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International Salsa Magazine

Orquesta

Líder de K’ndela Salsa Band Eric Cabanilla y lo que su compañía tiene para ofrecer

20 enero, 2026 by Karina Garcia

Estamos muy complacidos de poder conversar con el líder de K’ndela Salsa Band, un grupo de salsa que ha ido ganando cada vez más terreno en Nueva Jersey a pesar de la gran competencia a la que se enfrenta. 

Eric Cabanilla es un talentoso músico que, además de fundar una exitosa banda, también ha logrado levantar una empresa de entretenimiento con un equipo bastante sólido que ha puesto sus talentos al servicio de grandes audiencias ansiosas por disfrutar de un show de calidad. El artista nos ha contado algunos de los detalles más importantes de su carrera y los traemos aquí para todos ustedes.

Eric Cabanilla posando para la cámara
Líder de K’ndela Salsa Band Eric Cabanilla posando para la cámara en un evento

Cómo empezó a gustarle a Eric la música 

Eric comenzó su historia relatando que tanto él como sus hermanos escuchaban la música que su madre reproducía mientras limpiaba y sus hijos la ayudaban con los quehaceres del hogar. En ese entonces, había muchos artistas y grupos románticos como Los Iracundos y La Sonora Matancera. Estas melodías le ayudaron a comprender el amor que hoy en día siente por la salsa.

Algo importante a mencionar es que, en su familia, no había músicos que le enseñaran sobre la parte profesional de este arte, así que puede decirse que él fue el primero en hacer de esto su modo de vida hasta el sol de hoy. Su primer impulso en este sentido fue comenzar a escribir poemas en la escuela y hasta ganó algunos concursos de poesía, lo que fue despertando en él el gusto de juntar palabras para generar sonidos agradables para los demás.

Fue su gran amigo y músico Mike Pérez quien lo animó a convertir estas composiciones en canciones, así que tomó esos poemas y rimas que había creado y les puso música. Estuvo trabajando junto a Mike unos siete años haciendo coros para la Orquesta Swing Combo hasta que este lamentablemente falleció, lo que conllevó a la disolución del grupo. Afortunadamente, los músicos no se quedaron en el aire y se les pudo conseguir trabajo en una nueva orquesta con un nuevo sonido.

En este tiempo, tuvo la oportunidad de aprender mucho sobre el funcionamiento del negocio de la música, ya que sus responsabilidades incluían institucionalizar la orquesta y formalizar su agenda a través de correos electrónicos, tarjetas de presentación, contratos escritos y ese tipo de cosas.  

Angel Peguero, Eric Cabanilla y Stephany Moore
Bailarín Angel Peguero, Eric Cabanilla y la bailarina Stephany Moore

Gracias a todos estos conocimientos adquiridos, una vez que Swing Combo se separó, ya Eric tenía una idea precisa sobre qué hacer al momento de crear su propia orquesta y cómo manejarla, así que se puso manos a la obra a partir de allí. 

K’ndela Salsa Band

Luego de toda la experiencia adquirida, Eric finalmente se decidió a construir algo propio, ya que se sentía preparado para asumir un reto de tal envergadura.

Una de las primeras personas con las que contó fue el maestro Jimmy Bosch ‘‘El Trombón Criollo’’, quien lleva 50 años de repertorio y tiene su propia orquesta Salsa Masters. Él se la pasa viajando por el mundo con su orquesta, pero siempre que es requerido para tocar con Eric y K’ndela Salsa Band, hace acto de presencia sin dudarlo. Se refiere a Bosch como un hombre muy profesional, al punto de que es el primero en llegar y el último en irse en cualquier ensayo. 

Junto a Eric y Bosch, K’ndela también cuenta con el talento de otros grandes músicos como el bajista Edgar ‘‘Danny’’ Rosado, el pianista Ray ‘‘El Loco’’ Cabrera, Xabi ‘‘El Chamo’’ Estrada, Eric Pizza, Brian ‘‘Tibiri’’ Pozo, Jimmy ‘‘El Nene’’ Feliciano y Daniel ‘‘El Gato’’ Arboleda.

Este proyecto de la orquesta fue su primer objetivo profesional, pero una vez lo consiguió, no quería limitarse únicamente a esto. También quería ofrecer un paquete completo en el que se ofrezca un entretenimiento más integral que solo tocar y cantar. Es entonces cuando aprovechó su cercanía con una escuela de baile en la que se presentaba a veces para tener contacto con bailarines que quisieran sumarse a sus shows.

Eric y el resto de la banda
De derecha a izquierda Ray «El Loco» Cabrera, Danny Rosado, Eric Cabanilla, Xavi «El Chamo» Estrada, Erik Piza, Brian «Tibiri» Pozo, Jimmy «El Nene» Feliciano, Daniel «El Gato» Arboleda y Jimmy «El Trombón Criollo» Bosch

Adicional a eso, contrató a un familiar que trabajaba de músico mariachi, quien a su vez lo presentó con otros artistas que se dedicaban a lo mismo para poderlos contratar. Con el tiempo, también incluyó Djs que también amenizaran todo tipo de eventos con sus diversas mezclas.

Algo que Eric quiso aclarar es que todos y cada uno de estos profesionales están fijos en su compañía. Él tiene muy buena relación con muchas escuelas de baile allí en Nueva Jersey, a las cuales ofrece sus paquetes y siempre un grupo muy generoso de sus bailarines acepta. Siempre que Eric está involucrado en algún festival o evento privado, nunca tiene problemas para conseguir talento en el área del baile que lo acompañe gracias a su cumplimiento y profesionalismo y gran respeto por el trabajo de los demás. 

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Publicado en: 2026, Artistas, Entrevistas, Febrero, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Lo que Adalberto Santiago representa para la música latina

16 diciembre, 2025 by International Salsa Magazine presenta

Nuestro gran amigo Adalberto Santiago es uno de los más grandes referentes de la música latina a pesar de tantos años de trayectoria, por lo que siempre es oportuno para recordar los más grandes momentos de su carrera. Hoy en día, está atravesando por unas dificultades de salud, así que esperamos que este escrito sea de su agrado y le haga sentir mejor de su quebranto.

Este es Adalberto Santiago
Este es el compositor y cantante puertorriqueño Adalberto Santiago hace muchos años atrás

Inicios de Adalberto Santiago en la música

Adalberto Santiago Berríos siempre fue poseedor de una voz sumamente potente y profunda, convirtiéndolo en un tenor lírico y uno de los más grandes intérpretes de música afrocubana en todo Estados Unidos. Algunas de sus más importantes influencias desde joven fueron Miguelito Cuní y Benny Moré, quienes sirvieron como fuente de inspiración para lo que vendría en su futura carrera.

El artista se inició en la música ofreciendo su voz para tríos y tocando la guitarra y el bajo, aunque también solía acompañar estas actividades con algunos pasos de baile. A ojos de muchos, esto lo convierte en uno de los primeros cantantes en tocar, bailar y cantar en un mismo concierto. Además, en estas etapas más tempranas de su carrera, llegaron a apodarlo ‘‘El Elvis Presley Latino’’ debido a su gran altura, cabello abundante, ojos azules y porte elegante. 

Giro total en su carrera

Luego de haber tenido la oportunidad de tocar con grandes orquestas en su momento, lo que realmente hizo que su carrera despegara por todo lo alto fue su unión a la Orquesta de Ray Barretto, gracias a quien finalmente se pudo internacionalizar con álbumes como ‘‘Acid’’ y ‘‘Rican Struction’’. Dichos discos siguen siendo referencia para los amantes de la salsa y la música latina en general.

Johnny y Adalberto en el museo
Johnny Cruz y Adalberto Santiago en el Spaha Salsa Museum en Nueva York

Tiempo después, tanto Santiago como otros miembros de la ya mencionada orquesta crearon La Típica 73, aunque lamentablemente no pasaría mucho tiempo para que nuevamente el artista y otros de sus compañeros se separaran por diferencias religiosas con el resto de los miembros y fundaran por su lado Los Kimbos. Junto a este grupo del cual era su cantante principal grabó ‘‘Los Kimbos‘’ y ‘‘This Big Kimbos With Adalberto Santiago‘’ en el año 1977, año en el que se atrevió a lanzar su primer álbum como solista al que puso por nombre ‘‘Adalberto’’. 

Algo interesante que mencionar de ese álbum es que fue Ray Barretto quien lo produjo y aportó dos de sus composiciones a su viejo pupilo.

Carrera como solista 

Del año 1977 en adelante, todo lo que vino para Alberto no fue más que éxitos y reconocimiento. Uno de esos grandes éxitos fue su sonada participación en ‘‘Hommy, A Latin Opera’’, que se trató de una obra producida y dirigida por Larry Harlow, cosa que era sello de calidad garantizado. Poco después sería requerido como una de las voces principales de ‘‘Louie Ramírez y sus Amigos’’, coprodujo junto a Ramírez el tema ‘ ‘Adalberto Featuring Popeye El Marino‘’ y se unió a Barretto en ‘‘Rican/Struction’’.

Ya en la década de 1980, Adalberto y Roberto Roena se unieron para lanzar ‘‘Super Apolo 47:50’’ entre los que los fans podían encontrar temas como ‘‘Yo Tenía Una Mujer’’ o ‘‘Vigilándote’’. Por esa misma época, también estuvo en la parte de la coproducción del álbum ‘‘Calidad‘’ junto a Papo Lucca, quien también estuvo muy al pendiente de la dirección musical. 

Adalberto y Johnny en el homenaje
Adalberto Santiago y Johnny Cruz durante un tributo al cantante puertorriqueño

Otra gran explosión de fama a nivel internacional 

Otro hito en su carrera fue su versión en salsa del clásico ‘‘Sex Symbol’’, el cual ha sido desde ese entonces un álbum de culto para fanáticos de muchísimos países como Colombia, Perú y Venezuela. Resultó ser uno de los materiales discográficos más exitosos de toda su carrera y prácticamente fundó un nuevo estilo al que se le conoció como ‘‘salsa monga’’

El también compositor ha escrito temas para discos en los que él mismo ha tenido algún tipo de participación tanto como director de orquesta como cantante y su éxito no le ha impedido de ninguna manera mantenerse fiel a sus raíces latinas.

Situación actual de Adalberto Santiago

Nos hemos enterado de que Adalberto Santiago estaba próximo a participar en una gira que tenía como uno objetivo homenajearlo a él y otros más de sus participantes, pero debido a algunos quebrantos de salud graves, esta serie de presentaciones no podrá llevarse a cabo por el momento.

Desde International Salsa Magazine, lamentamos muchísimo esta situación y el equipo completo espera que esta leyenda viva de la música pueda salir de esta situación y seguirnos alegrando con su talento.  

JC

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Publicado en: 2026, Artistas, Enero, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Toña La Negra El Terciopelo Inigualable de la Canción Tropical

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

Un 19 de noviembre de 1982, en Ciudad de México, falleció Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, mejor conocida como “Toña La Negra”.

Fue una destacada cantante y actriz mexicana de origen africano, famosa por sus interpretaciones de boleros y canciones tropicales del compositor Agustín Lara, quien la consideró «la más grande cancionera de todos los tiempos» por su «estilo personalísimo», «la fuerza de su expresión y el terciopelo de su garganta privilegiada».

Toña La Negra El Terciopelo Inigualable de la Canción Tropical
Toña La Negra El Terciopelo Inigualable de la Canción Tropical

Antonia Peregrino nació en la ciudad de Veracruz, en el barrio de La Huaca, el 2 de noviembre de 1912.

Su padre, don Timoteo Peregrino Reyes, tocaba la guitarra y trabajaba como abridor de las cajas que llegaban al puerto; fue, además, uno de los fundadores del Gremio de Cargadores y Abridores de Comercio del Puerto de Veracruz.

Su madre, doña Daría Álvarez Campos, cantaba en las reuniones familiares.

Su abuelo paterno, don Severo Peregrino, era haitiano, y había emigrado a México en el siglo XIX.

Para 1927 ya se había casado con Guillermo Cházaro Ahumada, quien la llevó a Ciudad de México con su primer hijo, de solo cuarenta días de nacido.

El 16 de julio de 1929 debutó en el cabaret El Retiro y, haciendo temporada en ese lugar, donde se la conocía como la Peregrina, la conoció don Emilio Azcárraga Vidaurreta, quien fue, junto con Enrique Contel, quien la bautizó como Toña la Negra.

Un 19 de noviembre de 1982, en Ciudad de México, falleció Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, mejor conocida como “Toña La Negra”
Un 19 de noviembre de 1982, en Ciudad de México, falleció Antonia del Carmen Peregrino Álvarez, mejor conocida como “Toña La Negra”

Empezó a ser reconocida con su interpretación de la canción “Enamorada” de Agustín Lara, quien también produjo para ella temas como “Lamento Jarocho”, “Veracruz”, “Noche criolla”, “Oración Caribe”, “Palmera”, “La clave azul” y “La cumbancha”, que presentaron juntos en una revista musical en el Teatro Esperanza, en diciembre de 1932, con tanto éxito que debieron prolongar sus presentaciones por mucho tiempo.

Su tono de voz era más bien grave, con un sonido aterciopelado y redondeado, e impecable técnica vocal, característica que se convirtieron en su sello interpretativo.

Azcárraga la incorpora al elenco de la emisora XEW, donde se presentaba a veces acompañada por Lara y otras por la orquesta de Alfredo Girón.

Poco después empiezan sus fastuosas presentaciones en el Teatro Politeama, frente a las Vizcaínas y al lado de la calle San Juan de Letrán.

Sus grabaciones para el sello RCA Victor constituyen uno de los más preciosos legados musicales en la historia del bolero.

Uno de los primeros discos que grabó para este sello contiene el tema «El cacahuatero»; esta grabación data de la década de los treinta. Para RCA Víctor, grabó varios discos de larga duración, entre ellos Caleidoscopio musical con Toña la Negra, Noche criolla, vol. II y La sensación jarocha, vol. III.

A mediados de los sesenta, firmó un contrato de exclusividad con Discos Orfeón, donde grabó los últimos álbumes de su carrera.

“Este amor salvaje”, “Por qué negar”, “Obsesión”, “Mentiras tuyas”, “Y sin embargo te quiero”, “Noche criolla”, “Pesar”, “Vereda tropical”, “Cada noche un amor”, “Angelitos negros”, “Lágrimas de sangre”, “Estás equivocado”, “De mujer a mujer”, “Como golondrinas”, “Diez años” y “Cenizas” son algunos de sus títulos de éxito que grabó en más de 75 discos LP, algunos de ellos para el sello Peerless. Ya famosa durante muchísimos años, llegó a grabar dos canciones con la legendaria Sonora Matancera en 1974.

Toña La Negra y La Reyna Celia Cruz
Toña La Negra y La Reyna Celia Cruz

En los últimos años, con algunos achaques de salud, se fue retirando de los escenarios y grabaciones.

Toña la Negra llevó siempre una vida personal muy reservada. Con su primer marido, el músico Guillermo Cházaro Ahumada, tuvo tres hijos: Ramón (n. 1932), Guillermo (n. 1933) y Ernesto (1935-1979). Toña y Cházaro Ahumada se separaron en 1945.

Posteriormente, en 1955, se casó de nuevo con el bajista veracruzano Víctor Ruiz Pazos, conocido como «Vitillo». Este matrimonio duró hasta 1963. En una entrevista, Ruiz Pazos habló acerca de las cualidades artísticas de Toña:

Su entrega, su sentimiento a la hora de cantar, su estilo, su forma de hacerlo, musicalmente cómo decía las cosas; he vivido mucho, he escuchado muchas cantantes fabulosas pero ninguna le llega a Doña Toña.

El cineasta alemán Christian Baudissin realizó un documental sobre Toña la Negra para televisión en 1993 con entrevistas con su exmarido el músico Vittillo (Víctor Ruiz Pazos) y otros artistas que la conocieron en vida.

Colaboradores:

Los Mejores Salseros del Mundo 

Dj. Augusto Felibertt

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Publicado en: Artistas, Enero, Latino America, Musica Latina, Orquesta

Son 14 La Historia de la Orquesta y el Éxito de «A Bayamo en Coche»

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

La orquesta Son 14 se fundó en Santiago de Cuba en 1977 por el vocalista Eduardo «El Tiburón» Morales (nacido en Cuba en 1935) y el pianista y director musical Adalberto Álvarez.

Como su nombre indica, es una agrupación de 14 músicos dedicada a interpretar el son, el género musical nacional de Cuba. En 1978, se unió al grupo Lázaro Rosabal (nacido en Santiago de Cuba en 1953).

Rápidamente, grabaron varios discos para el sello local EGREM, muchos de los cuales se convirtieron en éxitos de ventas en toda Latinoamérica, lo que les permitió realizar extensas giras por América y Europa.

En 1992, el cofundador Álvarez dejó la banda para formar su propio grupo. Sin embargo, Son 14 continuó su trayectoria bajo la dirección musical de Rosabal.

Además de su continuo éxito en el mercado latino, la banda comenzó a ganar reconocimiento internacional, primero con la canción «El Son De La Madrugada», incluida en el recopilatorio Cuba – Fully Charged (Earthworks Records, 1993), y luego con el lanzamiento de Son – The BIG SOUND (Tumi Records, 1995), una compilación de su material de la época de Álvarez.

Son 14 de «A Bayamo en Coche»
Son 14 de «A Bayamo en Coche»

Tras presentar al público no latino la versión moderna y vibrante del son y sus variaciones («son montuno», «bolero son», etc.), Tumi Records les encargó una nueva grabación en los estudios EGREM de Cuba.

Publicado en 1996 como parte de la serie Cuba Explosion, el álbum Cubanía demostró que la banda no había perdido ni un ápice de su talento y energía musical bajo la dirección de Rosabal. Tres años después, el grupo lanzó La Máquina Musical, que incorporó ritmos tropicales colombianos a su sonido, promocionando el álbum con una gira europea que incluyó una actuación en el Festival Cuba Presente en el Barbican Centre de Londres. (Fuente: allmusic)

Eduardo Morales Orozco Tiburón
Eduardo Morales Orozco Tiburón

El Hito de «A Bayamo en Coche»

En 1979 se publicó el álbum A Bayamo en Coche, cuyo mayor éxito fue, precisamente, el tema que le da nombre.

El primer corte del disco, compuesto y arreglado por el camagüeyano Adalberto Álvarez, lo transformó en una de las principales figuras de la música popular bailable cubana desde ese mismo año.

La canción «A Bayamo en coche» no solo rescata el son tradicional y lo enriquece con otras sonoridades, sino que también recrea artísticamente una tradición arraigada en Bayamo, la cuna de la nacionalidad cubana. En esta ciudad, los coches (carruajes) se utilizan para pasear y recrearse, y la letra de la canción relata esos momentos.

El álbum contenía otros temas que sonaron muchísimo en Cuba entre 1978 y 1980, como «Calle Enramada» (una elegía sonera a esa arteria santiaguera), «El Son De La Madrugada» (con una hermosa versión posterior a cargo de Omara Portuondo), «Se quema la trocha» y «Elena la cumbanchera», lo que convirtió al disco en un hito dentro de la música cubana de este género. La mayor parte de los temas fueron interpretados por Tiburón Morales, el solista de la agrupación.

Homenaje a El Caballero del Son

Recientemente, se rindió homenaje al fundador de Son 14, Adalberto Álvarez, conocido como «El Caballero del Son», con un concierto en el teatro Karl Marx. Este evento celebró sus 46 años de carrera musical y los 35 años de la fundación de su orquesta posterior, Adalberto Álvarez y su Son.

El concierto fue un memorable homenaje a la obra del autor de «A Bayamo en coche». Se interpretaron algunos de sus mejores temas en las voces de destacados músicos cubanos:

  • Septeto Santiaguero (Son para un sonero)
  • Pancho Amat y Alain Pérez (Tu fiel trovador)
  • Alexander Abreu (Pura imagen)
  • Paulo F. G. (Fin de semana)

En otros momentos, Frank Fernández acompañó a dúo las voces de Adalberto Álvarez y Jorge Luis Rojas, «Rojitas», en Santa Cecilia. Además, Rojitas cantó con Tania Pantoja (Vivir lo nuestro) y en solitario (Y qué tú quieres que te den). Robertón y Lele, vocalistas de Van Van, interpretaron Agua que cae del cielo, mientras que la orquesta Adalberto Álvarez y su Son se encargó de De Cuba pa’l mundo entero, Son de la madrugada y Los caminos de Ifá.

En La Sala Show “El Saraito” Adalberto Álvarez (R.I.P) Fundador, Director. Arreglista y Pianista del Son 14 de Cuba, Dj. Augusto Felibertt y Vicente López
En La Sala Show “El Saraito” Adalberto Álvarez (R.I.P) Fundador, Director. Arreglista y Pianista del Son 14 de Cuba, Dj. Augusto Felibertt y Vicente López

Esa noche, el maestro José Luis Cortés destacó la calidad musical de Álvarez, concentrándose específicamente en «A Bayamo en coche», el tema que en 1979 anunció al público la existencia de un gran artista. Álvarez fue capaz de llevar el son a las escuelas de arte cubanas y ha defendido con altura y arte el son cubano, sin renunciar a la esencia de uno de los géneros musicales bailables que mejor representa la idiosincrasia cubana. (Fuente: Joel del Río, cibercuba)

 Detalle del Álbum «A Bayamo En Coche» (1980)

No. Tema Género Compositor
01. A Bayamo En Coche Son Adalberto Álvarez
02. El Son De La Madrugada Son guaguancó Adalberto Álvarez
03. Se Fue Mi Amor Y No Lo Vi Partir Bolero son Adalberto Álvarez
04. Calle Enramada Son Pedro Gómez
05. Elena La Cumbanchera Son Gerardo Martínez
06. Se Quema La Trocha Bachata-Son Adalberto Álvarez
07. Tal Vez Vuelvas A Llamarme Son montuno Adalberto Álvarez
08. Gimen Las Rosas Por Una Triste Ilusión Bolero Adalberto Álvarez
09. Vamos, Háblame Ahora Bachata-son Adalberto Álvarez

Músicos que participaron en la grabación (1979):

  • Director, Piano acústico, Teclados: Adalberto Álvarez
  • Voz, Percusión menor: Eduardo «El Tiburón» Morales, Héctor Wedderbron, Daniel Carmenates
  • Bajo: Jorge Machado
  • Guitarra: Efisio Barroso
  • Trompeta: Eduardo Sánchez, Guillermo Femández, José Fernández, Dagoberto Rodríguez
  • Trombón: Lázaro Rosabal
  • Tumbadora: Ubaldo Canes
  • Bongó, Cencerro: Guillermo Viera

Grabado en: Estudios EGREM (1979)

Colaboradores:

L’Òstia Latin Jazz

Dj. Augusto Felibertt

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Publicado en: Artistas, Enero, Latino America, Musica Latina, Orquesta

Compay Segundo El Patriarca Eterno del Son Cubano

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

Máximo Francisco Repilado Muñoz mejor conicido como Compay Segundo (1907-2003) La voz que conquistó el mundo a los noventa.

Máximo Francisco Repilado Muñoz, mundialmente conocido como Compay Segundo, es una de las figuras más emblemáticas y esenciales de la música tradicional cubana.

Nacido el 18 de noviembre de 1907 en Siboney, Santiago de Cuba, su vida fue una dedicación a la música que culminó con una fama global tardía, pero merecida, antes de su fallecimiento en La Habana el 13 de julio de 2003.

Máximo Francisco Repilado Muñoz, mundialmente conocido como Compay Segundo
Máximo Francisco Repilado Muñoz, mundialmente conocido como Compay Segundo

Orígenes y Formación Musical

Compay Segundo se crio en un ambiente musical y manual. Su padre, Máximo Repilado, era albañil y un gran amante de la música tradicional santiaguera, mientras que su madre, Caridad Muñoz, aportó una fuerte influencia cultural.

Proveniente de una familia numerosa, su hermano Lorenzo Repilado también fue una figura activa en la escena musical de Santiago.

Sus inicios fueron clásicos para la época. Compay comenzó su carrera como clarinetista en la Banda Municipal de Santiago, consolidando su formación al unirse posteriormente a la Banda del Ejército. En la década de 1930, migró a La Habana, un paso crucial que lo integró plenamente al circuito profesional de la capital.

Compay Segundo se crio en un ambiente musical y manual
Compay Segundo se crio en un ambiente musical y manual

 Los Compadres y el Nacimiento del Nombre

La etapa que le daría su nombre artístico y una fama nacional fue la formación del Dúo Los Compadres en los años 40 junto a Lorenzo Hierrezuelo.

  • El Apodo: El nombre «Compay Segundo» surgió porque Máximo Repilado siempre cantaba la voz armónica grave o el «segundo» en la canción, mientras que Hierrezuelo hacía la voz principal. De ahí, el diminutivo afectivo cubano «Compay» (compadre) más «Segundo».
  • Éxito Nacional: El dúo se convirtió en una sensación en toda Cuba, dejando clásicos inolvidables del son oriental como «Macusa,» «Mi Son Orientál» y la versión temprana de la que sería su canción más famosa: «Chan Chan.»
Compay creó el armónico, un híbrido entre guitarra española y tres cubano, con 7 cuerdas
Compay creó el armónico, un híbrido entre guitarra española y tres cubano, con 7 cuerdas

El Armónico: Su Contribución Instrumental

Una de las contribuciones más singulares de Compay fue la invención del «armónico,» un instrumento que diseñó él mismo. Se trata de un híbrido de siete cuerdas, a medio camino entre la guitarra española tradicional y el tres cubano. Este instrumento le permitía ejecutar bajos, armonía y melodía simultáneamente, creando una sonoridad única que fue la base de su estilo.

El Fenómeno Buena Vista Social Club

Cuando parecía que la carrera de Compay estaba en el ocaso, el destino le tenía reservada la etapa más gloriosa. En 1997, a la edad de 90 años, fue invitado por el músico estadounidense Ry Cooder a participar en la grabación del álbum «Buena Vista Social Club.»

  • Fama Global: El éxito del disco y el posterior documental dirigido por Wim Wenders lo catapultaron a la fama mundial.
  • El Himno: Su inconfundible voz y la mágica interpretación del tema «Chan Chan» lo convirtieron en una superestrella internacional, ofreciendo conciertos en los escenarios más prestigiosos del planeta y llevando el son cubano a audiencias de todas las edades.
El Fenómeno Buena Vista Social Club
El Fenómeno Buena Vista Social Club

Legado y Continuidad Familiar

Compay Segundo dejó un repertorio de canciones que son consideradas tesoros nacionales. Entre sus temas más destacados se encuentran «Chan Chan,» «Sarandonga,» «Las Flores de la Vida,» «Orgullecida,» y el popular bolero «Veinte Años,» que él popularizó.

Compay fue padre de al menos nueve hijos. Su legado musical no solo se mantiene vivo a través de sus grabaciones, sino a través de la actividad de sus descendientes:

  • Basilio Repilado (1954–2012): Fundador y arreglista del Grupo Compay Segundo.
  • Salvador Repilado: Contrabajista y actual director del Grupo Compay Segundo, el conjunto oficial de giras internacionales.

Además, las generaciones más jóvenes (nietos y bisnietos) como Yohel, Alejandro y Yurisley Repilado continúan la tradición en La Habana con el ensamble “Los Herederos de Compay Segundo,” asegurando que el sonido inconfundible del Patriarca del Son Cubano siga resonando en Cuba y el mundo.

Colaboracion:

Sr. Eduardo Guilarte

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Publicado en: Artistas, Biografia, Enero, Latino America, Musica Latina, Orquesta, Septiembre

Dámaso Pérez Prado y la Sucesión del «Rey del Mambo»

7 diciembre, 2025 by Augusto Felibertt

Dámaso Pérez Prado fue un músico, compositor, arreglista y director de orquesta cubano, conocido mundialmente como el «Rey del Mambo».

El 3 de diciembre de 1983, falleció en Milán, Italia, Pantaleón Pérez Prado, un excelente bajista y compositor. Había nacido el 27 de diciembre de 1926 en Matanzas, Cuba.

Inicios y Carrera de Pantaleón

Pantaleón siguió los pasos de su famoso hermano mayor, Dámaso Pérez Prado. A los 18 años formó su primera orquesta, la cual dejó en 1950 para integrarse como contrabajista en la agrupación de Dámaso, a quien acompañó durante algunos años.

También tocó por un corto tiempo en La Habana con la Orquesta de Laito Castro. A mediados de la década de los 50, Pantaleón Pérez Prado se independizó y viajó a Europa, donde dirigió una orquesta de músicos cubanos. Esta agrupación obtuvo gran éxito interpretando los temas que había popularizado Dámaso.

Dámaso Pérez Prado y la Sucesión del Rey del Mambo
Dámaso Pérez Prado y la Sucesión del Rey del Mambo

La Disputa Legal

En 1956, una disputa entre Dámaso Pérez Prado y su hermano menor, Pantaleón (1926-1983), generó un inusual conflicto legal. Dámaso demandó a su hermano por $500,000 dólares, acusándolo de suplantación de identidad.

En la cultura hispana es común que los hijos reciban los apellidos de ambos padres. En este caso, los nombres de nacimiento de los hermanos eran Dámaso Pérez Prado y Pantaleón Pérez Prado, respectivamente, siendo Pérez el apellido del padre y Prado el de la madre.

En Portugal, el tema que interpretaba Pantaleón, «Mambo del Estudiante», se convirtió en el «himno oficial» de la Universidad de Coimbra. También triunfó en España, Francia e Italia, donde fue presentado como «Pérez Prado, Rey del Mambo», lo que producía una intencionada confusión con su hermano Dámaso.

Dámaso inició acciones legales que concluyeron con la prohibición para Pantaleón de utilizar el título de «Rey del Mambo», al mismo tiempo que se le obligaba a utilizar su nombre completo. Algunos sugieren que, más allá del pleito, hubo un acuerdo tácito entre los dos hermanos, basándose en el hecho de que Dámaso visitó Europa en contadas ocasiones, centrando sus actividades en América, mientras que Pantaleón se radicó definitivamente en Milán.

Confusión en el Nombre y Reaparición del Conflicto

Originalmente, la RCA acreditaba las grabaciones a Dámaso Pérez Prado. Sin embargo, cuando sus discos comenzaron a aparecer en EE. UU., la compañía discográfica acortó su nombre al más aliterado Pérez Prado. En 1955, Dámaso dejó su nombre completo y lo cambió legalmente a Pérez Prado.

Aproximadamente en esa época, Pantaleón, que tocaba el bajo con su propio grupo, se presentó en el teatro Alhambra de París bajo el nombre de «Pérez Prado, el Rey del Mambo». Pantaleón fue posteriormente restringido por orden judicial de hacerse pasar por Pérez.

Sin embargo, las hostilidades se reanudaron cuando un furioso visitante francés llamó al Hollywood Palladium, donde Pérez Prado se presentaba, y le gritó a la gerencia por presentar a un «impostor», alegando que él había bailado con el «verdadero» Prado (en realidad, Pantaleón) en Deauville unas pocas semanas antes.

Dámaso Pérez Prado fue un músico, compositor, arreglista y director de orquesta cubano, conocido mundialmente como el Rey del Mambo.
Dámaso Pérez Prado fue un músico, compositor, arreglista y director de orquesta cubano, conocido mundialmente como el Rey del Mambo.

La demanda que siguió puso efectivamente a Pantaleón fuera de combate, pero el hermano menor tuvo una forma de venganza póstuma. Cuando Pantaleón murió en 1983, un obituario ampliamente difundido fue titulado «Mambo King muere en Milán», lo que llevó a muchas personas a creer (erróneamente) que era Dámaso quien había fallecido.

Trayectoria y Legado de Pantaleón

Pantaleón Pérez Prado se presentó en Grecia y llegó a Irán, por invitación del propio Sha y su esposa, la princesa Soraya. Continuó activo hasta poco antes de su muerte en 1983.

Éxitos Notables de Dámaso Pérez Prado

Los temas más conocidos de Dámaso Pérez Prado incluyen:

  • «Mambo No. 5»
  • «Qué rico el mambo» (también conocida como «Mambo Jambo»)
  • «Mambo No. 8»
  • «Cherry Pink and Apple Blossom White» (Cerezo Rosa), que fue un éxito número uno en Estados Unidos.
  • «Patricia», que fue un éxito mundial y se incluyó en la película La Dolce Vita de Federico Fellini.
Dámaso Pérez Prado
Dámaso Pérez Prado

Legado: Además de sus grabaciones, Dámaso Pérez Prado participó como actor y músico en varias películas mexicanas. Su música fue clave en la popularización internacional del mambo y su estilo sigue siendo influyente en la música latina y el jazz.

Colaboración:

Los Mejores Salseros del Mundo 

Dj. Augusto Felibertt

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Publicado en: Artistas, Biografia, Enero, Europa, Latino America, Musica Latina, Orquesta, Radio

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