Latino America

Teresa Carreño La Walkiria del piano que conquistó el mundo

29 septiembre, 2026 by Augusto Felibertt

De prodigio venezolano a figura imprescindible de la música universal: la historia de una virtuosa que desafió su época.

Teresa Carreño (Caracas, 1853 – Nueva York, 1917) no solo fue la pianista y compositora más prodigiosa de América Latina, sino también una de las virtuosas más influyentes en la historia de la música universal.

Apodada la «Walkiria del Piano» por la fuerza técnica y la pasión arrolladora con la que interpretaba, Carreño desafió los estereotipos de su época y dominó las principales salas de concierto de Europa y América durante más de cinco décadas.

Teresa Carreño La Walkiria del piano que conquistó el mundo

Formación y proyección internacional

Nacida en el seno de una familia de arraigada tradición intelectual y musical su abuelo Cayetano Carreño fue maestro de capilla y su pedagogo y educador Simón Rodríguez era cercano al entorno familiar, mostró un talento precoz bajo la tutoría de su padre, Manuel Antonio Carreño.

Tras emigrar a Nueva York en 1862 debido a la inestabilidad política de Venezuela, su debut internacional ocurrió cuando tenía tan solo nueve años.

De prodigio venezolano a figura imprescindible de la música universal la historia de una virtuosa que desafió su época

Encuentros históricos: En Estados Unidos ofreció un recital privado en la Casa Blanca para el presidente Abraham Lincoln. Posteriormente, en París y Berlín, perfeccionó su técnica bajo la guía de maestros como Louis Moreau Gottschalk y cosechó el elogio de figuras de la talla de Franz Liszt, Anton Rubinstein, Johannes Brahms y Edvard Grieg.
Consagración europea: En 1889 consolidó su estatus internacional con su histórico debut junto a la Orquesta Filarmónica de Berlín.

Faceta multifacética y producción musical

Además de concertista de primer orden, Teresa Carreño ejerció como compositora, cantante de ópera (mezzosoprano), directora de orquesta y pedagoga musical.

Teresa Carreño (Caracas, 1853 – Nueva York, 1917) no solo fue la pianista y compositora más prodigiosa de América Latina

Dimensión	Detalles clave
Composición	Escribió más de 70 obras para piano, orquesta y música de cámara. Su pieza más emblemática es el Vals Mi Teresita, dedicado a su hija.
Música de cámara	Sobresalen el Cuarteto en si menor y la Serenata para orquesta de cuerdas, obras que reflejan una notable madurez estilística.
Pedagogía	Desarrolló métodos innovadores enfocados en la relajación muscular y en el desarrollo del sentido crítico durante la interpretación pianística.

Legado inmortal

El legado de Teresa Carreño trasciende sus ejecuciones grabadas en rollos de piano neumático. En 1977, sus restos fueron trasladados al Panteón Nacional en Caracas.

En su honor, el Complejo Cultural Teresa Carreño inaugurado en 1983 se mantiene como el epicentro de las artes escénicas en Venezuela, asegurando que el impacto de esta pionera de la música clásica continúe vigente para las futuras generaciones.

Puntos Importantes:

 La anécdota con Abraham Lincoln: Detallar cómo el piano desafinado de la Casa Blanca no impidió que impresionara al presidente estadounidense.

 Su labor como directora y cantante: Explicar cómo tuvo que asumir la dirección de orquesta y roles de canto de manera imprevista durante su gira de ópera en Venezuela (1885-1887).

 El impacto de su pedagogía: Desarrollar cómo sus métodos sobre el peso del brazo y la postura revolucionaron la enseñanza moderna del piano.

Nota Importante: El Teatro Teresa Carreño, ubicado en la urbanización Los Caobos en Caracas, es uno de los complejos culturales más emblemáticos de Venezuela y América Latina. Destaca por su arquitectura brutalista en hormigón armado, integrando grandes volúmenes geométricos con espacios abiertos y obras de arte integradas.

Datos de ubicación:

Dirección: Paseo Colón, entre Plaza Morelos y el Parque Luis María Campos (Parque Los Caobos), Bellas Artes, Caracas.
Acceso Cercano: Estación del Metro Bellas Artes (Línea 1).

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Por: Dj. Augusto Felibertt

Charlie Palmieri El Gigante de las Blancas y las Negras

29 septiembre, 2026 by Augusto Felibertt

Legado inmortal del pionero que transformó el piano, la pachanga y el jazz latino.

El 12 de septiembre de 1988 falleció en Nueva York Carlos Manuel Palmieri Maldonado, conocido en el mundo artístico como «Charlie Palmieri» y apodado cariñosamente «El Gigante de las Blancas y las Negras».

Virtuoso pianista, arreglista, compositor, productor y director musical, Palmieri se consolidó como una de las figuras más influyentes en la evolución de la música latina durante más de seis décadas.

Nacido en Manhattan y de raíces puertorriqueñas hijo de padre florentino y madre ponceña, Charlie fue el pionero de la dinastía Palmieri en la música tropical. Abrió el camino para que años más tarde su hermano menor, Eddie Palmieri, cosechara sus propios éxitos y se convirtiera en otra gran leyenda del pentagrama latino.

Un 12 de septiembre de 1988 falleció en Nueva York Carlos Manuel Palmieri Maldonado

Desde muy joven demostró una genialidad excepcional. Su trayectoria abarcó desde la rumba, la guaracha y el mambo hasta el chachachá, el pachanga y el jazz latino.

A lo largo de su vida, aportó un talento extraordinario a los ritmos folclóricos y al auge de la descarga, demostrando una maestría técnica que lo situó entre los mejores pianistas rítmicos del género.

En 1943, durante la Segunda Guerra Mundial, formó parte de la orquesta de Pupi Campo y dirigió por un breve periodo la banda del famoso Jack Paar Show.

A lo largo de su carrera grabó más de 50 álbumes de larga duración (LP) y colaboró con gigantes de la música como Tito Puente, Noro Morales, Xavier Cugat, Rafael Muñoz y Moncho Usera.

El Legado inmortal del pionero que transformó el piano, la pachanga y el jazz latino

Uno de sus mayores aportes ocurrió el Día de Año Nuevo de 1959, cuando presentó la Charanga Duboney, una formación al estilo cubano con flauta y violines.

Junto al destacado flautista dominicano Johnny Pacheco, la Duboney revitalizó el sonido típico de agrupaciones como la Orquesta Aragón y desencadenó una verdadera fiebre musical en Nueva York a comienzos de los años 60, presentándose hasta cuatro veces por noche. Además, reintrodujo en la escena neoyorquina a figuras clave como José Fajardo, Pupi Legarreta, Belisario López y Alberto Socarrás.

En 1961 asumió la dirección musical de las Alegre All-Stars (Las Estrellas Alegre), un colectivo de músicos cubanos, puertorriqueños y neoyorquinos que fusionó el mambo con extensos solos de jazz.

En su célebre libro The Latin Tinge, el historiador John Storm Roberts calificó aquellas sesiones de grabación como «un balance casi perfecto entre el jazz y los elementos latinos», destacando que dieron origen a un sinnúmero de imitaciones y establecieron a Palmieri como un líder indiscutible del movimiento.

Virtuoso pianista, arreglista, compositor, productor y director musical, Palmieri

Más allá de su faceta como ejecutante, Charlie Palmieri fue un fiel defensor de la educación y el folclor. Argumentaba con firmeza que todo músico debía conocer las raíces de su país para poder modernizarlas con propuestas frescas.

Durante sus años de docencia en Brooklyn, exigía a sus alumnos el estudio riguroso de las danzas, el baquiné, la plena y otros ritmos caribeños como base fundamental de su desarrollo artístico.

Tras sufrir un ataque al corazón, residió un tiempo en Puerto Rico, pero finalmente regresó a Nueva York, donde fijó su residencia en el Bronx y formó El Combo Gigante junto al vocalista Jimmy Sabater.

Aunque los médicos le advirtieron que no recuperaría el uso normal de sus manos, su perseverancia lo llevó de nuevo a los escenarios y a los estudios para grabar su aclamado álbum A Giant Step.

El maestro Palmieri falleció en el Hospital Jacobi del Bronx a los 60 años, justo antes de emprender una gira internacional por Gran Bretaña y Japón junto al célebre conguero cubano Ramón «Mongo» Santamaría.

Charlie Palmieri El Gigante de las Blancas y las Negras

Su inmenso legado musical y su calidad humana perduran como un referente imborrable en la historia de la música latina.

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Por: Dj. Augusto Felibertt

Ray Barretto El latido inquebrantable del jazz latino y la salsa

29 septiembre, 2026 by Augusto Felibertt

Conguero, director de orquesta, compositor, arreglista y productor. Estos son algunos de los roles que Ray Barretto ha desempeñado en sus más de 35 años de carrera musical.

Ray Barretto El latido inquebrantable del jazz latino y la salsa

La trayectoria del virtuoso conguero que transformó la percusión caribeña, consagró el sonido de Fania All Stars y rompió las fronteras del ritmo afroamericano

Pocos músicos han dejado una huella tan profunda y reconocible en la música latina como Ray Barretto. Conocido universalmente como «Manos Duras», Barretto no solo fue un virtuoso del cuero; fue un visionario que entendió la percusión como la columna vertebral de una revolución sonora.

Barreto Conguero, director de orquesta, compositor, arreglista y productor

A lo largo de una carrera prolífica que abarcó más de cuatro décadas, este legendario músico neoyorquino de origen puertorriqueño elevó el estatus de la conga en el escenario musical internacional, tendiendo puentes indestructibles entre el jazz norteamericano y la riqueza rítmica afrocubana.

Raíces caribeñas y la revelación del bebop

Nacido en Brooklyn en 1929 y criado en el Spanish Harlem, Barretto creció inmerso en dos universos musicales paralelos.

Mientras en casa la voz de su madre mantenía viva la herencia puertorriqueña, la radio transmitía el auge del bebop de músicos como Dizzy Gillespie y Charlie Parker. Fue precisamente durante su servicio militar en la Alemania de posguerra cuando escuchó «Manteca», el tema de Gillespie grabado junto al legendario conguero Chano Pozo.

Esa revelación definió su propósito de vida: demostrar que las congas no eran un mero adorno folclórico, sino un instrumento rítmico y armónico capaz de sostener diálogos complejos con el jazz.

Del boogaloo a la consagración de la salsa

De regreso a Nueva York a finales de los años cincuenta, Barretto sustituyó a Mongo Santamaría en la orquesta de Tito Puente, consolidando rápidamente su reputación como un percusionista impetuoso, preciso e incansable.

La trayectoria del virtuoso conguero que transformó la percusión caribeña, consagró el sonido de Fania All Stars

Para 1962 grabó el monumental éxito «El Watusi». Este tema no solo se convirtió en el primer disco de pachanga y charanga en alcanzar el Top 20 de las listas pop en Estados Unidos, sino que dio impulso a la era del boogaloo, la contagiosa fusión de rhythm and blues, soul y ritmos latinos que cautivó a la juventud urbana de la época.

Sin embargo, el genio de Barretto rechazó quedar encasillado en modas pasajeras. En la década de 1970, como líder de orquesta y figura estelar de la icónica disquera Fania Records, asumió un rol fundamental en la gestación de la salsa.

Barretto era el motor rítmico y director musical en el escenario de la emblemática Fania All Stars. Su presencia en los históricos conciertos de la Cheetah Lounge o el Yankee Stadium aportó un rigor técnico y una fuerza arrolladora que catapultaron la salsa a la categoría de fenómeno global.

Álbumes indispensables como Indestructible (1973) no solo demostraron su resiliencia tras la salida de varios integrantes de su orquesta, sino que se convirtieron en himnos definitivos de resistencia y orgullo caribeño.

Pocos músicos han dejado una huella tan profunda y reconocible en la música latina como Ray Barretto

El retorno al jazz y un legado eterno

A pesar de su éxito masivo en la salsa, Ray Barretto jamás olvidó su primer amor. En la última etapa de su vida formó la agrupación New World Spirit, proyecto con el que exploró el jazz latino moderno de forma sofisticada, apadrinando a jóvenes talentos y demostrando que la percusión afrocubana podía coexistir armónicamente con la improvisación más abstracta.

El legado de «Manos Duras» va mucho más allá de la fuerza física a la que aludía su apodo.

Su verdadero poder residió en su intelecto musical, su oído para el arreglo perfecto y su firme convicción de que la música es un lenguaje universal que trasciende géneros e identidades.

Ray Barretto falleció en 2006, pero el eco de sus cueros sigue retumbando como una fuerza indestructible en la historia de la música universal.

Por: Dj. Augusto Felibertt

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El Arte de Escuchar: Guía de Iniciación para el Melómano Consciente

28 septiembre, 2026 by Augusto Felibertt

Cómo ir más allá de la superficie y descubrir la verdadera profundidad de la música.

Iniciarse en la melomanía requiere desprenderse de inercias y hábitos superficiales.

El primer paso consiste en romper con el patrón del oyente pasivo que simplemente consume por inercia o por imitación. Convertirse en un auténtico melómano exige transformar la escucha accidental en un acto de exploración consciente, crítico y apasionado.

Contexto y época: el marco histórico de la obra.

Para comprender plenamente un álbum o un tema musical, es indispensable situarse en el entorno histórico y social en el que fue concebido.

Pregúntese siempre: ¿en qué época se grabó?, ¿qué acontecimientos políticos, sociales o culturales la moldearon? y ¿qué movimientos estéticos marcaban la pauta del momento? La música jamás surge en el vacío; es el reflejo vivo de un tiempo y un lugar específicos.

Dj. Augusto Felibertt El primer paso consiste en romper con el patrón del oyente pasivo que simplemente consume por inercia o por imitación

Los créditos: la arquitectura detrás del artista

Un error común al empezar es enfocar toda la atención únicamente en el vocalista, el director de orquesta o el nombre principal que adorna la portada. Una producción discográfica es un esfuerzo colectivo.

Tómese el tiempo de revisar minuciosamente la ficha técnica: identifique a los músicos de sesión, productores, arreglistas, ingenieros de sonido, diseñadores gráficos, sellos discográficos y países de producción. Aprender a leer los créditos le revelará la red invisible de talentos que dieron forma a ese sonido particular.

Lenguaje, jerga y raíces culturales

Estudie la jerga y los modismos específicos de cada región y periodo. En géneros como la música caribeña o el jazz, por ejemplo, es fundamental adentrarse en el caló popular y las expresiones cotidianas de la calle.

Comprender esta lingüística le permitirá descifrar con mayor fidelidad el trasfondo narrativo, la idiosincrasia de las composiciones y el impacto cultural de sus letras.

Cómo ir más allá de la superficie y descubrir la verdadera profundidad de la música

La trinidad creativa: letra, composición y arreglo

Profundice en la autoría intelectual de cada pieza. Investigue quién escribió la letra, quién compuso la melodía y quién estructuró los arreglos.

Un mismo tema puede transformar radicalmente su impacto según la visión del arreglista o la sensibilidad del compositor original. Evite encasillar una obra en su cara visible e indague en todo lo que orbita a su alrededor.

Consejo clave: No se limite a escuchar. Investigue, contextualice y vuelva a escuchar. En ese ejercicio continuo nace la verdadera apreciación musical.

Al interconectar músicos, grabaciones, épocas, sellos y geografías, comenzará a tejer un mapa mental de relaciones complejas. Con la práctica, afinará el oído y cultivará un criterio propio, riguroso y apasionado.

Decálogo esencial para el melómano iniciado

Escuche antes de opinar: Tómese el tiempo de procesar la obra antes de emitir juicios apresurados.
Trascienda las etiquetas de género: Las categorías suelen ser comerciales; la auténtica creatividad no tiene límites.
Explore los créditos: Reconozca a los arquitectos sonoros que trabajan detrás del escenario.
Cuestione lo que lee: Verifique la información y contraste biografías, reseñas e historias oficiales.
Aprecie los álbumes completos: Respeta la obra como el viaje conceptual e integral que el artista concibió.
Rastree las raíces: Indague en los orígenes e influencias primarias de sus estilos favoritos.
Calidad sobre cantidad: Acumular miles de archivos no equivale a desarrollar cultura o criterio musical.
Compara versiones: Analice distintas interpretaciones, arreglos o covers de una misma composición.
Abra su horizonte temporal: Alterne libremente entre producción es históricas y propuestas contemporáneas.

10. Disfrute el proceso: La melomanía es una pasión íntima de descubrimiento constante, no una competencia.

Tributo que el DJ Augusto Felibertt rinden a Eddie Palmieri

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Por: Dj. Augusto Felibertt

El espíritu Brasilero se expresa en la Samba. ¿Qué es la samba?

26 septiembre, 2026 by Karina Bernales

Latinoamerica / Brasil

Samba - São Paulo Brasil — Samba – São Paulo Brasil

Cuando viajamos a Brasil hay una gran variedad de ritmos latinos, donde el más destacado es la Samba el cual es la música y baile nacional de Brasil, que dio inicio a expandirse fuertemente en Rio de Janeiro, que para ese tiempo era su capital del siglo XX, ocasionando que sea la música más popular y tradicional en todo el territorio brasilero; este ritmo musical es de origen africano y ritmo sincopado; en pocas palabras sus orígenes de la samba deben retraerse al África en la época en que sus habitantes fueran esclavizados y llevados a América, específicamente de Angola, donde la danza samba fue su predecesora.

Este ritmo es mundialmente famosa sobretodo por el «Carnaval en Brasil» sobretodo en » Río de Janeiro» donde el baile tiene un grado de exhibicionismo y erotismo, también se le conoce como el «vals brasilero» ya que es una danza coqueta y viva conocida por sus movimientos sensuales de cadera; no obstante dependiendo del lugar la samba tiene un significado diferente por ejemplo:

La Samba de Bahía es influenciada, además del batuque, por danzas africanas como el lundu y el maxixe, cuyas canciones contiene letras simples, balanceo rápido y ritmo repetitivo, en cambio el de Rio de Janeiro, el samba está relacionado con la vida de los barrios más pobres (favelas), donde el temas de las letras hablan de la vida urbana, de los trabajadores y las dificultades de la vida, pero de una forma amena y a veces con humor y a pesar que en São Paulo se enfoca en la mezcla de diferentes grupos étnicos.

Con influencias italianas, las letras de sus canciones son un poco más elaboradas.

Actualmente existen diferentes tipos de samba de los cuales se distinguen los siguientes ritmos:

Samba común: se caracteriza por una sección rítmica que contiene el ritmo principal, usualmente un bombo de surdo o tantan; para obtener el ritmo de la samba se utiliza el «cavaquinho» que es un pequeño instrumento de cuatro cuerdas, pariente de la guitarra y similar al ukelele (de Hawaii), también está el «Cavaco» que tiene como función realizar la conexión entre las secciones armónica y rítmica; su presencia usualmente distingue a la «samba real» de sus variaciones más suaves como la bossa nova, y otro elemento es el pandero es el instrumento de percusión más presente, cuyo ritmo es el más «completo»; también se considera a un «Violão» (guitarra acústica) normalmente está presente, y su presencia en la samba popularizó la variación de 7 cuerdas.
Partido alto: se caracteriza por un alto ritmo de percusión del pandero, usando la palma de la mano en el centro del instrumento. La armonía del partido alto siempre está en escala mayor. Usualmente es tocado por un grupo de instrumentos de percusión (surdo, pandero, tamborín) y acompañado por el cavaquinho y/o el violão. El partido alto es comúnmente dividido en dos partes, un coro y los versos.
Pagode: es la más difundida de samba en el Brasil que inicio en los 80; el cual es cantado en la mayoría de las fiestas y reuniones informales, siendo universalmente encontrado en bares y cafés al aire libre. Las letras son juguetonas, usualmente sobre enganches amorosos o algún asunto divertido.

Cuando tres nuevos instrumentos fueron introducidos con el Grupo Fundo de Quintal y otros en Cacique de Ramos:

El tantan: un surdo más dinámico
Banjo pequeño: usualmente es cantado por un solista, acompañado del cavaquinho, el violão y al menos un pandero.

Samba de breque: es unestilo de samba extinto, que tenía como característica distintiva el incorporar partes habladas, usualmente diálogos. Los cantantes debían tener una excelente voz, además de la habilidad de hacer distintas voces. Las letras normalmente contaban historias y eran divertidas.

Samba-canção: es un estilo amistoso de la radio romántica y de ritmo más alentado, el samba-canção fue la contraparte brasileña principal ante los ritmos latinoamericanos populares como el Tango o el Bolero, donde los temas iban de lo lírico a lo trágico.
Samba-enredo: es una canción ejecutada por una escuela de samba, tendo surgido en Río de Janeiro durante su la década de 1930; también es bien conocido internacionalmente debido al estatus de Río de Janeiro como gran destino turístico durante el carnaval, además de que muchos grupos de percusión en todo el mundo se han formado inspirados en este tipo de samba; constantemente son grabados y reproducidos en la radio durante el período anterior al carnaval.
Neopagode: es un ritmo más nuevo del pagode, no muy bien vista por los sambistas más serios, el cual ocupa mucho letras de sexo y el modo de cantar cambió a un tono más sensual, aunque algunos artistas que ejecutan estas canciones a veces incluyen sambas más tradiciones en medio también.

Generalmente, son cantados por vocalistas masculinos, acompañados del cavaquinho y una gran batería, produciendo una textura densa y compleja conocida como batucada. Consiste en enfatizar el segundo tiempo de los compases. Las baterías de Río de Janeiro han provisto inspiración a la formación de grupos percusionistas alrededor de todo el mundo, especialmente en los países occidentales.

Estos grupos generalmente no ocupan ni vocalistas ni cavaquinhos, sino que se concentran en los grooves percusionistas y los numerosos break. Los grupos de este tipo actúan todo el año, no como en Brasil, donde la actividad se encuentra sólo en los meses que preceden el carnaval.

La Bossa nova: es esencialmente un tipo de samba, tocada con instrumentos de Jazz y cantada con voces suaves.

El samba-reggae: es un nuevo tipo popular de samba de Bahia originado en el 2001.
La samba de roda: es una danza ritual preservada en algunas ciudades de Bahia.
El jongo: es el equivalente del «Samba de roda» en Río de Janeiro.

Con la mención de todos los ritmos que existen dentro de la samba podemos resaltar que es uno de los ritmos más alegres y que se destaca en todo su esplendor en el Carnaval de Brasil, muy esperado todos los años especialmente por los brasileños y por miles de turistas de todos los rincones del mundo se reúnen en Río para presenciar el Desfile de Samba y celebrar la fiesta al más puro estilo brasileño.

Festival de Samba en São Paulo - Brasil — Festival de Samba en São Paulo – Brasil

El acontecimiento se retransmite al mundo entero, para aquellos que no pueden estar presentes en «La Mayor Fiesta del Planeta» donde este importante desfile en el Sambódromo está bien organizado y cada participante desempeña un papel determinado en el destile donde no se repite los disfraces cada año, y para estar en el desfile las entradas al Sambódromo son pagas, sin embargo, se puede conseguir acceder gratis durante los días de ensayo, los fines de semana antes del inicio del Carnaval de Río.

Néstor Bonfiglio: «Mi pasión es la salsa»

19 septiembre, 2026 by Adriana Saez

Norteamerica / USA

Néstor Bonfiglio - Foto 1 — Néstor Bonfiglio – Foto 1

Argentino de nacimiento y salsero de profesión, Néstor Bonfiglio se ha dedicado a cultivar el baile de la salsa impartiendo clases en la escuela de la Fundación Tango Argentino en Buenos Aires, Argentina.

Este bailarín profesional lleva 14 años fascinado por este ritmo tropical: «Desde niño siempre me gustó mucho bailar; por casualidad escuché que daban clases de salsa en el gimnasio Old Voice Club y ahí me enganché».

En 1998, un instructor brasileño fue su primer mentor: «Muchas de las cosas que sé hoy sobre la salsa se las debo a él», comentó. Este apasionado bailarín siguió avanzando en su formación musical. Para el año 2000, ya practicaba dos veces por semana en Azúcar Abasto.

«Era una buena escuela, aunque la mejor era la pista de baile».

Néstor vivió seis años en España y nunca dejó la salsa. Acudía de martes a jueves —aunque también visitaba ocasionalmente locales como Glamour y El Caimán, además de otros sitios de ocio—. Para él, bailar salsa era una afición; tanto es así que rechazaba las propuestas para enseñar, pues no quería perder su faceta de «aficionado» y así poder bailar y conocer gente sin restricciones ni compromisos.

Néstor Bonfiglio - Foto 2 — Néstor Bonfiglio – Foto 2

Durante su estancia en España, conoció a Jonny Vázquez, un gran salsero y compositor de renombre mundial, creador del estilo «Los Ángeles», un ritmo aceptado por la comunidad salsera.

En 2009, tras su grata y valiosa experiencia en Europa, Bonfiglio regresó a Buenos Aires y decidió de inmediato impartir clases para compartir todo el conocimiento adquirido en tierras lejanas. Encontró muchos cambios en el estilo de baile, la vestimenta y el comportamiento de los bailarines. «Todo es diferente ahora. Antes se bailaba muy pegado a la pareja, con pocos giros y a corta distancia. Ahora, todo ha cambiado».

Néstor lleva dos años trabajando para la Fundación Tango Argentino, donde imparte dos clases semanales: los martes y los sábados. Su misión como instructor no es solo enseñar; parte de la premisa de que quienes acuden a aprender salsa lo hacen para conocer gente nueva, consolidar amistades, relajarse y liberar el estrés de la vida cotidiana.

Para Néstor, la salsa es: «La pasión de mi vida; elimina mi estrés y mis preocupaciones, y me brinda la alegría de conocer gente nueva cada día. Por eso sigo adelante con esto».