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International Salsa Magazine

Biografia

El fundador de De Tierra Caliente Bronson Tennis habla de su carrera y banda

20 enero, 2025 by Karina Garcia

No han sido pocos los músicos estadounidenses que han caído rendidos a los encantos de la música latina, la cual es una fuente prácticamente inagotable de géneros con los que se puede experimentar de muchas maneras. Uno de ellos es Bronson Tennis, con quien hemos tenido la fortuna de hablar acerca de su interesante trayectoria y actual grupo musical, De Tierra Caliente.

Bronson tocando
Fundador de De Tierra Caliente Bronson Tennis tocando la guitarra

Inicios de Bronson en la música

Bronson Tennis comenzó a poner sus ojos en la música siendo apenas un niño, época en la que sentía mucha atracción por el movimiento de rock alternativo de los 90’s en Estados Unidos. Con tan solo 11 años, sus padres le compraron su primer bajo y luego también quiso aprender a tocar la guitarra y a cantar.

Por la parte familiar, tanto Bronson como sus tres hermanos hacen música y varios de sus primos y tíos también han sido músicos. Además, su madre era artista visual y su abuela era profesora de arte.

Tanto en la escuela como en la iglesia, el niño siempre buscaba la oportunidad de cantar y demostrar sus dotes vocales a quien quisiera oírlo. También aprovechaba todos estos espacios para aprender lo más que pudiera de música hasta tener la edad para ejercerla de forma profesional. 

Hoy en día, su instrumento principal es la guitarra, aunque también toca el cavaquinho (instrumento de origen portugués que se usa mucho en la samba) y el roncoco, que es una adaptación del charango andino y el cual usa para tocar salsa y son cubano.

Bronson posando para la cámara
Bronson Tennis tocando la guitarra y posando por la cámara

Inicios profesionales en la música

Bronson también nos contó que comienza su camino profesional desempeñándose como bajista y corista en varios grupos musicales en la ciudad de San Diego entre los años 2006 y 2009. Luego, pasó una temporada en Filadelfia, donde también tocó con otras bandas de diversos géneros.

Algo interesante que nos contó es que estuvo viviendo en Buenos Aires, Argentina, donde también ejerció como bajista y cantante en en algunos grupos. De hecho, en ese mismo país, ayudó a formar una banda de funk caribeño en la que aprendió mucho sobre estos géneros tan ajenos a lo que llegó a tocar en su niñez y juventud. Permaneció unos cuatro año en Argentina, concretamente entre 2009 y 2012, hasta que se mudó a Brasil por unos seis meses para seguir aprendiendo cada vez más sobre la música latina, pero no fue su última parada en Suramérica, ya que también estuvo en Colombia por un tiempo más.

Posterior a todo esto, es cuando regresó a Filadelfia y se decidió a formar su propia orquesta a la que bautizó De Tierra Caliente.

Antecedentes a De Tierra Caliente

Cuando Bronson regresó a Filadelfia, tuvo la oportunidad de coincidir con algunos músicos de la escena musical puertorriqueña en aquella ciudad y vio que tenían visiones parecidas en lo que a música respecta, así que se pusieron manos a la obra para preparar un proyecto formal entre ellos mismos.

El artista asegura que fue en Argentina donde más aprendió lo necesario para sacar adelante su banda. ‘’Los argentinos son personas que todo lo hacen con fuerza y confianza, ya sea en la música y en el fútbol. No importa a quién o a qué tengan que enfrentarse, ya que todos los retos los asumen con confianza y eso es algo que todos deberíamos aprender de Argentina’’ dijo Bronson sobre su estadía en ese país.

Bronson y su banda
(De derecha a izquierda) Papo Buda, Bronson Tennis, Eubie Nieves, Andy Meyer y Steve Cochran

En Brasil, estudió percusión y aprendió portugués, mientras que Colombia le enseñó la salsa, la champeta, el vallenato y muchos otros géneros más. En resumen, cada país que ha visitado le ha brindado herramientas que le han facilitado su aprendizaje en todo lo que tiene que ver con la música latina en diversas áreas.

Justamente gracias a todos estos conocimientos adquiridos es que Bronson se sintió finalmente capaz de formar su propia banda en el año 2014 en unión con colegas músicos que comprendieron lo que él quería llevar a cabo.

Cómo inicia De Tierra Caliente como tal

Al volver a Estados Unidos, Bronson tenía muy claro que quería incorporar todos esos elementos aprendidos en Suramérica y el Caribe, pero dándole su propio toque. Es entonces cuando conoce al conguero Papo Buda, con quien tuvo muchas coincidencias a nivel musical e inició el proceso de reclutamiento del resto del resto de los músicos.

Luego de eso, Bronson y Papo consiguieron sumar a más artistas hasta dar como resultado un grupo bastante consistente a lo largo del tiempo. Desde su fundación, muy pocos músicos se han ido de la banda y tanto Bronson como los que quedan tienen excelente relación con todos ellos a pesar de ya no ser compañeros.

Entre sus más grandes inspiraciones, Bronson nos mencionó a muchos artistas y grupos de diversas nacionalidades y géneros como El Gran Combo de Puerto Rico, el compositor y cantor brasilero Paulinho da Viola, el grupo Caribe Funk y muchos otros.

De Tierra Caliente tocando
De Tierra Caliente tocando en vivo en Yardley

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Publicado en: 2025, Artistas, Biografia, Entrevistas, Febrero, Latino America, Musica Latina, Norte America

Enrique «Culebra» Iriarte, maestro del piano y la composición musical

22 diciembre, 2024 by Augusto Felibertt

Eusebio Enrique Iriarte, «Culebra Iriarte, Nace El 24 De Enero De 1.947 En Maiquetía, En la República De Venezuela.

Enrique Culebra Iriarte, maestro del piano y la composición musical
Enrique Culebra Iriarte, maestro del piano y la composición musical

En su infancia, Enrique Iriarte ya daba sus primeros pasos en el mundo musical de la mano de su padre, quien ejecutaba diversos instrumentos.

Su remoquete nace en la Sonora Caracas gracias al vocalista Johnny Pérez al descubrir la delgadez.

Más tarde de su incursión en ese mundo, con el talento heredado y la permanente actualización y práctica musical, le ha permitido atesorar una larga trayectoria repleta de experiencias al lado de orquestas como La Sonora Caracas, Federico y su Combo Latino, El Sexteto Juventud, Don Filemón, en los inicios de La Dimensión Latina por espacio de 10 meses.

Igualmente, acompañó en el piano a Oscar D’León, para quien también fungió de arreglista de sus temas, entre los cuales pueden citarse: «Mata Siguaraya», «El Manicero», «Siéntate Ahí», «Mi Bajo y Yo», «Mis Hijos», «Juanita Morei», «María», «Ven Morena», entre muchos otros.

En 1981 graba su primer disco de larga duración, destacándose con el tema La Ola Marina, pieza que alcanzó el primer lugar de sintonía en el ámbito musical. Cabe señalar que dicho álbum le hizo merecedor de un disco de platino.

Con más de seis décadas de trayectoria artística, este virtuoso venezolano ha dejado una huella imborrable en la salsa colaborando con grandes artistas como Óscar D’León. Durante su carrera ha sido fundamental la experiencia obtenida en agrupaciones icónicas como: La Dimensión Latina, Sonora Caracas, Federico y su Combo Latino, entre otras.

Actualmente sigue vigente junto a su Sonora ya convertido en un músico reconocido internacionalmente.

Enrrique “CulebraIriarte  Icono de la Salsa es declarado Hijo Ilustre de La Guaira y Patrimonio Cultual de Venezuela.

“El Señor Felo Bacallao Fundador de la Orquesta Aragón, nos sentimos muy orgullosos de tener como Patrimonio Cultural a este insigne MÚSICO El Maestro Enrique Culebra Iriarte”

Reconocen trayectoria de “Culebra” Iriarte

28 septiembre, 2019

El destacado músico y arreglista guaireño Enrique “Culebra” Iriarte fue homenajeado por su trayectoria, al ser considerado como uno de los mejores pianista de la salsa, en un acto realizado en el auditorio de la plaza Bolívar Chávez.

Iriarte se ha destacado como integrante de orquestas como La Sonora Caracas, Federico y su Combo Latino, el Sexteto Juventud y Don Filemón.

Fue uno de los fundadores de la Dimensión Latina, agrupación que le rindió homenaje ayer y con quien compartió en algunas de las interpretaciones que hicieron Rodrigo Mendoza, José y Edie Pacheco.

Culebra acompañó por muchos años a Óscar de León como arreglista de muchos de sus temas.

La alcaldía de Vargas le entregó la orden Armando Reverón, en el marco del programa municipal Forjadores y Forjadoras de Identidad Guaireña que busca exaltar la labor de hombres y mujeres guaireños.

Reconocen trayectoria de “Culebra” Iriarte
Reconocen trayectoria de “Culebra” Iriarte

“Este es un emotivo acto con la presencia de muchos músicos de la región, amigos y familiares de Iriarte, para exaltar el legado que por años nos ha regalado este extraordinario músico. Esta es la entrega número doce a personas quienes han marcado la historia local”, indicó Alexis Rumbo, secretario de gobierno municipal.

El Percusionista Augusto Felibertt Relatata: exactamente desde 1997 hasta 1999 estuve engrosando las filas del Maestro Enrrique ¨Culebra¨ Iriarte y su Sonora ejecutando Las Tumbadoras, para esa época los integrantes fundadores Fueron:

Enrrique ¨Culebra¨ Iriarte: Pianista, Director Musical y Arreglista, Eli : Bajo

Juan Pablo Barrios: Timbalito, Campana y Bongo., Larry Machado: Cantante, Perla Tabata: Cantante, luego Maritza De Quisquella , Cesar Pinto: 1ra Trompeta, Yenny: 2da, 3ra Trompeta un invitado especial, Percusionistas suplentes: Yomar Mendez (Caballo) y Heyzer Cabrera.

Tremenda experiencia vivida con todos estos músicos fabulosos.

Nota: El estudio de ensayo en el No 41 en Caño Amarillo-Caracas.

Augusto Felibertt y Enrrique Culebra Iriarte Foto en Rincon Caribeño
Augusto Felibertt y Enrrique Culebra Iriarte Foto en Rincon Caribeño

Cheo Navarro , Naty y El Maestro Enrique «Culebra» Iriarte Respetados Maestros y referentes indiscutibles del sonido de la Salsa y su historia en Venezuela..!!!

Ha Sido para mí inmensamente grato compartir y recibir junto a ellos este valioso reconocimiento de parte de SALSA SUPERIOR INTRNACIONAL!

El Maestro Enrique Culebra Iriarte, Alfredo Naranjo, Cheo Navarro y Naty Martinez espetados Maestros y referentes indiscutibles del sonido de la Salsa y su historia en Venezuela.
El Maestro Enrique Culebra Iriarte, Alfredo Naranjo, Cheo Navarro y Naty Martinez espetados Maestros y referentes indiscutibles del sonido de la Salsa y su historia en Venezuela.

Enrrique “Culebra” Iriarte, Alfredo “Guajeo” Naranjo, Dj. Augusto Felibertt, Elio Pacheco, Cheo “Bailatino” Navarro y Joseito Rodríguez 2da Edición de la entrega de Reconocimientos Internacional Award 2022 de parte Richard Roman Director y Fundador de Salsa Superior Miami.

Enrrique “Culebra” Iriarte, Alfredo “Guajeo” Naranjo, Dj. Augusto Felibertt, Elio Pacheco, Cheo “Bailatino” Navarro y Joseito Rodríguez 2da Edición de la entrega de Reconocimientos
Enrrique “Culebra” Iriarte, Alfredo “Guajeo” Naranjo, Dj. Augusto Felibertt, Elio Pacheco, Cheo “Bailatino” Navarro y Joseito Rodríguez 2da Edición de la entrega de Reconocimientos

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Publicado en: Artistas, Biografia, Enero, Entrevistas, Latino America, Musica Latina, Orquesta

Larry Harlow e Ismael Miranda: inicio de la llamada «Salsa Arseniana» en honor a la música de Arsenio Rodriguez, el creador del Son Montuno y «Rey del Guaguanco»

22 diciembre, 2024 by Augusto Felibertt

Extraído del libro llamado: «El origen y la creación de la Salsa»; creador: Mon Rivera, promotor: Al Santiago.

A la venta por Amazon kdp, dandole click al siguiente link:

Con que  se adjunta un  resumen  completo  de  la obra musical de  larry Harlow con Ismael Miranda desde su creación  en 1966 al 71.

Al final  se acompaña el tema original de Arsenio: «Oiga  mi Guaguanco»,  con  el fabuloso arreglo musical del mismo Harlow  en «Salsa Clasica», con el  cantar exquisito  del «Niño Bonito de Puerto Rico» Ismael Miranda.

Larry Harlow e Ismael  Miranda: 1966 – 1971 con trombones.

Julio Cesar Galindo Alarcón Diplomático de Peru Ministro (R), Historiador Musical. Autor de Libro sobre Creacion de la Salsa
Julio Cesar Galindo Alarcón Diplomático de Peru Ministro (R), Historiador Musical. Autor de Libro sobre Creacion de la Salsa

Lawrence Ira Khan, conocido más en el  ambiente musical como Larry Harlow cariñosamente reconocido como “El  Judío Maravilloso”, nació en Brooklyn Nueva York, el 20  de marzo de 1939 y  falleció  en Nueva York  el  20  de  agosto  del  2021, de nacionalidad norteamericana, músico, director de orquesta, pianista,  compositor, arreglista musical,  productor, creador  de  la llamada  “Opera Latina”, en  el  73 fue uno de los  más importantes  difusores del Jazz afrocubano, de la  Salsa “Arseniana” y  de la Salsa Clásica confirmando al más alto nivel el uso del trombón y de la técnica instrumental USA, corroborados  como las dos características  más  importantes que identifican al nuevo Movimiento Musical Americano.

El inicio de la obra musical de Larry  debemos analizarla  a  partir de su regreso de Cuba en 1959, luego de haber viajado a la isla a  mediados de los 50, a conocer y estudiar la música cubana en sus  diferentes ritmos, pero por motivo de la  Revolución tuvo que volver a Nueva York; encontrando el auge  y  entusiasmo producido por la Pachanga difundida  por  Charlie Palmieri, Pacheco, Quijano, Orlando Marin, Mon,  Eddie Palmieri,  Ray Barretto, Richie, entre otros.

A fines del 65  forma su orquesta  con trombones  y aplicación de  la  técnica  instrumental   del  Jazz;   firma contrato con  el  sello  “Fania” teniendo en  proyecto grabar su primer álbum.

En  el 66  graba  su primer álbum  llamado “Heavy Smokin” con el canto de  Felo Brito; L.P.  poco conocido,  en el que destacan: “Tu  Tu  Ratan”,  “Maria  la  O”,  “Rica  Combinación”,  “Mi  Guaguancó”,  “Orchestra Harlow”   y   “Adios  Mamá”.

En el mismo 66  graba su segundo álbum cuyo nombre es “Gettin’ Off” o “Bajándote”, cantado por  Ramón Quian: “Monguito” el  Unico,  excelente larga duración que tuvo un gran  éxito.

Sobresalen   “Bajandote”, “Guarachita,   cantada   por  Vickie;    “Tu  no  lo  creas”,   “Meta  y Guaguancó”, “Coco  May  May”  y “Cienfuegos”.

En el 66,  aparece un joven adolescente cantando en el grupo de Andy  Harlow y su  Sexteto.

Andy lo cedió a  su amigo Joey Pastrana al  inicio del año 67 para  que  grabara  el  álbum “Let’s Ball”, en el  que el  joven  cantante Ismael Miranda  tuvo su primer éxito con el  tema  “Rumbón  Melón”.

Larry Harlow a  quien le faltaba un buen cantante, ofreció  el puesto a Ismael,  quien sin dudarlo lo aceptó de inmediato; y debuto con Larry  en su tercer álbum  en el 67 llamado  “El Exigente”  y así comenzó la  DUPLA MARAVILLOSA DE LARRY HARLOW E ISMAEL MIRANDA, quienes juntos conformaron un  dueto sensacional, asombroso  e  impresionante, en la Historia de la Salsa Clásica.

En  “El Exigente” con  el  debut  del  “Niño  Bonito  de Puerto Rico” destacan los temas: “El Exigente”, “Las luces”, “Rumba me llaman” y  “El Mejor”.

Al  año siguiente,  en el 68,  graba el álbum,  “Orchestra Harlow  presenta a  Ismael Miranda”.

Con esta insuperable  combinación, se inicia la Salsa Clásica, Brava y Dura Niuyorquina al estilo único del  “Judío Maravilloso” con el canto del  fabuloso Ismael Miranda una  de  las voces más atractivas,  finas  y  agudas en la  historia  de la  Salsa, en que destacan los temas:  “La Contraria”,   “Jaguey”,   “Yo me voy”,   “Lamento Cubano”,   “Bobby’s  Boo-galoo,  “Rumba a  la  vida”  y  “Mi  Guajira si”.

En el 69  graba su quinto álbum y tercero  con  Ismael  Miranda, llamado  “Mi  Mono y  Yo”, en el  que continúa la cátedra de  Salsa Clásica con  fusión de  Jazz  afrocubano, en  que  destacan   casi todos  los temas:  “El Malecón”,  “Voy para la luna”, “Amorcito Ven”,  “Jovenes  del  Muelle”,  “Ven  Rumbero  Ven”, “Para  donde  tu  vas”,  “Mi  Madre”  y  “Traigo  Guajira”.

DIPLOMATICO DE PERU, MINISTRO (R); HISTORIADOR MUSICAL; AUTOR DE LIBRO SOBRE CREACION DE LA SALSA.
DIPLOMATICO DE PERU, MINISTRO (R); HISTORIADOR MUSICAL; AUTOR DE LIBRO SOBRE CREACION DE LA SALSA.

Con  estos  dos  últimos  álbumes, Larry  con Ismael  habían conseguido el éxito esperado; y se habían convertido  en  la  orquesta  favorita   en  todos  los  Conciertos  de Salsa  que ya se habían hecho costumbre en los fines de semana de la  Gran  Manzana.

En el 69,  el  autor fue  testigo  durante un mes  de estos Conciertos Bailables de Salsa  que normalmente  se daban  en los salones de los Hoteles de los distritos de Nueva York.

En el 70,  Larry  introduce  el  piano  eléctrico  en  su  formato orquestal; esto  motiva  a   que  su  álbum  del  mismo año,  lo titule: “Electric  Harlow”.  Con la  grabación  de  este  álbum  realmente se inicia  la  llamada  “Salsa  Arseniana”  de  Larry,  coincidente con  el último  año  de  vida  del  Gran  músico  cubano Arsenio Rodríguez,  el  padre  del   Son  Montuno  y  “Rey  del  Guaguancó”,  Leyenda  y Genio  indiscutible  del  desarrollo  de  la  música cubana;  pero,  no obstante,  haber  sido  el  músico  cubano más importante del Siglo XX,  por su  contribución  de  haber  creado  el  Son  Montuno  y  la  modernización  del  Guaguancó,  NO TIENE  NADA  QUE  VER  CON  LA CREACION  DE LA SALSA:  PERO  SI;  POR  SU VALIOSO APORTE,  CON EL DESARROLLO  DEL MOVIMIENTO CREADO POR MON.

En  “Electric  Harlow”  destacan:   “La  Revolution”,   el   maravilloso arreglo en  Salsa de  “Oiga mi Guaguancó”,  de  Arsenio  Rodríguez, “Guasasa”,  “Con Dulzura”,  “Donde va Chichi”  y  “Tu Cosita  Mami”. En el 71 graba su  álbum  “Abran  Paso”,  y  aquí  tenemos que referirnos  a  Ismael  Miranda  como   cantautor;   porque  si  desde  su primer  álbum  grabado  con  Larry:  “El  Exigente”;   ya  había mostrado su  fibra  de   compositor,  habiendo   compuesto   algunos  temas  en  forma  conjunta con  Harlow;  en  este  del  71:  “Abran Paso”,  confirma  y  ratifica  sus condiciones  de  cantautor,  componiendo cinco temas de su autoría, distinguiéndose exitosamente  el tema  del  mismo  nombre  del  álbum:  “Abran  Paso”,  “Donde  lle- vas  el  Son”,  “Abandonada  fue”,   “Oigan  bien  mi  Guaguancó”  y   “Dolor  y  Amor”.  También destacan: Se casa   la   Rumba”   y   “Vengo  Virao”,  del  Tite  Curet  Alonso.

Orchestra Harlow Vocal Ismael Miranda – Electric Harlow
Orchestra Harlow Vocal Ismael Miranda – Electric Harlow

Habiendo  fallecido  el  penúltimo  día  del  70  Arsenio  Rodríguez, Larry Harlow,  a  los  pocos  meses  tenía  la  idea  de  ofrecerle  un Homenaje póstumo,  el mismo que se materializó con la grabación en el 71  de un álbum  “Homenaje Póstumo”,  el que se  denominó  “Tribute to Arsenio Rodríguez”,  incluyendo  cuatro  exitosos temas de  Arsenio:  “Tumba y  Bongo”,   “No me  llores”,  “Sueltala”  y   “El Terror”;  “Arsenio”, tema de Harlow con Ismael Miranda  y “Saludos a todos los Barrios”, de Lázaro Prieto.  La  Orquesta  Harlow  en  los dos últimos álbumes estuvo integrada con:  Director y  piano: Larry Harlow;   Cantante:  Ismael Miranda;  Trompetas:  Larry  Spencer  y  Ralph  Castrello;  Trombones:  Lewis Khan,  Leopoldo  Pineda y Sam Burtis;  Bajo:  Lydio  Fuentes;   Congas:  Frankie  Rodríguez;  Bongó: Manny  Oquendo;  Timbal:  Phil  Newsum;  y  Tres  y  Cuatro:  Yomo Toro,  en “Abran Paso”.

Por  último;  Larry  Harlow   participó  como  pianista   en  el   “Red Garter”;  e   igualmente  como  pianista  y   productor  en  el “Cheetah”.

Ismael Miranda  lo hizo como cantante en los dos  conciertos de la  “Fania All Stars” del  68  y  71.

Julio Cesar Galindo Alarcón

Diplomático de Perú Ministro (R), Historiador Musical. Autor de Libro sobre Creacion de la Salsa.

También Lea: Larry Harlow »El Judío de la Salsa»: innovador e irreverente

Publicado en: 2025, Artistas, Biografia, Enero, Entrevistas, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Octubre

Adiós a José Antonio Abreu, el más querido Maestro Parte 1

11 diciembre, 2024 by Ana Rosa Massieu Yanes

Latino America / Venezuela / Caracas

José Antonio Abreu

Este extraordinario ser humano murió el sábado 24 de marzo a sus 78 años. Ante la conmoción y tristeza infinita de músicos, familiares, amigos, profesores de música, sus miles de discípulos y todos sus seguidores, el domingo 25 de marzo tuvo lugar su velatorio en la Sala Simón Bolívar del Centro Nacional de Acción Social por la Música, y fue enterrado en el Cementerio del Este, en Caracas, Venezuela.

José Antonio Abreu
José Antonio Abreu

Las manifestaciones de dolor, y a la vez de agradecimiento, que ha producido la muerte del Maestro han sonado en todos los rincones del mundo, en donde su persona y su obra han sido tanto motivo de inspiración como objeto de admiración y reconocimiento.

La enseñanza del ARTE Y LA MÚSICA en el mundo entero cambió radicalmente a partir de la creación de EL SISTEMA. Invitamos a todos a leer aquí el reportaje completo sobre su actividad publicado en nuestra revista, en junio de 2015, a propósito de su 40° Aniversario.

El Milagro Musical venezolano

José Antonio Abreu economista, gerente, emprendedor, visionario, compositor, director de orquesta, maestro insigne y tutor de varias generaciones de venezolanos es el fundador de lo que se reconoce como el milagro musical venezolano: El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela. “Este músico venezolano, sembrador de ilusiones y constructor de sueños, ha llevado a cabo una tarea que supera el horizonte musical y cultural, y se inserta en el rescate y formación de la juventud venezolana y latinoamericana”.

José Antonio Abreu enseñando
José Antonio Abreu enseñando

http://fundamusical.org.ve/category/el-sistema/jose-antonio-abreu/

“La vida de José Antonio Abreu es el viaje estelar a la tierra de un ser humano privilegiado, con un itinerario perfectamente planificado,

siempre cumplido y ascendente. Gracias a su misión visionaria, Venezuela

ha logrado cristalizar uno de los programas culturales, artísticos y sociales

de mayor trascendencia para América, el Caribe y el mundo”.

Venezuela Sembrada de Orquestas de Chefi Borzacchini.

Banco del Caribe. Caracas, 2004.

“HAY SERES QUE PARECEN MARCADOS por la tiza de Dios. Son seres destinados a dejar huella de su paso en la tierra. Hay artistas que realizan obras de arte con el propósito de conquistar la belleza, alcanzar la fama o vencer a la muerte. Hay otros, en cambio, más escasos y especiales, que prefieren consagrarse a hacer del otro ser humano una obra de arte. Ese es el caso de José Antonio Abreu: sin duda, uno de los venezolanos más definitivos y trascendentes de la Venezuela contemporánea”.

Los Imposibles 3. Conversaciones al borde de un micrófono. Leonardo Padrón.

Aguilar, Editorial Santillana. Caracas, 2008.

Foto de José Antonio Abreu
Foto de José Antonio Abreu

José Antonio Abreu nació en Valera, estado Trujillo, Venezuela, el 7 de mayo de 1939 y desde temprana edad demostró su sensibilidad musical y artística. Inicia sus estudios de música a la edad de nueve años con la pianista y querida profesora Doralisa de Medina, en la ciudad de Barquisimeto, estado Lara, considerada antaño la capital musical de Venezuela, y luego se traslada a Caracas en 1957.

Ingresa a la Escuela Superior de Música José Ángel Lamas,  donde se convierte en discípulo de importantes maestros venezolanos como Vicente Emilio Sojo, con quien estudia composición; Moisés Moleiro, su profesor de piano, y Evencio Castellanos, quien le da clases de órgano y clavecín.

En 1964 obtiene los títulos de Profesor Ejecutante y Maestro Compositor. Más tarde realiza estudios de Dirección Orquestal con el maestro Gonzalo Castellanos Yumar y se convierte en director invitado de las principales orquestas venezolanas.

A fin de poder materializar su proyecto de vida, la fundación de El Sistema, Abreu forjó primero una importante trayectoria como planificador y economista. Obtuvo el título de Economista en la Universidad Católica Andrés Bello, de Caracas, y un Ph.D en Economía Petrolera, en la Universidad de Pennsylvania, USA.

Durante las prácticas de orquesta
Durante las prácticas de orquesta

Sus logros académicos le permitieron distinguirse como profesor universitario, planificador y asesor económico, desempeñándose como Director de Planificación de Cordiplán, Asesor del Consejo de Economía Nacional, Presidente del Consejo Nacional de la Cultura, Ministro de Estado para la Cultura y Diputado al Congreso Nacional de la República.

En 1975 funda la Orquesta Nacional Juvenil de Venezuela Juan José Landaeta, que más tarde se llamaría Orquesta Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, convertida hoy día en la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, orquesta “cúspide” del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, una enorme red sembrada por todo el territorio venezolano, en cuyo seno han sido formadas varias generaciones de músicos venezolanos.

Entre 1960 y 1980, Abreu consiguió tiempos entre la gerencia, la docencia y la organización de la naciente empresa cultural que es El Sistema de Orquestas y Coros, para la creación musical y una nutrida agenda artística que le permitió alzar su batuta frente a la Orquesta Sinfónica Venezuela como director invitado y, posteriormente, frente a la Sinfónica Juvenil de Venezuela y la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar.

Nuevos estudiantes de musica
Nuevos estudiantes de musica

Abreu escribió algunas obras musicales, entre las cuales se cuentan La cantata sinfónica Veni Mulier de Samaria (Premio Nacional de Composición, 1966); Oratorio sobre textos del Apocalipsis, Tríptico para once instrumentos y Quinteto de Vientos.

Asumió el reto de la dirección orquestal con su estilo riguroso, exigente y, sobre todo, siempre buscando las profundidades, sutilezas y sentido de las obras que dirigía. En esta faceta ha sido también un maestro y ha dejado su impronta en el sello musical y el singular sonido que posee la Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, así como en otras orquestas del Sistema que han sido dirigidas por él, como las Sinfónica Juvenil Teresa Carreño o la Sinfónica Juvenil de Caracas.

Abreu ha sido tutor y el maestro más influyente en el estilo y el aprendizaje de Gustavo Dudamel, Diego Matheuz, Christian Vásquez, Dietrich Paredes, así como de otros jóvenes directores que actualmente están dando sus primeros pasos en la dirección orquestal.

Premios y reconocimientos

“Esta hermosa distinción me permite redoblar mis esfuerzos por construir un mundo cada vez mejor a través de la siembra de la música en el alma de los niños y jóvenes”. Con estas palabras el maestro José Antonio Abreu recibió el 10 de octubre de 2013, en la ciudad de Tokio, Japón, el Premio Especial Cultura de Paz que entrega la Fundación Goi para la Paz, institución que alabó al creador del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela “por haber dedicado su vida a la labor social para promover la cultura de paz a través de la música”.

José Antonio Abreu en el escenario
José Antonio Abreu en el escenario

“Con cuatro décadas de trayectoria, la obra de Abreu es el programa de responsabilidad social más importante de Venezuela y está inspirando a muchas naciones en todo el mundo. Por su invalorable aporte musical, y por haber colmado de esperanzas, de conciencia nacionalista y de herramientas para el trabajo a miles de niños y jóvenes venezolanos y latinoamericanos, este venezolano ejemplar ha recibido múltiples reconocimientos nacionales e internacionales, otorgados por numerosos gobiernos, países, fundaciones y organizaciones no gubernamentales”, entre los cuales se destacan los siguientes:

2014:

  • Premio Notre Dame Servicio Público en Latinoamericana. Indiana, Estados Unidos.
  • Premio Festival de Abu Dhabi. Festival de Abu Dhabi, Emiratos Árabes Unidos.

2013:

  • Premio Especial Cultura de Paz de la Fundación Goi para la Paz, Tokio, Japón.
  • Premio Charles Ansbacher Music for All. Segunda edición. Organización “Free for All Concert Fund”.
  • Gran Cruz de la Orden Nacional Cruzeiro del Sur. Brasil.
  • Premio Europeo Trebbia. Praga, República Checa.
  • Premio Iberoamericano de Música Cortes de Cádiz. Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Cádiz, España.
  • Educador del año. Musical America Worldwide, USA.

2012:

  • Medalla Hanz Lenz de la Confederación de las Federaciones de Orquestas de Alemania.
  • Premio Ciudad de Ravello. Italia.
  • Orden Ciudad de Valencia en su primera clase La Alcaldía de Valencia, estado Carabobo, Venezuela.

2011:

  • Premio Especial Echo Klassik de la Academia de Fonografía de Alemania, la Institución Cultural de la Asociación de la Industria de la Música Alemana.
  • Cruz de Honor Austríaca para las Ciencias y las Artes del gobierno de Austria.

2010:

  • Premio Erasmus 2010 de La Fundación Praemium Erasmianum

2009:

  • Chevalier de la Légion d’Honneur (Caballero de la Legión de Honor). Francia.
  • Polar Music Prize.
  • Premio Frederick Stock. Institute for Learning, Access and Training de la Orquesta Sinfónica de Chicago.
  • Bridge Builders Award.
  • Frankfurt Music Prize.
  • Premio TED. Premio de Tecnología, Entretenimiento y Diseño (TED).

2008:

  • Premio Yehudi Menuhin a la Integración de las Artes y la Educación. Fundación Albéniz. España.
  • Premio Príncipe de Asturias de las Artes de la Fundación Príncipe de Asturias.
  • Gran Cordón de la Orden del Sol Naciente. Japón.
  • Premio Glenn Gould. Fundación Glenn Gould. Canada.
  • Premio Internacional Puccini. Fundación Festival Pucciniano.

Entre otros de los premios recibidos por el maestro Abreu y El Sistema están:

– Premio WQXR Gramophone. Inglaterra, 2007; Premio Don Juan de Borbón de la Música, 2007; Premio GlobArt, 2006; Premio Internacional de la Paz para las Artes y la Cultura, 2004; Premio UNICEF. Comité Italiano para la UNICEF, 2006. Praemium Imperiale. Asociación de Artes del Japón, 2006. Premio Internacional por la Paz para el Arte y la Cultura. World Culture Open, 2004; The Right Livelihood Award. Suecia, 2001, entre otros. Así como, infinidad de Doctorados Honoris Causa de Universidades venezolanas y de todo el mundo, Órdenes al Mérito, Medallas de Oro.

Foto de José Antonio Abreu y Gustavo Dudamel
Foto de José Antonio Abreu y Gustavo Dudamel

Los invitamos a revisar la lista completa de reconocimientos recibidos por el maestro Abreu y El Sistema en la página Web de  FundaMusical:

http://fundamusical.org.ve/category/el-sistema/reconocimientos/

EL SISTEMA —El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela— 

Orquestas Juveniles e Infantiles de José Antonio Abreu
Orquestas Juveniles e Infantiles de José Antonio Abreu

“El Sistema de Orquesta es la dimensión ideal de Venezuela. Desde el principio vi en las orquestas la más hermosa expresión de unidad nacional. Vi una Venezuela pujante, llena de voluntades y de esfuerzos por conseguir lo que se quiere. La irradiación de las Orquestas en la comunidad, en cada pueblo, en cada estado, en la familia, indudablemente va transformando la sociedad venezolana. Y lo importante de esto es que si las otras artes hiciesen lo mismo, indudablemente, el arte constituye un instrumento fundamental, estratégico, único y revolucionario para la transformación del país”.

José Antonio Abreu

Venezuela Sembrada de Orquestas. Chefi Borzacchini. Banco del Caribe, 2004.

“Gracias a El Sistema, los jóvenes de todo el mundo pueden beneficiarse del poder de la música para lograr un cambio en sus existencias. Pero en su aspecto más profundo, El Sistema es un programa social que ha salvado vidas y seguirá salvando muchas más”.

Sir Simon Rattle. Director Musical de la Filarmónica de Berlín

Durante las prácticas de los jóvenes integrantes de la orquesta
Durante las prácticas de los jóvenes integrantes de la orquesta

«La misión fundamental de El Sistema no es solo ayudar a los niños, sino frecuente –y literalmente– rescatarlos y, en el proceso, también producir cambios reales y duraderos en la vida de sus familias y comunidades.

“La orquesta y el coro son mucho más que espacios de desarrollo artístico –dice Abreu–. Son ejemplos y escuelas de vida social. Desde el mismo minuto en el que un niño es formado en la ejecución de un instrumento, ese niño deja de ser pobre. Se convierte en un agente de progreso que se convertirá en un ciudadano” »

Cambiando Vidas: Gustavo Dudamel, El Sistema y el poder transformador de la música.

Tricia Tunstall. Editorial Alfa, Caracas 2014. 

El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela también conocido como El Sistema, fue concebido y fundado en 1975 por el maestro José Antonio Abreu para sistematizar la instrucción y la práctica colectiva e individual de la música a través de orquestas sinfónicas y coros, como instrumentos de organización social y de desarrollo humanístico.

Prácticas de Orquestas Juveniles e Infantiles
Prácticas de Orquestas Juveniles e Infantiles

Este modelo pedagógico, artístico y social, que ha alcanzado relevancia en el mundo entero, constituye el programa de responsabilidad social de mayor impacto en la historia de Venezuela. Su órgano rector es la Fundación Musical Simón Bolívar, adscrita al Ministerio del Poder Popular del Despacho de la Presidencia y Seguimiento de la Gestión de Gobierno de la República Bolivariana de Venezuela.

El Sistema está fundamentado en la formación, a la más temprana edad, de individuos integrales para la sociedad a través de la práctica individual y colectiva de la música. Incorpora a niños, niñas y jóvenes de todas las clases sociales:

66% proviene de hogares de escaso recursos económicos, o que vive en condiciones adversas y en zonas vulnerables; mientras que el otro 34% atendido pertenece a zonas urbanas con mejores posibilidades de acceso, logrando así un ejemplo de inclusión de todos los sectores y estratos de la población venezolana, sin distinciones de ningún tipo. De esta manera, las orquestas y coros irradian sus efectos sanadores y edificantes sobre cada alumno, su familia y su comunidad.

Programa de Formación Orquestal y Coral

El enfoque de este proyecto artístico-social se destaca por la práctica musical colectiva desde temprana edad donde la premisa es hacer música de calidad a través de grupos orquestales, corales, de cámara, folclóricos, alternativos y de diversos géneros que constituyen y forman parte de una comunidad y de los Núcleos, columna vertebral educativa, artística y administrativa de El Sistema a lo largo del territorio nacional.

Frente al atril y bajo el liderazgo del director, la música se transforma en poderoso agente de cambios positivos; los alumnos aprenden a trabajar en equipo y por el logro de metas, a través de la superación de niveles programáticos, de la ejecución de un repertorio sinfónico y coral secuencial, y de presentaciones en los escenarios nacionales e internacionales.

Foto de los integrantes Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela
Foto de los integrantes Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela

La metodología también incluye clases individuales de instrumentos sinfónicos hasta llegar a los ensayos generales, con un repertorio secuencial estructurado gradualmente por cada nivel que incluye obras de todos los géneros -nacionales y universales-. De esta manera, se promueve el desarrollo de una carrera artística de manera individual y grupal, con el apoyo de un profesorado preparado para facilitar un aprendizaje significativo.

El proceso de enseñanza-aprendizaje se complementa a través de la práctica diaria y continua de los integrantes de El Sistema, combinando sus actividades en los núcleos con presentaciones frecuentes ante el público para hacer de su trabajo y logros un aprendizaje constante y significativo.

El Núcleo

La estructura funcional, educativa, artística y administrativa que da forma a El Sistema es el núcleo. Allí se llevan a cabo todos los programas orquestales y corales de la Fundación Musical Simón Bolívar, lo que los convierte en centros de enseñanza que, en muchos casos, funcionan como centros de promoción de las actividades educativas, artísticas y culturales de las comunidades. Los núcleos varían en tamaño y complejidad y están ubicados en todos los estados del país.

Las nuevas generaciones
Las nuevas generaciones

Los núcleos ofrecen programas de desarrollo musical para niños entre 2 y 6 años de edad, que van desde la estimulación e iniciación musical hasta la conformación de una agrupación que abarque contenidos y actividades musicales adecuados a sus edades. A partir de los 6 años de edad, los alumnos tienen la oportunidad de desarrollarse en orquestas pre-infantiles, infantiles y juveniles, esta última para jóvenes entre 12 y 18 años de edad.

El Módulo

Es una estructura que se suma a esta red para llegar a los pueblos más recónditos del país, a las zonas fronterizas, a comunidades, urbanizaciones y escuelas, con el propósito de que ninguna niña, niño o joven venezolano quede excluido de la experiencia y disfrute que brinda la música.

El entorno

Además de desarrollarse en el ámbito musical, el proceso de enseñanza-aprendizaje facilita el desarrollo integral del beneficiario desde su nacimiento hasta su adultez, fomentando la responsabilidad, disciplina, compromiso, trabajo en equipo, respeto, convivencia, colaboración y el sentido de pertenencia, formando así ciudadanos multiplicadores de todos estos valores en sus entornos familiares y comunidades.

Trabajo con los padres, representantes y comunidades

En el proceso de enseñanza-aprendizaje de El Sistema se mantiene un vínculo constante con la comunidad y el entorno familiar de los niños y jóvenes, con el fin de propiciar un entorno motivador para los beneficiarios que les permita proseguir en su proceso artístico educativo. Padres, representantes y comunidad se convierten así en beneficiarios indirectos.

En la actualidad, El Sistema cuenta con 423 núcleos y 1.340 módulos que atienden a 700.000 niñas, niños, adolescentes y jóvenes. El personal académico está conformado por  9.010 docentes, distribuidos en los 24 estados de Venezuela, conformando una compleja y sistemática red nacional de orquestas y coros juveniles e infantiles: 1.305 orquestas juveniles, infantiles y preinfantiles; 1.121 coros infantiles y juveniles.

El Sistema Nacional de Coros

Estimula la formación de niños y jóvenes en la educación coral, fomentando la creación de redes que generen sistemas de formación de directores corales, estudiantes de canto lírico y grupos vocales. Quienes destacan en todos los niveles de formación, integran el Coro Sinfónico Juvenil, mientras que el Coro Sinfónico Nacional Juvenil de Venezuela queda conformado por selecciones regionales.

Otros programas:

Programa nuevos Integrantes de El Sistema

Estimula el crecimiento de los bebés desde el período prenatal hasta los 3 años de Edad.

Programa Orquesta de Papel fomenta la unión entre la familia, el niño y el docente, concebido para que el proceso de iniciación orquestal y coral de alumnos en edades comprendidas entre los 3 y 6 años, resulte placentero y satisfactorio.

Programa Alma Llanera, que forma niños y jóvenes a través de la práctica colectiva de la música con instrumentos tradicionales venezolanos, con el fin de rescatar y preservar la música folklórica popular venezolana.

Programa Nuevas Orquestas y Géneros Musicales que   ofrece formación académica al músico del género popular y promueve el surgimiento de agrupaciones de todos los estilos. Música Venezolana en todos sus géneros y vertientes (música popular, folclórica, llanera, afro-venezolana, oriental, zuliana y caribeña); Música Urbana; Jazz; Música Latina y Caribeña, incluyendo el género de la salsa.

Dos programas destacan por su capacidad de integración y reinserción social: el Programa de Educación Especial; que integra a personas con discapacidades a través de la música, y el Programa de Orquestas Sinfónicas Penitenciarias, que busca minimizar los niveles de violencia dentro de los recintos penales y facilitar el proceso de reinserción social mediante el aprendizaje, la práctica y el disfrute de la música.

Programa de Atención Hospitalaria que brinda asistencia a pequeños y adolescentes que padecen enfermedades y permanecen en centros de salud.

Programa de Lutería  que capacita a jóvenes en la fabricación y reparación de instrumentos musicales.

Foto Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela
Foto Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela

Mayor información en:

http://fundamusical.org.ve/category/el-sistema/que-es-el-sistema/

http://fundamusical.org.ve/category/el-sistema/impacto-social/

http://fundamusical.org.ve/category/educacion/metodologia/

http://fundamusical.org.ve/nucleos/

http://fundamusical.org.ve/educacion/

 

Progreso en la práctica

Simultáneamente al plan pedagógico, que se aplica en toda la red nacional de El Sistema, es decir, en todos los núcleos del territorio venezolano, se desarrolla un proceso de ascenso en la práctica: los estudiantes-ejecutantes se alistan en las Orquestas Pre-Infantiles, en las Orquestas Infantiles, y, más tarde pasan a las Orquestas Juveniles. Por último, los ejecutantes más talentosos, mediante procesos de rigurosas audiciones, son seleccionados para ocupar un atril en la Orquesta Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, en su sección «A» o «B» en donde alcanzan la mayor experiencia y el más alto nivel profesional.

En cada una de las orquestas, en sus distintas categorías se promueve el esfuerzo personal y grupal de los alumnos. Por ejemplo, los niños, niñas y adolescentes que se esmeran y progresan tienen la posibilidad de «ganar» premios como lo son participar en los cursos de perfeccionamiento, talleres, seminarios, ensayos y conciertos con docentes nacionales e internacionales.

http://www.musicabancaribe.com/Publicaciones/Libro_digital/VenezuelaEnElCielo/info/capitulo6/i/index.php#prev

 

Estructuras pedagógicas en aumento

El plan pedagógico de El Sistema contempló, desde 1980, aproximadamente, la fundación de estructuras pedagógicas ejemplares y modelos como escenarios para la formación y perfeccionamiento de los músicos.

A medida que ha ido creciendo la demanda de los niños y niñas que ingresan a El Sistema y sus núcleos, los proyectos para la construcción de nuevos centros de enseñanza van en aumento. Entre ellos, el Conservatorio Simón Bolívar, el Centro Académico Infantil Montalbán, el Centro de Acción Social para la Música, el Centro Académico de Lutería y las doce Academias Latinoamericanas para los instrumentos de: Violín, Viola, Violoncello, Flauta, Corno, Contrabajo, Clarinete, Arpa clásica, Trompeta, Oboe, Fagot y Trombón.

http://www.musicabancaribe.com/Publicaciones/Libro_digital/VenezuelaEnElCielo/info/capitulo6/i/index.php#prev

 

El Conservatorio Simón Bolívar

 

El Conservatorio Simón Bolívar ofrece la formación del más alto rango pedagógico y artístico a la cada vez más creciente plantilla de alumnos, con un completísimo pensum de estudios en el que la práctica orquestal se lleva un 70%, aproximadamente. Se otorga el título de Músico Ejecutante, un aval importante que permite a los graduados poder continuar estudios superiores en universidades.

 

“…el Conservatorio Simón Bolívar se ha erigido como cabeza y modelo de una red de conservatorios ya establecidos en Yaracuy, Carabobo, Aragua, Guárico y Ciudad Bolívar. Sin embargo, me emociona y complace el nuevo reto ante el cual estamos: ampliar el horizonte musical y artístico de ese gran contingente de alumnos que tiene El Sistema y de los que ingresarán en el futuro. Se trata de los nuevos contenidos: el Programa de Enseñanza de la Música Popular Venezolana, en todas sus vertientes, incluyendo la de raíz afro-venezolana; el Programa de Música Urbana; el Programa de Jazz, que ya viene adelantado con nuestra Sinfónica Simón Bolívar Big Band Jazz y el Programa de Música Latina y Caribeña, que incluye especialmente el género de la salsa. Esto ya está andando con la creación de más de 15 núcleos pilotos y con la conformación de un cuerpo de profesores especializados en dichos géneros. La idea es que estos programas capten y canalicen el talento de muchos músicos y estudiantes que tienen mayores virtudes para esas corrientes musicales, siempre persiguiendo y logrando el mismo nivel de excelencia de quienes interpretan la música sinfónica en nuestras orquestas”.

Valdemar Rodríguez. Tomado de la entrevista realizada a Valdemar Rodríguez, clarinetista, Director del CSB, creador de la Academia Latinoamericana de Clarinete, entre otros títulos y cargos, por Chefi Borzhacchini en el libro digital Venezuela en el Cielo de Los Escenarios. Banco del Caribe, 2010

 

http://www.musicabancaribe.com/Publicaciones/Libro_digital/VenezuelaEnElCielo/info/capitulo6/ii/

 

Diversificación de la enseñanza, orquestas y festivales

 

De la misma manera que se ha diversificado la enseñanza, incluyendo diferentes géneros musicales –popular, urbana, jazz, latina caribeña, salsa– han surgido otras orquestas dedicadas a desarrollar cada uno de estos géneros, así como festivales para promoverlos en el ámbito regional. Estos eventos, organizados por El Sistema, giran entorno a un artista, músico, compositor, instrumento, o surgen para el encuentro entre talentos musicales de diversas regiones, locales o internacionales. Entre ellos se cuentan los festivales Internacional de Percusión FIP-Llanos, Festival España-Venezuela, Festival de Nuevos Clarinetistas Venezolanos, Festival de Música de Cámara (en Mérida y en Caracas), Festival Internacional de Flauta, Festival Internacional de Fagot, Festival Internacional de Clarinete, Festival Internacional de Oboe, Festival de Jóvenes Virtuosos, Festival de Juventudes, Festival de Jóvenes Directores y Festival Latinoamericano de Música, entre otros.

 

Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela

 

La Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela (OSSBV) fue fundada por el maestro José Antonio Abreu y es actualmente la agrupación cúspide de El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela. Bajo la dirección musical del maestro Gustavo Dudamel, sus 180 jóvenes músicos, cuyas edades oscilan entre los 18 y 28 años, nombrados Embajadores de Paz por la UNESCO, han sido entrenados en el Programa Académico Orquestal de la Fundación Musical Simón Bolívar, a través del cual han recibido clases magistrales con destacados profesores y solistas de talla mundial, entre ellos maestros de la Filarmónica de Berlín, de la Academia Sibelius de Finlandia, Academia Bach de Stuttgart y del Conservatorio de Nueva Inglaterra de Boston. Sus presentaciones con directores de prestigio internacional incluyen a Simon Rattle, Claudio Abbado, Daniel Baremboim, Krzysztof Penderecki, Essa Pekka-Salonen y Lorin Maazel, entre muchos otros.

 

Otras orquestas

  1. Orquesta Afrovenezolana Simón Bolívar
  2. Orquesta Barroca Juvenil Simón Bolívar
  3. Orquesta Juvenil de Caracas
  4. Orquesta Juvenil e Infantil Alma Llanera del Estado Guárico
  5. Orquesta Latino Caribeña Simón Bolívar
  6. Orquesta Nacional de Flautas de Venezuela
  7. Orquesta Nacional Infantil de Venezuela
  8. Orquesta Rock Sinfónico Simón Bolívar
  9. Orquesta Sinfónica de Juventudes Francisco de Miranda
  10. Orquesta Sinfónica Juvenil de Carabobo
  11. Orquestas Sinfónicas Penitenciarias
  12. Sinfónica Juvenil Teresa Carreño de Venezuela

Bandas

  1. Banda Sinfónica Juvenil Simón Bolívar
  2. Simón Bolívar Big-Band Jazz

Ensambles

  1. Ensamble 7/4
  2. Ensamble de Metales Carabobo
  3. Ensamble de Metales de Venezuela

Grupos de Cámara

  1. Cuarteto de Cuerdas Simón Bolívar
  2. Cuarteto Libertadores
  3. Cuarteto Teresa Carreño
  4. Cuarteto Yaracuy

Coros

  1. Coro de Manos Blancas
  2. Coral Nacional Juvenil Simón Bolívar de Venezuela
  3. Red de Orquestas y Coros Penitenciarios

Mayor información en:

http://fundamusical.org.ve/agrupaciones/

El Sistema en el mundo

La filosofía y metodología de El Sistema ha tenido una capacidad casi mágica para inspirar a artistas, educadores y activistas sociales a lo largo y ancho del planeta, tal como lo expresa Tricia Tunstall en su libro Cambiando Vidas …“sus principios rectores –la orquesta como escuela de civilidad y el paso de una visión centrada en la música a una visión humanística de cambio social a través de la música–”  han sido tomados como un modelo a seguir y El Sistema se ha implantado o adaptado en más de 66 países en los cinco continentes.

Programas inspirados en El Sistema han emergido en:

  • AMERICA: Argentina, Barbados, Bolivia, Brasil, Canada, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador,  El Salvador, Estados Unidos, Guadalupe, Guatemala, Haití, Honduras, Jamaica, México, Panamá, Paraguay, Perú, Puerto Rico, República Dominicana, Santa Lucia, Trinidad y Tobago, Uruguay.
  • AFRICA: Angola, Kenia, Sudáfrica, Uganda.
  • EUROPA: Alemania,  Armenia, Austria, Bosnia, Croacia, Dinamarca, Escocia, Eslovaquia, España, Finlandia, Francia, Gales, Groenlandia, Inglaterra, Irlanda, Islandia, Italia, Luzemburgo, Noruega, Países Bajos, Portugal, República Checa, Romania, Serbia, Suecia, Suiza, Turquia.
  • ASIA: Afganistán, Japón, Corea del Sur, Filipinas, India, Taiwan, Vietnan, Singapur.
  • OCEANIA: Australia, Nueva Zelanda.

Publicado en: 2018, Abril, Artistas, Biografia, Latino America

Eddie Muñiz sigue estando al frente de Swing Sabroso

10 diciembre, 2024 by Karina Garcia

Desde este espacio, cada día nos damos más cuenta de la insólita cantidad de talento latino de la que se compone la escena musical neoyorquina, la cual continúa mostrando muchos artistas y orquestas que  no se rinden ante la alta competencia y siguen dando lo mejor de sí para ganarse su lugar y destacar entre todos los demás. 

Así es el caso de Ray Rodríguez & Swing Sabroso, cuyo líder actual, Eddie Muñíz, nos brinda un panorama bastante amplio del camino que debe recorrer cualquier artista para mantener su nombre vigente en el gusto del público y evitar perderse en el amplio catálogo artístico del que hay para escoger.

Swing Sabroso leader Eddie
Este es el actual líder de Swing Sabroso Eddie Muñiz

Inicios del talentoso músico Eddie Muñiz en el mundo de la música

Eddie, quien nacido en Brooklyn, Estados Unidos, pero se comunica en un excelente español, tuvo sus primeros acercamientos con la música en la escuela elemental a la edad de 13 años, cuando tocó en varios grupos de música clásica y jazz para irse puliendo en estas artes y encontrar su estilo hasta tener su gran oportunidad.

Dicha oportunidad llegó cuando el joven cumplió los 17 años de edad, que es cuando tiene su inicio profesional en la música junto al grupo de unos amigos, en el que permaneció unos dos o tres años. Luego de eso, su siguiente grupo se llamó ‘‘Herencia Latina’’ cuyo director era el talentoso Ray Rodríguez y se convertiría en el futuro germen de su actual orquesta Swing Sabroso. 

Después de dejar Herencia Latina, se unió al conjunto de Ismael durante cuatro años y, posteriormente, con el Conjunto Clásico, Ray de La Paz, La Sonora Matancera, Tony Vega y muchos más.

Unos ocho años después, el grupo no siguió adelante y Ray se mudó a New Jersey, pero da la casualidad que Eddie debió hacer lo mismo por motivos de trabajo. En ese entonces, Ray iniciaba un grupo al que llamó Ray Rodríguez y Swing Sabroso, al cual Eddie fue invitado a pertenecer en el año 2000. 24 años más tarde, es él mismo quien ha sacado adelante tan ambicioso proyecto luego de la lamentable partida de Ray producto del cáncer el 17 de abril del 2016.

Cantante de Swing Sabroso
Cantante Angel Rios, que es el vocalista de Swing Sabroso

Swing Sabroso

Al momento de que Ray gozaba de buena salud, la orquesta lanzó dos álbumes, uno en el año 2005 y otro en el 2015. Cuando el director de orquesta comenzó a enfermar, supo que no iba a poder darle al grupo la atención que requería, por lo que le pidió a Eddie que tomara el timón del barco en su lugar siempre que el grupo solo se llamara Swing Sabroso nada más. 

En esa época, El grupo solo tenía dos trompetas y un trombón, pero Eddie poco a poco fue agradándolo y añadiendo más instrumentos para que el sonido fuera más completo. Cuando el artista ya tenía el control total de la orquesta, lanzó el álbum ‘‘Swing Sabroso, Mejor Que Nunca’’ en el año 2022, año a partir del cual tocaban todo lo que los tres álbumes incluyeran.

Swing Sabroso, Mejor Que Nunca
Portada del álbum »Swing Sabroso, Mejor Que Nunca»

 

En la actualidad, Eddie es el mayor de todos los integrantes de Swing Sabroso, pero no por eso las cosas siempre se hacen a su manera, es más, el artista asegura que los músicos más jóvenes muchas veces son quienes le enseñan qué debe hacer en ciertos casos

Más que una orquesta de salsa, Eddie considera que ‘‘Swing Sabroso’’ también es una familia de músicos en la que todos se apoyan entre sí, a pesar de la lamentable ausencia de quien fuera su principal fundador, el gran Ray Rodríguez. Aún tantos años después, Rodríguez sigue siendo la mayor influencia para todos en Swing Sabroso. 

También lee: Trompetista dominicano Wilson Portuondo habla sobre La Sonora Nuyorkina

Publicado en: 2024, Artistas, Biografia, Enero, Entrevistas, Musica Latina, Norte America

Andy González se inició como músico a los 13 años en el Latin Jazz Quintet en New York

3 diciembre, 2024 by Augusto Felibertt

Andrew “Andy” González muere El 9 de abril de 2020.

Virtuoso Bajista, Arreglista y Director musical de “El Conjunto Libre” de Don Manny Oquendo y de “La Perfecta” de Eddie Palmieri.

Andy ha trabajado a lo largo de su extensa carrera artística que se extiende casi 50 años, y que cuenta con aproximadamente 800 grabaciones, en donde ha tenido la oportunidad de estar como co-líder, productor, director musical o sideman.

Andy se inició como músico a los 13 años en el Latin Jazz Quintet, una agrupación inspirada en la musica interpretada por el vibrafonista Cal Tjader y en la cual compartía con su hermano Jerry.

Aunque mucho tiempo antes Gerardo Gonzalez, padre de Gonzalez, ya habia iniciado la educación musical de su hijo: Gerardo era vocalista de Augie Melendez y Su Combo, un ensamble influenciado por el sonido del Sexteto La Playa.

Andy Gonzalez virtuoso Bajista, Arreglista y Director musical de “El Conjunto Libre” de Don Manny Oquendo y de “La Perfecta” de Eddie Palmieri
Andy Gonzalez virtuoso Bajista, Arreglista y Director musical de “El Conjunto Libre” de Don Manny Oquendo y de “La Perfecta” de Eddie Palmieri

Cabe mencionar que durante su etapa en el Latin Jazz Quintet los hermanos González conocieron a una persona que les cambiaria la vida: El pianista Llewellyn Matthews, personaje con el cual aprendieron la disciplina necesaria para “graduarse” como músicos profesionales y de oficio, ambos integraron la big band de este decisivo líder.

Posteriormente llegaron La Perfecta de Eddie Palmieri, Fort Apache Band “de su hermano”, el Grupo Folklorico Experimental Nuevayorquino y Manny Oquendo y Libre, 4 agrupaciones que cambiaron para siempre la percepción de la música que hoy conocemos como Salsa.

Colaboró con The Fort Apache Group, Dizzy Gillespie, Tito Puente, Eddie Palmieri, Astor Piazzolla y Ray Barretto.

Andy González es una referencia fundamental en la historia de la música caribeña y el Latin jazz. Ha tocado con músicos casi mitológicos en momentos en que éstos dejaron profunda huella tanto en el jazz latino como en la música bailable.

Andy González se inició como músico a los 13 años en el Latin Jazz Quintet en New York
Andy González se inició como músico a los 13 años en el Latin Jazz Quintet en New York

Ha sido bajista de Eddie Palmieri, Ray Barreto, Conjunto Libre, Grupo Folklórico Experimental Nuevayorquino, Fort Apache Band, y en algunas ocasiones de Ismael Rivera y sus Cachimbos, Cortijo y su Combo y la Sonora Matancera.

En esta conversación, sostenida en Santiago de Compostela -durante el Compostela Millenium Festival en agosto de 2000 vibra al hablar de su colección de discos, se declara fanático del estudio de las raíces de la música que hace y repasa su vida artística desde cuando con su grupo, a los 13 años de edad y junto a su hermano Jerry, imitaban el sonido de Cal Tjader.

Pasión por la música

Soy tan fanático de la música como músico. Igual que cualquier melómano. Lo soy de las cosas que aprecio importantes en la historia de la música.

He estudiado mucho y eso me ha permitido advertir la calidad y cantidad de artistas que ha dado esta música.

Grandes artistas, gente que ha aportado mucho. Cuando tú tienes y estudias una colección de discos como la que yo tengo te das cuenta que ahora hay pocos.

Andrew “Andy” González muere El 9 de abril de 2020
Andrew “Andy” González muere El 9 de abril de 2020

 Inspiración

Cal Tjader fue inspiración mía cuando empecé. También para Fort Apache Band, porque su música tenía un fuerte componente de jazz, pero con ritmos cubanos. Buenos ritmos. Teníamos un gran interés en lo que hacía Cal Tjader.

Cuando nosotros empezamos a tocar hacíamos una copia de lo que hacía Tjader. Éramos chamaquitos de 13 y 14 años. Teníamos un repertorio muy parecido con un quinteto igual, donde Jerry tocaba las congas.

Alguna vez hasta llegamos a hacer un baile al lado del local donde tocaba Tjader, haciendo su misma música. Armando Peraza tocaba las congas para Tjader y una vez nos vio y nos felicitó. Siempre tuvimos el apoyo de los músicos con más trayectoria, veteranos de otras generaciones.

 

Dj. Augusto Felibertt, Andy Gonzalez, Rafael Muro y Omar Mejias. Centro Cultural La Estancia en Caracas
Dj. Augusto Felibertt, Andy Gonzalez, Rafael Muro y Omar Mejias. Centro Cultural La Estancia en Caracas

Fuente Principal: Pablo Larraguibe

Tambien Lea: Roberto Rodríguez fue un trompetista y compositor cubano, autor del éxito de Ray Barreto «Que viva la Música»

Publicado en: 2024, Artistas, Biografia, Diciembre, Entrevistas, Latino America, Musica Latina, Norte America, Noticias, Orquesta

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