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Musica Latina

Tambores Añá La Voz Divina de los Batá y su Latido Ancestral

29 julio, 2026 by Augusto Felibertt

En el vasto universo de la religiosidad afrocubana y la tradición yoruba, los tambores batá no son meros instrumentos musicales: son entidades vivas y consagradas.

Tambores Añá La Voz Divina de los Batá y su Latido AncestralTambores Añá La Voz Divina de los Batá y su Latido Ancestral
Tambores Añá La Voz Divina de los Batá y su Latido AncestralTambores Añá La Voz Divina de los Batá y su Latido Ancestral

El alma que habita en estos sagrados tambores recibe el nombre de Añá (o Aña), la deidad (orisha) del sonido divino y la vibración primordial. Hablar de los tambores Añá es adentrarse en un canal de comunicación directo entre el plano terrenal y el mundo

espiritual.

Origen: El Secreto Nacido en Tierra Yoruba

La presencia de Añá se remonta al antiguo Imperio yoruba (en los actuales territorios de Nigeria y Benín). En la mitología yoruba, la deidad Añá representa la voz y el aliento divino con los que Olodumare (el Creador) ordenó el cosmos. Para encapsular esta fuerza, se estructuró un trío sacramental de tambores de madera tallada con forma de reloj de arena:

Iyá: El tambor madre, de registro más grave, encargado de dirigir la liturgia y ejecutar las improvisaciones.

Iyá El tambor madre
Iyá El tambor madre

Itótele: El tambor mediano, que entabla un diálogo directo con el Iyá.

Itótele El tambor mediano
Itótele El tambor mediano

Okónkolo: El más pequeño, responsable de sostener la base rítmica.

Okónkolo El más pequeño
Okónkolo El más pequeño

La consagración de un juego de batá con el fundamento de Añá exige estrictos ritos litúrgicos que involucran botánica sagrada (omiero), rezos y sacrificios para que la deidad habite de forma permanente en la madera.

Solo los sacerdotes jurados, conocidos como Omo Añá u Oluwos Batá, están facultados para tocar estos instrumentos sagrados.

Evolución: La Travesía Trasatlántica y el Florecimiento Cubano

A través del comercio trasatlántico de esclavizados durante la época colonial, sabios yorubas llegaron al Caribe principalmente a Cuba bajo la denominación lucumí. Pese al contexto de opresión, los practicantes preservaron con celo el secreto de Añá.

Hacia la segunda mitad del siglo XIX, en la localidad de Guanabacoa (La Habana), se fundamentó y bautizó el primer juego de tambores Añá consagrado en suelo americano. En este nuevo entorno sociocultural, los ritmos ancestrales se mantuvieron intactos dentro de la liturgia de la Regla de Ocha o Santería.

La estructura del toque evolucionó hasta consolidar un complejo sistema de lenguajes tonales donde el tambor no solo acompaña, sino que habla y convoca a cada orisha mediante toques específicos.

Trascendencia: Un Lenguaje Tonal entre Hombres y Orishas

La relevancia de los tambores Añá radica en su función mística: son el puente sacro que armoniza el Ori (la cabeza y el destino de la persona) con las deidades y los ancestros.

En la cosmogonía lucumí, la vibración de Añá posee el poder de alterar el estado de conciencia de los consagrados, facilitando el trance o posesión espiritual mediante el cual la deidad desciende a la tierra.

«Añá no toca para entretener al oído humano, sino para convocar al espíritu y mantener el equilibrio cósmico a través del sonido.»

Asimismo, en el plano musical representa una de las herencias rítmicas más complejas del planeta. Su técnica polirritmia ha influido de forma incalculable en el desarrollo de la música afrocubana, el jazz latino y la salsa.

Actualidad: Preservación de la Fe y Expansión Global

Hoy en día, la tradición de Añá vive un doble fenómeno: la rigurosa preservación de sus rituales y una notable expansión global.

Aunque los secretos para la consagración de un Añá legítimo se mantienen bajo un estricto celo sacerdotal, el culto a la Santería y la admiración por la percusión batá han traspasado las fronteras de Cuba y Nigeria.

En la actualidad, existen juegos de tambores Añá fundamentados por babalawos y Omo Añá en países como Estados Unidos, Venezuela, México, España y Puerto Rico.

Los Tamborea Bata son entidades vivas y consagradas
Los Tamborea Bata son entidades vivas y consagradas

Mientras que los tambores batá de uso profano (denominados aberikuló, los cuales no poseen el secreto de Añá) se emplean libremente en escenarios secuales, los verdaderos tambores Añá continúan reservándose exclusivamente para ceremonias privadas, manteniendo viva la voz de una deidad milenaria.

Para comprender de forma visual cómo el sonido del tambor articula la llamada litúrgica dentro de la tradición, te recomiendo consultar el recurso «La función de Añá dentro de los tambores batá».

 

También Lea: Pancho Quinto es considerado como uno de los grandes rumberos de Cuba

International Salsa Magazine

Recomienda:

Tambor De Fundamento Aña Loógúnsi

Publicado en: 2026, Africa, Agosto, Latino America, Musica Latina, Norte America, Noticias, Orquesta

Los Antaños del Stadium Ecos, Memoria y Ritmo de la Caracas Cañonera

29 julio, 2026 by Augusto Felibertt

Del Diamante de Béisbol al Corazón Musical de Venezuela.
​La música popular venezolana conserva en sus cimientos en una de las agrupaciones más entrañables y representativas de su identidad urbana Los Antaños del Stadium.

Los Antaños del Stadium Ecos Memoria y Ritmo de la Caracas Cañonera
Los Antaños del Stadium Ecos Memoria y Ritmo de la Caracas Cañonera

Surgida a mediados del siglo XX, esta formación no solo rescató la tradición sonora de la Caracas de principios de centuria, sino que transformó el merengue caraqueño, la guasa y el pasodoble en un puente vivo entre el pasado colonial y la modernidad del país.
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Notas Nacidas en el Campo de Juego.
​La historia de la agrupación se remonta a 1946, cuando el músico y deportista Jacobo Espinoza decidió reunir a un conjunto de instrumentistas para animar los encuentros de béisbol en el desaparecido Estadio de San Agustín, sede del legendario equipo Cervecería Caracas.

Notas Nacidas en el Campo de Juego
Notas Nacidas en el Campo de Juego

En aquel espacio donde la pasión deportiva y el ambiente festivo se encontraban, nació la agrupación bajo el nombre inicial de Los Cañoneros del Stadium.
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El grupo adoptó la estética y sonoridad de los antiguos conjuntos «cañoneros», que a comienzos del siglo XX recorrían las calles, plazas y mabilas caraqueñas anunciando las fiestas populares a ritmo de bombo, platillo, saxofón y redoblante. Aquella iniciativa, pensada para amenizar a la fanaticada en las tribunas, echó raíces profundas en la cultura popular.
​

Evolución: La Consolidación del Sonido Cañonero.
​Con el paso de las décadas, la agrupación transitó del entorno deportivo a las ondas radiales, la televisión y las grabaciones discográficas.

Bajo la dirección técnica del insigne saxofonista Aníbal Escobar quien aportó el sello melódico por más de 50 años y el liderazgo de Jacobo Espinoza, el ensamble definió un estilo inconfundible.

Jacobo Espinoza el ensamble definió un estilo inconfundible
Jacobo Espinoza el ensamble definió un estilo inconfundible

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Géneros tradicionales que corrían el riesgo de quedar en el olvido, como el merengue rucaneao (caracterizado por su contagioso ritmo de 5/8), el pasodoble criollo, la guasa, la polca y el vals, encontraron en Los Antaños del Stadium un vehículo de preservación y frescura.

Tras el fallecimiento de su fundador, la posta fue asumida por sus hijos, Enrique y Nicol Espinoza, quienes mantuvieron la fidelidad al formato acústico e instrumental que los caracterizaba.

Trascendencia: Guardianes del Patrimonio Criollo

​La trascendencia de Los Antaños del Stadium radica en haber inmortalizado la banda sonora de la «Caracas de los techos rojos». A través de un catálogo que supera las 20 producciones discográficas, inmortalizaron piezas fundamentales del cancionero nacional como Carmen la que contaba 16 años, El Norte es una Quimera y Alma Cumanesa.

Antaños del Stadium llevan el sonido caraqueño al Centro Cultural BOD Escrito por Team Aliado Publicado 26 Jul 2019
Antaños del Stadium
llevan el sonido caraqueño al
Centro Cultural BOD
Escrito por Team Aliado
Publicado 26 Jul 2019

​En 1996, al cumplir medio siglo de trayectoria, la agrupación fue declarada Patrimonio Cultural Musical de la Ciudad de Caracas.

Su labor trasciende la simple ejecución musical: constituyen una referencia metodológica e histórica para todas las generaciones y ensambles de música cañonera nacidos en las últimas décadas en Venezuela.

​Actualidad: Una Leyenda Viva en el Siglo XXI

​Con más de siete décadas de trayectoria ininterrumpida, Los Antaños del Stadium continúan activos como una de las agrupaciones más longevas de la música venezolana.

Aunque los escenarios caraqueños han cambiado, el grupo sigue presentándose en festivales, espacios culturales y eventos patrimoniales, demostrando que el merengue caraqueño mantiene su vigencia y capacidad de convocatoria.

​Hoy en día, el legado de la familia Espinoza resuena como un testimonio de resistencia cultural y alegría popular.

Antaños del Stadium
Antaños del Stadium

De izquierda a derecha:

Rafael Escobar: Bajo

Prof. Carlos Espinoza: Bombardino

Maestro Aníbal Escobar: Saxofón y Director Musical

José Gregorio Ascanio, «Melao»: Tumbadora

Miguel La O Álvarez: Cantante

Sra. Nikol Espinoza Mata: Cantante

Juan Ramón Pedrón: Batería

Luis Alfredo Planas: Cuatro

Enrique Espinoza Mata: Cantante y Percusión

Andrés Romero, «Tapón»: Trompeta

Los Antaños del Stadium no representan únicamente la nostalgia del pasado, sino la prueba viva de que la memoria musical de una ciudad puede mantenerse firme, sabrosa y sonante a través de las generaciones.

​Esta presentación en vivo de la agrupación interpretando su clásico merengue rucaneao ilustra perfectamente el estilo, la energía festiva y la sonoridad tradicional que los ha caracterizado a lo largo de su trayectoria.

 También Lea: Porfi Jiménez El Maestro del Ritmo que Unió a dos Naciones

Publicado en: 2026, Agosto, Artistas, Biografia, Latino America, Musica Latina, Orquesta

Es un placer recibir a Erim Kardex y a Gustavo del Pino de Los Calicubanos en ISM

26 julio, 2026 by Karina Garcia

Nos produce una enorme felicidad el poder compartir un poco con el director musical, Erim Kardes, y al pianista, Gustavo Del Pino de la banda Los Calicubanos, de quienes tuvimos el placer de escuchar un poco de sus trayectorias individuales y el proceso de creación de su actual grupo. 

La entrevista, hecha tanto en inglés como en español, tocó unos temas bastante interesantes sobre la música en general y esperamos que sea del agrado de todos los que lleguen a leerla.

Erim y el resto de la banda
De izquierda a derecha Jim Miranda en la conga, Arturo Ramírez en los timbales, Erim Kardes en el bajo, Mark Trejo en la trompeta, Andy García en el trombón, Gustavo Del Pino en el piano, Marisol Echegoyen en la voz y Luis Jiménez en la voz

Inicios de Erim y Gustavo en la música

El primero en tomar la palabra fue Gustavo, quien nos contó que empezó a tocar piano desde que cumplió los seis años. Su padre tocaba el saxofón y su madre el piano, pero solo veían la música como un hobbie y no eran músicos profesionales. Durante el transcurso de su infancia en Perú, estuvo escuchando mucha música latina en reuniones familiares, por lo que seis años más tarde, con unos 12 años de edad, ya tocaba frente a multitudes. Entre los artistas preferidos de su familia estaban El Gran Combo de Puerto Rico, Héctor Lavoe y Rubén Blades.

Posterior a eso, estudió música clásica en un conservatorio y, cuando finalmente se muda a Estados Unidos, que es donde conoce a Erim y el resto de sus compañeros, estudió en Berklee College of Music en Boston.

En el caso de Erim, contó que empezó a tocar la guitarra cuando tenía 14 años de edad en Turquía, país en el que creció. Al igual que Gustavo, nadie en su familia era músico, pero eso no impidió que todos escucharan música turca constantemente, y fue a partir de allí que comenzó a gustarle más allá de un mero entretenimiento.

Al llegar a sus veinte, se interesó por la música latina y comenzó a experimentar con ella. Estaba en Graduate School estudiando ingeniería en Los Ángeles, ciudad en la que vivía hacía algún tiempo, dónde estaba haciendo algunos cursos de jazz en la Universidad de California y uno de sus profesores es quien lo introduce finalmente a la música latina y le gustó tanto que no volvió a apartarse de ella. Uno de sus más importantes profesores fue el legendario bajista del grupo Weather Report Alphonso Johnson.

Erim y la banda
De derecha a izquierda: ERNESTO VALENZUELA en la conga, Joseph Dubois en la trompeta, Andy García en el trombón, Marisol Echegoyen en la voz, Arturo Ramírez en los timbales, Erim Kardes en el bajo, Gustavo Del Pino en el piano, Luis Jiménez en la voz

Inicio profesional para ambos 

Volviendo a Gustavo, nos contó que, cuando culminó sus estudios en Berklee, empezó a conseguir sus primeros trabajos como músico profesional. Empezó a hacer pequeñas giras con algunos de los compañeros con los que estudió allí y estuvo involucrado en las grabaciones de algunos discos, pero como músico de sesión. Aún no tenía un grupo formal al que perteneciera de forma fija, pero sí tocaba con algunos artistas y músicos argentinos, colombianos y peruanos. Algunos de ellos fueron la cantante colombiana Alejandra Jimenez ‘‘Alea’’ y la banda peruana Perú Meztizo.

Por otro lado, Erim nos contó que sus primeras bandas en la universidad eran de rock y que su rol era el del bajista. También estuvo tocando funk y jazz en Los Ángeles durante algún tiempo.

Fundación de Los Calicubanos

Quien creó la idea de Los Calicubanos y finalmente fundó la banda es Erim y el grupo como es conocido ahora se inició oficialmente en agosto del 2025, es decir, que este mes sería su primer aniversario. Una vez que sabía lo que quería, colocó anuncios en internet buscando un pianista que se le uniera, que es cuando Gustavo se comunica con él y es puesto a prueba hasta finalmente quedarse con el lugar. 

Durante esa misma época conoció al percusionista Arturo Ramírez, así que se juntaron los tres en junio del 2025, hasta que oficialmente iniciaron el proyecto de Los Calicubanos en agosto de ese mismo año. También se les unieron luego el conguero Jim Miranda, el cantante Luis Jimenez, la cantante Marisol Echegoyen, el trombonista Andy García, el trompetista Mark Trejo y el trompetista Joseph Dubois. 

Director musical Erim Kardes
Este es el director musical de Los Calicubanos Erim Kardes

Erim ha estado en California durante los últimos 25 años, así como también ha viajado a Cuba en dos oportunidades, lo que le llevó a descubrir unos ritmos que le fascinaron y cambiaron por completo la visión que tenía de la música hasta entonces. Por lo mismo, decidió combinar ‘‘California’’ con ‘‘Cuba’’ debido a toda la mezcla que quería hacer de la música que descubrió en ambos lugares.

Eventos para los próximos meses

Los Calicubanos no tienen giras programadas en este momento, pero sí muchas presentaciones importantes como el LA Jazz Festival, conciertos en restaurantes y unos cuantos eventos privados. 

En cuanto a lanzamientos nuevos, se encuentran escribiendo música y arreglos completamente originales, pero quieren tener un buen volumen de material antes de entrar al estudio a grabar. 

También lee: El trombonista y percusionista puertorriqueño Arturo Jr. de Projecto 7 Salsa & Latin Jazz Band

Publicado en: 2026, Agosto, Artistas, Entrevistas, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America

Felipe Pirela La voz inmortal del «Bolerista de América»

24 julio, 2026 by Augusto Felibertt

Un fenómeno de la música romántica.

Pocas voces en la historia de la música hispanoamericana han logrado transmitir la melancolía, el despecho y el amor con la profundidad de Felipe Pirela.

Conocido con total justicia como «El Bolerista de América», el intérprete venezolano no solo transformó el género del bolero durante la década de 1960, sino que también se convirtió en un ícono cultural cuya huella vocal sigue siendo un referente indiscutible para las siguientes generaciones.

Felipe Pirela 1
Felipe Pirela La voz inmortal del «Bolerista de América»

Orígenes: El talento que nació en el Zulia

Felipe Antonio Pirela Morón nació el 4 de septiembre de 1941 en el barrio El Empedrado de Maracaibo, Estado Zulia, Venezuela.

Crecido en el seno de una familia humilde y numerosa, mostró una inclinación natural por el canto desde muy temprana edad.

Durante sus primeros años participó en programas radiofónicos aficionados en su ciudad natal y formó parte de agrupaciones locales como la Orquesta San José y Los Peniques.

Su prodigioso timbre de voz un tenor lírico de matices aterciopelados y afinación impecable no tardó en llamar la atención de los grandes directores musicales de la época.

El salto a la fama con la Billo’s Caracas Boys

El año 1960 marcó el punto de inflexión definitivo en la carrera de Pirela.

El maestro dominicano Billo Frómeta, al reorganizar su legendaria orquesta Billo’s Caracas Boys, buscaba una voz masculina fresca para interpretar el repertorio romántico. Tras escucharlo, no dudo en reclutarlo.

Felipe Pirela 2
El Legado inmortal de una Voz Inolvidable

Con apenas 19 años, Pirela se convirtió en el crooner estelar de la orquesta más popular de Venezuela. Durante su etapa con la Billo’s, su voz inmortalizó piezas fundamentales del cancionero latinoamericano, entre las cuales destacan:

  • Ese bolero es mío
  • Únicamente tú
  • Para qué recordar
  • Por la vuelta

La química entre los arreglos orquestales de Frómeta y el sentimiento dramático de Pirela desató una verdadera «Pirelamanía» en el país.

Consagración internacional y carrera como solista

En 1963, impulsado por el deseo de expandir sus horizontes artísticos, Pirela decidió emprender su camino como solista. Se trasladó a México, el epicentro de la industria discográfica del momento, donde fue recibido con entusiasmo por el público y los medios especializados.

Felipe Pirela 3
Felipe Pirela Un fenómeno de la música Romántica

Fue precisamente en el exterior donde se le bautizó oficialmente como «El Bolerista de América». Álbumes como Un solo camino: México consagraron su éxito internacional.

Pirela abarrotó escenarios en Santo Domingo, San Juan de Puerto Rico, Nueva York, Bogotá y Lima, alcanzando en popularidad con figuras de la talla de Lucho Gatica, Daniel Santos y Javier Solís.

Su capacidad para imprimir dramatismo y elegancia a temas de compositores como Rafael Hernández, Pedro Flores y Mario de Jesús lo convirtieron en un fenómeno de ventas.

Luces, sombras y un trágico final

A pesar del éxito desbordante en los escenarios, la vida personal de Pirela estuvo marcada por la controversia, el dolor y el infortunio.

Un matrimonio fallido y tormentoso, sumado a problemas legales y al acoso de la prensa sensacionalista de la época, minaron su estabilidad personal y lo llevaron a radicarse fuera de su patria.

El 2 de julio de 1972, la tragedia truncó de forma violenta su vida. A la temprana edad de 30 años, Felipe Pirela fue asesinado en San Juan de Puerto Rico.

Felipe Pirela 4
El 2 de julio de 1972, la tragedia truncó de forma violenta su vida

La noticia conmocionó al continente latinoamericano, dejando un vacío irremplazable en el panorama de la música romántica.

El legado inmortal de una voz inolvidable

A más de cinco décadas de su partida física, la figura de Felipe Pirela continúa viva en la memoria colectiva. Su discografía sigue siendo objeto de reediciones, homenajes y análisis por parte de musicólogos y melómanos.

Pirela no solo poseía una técnica vocal privilegiada, sino una capacidad única para frasear con dolor, elegancia y pasión.

Su estilo influyó directamente en las interpretaciones de posteriores estrellas de la salsa y el bolero, demostrando que mientras exista el despecho y el romance, la voz del «Bolerista de América» seguirá resonando con la misma fuerza de siempre.

También Lea: Vicentico Valdés «La voz elástica» del Bolero en Cuba y el Caribe

Felipe Pirela | El Bolerista de America

Publicado en: 2026, Agosto, Artistas, Latino America, Musica Latina, Norte America

Héctor Rivera ‘‘Riverita’’ nos cuenta la historia de cómo creó Riverita Y Su Orquesta Noche Caliente

22 julio, 2026 by Karina Garcia

Luego de varios intentos, finalmente logramos coincidir con el director de orquesta y saxofonista Héctor Rivera, conocido en el medio como Riverita, a quien hemos podido hacer todo tipo de preguntas en relación con su carrera artística y su actual agrupación, Riverita y Su Orquesta Noche Caliente. 

A continuación, algunos de los más importantes temas que tocamos con el artista en nuestra grata conversación:

Riverita posando para la cámara
Director de orquesta y saxofonista Héctor Rivera »Riverita» posando para la cámara

Inspiración de Riverita para convertirse en músico

A pesar de no tener ningún músico en su familia, Riverita recuerda haber crecido en un ambiente en el que la música estuvo siempre muy presente. Nació en Nueva York, pero pasó una larga temporada con sus abuelos en Puerto Rico mientras sus padres se establecían y mudaban también a la Isla del Encanto para darle una mayor estabilidad a su hijo. 

Estando en casa de sus abuelos, solía escuchar en la radio a grandes artistas de la época con sus inolvidable hits como fue el caso de Mon Rivera Y Su Orquesta con ‘‘Karakatis-ki’’, el cual nunca más olvidó junto a tantas otras piezas musicales que fueron haciéndolo interesarse en este mundo. Cuando sus padres regresan a Puerto Rico y regresa a vivir con ellos, empieza a escuchar a Cheo Feliciano, Pete ‘‘El Conde’’ Rodríguez, Felipe Rodríguez y muchos otros más.

Todos estos ritmos llevaron al niño a empezar a tocar una especie de percusión en la mesa, una lata de galletas o cualquier otra cosa que le sirviera de instrumento en ese entonces.

Su pasión por la música creció a tal punto que comenzó a estudiar educación musical en La Escuela Libre de Música en Ponce y, posteriormente, en la Universidad Interamericana de San Germán, donde estudió solo unos dos años aproximadamente. Aunque no terminó sus estudios, le sirvió de mucho para comprender aún más esta profesión y aplicar lo que llegó a aprender en esos años.

Riverita con un par de maracas
Riverita con un par de maracas

Estando ahí mismo en Puerto Rico, llegó a tocar con una orquesta de merengue cuyo nombre no recuerda, pero con la que aprendió a tocar el saxofón alto profesionalmente. Posterior a eso, se trasladó a Estados Unidos definitivamente.

Año 2013

Al irse a vivir al estado de Virginia, hizo una larga pausa en la música hasta el año 2013, que es cuando su primo, Michael Valladares, le pide a Riverita que funde una orquesta, cosa que no estaba en sus planes. Sin embargo, aceptó el desafío y sacó adelante el proyecto.

Por aquel entonces, el artista trabajaba como cartero en una oficina de correos, por lo que se le hacía muy complicado compaginar sus actividades profesionales previas con una orquesta propia. Aún así, no permitió que eso lo desanimara y optó por darle prioridad a este nueva agrupación.

Todo comenzó cuando Michael estaba buscando una orquesta que tocara en un evento de gala para celebrar los 500 años de la ciudad de Melbourne, Florida, por lo que se comunicó con Riverita y le propuso crear una orquesta en la que él fuese el director musical con el único propósito de presentarse allí. Es entonces cuando el saxofonista se dio a la tarea de buscar los músicos y elaborar un repertorio, cosa que no fue fácil, ya que no conocía músicas profesionales ni tenía arreglos que pudiese usar. 

Danny, Riverita y José
Danny Rivera Jr., Riverita y José Reyes

Esto lo angustiaba tanto al punto que pasó noches en vela pensando en cómo proceder para cumplir con la encomienda que le hicieron. Solo tenía tres meses por delante, así que no tenía tiempo que perder. Es entonces cuando logra hacer contacto con un grupo de músicos de diversas nacionalidades, de los cuales solo el cantante, José Reyes, sigue trabajando con él.

Finalmente, relanzó la orquesta con unos nuevos músicos porque los anteriores se habían ido y la bautizó como Orquesta Noche Caliente, nombre que sigue llevando hasta el día de hoy.

Entre los integrantes actuales más recurrentes, podemos mencionar al cantante José Reyes, el otro cantante Danny Rivera Jr., el pianista Kevin Figueroa y el trombonista Derick Harris.

Hasta el momento, tienen grabados tres CDs y 26 temas musicales grabados. Algunos de ellos son ‘‘Noche Caliente’’, ‘‘En Tiempos de Bolero’’ y ‘‘Mi Linda Música’’. También están preparando su tema navideño con bastantes meses de antelación y le van a poner por nombre ‘‘Rabito de Lechón’’.

También lee: La bailarina y actriz cubano-americana Jessica Pacheco nos presenta su propia compañía de baile Flamenco Tropical

Publicado en: 2026, Agosto, Artistas, Entrevistas, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Hablamos con Elizabeth Meeker Howard, una de las integrantes de Las Sabrosas Latin Orchestra

15 julio, 2026 by Karina Garcia

En otras oportunidades, hemos conversado con agrupaciones musicales compuestas enteramente por mujeres para promover el enorme talento femenino que tenemos en la música latina. La gran artista con la que hablamos en esta oportunidad no es la excepción. 

Estamos muy contentos de conversar con la trompetista Elizabeth Meeker Howard, quien nos habló de su interesante proyecto Sabrosas Latin Orchestra y algunos otros aspectos de su carrera que son importantes de mencionar. 

Elizabeth posando para la cámara
Trompetista y profesora de música Elizabeth Meeker Howard posando para la cámara

Cómo es que Elizabeth inicia su carrera

La artista inició su relato contándonos que tiene algunos miembros de su familia involucrados en las artes como es el caso de su abuela, quien fue músico profesional. Del mismo modo, sus padres inculcaron en ella el amor por la música, por lo que la niña experimentó una curiosidad muy temprana por este mundo, al punto que formó parte de la banda de la escuela en cuarto grado de primaria. A ella y a sus compañeritos les daban la oportunidad de elegir su propio instrumento, así que eligió la batería, pero prontamente descubrió que no era lo que quería tocar.

Cuando tenía unos nueve años, comenzó a tocar trompeta y un poco de piano, pero este último jamás llegaría a ejercerlo de manera profesional. 

En la adultez, empezó a estudiar música clásica, más específicamente trompeta clásica en la Universidad de Yale, pero estaba consciente de que quería hacer algo que atrajera mucho más al público y que la gente bailara y se divirtiera, que es cuando la salsa entra en acción. Durante su formación académica, llegó a experimentar con otros géneros como el pop y otros de sus derivados, pero no era lo que ella buscaba para su futuro profesional. Hoy en día, toca con bastante destreza la salsa, el funk, el rock y hasta mariachis.

También obtuvo su licenciatura en música en la Universidad de Boston en el área de trompeta clásica y, posteriormente, obtuvo una maestría en la misma área en Yale.

Sabrosas Latin orchestra y Manny Cepeda
Integrantes de Sabrosas Latin Orchestra con el compositor, percusionista y cantante Manny Cepeda

Inicio de su vida profesional

El inicio de la vida profesional de Elizabeth como músico, podría decirse, fue en high school, ya que la contrataban para ciertos eventos sencillos. En la universidad, tocó para bandas y proyectos ajenos, pero no estaba realmente fija en ninguno y esa situación se mantuvo incluso después de graduarse de la universidad. Ya por ese entonces, estaba trabajando con orquestas de salsa.

Estando ya en la ciudad de San Diego, aprendió todo lo que hoy en día conoce sobre la salsa, ya que este género lamentablemente no lo enseñan mucho en los conservatorios, como si lo hacen con la música clásica y el jazz. A esto, añadió que ‘‘la única forma de conocer la salsa como músico es tocar en agrupaciones de salsa. Así es como aprendí yo: uniéndome a estos grupos’’.

No niega que la música clásica ofrece un entrenamiento musical sólido a quien decide estudiarla, ya que se aprende cómo leer música, cómo transcribir música y a cómo tocar la trompeta. Si alguien le ofrece una partitura, es perfectamente capaz de tocar esa música, pero también es importante para ella aprender a tocar el estilo en específico. En el caso de la salsa, la artista asegura que esta tiene matices que no se leen en una partitura, por lo que hay que prestar atención a muchos detalles como las uniones entre las notas y la calidad del sonido, los cuales solo se aprenden escuchando discos y tocando con músicos buenos en eso.

Elizabeth y el resto de la orquesta
De arriba a abajo: Elizabeth Meeker Howard, April Leslie, Shirley Coggon, Monica Saenz, Tomo Vida, Justine Dolorfino-Thieman, Mariela Contreras, Alyssa Keene, Monette Moren y Janet Thornton Realtor

Las Sabrosas Latin Orchestra

Una de las cosas que inspiró la creación de Las Sabrosas Latin Orchestra es la poca cantidad de mujeres tocando salsa, especialmente juntas, por lo que tanto ella como otras artistas femeninas que pensaban igual empezaron a juntarse para ensayar a ver cómo se oían. En un inicio, no tenían muy claro qué tan grande o pequeño sería el grupo, pero eventualmente las chicas que ya estaban invitaron a otras más, lo que dio como resultado una gran orquesta de salsa. Su comienzo oficial fue un poco antes de la pandemia, por lo que todo se retrasó un poco, pero una vez que la restricciones de esa época cesaron, estaban más que listas para empezar a tocar.

Algo que Elizabeth quiso destacar es que desde siempre la gente las apoyó mucho y mostró mucho interés en el proyecto debido a lo novedoso que era lo que ofrecían y la calidad de su show, cosa que se mantiene hasta hoy afortunadamente.

Enseñanza de la música

Además de formar parte de una orquesta, Elizabeth también se dedica a dar clases de música a nivel universitario y se ha encargado de dirigir muchísimas bandas y ensambles de estudiantes, cosa que le ha ayudado a tener experiencia para ser directora musical de varios proyectos. Gracias a lo aprendido, sabe qué puede hacer que un grupo tenga éxito o falle.

La enseñanza y su trabajo con Sabrosas se complementan a la perfección y uno le ayuda a ser cada día mejor en el otro, por lo que habla de ambas actividades como un todo en su carrera.

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Publicado en: 2026, Agosto, Artistas, Entrevistas, Latin Jazz, Musica Latina, Norte America, Orquesta

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