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Europa

Kaem y Marina. El dúo dinámico en Francia

28 junio, 2025 by Karina Bernales

Europa / Francia /

Kaem y Marina son más conocidos como coreógrafos, instructores e intérpretes internacionales. Son los creadores del estilo AsOne en kizomba, y los fundadores de KizAcademy Studios y KizAcademy TEAMS en todo el mundo.

Foto 1: Kaem y Marina
Foto 1: Kaem y Marina

Deben su éxito internacional al sorprendente poder emocional de sus improvisaciones, la gran diversidad, creatividad y complejidad de sus movimientos y la profundidad artística de sus actuaciones.

Sus talleres se convirtieron en los más elogiados del mundo gracias a sus innovadores métodos de entrenamiento inspirados en el hip-hop, las artes marciales contemporáneas, el atletismo, la actuación, pero también el tao, la meditación zen, la terapia de atención plena y la práctica espiritual.

Sus programas de 10 horas tienen como objetivo que el estudiante sea capaz de conectarse consigo mismo, liberarse de miedos y juicios, sumergirse en su mundo creativo, aprender a ver sus propias fallas técnicas, dominar los movimientos de una manera muy profunda, conectarse completamente con su compañero.

Foto 2: Kaem y Marina
Foto 2: Kaem y Marina

Emocionalmente, dominar el flujo de energía entre los socios, y lo más importante: aprender a entrenar por sí mismo y construir sus propias herramientas para ser independiente, y por lo tanto libre.

En junio de 2017, después de 21 meses de investigación y preparación dedicadas, crearon la Escuela de Instructores KizAcademy: el mejor y más completo programa del mundo para instructores. La carrera de Kaem & Marine probablemente tuvo uno de los crecimientos más rápidos que jamás haya presenciado el mundo de la danza afrolatina.

Solo 10 meses después de que comenzaron a aprender kizomba, hicieron «EL SOLO DE PIANO», un video de kizomba que alcanzó 1 millón de visitas en 4 días, y los llevó a enseñar y actuar en festivales y eventos en todo el mundo. Después de solo un año de carrera internacional, decidieron dejar de trabajar con festivales, trabajar con sus equipos y lanzar sus propias escuelas en todo el mundo.

Foto 2: Kaem y Marina
Foto 2: Kaem y Marina

Crearon el estilo AsOne y alcanzaron su objetivo en 4 meses y pudieron recibir alrededor de 70 estudiantes en cada clase que impartieron. Eso les permitió ser totalmente independientes de cualquier otra institución y enfocarse a tiempo completo y con total libertad en su pedagogía, su dominio técnico y lo más importante: su viaje creativo. Pero, ¿por qué es relevante este camino?

Una evolución tan rápida y rara solo fue posible gracias a los 9 pilares que todo artista tiene: o Vulnerabilidad, autoaceptación, autodescubrimiento y autodominio.

  • Inspiración y exploración de lo que toca el corazón
  • Desarrollar un estilo propio, con sinceridad y superar el miedo.
  • Crear un programa de entrenamiento para uno mismo
  • Entrenamiento en la capa más profunda del movimiento: el movimiento natural y la biomecánica
  • Creación de un programa de taller
  • Oratoria, pedagogía y psicología del aprendizaje
  • Redacción de coreografías y creación de videos cinematográficos.
  • Estrategia de expansión, marketing y gestión

Cualquiera con una mente abierta y curiosa puede aprender todas esas cosas. El tema es que nadie, hasta ahora, las estaba enseñando.

La mayoría de las clases magistrales solo se enfocan en tener éxito en hacer movimientos elegantes. Desprecian totalmente el desarrollo del universo creativo de los estudiantes, e ignoran todas las demás habilidades que hacen a un bailarín creativo completo y un emprendedor artístico exitoso.

Foto 3: Kaem y Marina
Foto 3: Kaem y Marina

Durante su carrera, Kaem & Marine se volvieron cada vez más conscientes de este desajuste entre el concepto existente de clase magistral y lo que es realmente importante para crecer como artista y tener una carrera internacional. Por lo tanto, decidieron crear un programa completo para instructores que los prepararía para el viaje más importante que un bailarín podría experimentar: autodescubrimiento, dominio técnico y creativo y autoexpresión total.

Para más información y cursos https://www.facebook.com/KaemMarineAsone/

Publicado en: 2017, Academias de baile, Agosto, Artistas, Europa

Tempo Latino: ¡Una Cita Imperdible en Vic Fezensac!

25 junio, 2025 by Eduardo Guilarte Medina

Prepárense, amantes de la salsa y los ritmos latinos, porque el festival Tempo Latino regresa a Vic Fezensac del 24 al 27 de julio de 2025 para su 30ª edición, prometiendo una experiencia inolvidable.

Este evento de renombre internacional transforma la pintoresca localidad francesa en el epicentro de la música y la cultura latina.

Tempo Latino Logo

¿Cómo Llegar al Corazón de la Fiesta?

Llegar a Tempo Latino es más fácil que nunca. Si prefieres la comodidad, el festival ofrece un servicio de autobús desde Mont de Marsan, Agen y Toulouse.

Una vez en Vic Fezensac, las «navetitas» te llevarán a tu alojamiento dentro de la Comunidad de Municipios de D’Artagnan en Fezensac, siendo gratuitas para niños acompañados con reserva previa.

Para quienes optan por el tren, las estaciones más cercanas son Auch, Agen y Toulouse.

Y si vienes en coche, Vic Fezensac está a 1 hora y 20 minutos de Toulouse y a 2 horas de Burdeos. ¡Incluso puedes compartir coche para una llegada más ecológica!

Stamp

 Accesibilidad para Todos

Tempo Latino se enorgullece de ser un festival inclusivo. Si llegas en coche, hay estacionamiento disponible en Place du Foirail. Durante el festival, la Rue Reynal y la Avenue Edmond Bergès serán peatonales, facilitando el acceso al recinto. Lo más importante es que todos los escenarios del festival —Scène Tempo Arena, Scène de la Conga, Scène Cap Tempo y Concert Église— son accesibles para personas con movilidad reducida. Incluso hay una plataforma específica en la Tempo Arena para garantizar una visibilidad óptima del escenario.

Vic Fezensac Map

Opciones de Alojamiento para Cada Festivalero

Para sumergirte completamente en la experiencia, Tempo Latino ofrece diversas opciones de alojamiento:

  • Áreas de Recepción Goulin y Las Acacias: Si tienes un pase para los conciertos, puedes acampar en tienda de campaña en el estadio de rugby de Goulin o en el estadio de fútbol de Las Acacias (¡novedad de 2025!). Las reservas son válidas de jueves a lunes por la mañana con una tarifa fija.
  • Área de Recepción de Cauderon: El Ayuntamiento de Vic Fezensac abre este espacio para tiendas, coches y autocaravanas, con una estación de descarga. Estará abierto del 21 al 27 de julio de 2025. Para más detalles, puedes llamar al ayuntamiento al 05 62 64 47 00 (opción 1).
  • Otras Opciones: La oficina de turismo ofrece una lista de alojamientos y paquetes «Esprit libre» que incluyen alojamiento y entradas. Puedes visitar armagnac-dartagnan.com o llamar al 05 62 06 34 90.

Tempo Latino IMG02025

¡Un Cartel de Estrellas para el 2025!

La 30ª edición de Tempo Latino viene cargada de talento. Aquí un adelanto de lo que te espera en el Tempo’Arena:

  • Viernes 25 de julio: Vía La Habana
    • 21:00h: Eliades Ochoa
    • 23:00h: Issac Delgado y su Orquesta + invitados (Haila y Alain Perez…)
  • Sábado 26 de julio: «Minha noite brasileira» vía Río de Janeiro
    • 21:00h: Joao Selva
    • 23:00h: Flavia Coelho
  • Domingo 27 de julio: Vía Nueva York
    • 21:00h: Yuri Buenaventura
    • 23:00h: Spanish Harlem Orchestra

Además, el jueves 24 de julio, la Scène La Conga ofrecerá una noche de «La Electrónica de Bogotá» con DJ sets de Caribombo y SimaO, y una presentación de Acido Pantera.

 Consigue tus Entradas

Puedes reservar tus entradas en línea en tempolatino.com/billetterie, en la tienda física en 3 rue du Général Delort 32190 Vic-Fezensac, o por teléfono al 05 62 06 56 66.

¡No te pierdas la 30ª edición de Tempo Latino, una celebración vibrante de la música y la cultura latina en el corazón de Francia!

 

Tempo Latino Stage

Publicado en: 2025, Europa, Eventos

Maite Hontele

23 junio, 2025 by Valentina Maria Diaslara Morales

Europa / Holanda

Maite Hontele. La mezcla perfecta entre sabor latino y raíces europeas

Maite Hontele
Maite Hontele

Una chica con pasión y talento, nominada al premio Grammy Latino en la categoría Mejor Álbum de Salsa, la trompetista Maite Hontelé está transformando el papel de la mujer en la música. Personas en América, Europa y Asia han sido testigos de su talento mágico y la forma en que se presenta en el escenario.

Nacida en Holanda, pero colombiana en su corazón, la música de Maite es una mezcla perfecta de elegancia europea y alegría tropical, lo cual se refleja en sus 4 álbumes: Llegó la Mona, Mujer Sonora, Déjame Así y Te Voy a Querer, los dos últimos. editado en vinilo.

Maite Hontele en concierto
Maite Hontele en concierto

También conocida como ‘Mujer Sonora, Maite ha colaborado con artistas como Rubén Blades, Buena Vista Social Club, Chocquibtown, Oscar D´ León, entre otros, todos ellos atraídos por su estilo. Inmersa en la música latinoamericana desde sus primeros años, estudió en el conservatorio de Rotterdam, especializándose en jazz, salsa, flamenco y música brasileña.

También fue invitada a participar en la gira europea de Buena Vista Social Club.

Llegó a Medellín siguiendo su corazón y su trompeta, lanzando un disco tras otro y haciendo giras internacionales con su banda de salsa. Quizás inevitablemente, rápidamente se hizo un nombre en Colombia a través de su exploración de la salsa en sus múltiples formas.

Maite Hontele - Flyers
Maite Hontele – Flyers

Oscar D´ León dice “Ella es la mejor del mundo, ¡qué delicia! ¡La forma en que toca es extraordinaria, sobresaliente!”

Su próximo paso en Europa: Fiestas de la Virgen del Pino TEROR, ESPAÑA – 5 DE SEPTIEMBRE ¡Quédate con nosotros cuatro más información sobre la gira europea! Para más información https://www.facebook.com/fansmaitehontele/

Publicado en: 2017, Artistas, Europa, Eventos, Septiembre

Isadora Duncan destinada a una Vida, de Libertad y Vanguardia, Belleza y Tragedia

28 mayo, 2025 by Augusto Felibertt

Isadora Duncan nació en San Francisco en 1877. Su padre Joseph, poco después abandonó la familia. Dejada en una pobreza extrema, su madre Mary Isadora Gray, tuvo que trabajar duro para mantener a los cuatro hijos.

Isadora Duncan destinada a una Vida, de Libertad y Vanguardia, Belleza y Tragedia
Isadora Duncan destinada a una Vida, de Libertad y Vanguardia, Belleza y Tragedia

No obstante, siempre les decía; «Podemos prescindir del pan, pero nunca del Arte», y siempre alentó las vocaciones artísticas de sus hijos.

Su madre la introduce desde muy pequeña en las obras de Beethoven, Schubert, Schumann, Mozart y Chopin y a las lecturas de Shakespeare, Shelley, Keats y Whitman; también le enseña sobre cultura clásica griega, paganismo y feminismo.

El clan familiar vivía como una pequeña compañía artística; Mary impartía clases de piano, e Isadora enseñaba baile, mientras su madre interpretaba Mendelssohn al piano.

Luego su hermana Elizabeth recitaba algunos poemas de Teócrito y cerraba su hermano Raymond con una pequeña charla sobre los griegos o sobre la danza y sus efectos en la sociedad del futuro.

Aunque se presentó en varias audiciones como bailarina en diferentes teatros, no tuvo éxito.
Isadora percibía el Baile de manera muy diferente.

Ella creía en la improvisación, con el movimiento como olas de un mar que reflejaban la misma Alma, un concepto casi místico y espiritual, alejado de la técnica formal del Ballet Clásico.

Como cuenta en su autobiografía:
«Nací a la orilla del mar. Mi primera idea del movimiento y de la danza me ha venido seguramente del ritmo de las olas y también la naturaleza; las nubes arrastradas por el viento, los árboles que se estremecen, los pájaros que vuelan, las hojas que dan vueltas.»

Isadora Duncan nació en San Francisco en 1877.Su padre Joseph, poco después abandonó la familia.
Isadora Duncan nació en San Francisco en 1877.
Su padre Joseph, poco después abandonó la familia.

Esa naturaleza viva, es la que intentaba expresar danzando.
Poco después, tras el incendio de su casa, la familia volvió a quedar en la ruina.

Obtuvo un pequeño papel en una pantomima en Nueva York: Madame Pygmalion.

Tuvo que pedir dinero para el billete de tren y durante más de un mes ensayó sin cobrar. En el descanso de mediodía Isadora no tenía dinero para comer y se escondía en las instalaciones para dormir y seguir ensayando después.

Finalmente, a esa ciudad se mudó su familia, donde en 1896, Isadora se incorporó a la compañía del dramaturgo John Augustine Daly, tomando lecciones de ballet con Marie Bonfanti. Por su rechazo a un academicismo que ella consideraba limitante y poco natural, en 1898 consigue viajar a Europa.

Llega a Inglaterra, donde siempre autodidacta, estudia Artes en el British Museum, donde encuentra la gran inspiración para sus danzas que evocan los movimientos y las vestimentas griegas antiguas. Observa los movimientos de las danzarinas en las vasijas griegas, y de allí adopta una de sus posturas características: la de echar la cabeza hacia atrás como las vacantes.

Parte a Francia, donde conoce a Löis Fuller, que compartía sus ideas. Löis era como ella una bailarina alternativa, y sus números de danza tenían algo de espectáculo circense y teatro de variedades.

Juntas inician una una gira por Múnich y Viena, y crearon nuevas performances; “Dance Serpentine”, “Dance of Fire”, y “The Divine Shoe”, de un concepto absolutamente moderno Isadora finalmente en Budapest, firmó el primer contrato para bailar sola en un gran escenario.

“Dance of Fire”, y “The Divine Shoe”, de un concepto absolutamente moderno Isadora finalmente en Budapest
“Dance of Fire”, y “The Divine Shoe”, de un concepto absolutamente moderno Isadora finalmente en Budapest

Y lo hizo con un gran  éxito, consagrándose en todos los escenarios europeos.
Luego de uno de sus espectáculos, fue a saludarla un gran admirador, nada menos que Konstantín Stanislavski, el creador del célebre método de actuación y uno de los fundadores del Teatro Ruso.

Ante la pregunta de éste sobre quien le había enseñado a bailar, Isadora respondió Terspsícore. No obstante, la suya seguía siendo una danza transgresora.  Ella quería liberar a las bailarinas de los ballets en puntillas, los tutús y las figuras encorsetadas, para dar una expresión al alma mediante el Arte.

El «vestuario» de sus coreografías eran amplias túnicas transparentes, y los pies descalzos para tener un contacto directo con la tierra.  Gran admiradora de la cultura helénica, en Grecia inició la construcción de una escuela de Danza, en la colina de Kopanos. Le siguieron otras en Alemania y París.

En ellas se aceptaban muchas veces a niñas provenientes de hogares muy humildes, a las que no se les cobraba
Con el tiempo los gastos eran casi insostenibles, pero Paris Singer, heredero del imperio de máquinas de coser, apareció ofreciendo ayuda económica para que puedan continuar.

Inició giras por Europa, Rusia, donde fue invitada por Lenin, y América, pese a lo que más amaba era la Enseñanza.
Decía; «Primero, enseñamos a los niños a respirar, vibrar, sentir y volverse uno con la armonía general y el movimiento de la naturaleza. Primero, vamos para crear un hermoso Ser Humano, un niño bailarín!»
Luego de dos rupturas matrimoniales, en 1913 en un trágico accidente perdieron la vida ahogados en el Sena, sus hijos, Deirdre y Patrick.

Al año siguiente un tercer hijo falleció poco después de nacer.
A partir de entonces, en todas sus coreografías, aparecerá un largo pañuelo rojo sobre su túnica blanca, como una herida permanente sin cerrar. En 1917, adoptó a 6 de sus estudiantes, Los Duncan.

En el Día Internacional de la Danza, recordamos a la creadora del Ballet Contemporáneo Isadora Duncan
En el Día Internacional de la Danza, recordamos a la creadora del Ballet Contemporáneo Isadora Duncan

Si bien Isadora tuvo muchos idilios, sus relaciones más estables fueron con Oscar Beregi, Gordon Craig, Paris Singer y Sergei Esenin.

Pero para mantener su Libertad nunca quiso casarse.
En la cima de su fama, el 14 de Septiembre de 1927, cuando  iba a dar un concierto en Niza, desde su auto saludo al público; “¡Adiós amigos! ¡Me voy a la gloria!».

Poco después, el mismo pañuelo rojo que nunca la abandonada, se enredó en la rueda trasera y provocó su muerte.
Comenzaba su Leyenda. Ana e Irma, dos de sus hijas adoptivas, continuaron difundiendo la técnica Duncan, que todavía se enseña y se baila en la actualidad.

Diva ante litteram, rebelde y pionera de la revolución de la danza que estalló durante el siglo XX, referente extremo de independencia y pureza: Isadora Duncan además de la madre de la danza moderna, es una anticipación de la Mujer libre. ideal, inconformista e independiente, que tendría que esperar aún décadas en aparecer.

Día Internacional de la Danza (29 de abril)

Esta fecha, proclamada por la UNESCO en 1982, se conmemora el nacimiento de Jean-Georges Noverre, un innovador y maestro de la danza considerado el creador del ballet moderno. 

En el Día Internacional de la Danza, recordamos a la creadora del Ballet Contemporáneo.

Fania All Stars

Album: Crossover

Tema: Isadora

Arranged By: Louie Ramirez

Arranged By: (All Strings) Vincent Montana, Jr.

Producer: Jerry Masucci

Written By: C. Curet Alonso

Fania All Stars Crossover 1979
Fania All Stars Crossover 1979

Por:

Angel A. Padron Hernandez

Dj. Augusto Felibertt

Tambien Lea:  Conoce a Yolanda Moreno, una estrella de latinoamérica y el caribe

Publicado en: 2025, Academias de baile, Artistas, Biografia, Europa, Junio, Norte America

John Erban

22 mayo, 2025 by Karina Bernales

Europa/ Suiza / Ginebra

John Erban. La sensación internacional de la escena del tango

En International Salsa Magazine, creemos que lo que hace especial a alguien es su pasión y amor por lo que hace y aporta a los demás. Este es el caso de John Erban, el bailarín e instructor de tango venezolano que tuvimos el placer de conocer este mes.

Foto 1: John Erban - Tango
Foto 1: John Erban – Tango

John tiene su sede en Ginebra, Suiza. Está preparando su próxima gira europea para dar clases de Tango, shows, festivales y más.

Con un comienzo interesante, este venezolano dejó la carrera de ingeniería para seguir una pasión que crecía en su interior: la danza. La influencia colombiana en su familia fue muy importante para él para dar ese paso en la danza. Su comienzo se centró en un estilo más latino/caribeño, comenzando con la salsa y el folklore venezolano.

Foto 2: John Erban - Tango
Foto 2: John Erban – Tango

Después de muchos años de dominar estos estilos, dando espectáculos y actuaciones, John conoció el estilo que cambió su vida, el Tango. Gracias a la Compañía Tango Caracas, este bailarín inició una carrera en la escena del tango y en 2006, después de solo tres meses de practicar con su pareja en ese momento, John fue al campeonato mundial de tango en Argentina y la pareja pudo pasar a la semifinal. – final, algo destacable para una pareja de concursantes venezolanos.

Posteriormente, en 2007, llegaron a la final y en 2008 la pareja volvió a participar del concurso y obtuvo el 3er lugar.

Foto 3: John Erban - Tango
Foto 3: John Erban – Tango

Después de eso, muchas puertas se abrieron para John en la escena del tango alrededor del mundo, realizando una gira de baile en Tokio, Japón y diferentes países de Asia. Este fue un proceso de aprendizaje para John de muchas maneras, porque tuvo la oportunidad de conocer muchas culturas, idiomas, perspectivas y, en general, bailes diferentes.

Regresó a Argentina en 2009, esta vez con la espectacular bailarina Clarissa Sánchez como su nueva pareja de baile, pero fue recién hasta 2011, año de la victoria, donde empató en el primer lugar con una pareja colombiana. Luego de esto, la carrera de John Recién despegué, trabajando y bailando mucho en Argentina, haciendo giras por Estados Unidos y Europa.

Foto 4: John Erban - Tango
Foto 4: John Erban – Tango

Actualmente, John está trabajando solo en Suiza, organizando una gran milonga una vez al mes en Ginebra y siendo invitado a ser jurado, actuar, pinchar y enseñar en festivales y otros eventos culturales en todo el mundo. En noviembre comienza su próxima gira europea, con países confirmados como Francia, España, Italia, Suiza y Reino Unido.

Algunos de sus premios

  • Representante de Venezuela en la 8va. Cumbre Mundial de Tango en Bariloche, Argentina 2009.
  • Finalista del 7º Campeonato Mundial de Tango realizado en Buenos Aires en 2009 en la categoría de Tango Salón.
  • 3er lugar del 1er Campeonato Mundial de Tango realizado en Medellín, Colombia en 2011 en la categoría Tango Salón.
  • 7° lugar del 1° Campeonato Mundial de Tango realizado en Medellín, Colombia en el año 2011 en la categoría de Tango Escenario.
  • 2do lugar del IX Campeonato Mundial de Tango realizado en Buenos Aires, Argentina en 2011 en la categoría Tango Salón.
  • 5° lugar del IX Campeonato Mundial de Tango realizado en Buenos Aires, Argentina en 2011 en la categoría Tango Escenario.

MEJOR PAREJA EXTRANJERA DE 2011, en el IX Campeonato Mundial de Tango realizado en Buenos Aires, Argentina en 2011

Pero tener un estilo de vida en el que tienes que viajar por todo el mundo hace que sea difícil estar cerca de tu familia y de tus seres queridos y esa es una lección que John ha aprendido después de muchos años de trabajar duro. “Cuando viajas así, tienes que interiorizar un estado de separación, y ha sido muy duro para mí, pero todavía estoy trabajando en eso”.

Sin embargo, John está haciendo todo lo posible para tener a su hijo con él y estar lo más cerca posible de su familia. Los objetivos futuros de John son seguir viajando, trabajando y bailando. También trabaja para el próximo año en el desarrollo de su propia línea de ropa, producción de videoclips y clases de tango en línea a través de su nuevo sitio web.

Foto 5: John Erban - Tango
Foto 5: John Erban – Tango

Viajar le da una gran oportunidad de aprender y ver todo tipo de idiomas y culturas. También quiere crear una academia de baile y una compañía de baile, para poder hacer festivales, talleres y más.

John habla sobre Venezuela, su situación actual, Europa, la gente a la que está ayudando y más, pero lo más notable y hermoso es lo apasionado que habla sobre el tango y la danza en general. Cuando hablas con él, las ganas de aprender a bailar empiezan a crecer, es simplemente inspirador.

Cuando le preguntamos qué es lo que más le gusta del Tango, dice que es la energía que quieres dar y mostrar a los demás, la energía que quieres que sienta tu pareja, las sensaciones, los movimientos… Él lo sabe. El tango es un estilo muy estricto con reglas específicas y requiere mucha disciplina, pero él está innovando el estilo, dándole su firma y personalidad, y eso es lo que quiere desarrollar, una nueva forma de estilo de tango que pueda cautivar a cualquiera. .

Finalmente nos da tips para principiantes en el Tango y en la danza en general. “Mantente humilde, siempre. El ego es un obstáculo que todo bailarín tiene que vencer. También necesitas tener disciplina, aprender Tango y cada baile es como aprender un nuevo idioma, tienes que practicar mucho y poner todo tu esfuerzo para lograr tu objetivo”. El mejor consejo de un profesional.

Foto 6: John Erban - Tango
Foto 6: John Erban – Tango

John Erban es una persona única, con mucho talento y una personalidad vibrante. Para saber más sobre él y su trabajo, visita su página https://www.facebook.com/Johnerbantango/ www.johnerbantango.com Instagram y Twitter: @johnerbantango Correo: [email protected]

Publicado en: 2017, Artistas, Entrevistas, Europa, Octubre

Septeto Nacional de Ignacio Piñero ha desempeñado un papel importante en la música de Cuba durante más de siete décadas

30 abril, 2025 by Augusto Felibertt

Fundado por el bajista y vocalista nacido en La Habana Ignacio Piñero en 1927, el Septeto Nacional De Ignacio Piñero ha desempeñado un papel importante en la música de Cuba durante más de siete décadas.

Fundado por el bajista y vocalista nacido en La Habana Ignacio Piñero en 1927
Fundado por el bajista y vocalista nacido en La Habana Ignacio Piñero en 1927

Pioneros del son, una mezcla rítmica de música africana y cubana que evolucionó hacia la salsa, el mambo y el jazz latino, el grupo fue la primera banda de son que incorporó la trompeta como instrumento principal.

El Septeto Nacional de Ignacio Piñero obtuvo reconocimiento mundial con su actuación en la Exposición Universal de Sevilla de 1928, fue, según se dice, el primer grupo que mencionó la «Salsa» en una canción «Echale Salsita» grabada en 1933. La canción compuesta por Piñero, fue adaptada por George Gershwin para el tema de apertura de su «Obertura Cubana».

Desde la muerte de Piñero en 1968, tras 41 años al frente de la banda el Septeto Nacional De Ignacio Piñero ha sido dirigido por una serie de líderes.

El guitarrista y compositor Rafael Ortiz, que tomó el relevo tras la muerte de Piñero, legó el puesto al vocalista Carlos Embale en 1982.

Tras dejar el grupo por enfermedad en 1998 el liderazgo de embale fue heredado por el guitarrista Richard Aymee Castro. Fieles a sus raíces musicales originales, el Septeto Nacional de Ignacio Piñero sigue ofreciendo una mezcla bailable de montano, merengue, bolero, rumba y cha cha cha. Craig Harris

Ignacio Pineiro
Ignacio Pineiro

Ignacio Piñero fue uno de los Pionero del Son Cubano

En 1906 ya conocía y había asimilado los distintos toques de los cabildos africanos que existían en el barrio de Pueblo Nuevo, que luego incorporó a algunas de sus creaciones.

Inició su carrera artística con el grupo claves y guaguancó El Timbre de Oro, posteriormente dirigió Los Roncos de Pueblo Nuevo, en el cual se desarrolló como decimista y director, a la vez que dio sus primeros pasos como compositor.

De esta etapa son: Cuando tú, tu desengaño veas, Dónde estabas anoche, El Edén de Los Roncos, Mañana te espero, niña. Más tarde ingresó en el grupo Renacimiento de Pueblo Nuevo.

A los valores folklóricos que Piñeiro cultivó en estas agrupaciones, le aportó un más amplio desarrollo melódico-armónico y una mayor profundidad y vuelo poético.

En 1926 fue uno de los fundadores, junto con María Teresa Vera, del Sexteto Occidente, con el cual realizó su primera gira a Estados Unidos con objeto de grabar un disco con esta agrupación.

En 1927 fundó el Sexteto Nacional, integrado por Ignacio Piñeiro, director y contrabajo; Alberto Villalón, guitarra; Francisco González Solares, tres; Abelardo Barroso, voz prima; Juan de la Cruz, tenor; Bienvenido León, barítono y maracas, y José Manuel Carrera Incharte (El Chino), bongó; ese mismo año se incorporó el trompetista Lázaro Herrera. Con este septeto viajó a Nueva York, y allí grabó sus primeras obras.

En 1929 participó con el Septeto Nacional en la Feria-Exposición de Sevilla, España; en ese país fueron contratados como artistas exclusivos por la empresa SEDECA, y realizaron una gira por otras ciudades de ese país: Vigo, La Coruña, Santander, Madrid y Valladolid; además, actuaron en los teatros Torero, Jovellanos, el Cine-Teatro Grado, y el cabaret Maicú, todos en Madrid. En 1930 fue uno de los fundadores de la Asociación Nacional de Soneros Cubanos.

Pioneros del son, una mezcla rítmica de música africana y cubana
Pioneros del son, una mezcla rítmica de música africana y cubana

Actúan en el cabaret Sans-Souci (1930); en 1931 se presentan en las radioemisoras Lavín y CMCG; en 1932, en el hotel Dos Hermanos, estrena Buey viejo; este mismo año viene a La Habana el compositor norteamericano George Gershwin, en la radioemisora CMCJ escuchó el son de Piñeiro Échale salsita, del que después utilizó el tema ejecutado en la trompeta en su Obertura cubana.

En 1933 actuó en la Feria-Exposición Un Siglo de Progreso, celebrada en Chicago, Estados Unidos.

En 1934 Piñeiro se retira del septeto, que a partir de 1935 pasó a ser dirigido por el trompetista Lázaro Herrera. En 1954, reaparece Piñeiro al frente del septeto, con el que se presenta en el programa de televisión Música de Ayer y de Hoy.

Como compositor, Ignacio Piñeiro rompió, aunque tomó elementos de éste con la forma del son oriental, en el que sus creadores utilizaban la cuarteta y la décima; ejemplo de esa ruptura es su son Buey viejo, de 1932:

Carretero no maltrates a ese pobre buey tan viejo, que ya dobla la cabeza por el peso de los tarros, y por senda de guijarros va tirando la carreta, y nunca llega a la meta, término de su dolor.

Piñeiro fue uno de esos casos síntesis que logró captar, desarrollar y expresar la riqueza plena del son.

Las modificaciones estructurales, la cadencia, el ritmo y el empleo de melodías y letras depuradas, logradas por este creador e interpretada por el Septeto Nacional, hacen posible decir que la obra de este singular artista, si bien no marcó los deslindes del son (que correspondió al Sexteto Habanero), sí lo convirtió en un son que hoy podemos llamar clásico, que se convirtió en un modelo para su desarrollo ulterior.

Cuando Ignacio Piñeiro fundó el Septeto Nacional, su propósito fue que fuera un alto exponente del son cubano y de sus diversas variantes él mismo hizo uso de esas variantes, al componer guajira-son, canción-son, afro-son, por lo que trabajó con los elementos que le ofrecía el son oriental, al que impartió un tratamiento más amplio, tanto en lo musical como en lo literario.

Según Miriam Villa: «Si analizamos la organización del texto literario, observamos en su obra la utilización formal de eslabones métricamente heterogéneos sometidos al ritmo, caracterizado por la presencia de elementos acentuados y no acentuados dentro del sistema de unidades que se repiten a intervalos entre ellos.

A Piñeiro no debe haberle resultado preocupante el metro en el texto como patrón, ya que a través del ritmo de la composición logra las relaciones de contraste, haciendo que el cambio de metro exprese un cambio en el movimiento temático, bien a partir de intermitencias o acentuaciones o a veces de ambas que le imprimen diversos matices semánticos y alternancias de tensiones y distensiones.

Y en otra parte plantea Villa: «Otro aspecto que con relación al texto literario se refleja en la labor creativa de Piñeiro es el de los contenidos temáticos; éstos se muestran a partir de una diversificación con mayor alcance en relación con sus contemporáneos.

Su obra puede dividirse en múltiples temas entre los se encuentran el amor, la patria, la reflexión filosófica, la política, lo bucólico, lo infantil, expresados en diversidad de formas: satírica, apologética, humorística y con mayor profundidad que en la producción sonera que le antecedió e incluso con la que compartió.

Con el Septeto Nacional, Piñeiro aparece en el corto musical El frutero, y en el filme Nosotros la música, de realizador Rogelio París.

Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro

Septeto Nacional de Ignacio Piñero El Son de Altura
Septeto Nacional de Ignacio Piñero El Son de Altura

El Son de Altura (1998)
Temas:

01. Mayeya – No Juegues Con Los Santos (Son) (I. Piñeiro)
02. Bardo (Bolero-son) (I. Piñeiro)
03. Lejana Campiña (Guajira-son) (I. Piñeiro)
04. Canta La Vueltabajera (Guajira-son) (I. Piñeiro)
05. Guanajo Relleno (Guaracha-son) (I. Piñeiro)
06. Esas No Son Cubanas (Son) (I. Piñeiro)
07. Suavecito (Son) (I. Piñeiro)
08. Alma Guajira (Guajira-son) (I. Piñeiro)
09. Castigador (Son) (I. Piñeiro)
10. Échale Salsita (Son-pregón) (I. Piñeiro)
11. EI Viandero (Son-pregón) (Ernesto Muñoz)
12. Son De La Loma (Son) (Miguel MGllamoros)
13. Trompeta Querida (Boleró-son) (Lózoro Herrera)
14. La Mujer De Antonio (Son) (Miguel Matamoros)
15. La Cachimba De San Juan (Son) (l. Plñeiro)
16. EI Alfiler (Son) (l. Plñeiro)
17. Noche De Conga (Son) (l. Plñeiro)
18. EI Paralitico (Son) (Miguel Matamoros)

Por:

EcuRed

Dj. Augusto Felibertt

L’Òstia Latin Jazz

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Publicado en: 2025, Biografia, Europa, Latin Jazz, Latino America, Mayo, Musica Latina, Orquesta

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