zach decidió unirse a NAMM

La razón por la que Zach decidió unirse a NAMM fue precisamente por la misión que ofrecía. El fortalecimiento de la industria y la promoción de la música son dos aspectos importantísimos para el artista, quien se unió en el año 2012. Previo a eso, Zach era editor de revistas especializadas, lo que le llevó a hacer contacto con NAMM para liderar programas de desarrollo profesional y educativo, pero desde entonces, su rol ha evolucionado. En la actualidad, se encarga de supervisar los programas para miembros que incluyen conexión, historia de la industria musical, manejo de carreras profesionales en la industria, entre otras áreas. 

La asociación ofrece educación los 365 días del año y una de esas herramientas es NAMM U Online con la que los interesados pueden acceder a clases y leer artículos sobre cómo ser cada vez mejores en este negocio. Del mismo modo, cuenta con sesiones en las que se enseña todo lo relacionado con el manejo de inventario de tiendas de música, el uso de las redes sociales para promover los negocios musicales, el marketing de marcas, entre otras cosas.

Green Day en el NAMM Show
Green Day en el NAMM Show el 22 de enero del 2026

Hay otro que se llama TEC TRACKS, con el que los estudiantes pueden aprender lo que necesiten sobre mezclas y técnicas de ingeniería de sonido, todo esto enseñado por importantes productores y artistas que hablan de lo suyo para que otros aprendan. 

The NAMM Show

El NAMM Show del año 2027 se llevará a cabo dentro de cuatro meses, más concretamente, entre el 26 y el 30 de enero del año que viene. Para esta edición, tanto Zach como el resto del equipo de NAMM ya han empezado una serie de reuniones en las oficinas de la organización desde hace un mes para acá, pero lo curioso es que ya están trabajando para la edición del 2028 con 16 meses de antelación. 

Es decir, no solo están preparando la edición que viene durante todo el año previo, sino que también trabajan hasta las dos ferias siguientes a la par. Sobre este tema, Zach señaló lo siguiente:

‘‘El proceso de planificación incluye a las marcas para que aprovechen al máximo la plataforma del evento, estructura el programa educativo en base a conferencias ofrecidas por los líderes de opinión más exitosos y organizar ciertas actividades. Más que un esfuerzo continuo es una verdadera hazaña. El equipo de NAMM es de solo unas 45 personas, pero trabajamos en esto todo el año porque es un evento enorme’’.

Zach también nos contó que, a partir del 2027, los Bass Magazine Awards se mudan al NAMM Show y se van a empezar a celebrar en la Arena del Centro de Convenciones. NAMM también está colaborando con un grupo llamado Backline Talk, que también va a presentar sus premios en la feria.

Obviamente la música en vivo tampoco podía faltar, por lo que el programa Bands At NAMM le ofrece la oportunidad a los grupos y cantantes que pueden comunicarse con la asociación para ser seleccionados y presentarse durante esos días. Todavía no han sido anunciadas las bandas que estarán el año que viene en el show, así que estaremos esperando por esos nombres. 

NAMM Show en el Convention Center
The NAMM Show se llevará a cabo en el Anaheim Convention Center en 2027

También lee: Pablo Antonio Y La Firma pone a bailar al área de Maryland, Washington DC y Virginia

Publicado en: 2026, Artistas, Entrevistas, Eventos, Musica Latina, Norte America, Octubre

El Arte de Escuchar: Guía de Iniciación para el Melómano Consciente

28 septiembre, 2026 by Augusto Felibertt

Cómo ir más allá de la superficie y descubrir la verdadera profundidad de la música.

Iniciarse en la melomanía requiere desprenderse de inercias y hábitos superficiales.

El primer paso consiste en romper con el patrón del oyente pasivo que simplemente consume por inercia o por imitación. Convertirse en un auténtico melómano exige transformar la escucha accidental en un acto de exploración consciente, crítico y apasionado.

Dj. Augusto Felibertt Iniciarse en la melomanía requiere desprenderse de inercias y hábitos superficiales
Dj. Augusto Felibertt Iniciarse en la melomanía requiere desprenderse de inercias y hábitos superficiales

Contexto y época: el marco histórico de la obra.

Para comprender plenamente un álbum o un tema musical, es indispensable situarse en el entorno histórico y social en el que fue concebido.

Pregúntese siempre: ¿en qué época se grabó?, ¿qué acontecimientos políticos, sociales o culturales la moldearon? y ¿qué movimientos estéticos marcaban la pauta del momento? La música jamás surge en el vacío; es el reflejo vivo de un tiempo y un lugar específicos.

Dj. Augusto Felibertt El primer paso consiste en romper con el patrón del oyente pasivo que simplemente consume por inercia o por imitación
Dj. Augusto Felibertt El primer paso consiste en romper con el patrón del oyente pasivo que simplemente consume por inercia o por imitación

Los créditos: la arquitectura detrás del artista

Un error común al empezar es enfocar toda la atención únicamente en el vocalista, el director de orquesta o el nombre principal que adorna la portada. Una producción discográfica es un esfuerzo colectivo.

Tómese el tiempo de revisar minuciosamente la ficha técnica: identifique a los músicos de sesión, productores, arreglistas, ingenieros de sonido, diseñadores gráficos, sellos discográficos y países de producción. Aprender a leer los créditos le revelará la red invisible de talentos que dieron forma a ese sonido particular.

Lenguaje, jerga y raíces culturales

Estudie la jerga y los modismos específicos de cada región y periodo. En géneros como la música caribeña o el jazz, por ejemplo, es fundamental adentrarse en el caló popular y las expresiones cotidianas de la calle.

Comprender esta lingüística le permitirá descifrar con mayor fidelidad el trasfondo narrativo, la idiosincrasia de las composiciones y el impacto cultural de sus letras.

Cómo ir más allá de la superficie y descubrir la verdadera profundidad de la música
Cómo ir más allá de la superficie y descubrir la verdadera profundidad de la música

La trinidad creativa: letra, composición y arreglo

Profundice en la autoría intelectual de cada pieza. Investigue quién escribió la letra, quién compuso la melodía y quién estructuró los arreglos.

Un mismo tema puede transformar radicalmente su impacto según la visión del arreglista o la sensibilidad del compositor original. Evite encasillar una obra en su cara visible e indague en todo lo que orbita a su alrededor.

Consejo clave: No se limite a escuchar. Investigue, contextualice y vuelva a escuchar. En ese ejercicio continuo nace la verdadera apreciación musical.

Al interconectar músicos, grabaciones, épocas, sellos y geografías, comenzará a tejer un mapa mental de relaciones complejas. Con la práctica, afinará el oído y cultivará un criterio propio, riguroso y apasionado.

Decálogo esencial para el melómano iniciado

  1. Escuche antes de opinar: Tómese el tiempo de procesar la obra antes de emitir juicios apresurados.
  2. Trascienda las etiquetas de género: Las categorías suelen ser comerciales; la auténtica creatividad no tiene límites.
  3. Explore los créditos: Reconozca a los arquitectos sonoros que trabajan detrás del escenario.
  4. Cuestione lo que lee: Verifique la información y contraste biografías, reseñas e historias oficiales.
  5. Aprecie los álbumes completos: Respeta la obra como el viaje conceptual e integral que el artista concibió.
  6. Rastree las raíces: Indague en los orígenes e influencias primarias de sus estilos favoritos.
  7. Calidad sobre cantidad: Acumular miles de archivos no equivale a desarrollar cultura o criterio musical.
  8. Compara versiones: Analice distintas interpretaciones, arreglos o covers de una misma composición.
  9. Abra su horizonte temporal: Alterne libremente entre producción es históricas y propuestas contemporáneas.

10. Disfrute el proceso: La melomanía es una pasión íntima de descubrimiento constante, no una competencia.

Tributo que el DJ Augusto Felibertt rinden a Eddie Palmieri
Tributo que el DJ Augusto Felibertt rinden a Eddie Palmieri

También Lea: Louie Ramírez «El Quincy Jones de la Salsa» y su talento progresivo un Genio escondido de La Fania All Stars

Por: Dj. Augusto Felibertt

Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Entrevistas, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Noticias, Octubre, Orquesta

Buena Vista Social Club The Musical triunfando por todo lo alto en Broadway

28 septiembre, 2026 by Karina Garcia

Buena Vista Social Club The Musical es un nuevísimo musical de Broadway que se inspira en hechos completamente reales que forman parte de la historia del emblemático grupo musical Buena Vista Social Club, el cual cautivó al mundo entero en la década de 1990. 

Era inevitable que lo ambicioso de este importante capítulo de la música latina diera como resultado un homenaje para dar a conocer a las nuevas generaciones lo que este fenómeno cultural representó para tantos en su momento alrededor del mundo. Es así como nació la idea de hacer Buena Vista Social Club The Musical, un espectáculo que llega a los escenarios para representar los hechos que llevaron a la creación de una de las más icónicas orquestas de Cuba y el resto del continente.

funciones de Buena Vista Social Club
Una de las funciones de Buena Vista Social Club The Musical

Cómo inicia y sigue Buena Vista Social Club The Musical

Toda esta historia inició en el año 1996 con una grabación realizada de manera fortuita en los estudios EGREM de La Habana, Cuba. Dicho material terminaría convirtiéndose en un exitazo discográfico a nivel mundial que también se traduciría en un documental posteriormente nominado al Oscar y el renacimiento de nombres importantes para la música cubana que, debido al tiempo transcurrido, muchos habían quedado en el olvido.

Ahora, décadas después, todos esos recuerdos evocados por Buena Vista Social Club por fin han encontrado una forma de volver a la vida a través del escritor y dramaturgo estadounidense de origen cubano Marco Ramírez, quien ha basado su obra en una estructura de doble línea con la que conecta la etapa de la juventud de los personajes con su adultez y vejez.

El desarrollo de este proyecto nace de las ganas de trasladar el espíritu del álbum creado en 1977 al lenguaje teatral neoyorquino. Luego de un arduo trabajo por parte de todo el equipo involucrado, la obra se estrenó mundialmente en el Atlantic Theater Company en el año 2023. En esa época, la venta de entradas fue extremadamente exitosa y la crítica especializada alabó la mezcla entre la música en vivo, la historia y la danza afro-cubana.

Luego de haber logrado muchas nominaciones y galardones teatrales, la producción comenzó su camino a Broadway, lo que hizo que se consolidase como uno de los más ambiciosos espectáculos latinos de la escena de la ciudad de Nueva York. 

Mel Semé como Ibrahim Ferrer y Natalie Venetia Belcon como Omara Portuondo
Mel Semé como Ibrahim Ferrer (versión adulta) y Natalie Venetia Belcon como Omara Portuondo (versión adulta)

Estructura narrativa en la que se basa el musical

Buena Vista Social Club The Musical se basa en La Habana de 1950 y La Habana de 1996. En la década de 1950, la capital cubana vivía su época de oro en cuanto a orquestas, clubes nocturnos y la radio previa a la llegada de los Castro al poder. En este periodo de tiempo, se tratan temas como la juventud, el amor, el racismo y la música de cabaret.  

Luego, le sigue el año 1996, en el que varios músicos experimentados se unen en un estudio de grabación de La Habana. Allí, se tocan temas como el perdón, el reencuentro, la nostalgia, la redención y la inmortalidad del arte.

La historia está, en gran medida, basada en las vivencias de importantes personalidades como Omara Portuondo, Compay Segundo, Ibrahim Ferrer, Eliades Ocho y Rubén González. Dichas vivencias tuvieron todo que ver con los cambios políticos y culturales que vivió Cuba en la década de 1990.

Repertorio utilizado en el musical

Una de las partes más importantes del musical es la exquisita banda sonora que acompaña los momentos más trascendentales vividos por los personajes y una de ellas es ‘‘Chan Chan’’ interpretada por Compay Segundo. Esta pieza de son cubano sirve de hilo conductor para la mayor parte de la historia y evoca a la tierra y el viaje a la vez. 

Ashley De La Rosa como Omara Portuondo
Ashley De La Rosa como Omara Portuondo (versión juvenil)

En el caso de ‘‘Dos Gardenias’’ de Isolina Carrillo, originalmente es un canto a la ternura y la esperanza inspirada en una alumna de la pianista que le regaló dos gardenias como agradecimiento. En la obra, se utiliza como fondo para retratar la melancolía de la brillante actuación de Ibrahim Ferrer.

‘‘Veinte años’’ de Omara Portuondo refleja la tristeza del desamor, la nostalgia del cariño que se extingue y la nula posibilidad de revivir un pasado que ya quedó atrás para siempre. Una letra más que apropiada para reflexionar sobre el tiempo transcurrido y las oportunidades que se perdieron.

Para los que quieren bailar y gozar, habrá temas como ‘‘Candela’’ y ‘‘El Carretero’’, con los cuales la energía, el baile y la percusión toman el protagonismo por completo. 

Cambios recientes

El mes pasado, se informó que la actriz estadounidense de raíces cubanas Gina Torres va a dar vida a Omara Portuondo durante el periodo comprendido entre el 13 de octubre y el 29 de noviembre del 2026. La actriz original del rol y ganadora del Premio Tony Natalie Venetia Belcon va a ausentarse durante todo ese tiempo debido a su participación en el reestreno de ‘‘In The Heights’’.

Para la artista, que también es ampliamente conocida por su participación en ‘‘Firefly’’ y ‘‘Suits’’, este proyecto tiene muchísimo significado para ella debido al origen de sus padres. Por lo mismo, Torres ha dicho que el personaje de Omara Portuondo y el repertorio que deberá manejar es una conexión directa con sus raíces, su niñez y la concepción de hogar que le enseñaron de niña. 

Importante mencionar que la actriz no solo derrocha talento en el área del drama televisivo, sino que también tiene formación vocal en música clásica. Recordemos que se graduó en la Fiorello H. LaGuardia High School of Music & Art and Performing Arts y debutó a principios de los años 90. 

Con esta incorporación, el equipo involucrado en Buena Vista Social Club The Musical busca dar al personaje de Omara Portuondo fuerza interpretativa, elegancia, presencia escénica y profundidad dramática.

Gina Torres interpretará a Omara Portuondo en octubre
Gina Torres interpretará a Omara Portuondo (versión adulta) en octubre

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Publicado en: 2026, Artistas, Entrevistas, Musica Latina, Norte America, Octubre

Horacio Hinojosa y Bulbo Houston están aquí en International Salsa Magazine

24 septiembre, 2026 by Karina Garcia

El guitarrista y vocalista mexicano Horacio Hinojosa nos acompaña en esta edición Nro 190 para conversar sobre los detalles más importantes de su carrera y de la agrupación de la cual es director en este momento, Bulbo Houston.

El artista originario de Tampico, Tamaulipas, nos brindó casi una media hora de su tiempo para hablarnos de sus inicios musicales en la adolescencia hasta el día de hoy. Un recorrido muy interesante por su vida personal y profesional, el cual agradecemos que relate aquí en exclusiva para International Salsa Magazine.

Vocalista y guitarrista Horacio Hinojosa posando para la cámara.
Vocalista y guitarrista Horacio Hinojosa posando para la cámara. Foto tomada por Mónica Navarro

Cómo Horacio se inicia en la música

Fue a los 14 o 15 años que Horacio empezó a sentir cierta curiosidad por la música y su mayor inspiración fue su propio padre, quien se desempeñaba como músico profesional. Por lo mismo, siempre veía músicos en su casa ensayando y tocando, lo cual siempre le llamó mucho la atención. En vez de ir a tiendas de herramientas como muchos otros padres, el suyo iba a tiendas de guitarras y pianos y, desde luego, lo llevaba consigo.

Además, los festivales de la escuela en los que siempre se requerían voluntarios para tocar instrumentos eran una buena oportunidad para que el joven comenzara a explorar ese gusto que ya tenía. El primer instrumento en interesarle fue la guitarra y le gustó desde siempre, que fue cuando le pidió a su papá que le enseñara un poco al respecto.

Años después, es que empezó a cantar, pero no pudo convertirse en vocalista sino hasta cumplidos los 20 años. Es ahí cuando finalmente le dan la oportunidad de ser el cantante principal de un grupo.

Formación académica

Estudió en la Escuela de Música de La Universidad Autónoma de Tamapulipas y, si bien es cierto que no culminó sus estudios universitarios, tuvo entrenamiento formal que obviamente le sirvió para más adelante. 

Adicional a esto, no tiene ninguna otra profesión, ya que toda su vida siempre se ha dedicado a la música y así sigue siendo hasta el sol de hoy.

Horacio Hinojosa y el resto de Bulbo
Horacio Hinojosa y el resto de Bulbo. Foto tomada por Mónica Navarro

Inicios profesionales

Fue justamente allí en su ciudad natal en donde inició su carrera profesional tocando en bodas, restaurantes, bares y demás desde que era menor de edad. Llegó a tocar con muchas orquestas de eventos en Tampico, siendo el más importante el grupo D´TNT, que más tarde pasaría a llamarse Bulbo. En esta orquesta, llegó a tocar en escenarios grandes por todo México y conoció mucha gente y lugares que jamás se imaginó. 

Mudanza a Estados Unidos

En  2003 o 2004, Horacio fue invitado en calidad de asesor de sonido y consultor por un grupo de empresarios que abrieron negocios relacionados con entretenimiento y música en vivo en Estados Unidos. 

Conquistó muchos escenarios en su país de origen y no le estaba yendo nada mal en volumen de trabajo, pero llegó un punto en el que la situación de violencia generada por el crimen organizado en su natal Tampico y Monterrey estaban complicando demasiado su trabajo, debido a que la mayoría de sus tocadas las realizaba de noche.

Bulbo Houston tocando
Bulbo Houston tocando en vivo

 

Fue así como, con tantas limitaciones para trabajar y dos hijos muy pequeños, Horacio tomó la dolorosa decisión de aprovechar la oferta para irse a vivir definitivamente a Estados Unidos y no volvió a irse jamás. Y por fortuna, la carrera que había hecho con Bulbo en México y toda la músico original que hizo con el grupo le fue de mucha utilidad para obtener su permiso de trabajo en ese entonces. 

Bulbo en Houston 

Del grupo original que era un trío, solo queda Horacio nada más. Al llegar, al artista no le quedó de otra que tocar covers en bares locales y llegó un punto en el que estos establecimientos cerraron debido a lo mala que estaba la economía entre 2010 y 2012. Sin embargo, de todo lo malo sale algo bueno y Horacio fue el ejemplo de eso.

Varios de los clientes que frecuentaban los lugares donde él tocaba empezaron a contratarlo para sus bodas y sus propios eventos familiares bajo la misma marca de Bulbo. Esto lo forzó a salir de su zona de confort y a aprender mucho más de lo que otros públicos de otras nacionalidades querían, ya que estaba muy acostumbrado al mexicano.

Al ser tan variada la gente que lo contrataba, se sentía obligado a aprender a tocar y cantar música distinta. Por lo mismo, hoy en día está haciendo covers de lo que más se escucha en la ciudad, pero tiene música original grabada y está esperando el momento preciso para lanzarla. 

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Publicado en: 2026, Artistas, Entrevistas, Musica Latina, Norte America, Octubre, Orquesta

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