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Latino America

Academia Salsa y Sentimiento

3 febrero, 2026 by Karina Bernales

Latinoamerica / Argentina / San clemente del Tuyú

La Academia Salsa y Sentimiento es conocida por ser la primera Academia de Baile del Partido de La Costa, la cual se fundó en abril de 2012 por su director actual, el Sr. Gerardo Osvaldo Russo; donde se enseña, practica y dictan sus clases tanto para adultos como para niños de Salsa y Bachata, Reggaetón, Pop Dance, Contemporáneo, Ritmos, Tango, Iniciación a la danza; también nos mencionan que no solo se dan clases para aprender ritmos latinos sino que también organizan fiestas, festivales, congresos, eventos y otras actividades de Salsa para reunir a los salseros y bachateros tanto a nivel nacional como internacional que los visitan todos los años.

Academia Salsa y Sentimiento - San Clemente Salsa Congress
Academia Salsa y Sentimiento – San Clemente Salsa Congress

Gerardo Osvaldo Russo

El Sr Gerardo Osvaldo Russo que nació el 3 Julio de 1984, vive en una pequeña ciudad llamada San Clemente Del Tuyú, Argentina; nos menciona sobre sus gustos por la salsa y ritmos latinos y nos cuenta que en el año 2005 comenzó a bailar y escuchar salsa y desde ese momento comenzó su gusto y pasión, luego pasó a bailar otros ritmos caribeños.

A partir del 2009 realizo un profesorado de Ritmos Caribeños en el estudio «SAOCO» que es uno de los mejores lugares para capacitarse en su país, para esc tenía que viajar todas las semanas ya que está a 300 kilómetros de distancia de donde vivía. Tomo una importante decisión que era la de dedicarse por completo a enseñar y luego a futuro poder crear nuevos proyectos que ya tenía en mente.

«Nos menciona que la ciudad donde vivía no tenía forma de capacitarse ya que había pocos recursos y no podía llegar a realizar todo lo que tenía pensado, además su motivación era crecer personalmente como docente y bailarín y así poder volcar todos los conocimientos que iba adquiriendo a las personas que iban a sus clases. Para el año 2008 comenzó a dar clases al principio como un hobby durante un año y medio hasta que tomo la decisión de trabajar en un 100% en su profesión; por lo que hoy en día tiene su propia Academia de Baile denominada ‘Academia Salsa y Sentimiento’ la cual se inauguró en el 2012 donde actualmente es coordinador y profesor; también se encarga de organizar el ‘San Clemente Salsa Congress’ desde hace unos 3 años y para su institución realiza todos los años fiestas de Salsa, Bachata y demás ritmos caribeños, a estos incluyen los seminarios y capacitaciones con profesores de gran calidad y trayectoria.»

El motivo que permitió la inauguración de la «Academia Salsa y Sentimiento» fue básicamente que había una necesidad en la gente no solo de su ciudad, sino también de las ciudades vecinas del Partido de la Costa, que es la región a la cual pertenece San Clemente del Tuyú y así tuviera la oportunidad de poder aprender a bailar, expresarse, encontrar un lugar de liberación y pertenencia y poder también conocer gente y socializar; por lo que es conocida por ser la primera academia de baile registrada en toda la región sintiéndose muy orgulloso de su equipo de trabajo y de sí mismo.

En pocas palabras mencionan que su objetivo siempre fue que la gente se sienta identificada con las actividades que realizan, encuentre un lugar donde pueden aprender y divertirse, además de recargar energías. Los alumnos que ingresan a esta academia pueden hacerlo sin ninguna experiencia o conocimiento del ritmo que deseen practicar. Para este año 2017 van a inaugurar su web oficial para tener más información y no solo información a través de su cuenta en Facebook. En la academia se comienza de cero pero también puede venir gente que ya tiene conocimiento porque tenemos varios niveles.

Trabajamos con personas desde los 3 años en adelante. La meta más grande a realizar fue crear un Congreso de Salsa Internacional donde plantearon llevar a competir a sus alumnos; y en el año 2016 pudieron realizarlo con el grupo de reggaetón con el profesor «Maximiliano Laplaca» llegando a las finales de una de las competencias más importantes de Argentina y Sudamérica llamada «Torneo Argentino de Aeróbica y Danza» (TAAD).

Para este año junto a otras empresas de la ciudad están trabajando para brindar beneficios a sus alumnos y no sólo tenga la posibilidad de aprender y divertirse si no también puedan acceder a descuentos y beneficios en comercios de San Clemente. También hay un proyecto para dentro de unos años y es poder formar profesores que salgan de nuestra Academia.

Al finalizar Gerardo Russo nos da un mensaje tanto para los estudiantes como los futuros aprendices «Mi mensaje es como docente pero fundamentalmente como ser humano es que no dejen de ir en busca de sus sueños, siempre que se trabaje fuertemente con responsabilidad, pasión y respeto las cosas se pueden lograr. Decirle también a todo aquel que quiera venir a la Academia Salsa y Sentimiento encontrará un lugar no solo donde puede aprender a bailar y capacitarse si no un grupo humano de contención, un lugar donde puede libremente expresar y sacar todo lo que lleva dentro. Grandes y chicos ha los que nos une la pasión por bailar. Docentes que aman lo que hacen y desean transmitirlo a las nuevas generaciones. Siempre abiertos a la posibilidad de escuchar a todo aquel que tenga ideas nuevas para construir todos los años una mejor ACADEMIA SALSA Y SENTIMIENTO»

Para este año 2017 desde el mes de Enero y Febrero se tiene el cronograma de los distintos ritmos mencionados anteriormente, para que toda persona tenga conocimiento antes de poder ingresar.

Esta grandiosa Academia se encuentra en la calle 21 N° 139, entre 24 y 1 de San clemente del Tuyú, Argentina

Publicado en: 2017, Academias de baile, Febrero, Latino America

Don Perignon y La Puertorriqueña lanzan Classique et Savoureux

31 enero, 2026 by International Salsa Magazine presenta

El timbalero, director y productor musical Pedro Luis Morales Cortijo “Don Perignon” presenta la catorceava producción musical de la “orquesta del bailador” bajo el título Classique et Savoureux. El director de La Puertorriqueña integró en la misma tres voces invitadas: la del músico y sonero venezolano Marcial Istúriz, la de Josué Rosado, uno de los cantantes más recordados por su paso por La Puertorriqueña y la de “el niño de Trastalleres”, Andy Montañez. Con este disco, “Don Perignon” afianza su compromiso de seguir produciendo salsa sabrosa con el bailador en mente.

El pasado septiembre de 2025, Don Perignon y Andy Montañez se volvieron a encontrar en el estudio de grabación para reinventar ‘La Bikina’. El sencillo, en formato digital, fusionó el sabor del sonido de La Puertorriqueña de Don Perignon con la veteranía de Andy Montañez. Esta alianza que revive una dupla nostálgica entre “el timbal que baila” y “el compresor que canta” data de 1981 cuando “Perín” tomó las riendas de la dirección musical de Andy, por invitación del legendario vocalista, tras la salida del cantante de la Dimensión Latina. De aquella convivencia, que duró aproximadamente ocho años, Andy Montañez todavía atesora la participación de Don Perignon en la grabación de El eterno enamorado (1988, TH-Rodven) en la que este último no solo tocó timbal, sino que también estuvo a cargo de la dirección musical de la producción. Al respecto, Andy dice: «Lo recuerdo con gran cariño y agradezco su disciplina en la dirección de esa grabación, especialmente porque todos los temas fueron éxitos».

Don Perignon y La Puertorriqueña lanzan Classique et Savoureux
Don Perignon y La Puertorriqueña lanzan Classique et Savoureux

Tal y como prometió el comunicado de prensa en aquel momento, esa fue la antesala de Classique et Savoureux, en la que ‘La bikina’ quedó acomodada como el tercer corte. Don Perignon lanzó ‘La bikina’ con arreglo del pianista y compositor Domingo García, a 60 años de la composición del tema, cuyo título original ‘The Beginning’ nació de la pluma del mexicano Rubén Fuentes Gasson.

El orden de los temas que conforman Classique et Savoureux es como sigue: Joe González compuso e interpretó ‘Ella sigue bailando’ con arreglo de Andy Guzmán; José Karlo Ribot compuso y cantó ‘Hay que quererlas’ en arreglo de Roberto Pérez; Joe González vocalizó ‘Pura imagen’, una pieza clásica de la inspiración de Adalberto Álvarez y cuyo arreglo le fue asignado a Juan C. Cardona; Henry Santiago le dio su voz a ‘Ayer te vi’, de la pluma de Rubén Rada y arreglo de Ramón Sánchez; José Karlo Ribot escribió y vocalizó ‘No se equivocan’, que Carlos “Cuto” Soto se encargó de arreglar; Marcial Istúriz interpretó ‘Yo soy guaracha’, inspiración de Ángel Santos y arreglo de Carlos García; Henry Santiago y Joe González interpretaron un medley arreglado por Juan C. Cardona con los boleros ‘Necesito llamar su atención’ de Roberto y Erasmo Carlo y ‘Mírame más’ de Julio Gutiérrez. Este popurrí incluye la ejecución de Roberto Calderón en la flauta. El corte que cierra el disco, ‘Será mejor’, de la pluma de Héctor Olmo y en arreglo de Juan C. Cardona llegó en la voz de Josué Rosado.

En el timbal y la dirección, el líder de su generación musical, Don Perignon, se respaldó con los músicos de La Puertorriqueña y de varios artistas invitados. En las tumbadoras, Antonio “Coqui” Marrero, Jean Carlos Camuñas y el fenecido William “Kachiro” Thompson se aseguraron de mantener el tiempo y la clave en precisión rítmica. En el bongó se escucha el distintivo golpe de uno de los músicos originales de La Puertorriqueña: Miguel Aponte. En el bajo, se escucha a otro inconfundible, Efraín Hernández, interactuar con el piano de Juan Rivera. Otros pianistas registrados en la grabación incluyen a: Luis Marín, Leni Prieto y Ricky Rodríguez. En los coros, se complementa la producción con la combinación de voces de los irrepetibles: Henry Santiago, Juan Bautista y Joe González. Las trompetas estuvieron a cargo de Ángel y Richie Segarra y de Jesús Alonso, el saxo barítono de Sammy Vélez y la ejecución de los trombones se dio por vía de: Juan C. Cardona, Gamalier González, César Javier Ayala y Carlos “Cuto” Soto.

Pedro Luis Morales Cortijo “Don Perignon”
Pedro Luis Morales Cortijo “Don Perignon”

La grabación se materializó en los estudios de grabación de Rolando Alejandro y de Angelito Segarra, con la masterización de Wiso Rivera.

Con esta entrega se «reafirma el compromiso de Don Perignon con la evolución de la salsa en la era digital» sin descuidar la disponibilidad del disco compacto ni del LP asegurándose de tener la música accesible en todos los formatos posibles.

Con el título Classique et Savoureux Don Perignon honra las más de cuatro décadas durante las que el músico ha llevado su nombre artístico inspirado en la champaña francesa Dom Perignon agradeciendo lo duradero que ha sido el concepto, que comenzó sin una meta clara, pero con mucha disciplina y el firme propósito de hacer música para el bailador. El director de orquesta dijo en entrevista que su proyecto musical «ya es un clásico, gracias a los bailadores que han apreciado y respaldado su sabrosura».

 También Lea: ¡Que viva la música! Repitan conmigo: «Que vivan los músicos para que la sigan haciendo». Y añado yo: «Que viva la SALSA»

Bella Martinez PR

Publicado en: 2026, Artistas, Febrero, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Tito Rodríguez El Inolvidable «Elegante de la Salsa»

29 enero, 2026 by Augusto Felibertt

Un recorrido por la vida y el legado de Pablo Rodríguez Lozada, la voz que definió una era entre el mambo y el bolero.

Pablo Rodríguez Lozada, conocido mundialmente como Tito Rodríguez, nació el 4 de enero de 1923 en Santurce, Puerto Rico. Desde su infancia, el joven Tito demostró una inclinación natural por los ritmos caribeños, organizando en su niñez el conjunto Sexteto Nacional junto a su inseparable amigo Mariano Artau.

Pablo Rodríguez Lozada, conocido mundialmente como Tito Rodríguez
Pablo Rodríguez Lozada, conocido mundialmente como Tito Rodríguez

Los primeros pasos de un prodigio

A los 13 años, su carrera profesional comenzó a tomar forma al integrarse al Conjunto Típico Ladí (o Conjunto de Industrias Nativas), dirigido por Ladislao Martínez. Poco después, se unió al Cuarteto Mayarí, bajo la dirección de Plácido Acevedo, donde tocaba las maracas y hacía la segunda voz; aunque esta etapa solo duró cuatro meses y no dejó registros grabados, fue fundamental para su formación.

En 1939, con apenas 16 años, Tito emigró a Nueva York con la esperanza de trazar su propia ruta musical. Sus primeros trabajos en la Gran Manzana incluyeron colaboraciones con la orquesta de su hermano Johnny Rodríguez y grabaciones con el Cuarteto Marcano.

Tras pasar por agrupaciones de prestigio como el Cuarteto Caney y las orquestas de Enric Madriguera y Xavier Cugat, debió interrumpir su ascenso en 1945 para cumplir con el servicio militar en el ejército estadounidense.

El legado de Tito Rodríguez es analizado este domingo en el Viejo San Juan. (Foto UA Latino)
El legado de Tito Rodríguez es analizado este domingo en el Viejo San Juan. (Foto UA Latino)

El ascenso del «Mambo Devil»

Al licenciarse, el pianista cubano José Curbelo lo reclutó para su banda. Fue en el club nocturno China Doll donde Tito conoció a la corista nipo-estadounidense Takeku Kunimatsu (Tobi Kei), quien se convertiría en su esposa y compañera de vida.

En 1948, Tito fundó su propia agrupación: los Mambo Devils. En pleno auge de este género, Rodríguez comenzó una legendaria rivalidad musical con Tito Puente y la orquesta de Machito.

Bajo el sello Tico Records, renombró a su grupo como Los Lobos del Mambo. Consciente de la importancia de la formación académica, ingresó al conservatorio de música Juilliard, donde estudió percusión, vibráfono y xilófono.

Un recorrido por la vida y el legado de Pablo Rodríguez Lozada, la voz que definió una era entre el mambo y el bolero
Un recorrido por la vida y el legado de Pablo Rodríguez Lozada, la voz que definió una era entre el mambo y el bolero

La reinvención: Del Mambo al Bolero

En 1953, firmó con RCA Víctor, estableciendo formalmente el nombre de Tito Rodríguez y su Orquesta. Años después, en 1960, alcanzó un éxito masivo con United Artists y el disco Live at the Palladium.

Sin embargo, en 1963, un veto artístico le impidió presentarse con sus músicos habituales. Lejos de rendirse, asumió el reto de cambiar radicalmente de estilo: dejó el frenesí del mambo para interpretar boleros con acompañamiento de orquesta de cuerdas. El resultado fue el álbum From Tito Rodríguez with Love, un fenómeno de ventas que lo consagró como un romántico inigualable.

El regreso a Puerto Rico y el inicio del fin

Tras disolver su orquesta en 1966 debido a problemas contractuales, regresó a Puerto Rico para protagonizar su propio programa de televisión. No obstante, la nostalgia y su pasión lo trajeron de vuelta a Nueva York con el disco Estoy como nunca.

Tito Rodriguez era excelente tanto en guarachas como en boleros. Esto lo convirtió en uno de los artistas más versátiles de la época.
Tito Rodriguez era excelente tanto en guarachas como en boleros. Esto lo convirtió en uno de los artistas más versátiles de la época.

Fue en 1967 cuando aparecieron los primeros síntomas de la leucemia. A pesar del diagnóstico, Tito continuó trabajando. En 1971 fundó su propio sello, TR Records, lanzando el icónico álbum Inolvidable (Unforgettable).

El último adiós en el escenario

En 1972, celebró sus 25 años de trayectoria con un espectáculo en el club El Tumi de Lima, Perú, junto a la orquesta de Lucho Macedo. Esta grabación en vivo sería premonitoria de su final.

Haciendo caso omiso a las recomendaciones médicas, realizó su última presentación en el Madison Square Garden el 2 de febrero de 1973, junto a la orquesta de Machito. Durante el show, su salud flaqueó y debió ser hospitalizado. Finalmente, el 28 de febrero de 1973, Tito Rodríguez falleció en Nueva York en brazos de su esposa.

Por deseo expreso del cantante, sus restos fueron trasladados a Puerto Rico. En su funeral, diversas figuras de la música le rindieron honores, incluido su antiguo rival, Tito Puente. Hoy, sus cenizas descansan junto a las de su esposa, mientras su voz sigue resonando como uno de los pilares más elegantes y versátiles de la historia de la música latina.

También Lea: Tito Rodríguez, Jr. «El legado del Palladium sigue vigente»

Publicado en: 2026, Artistas, Biografia, Clubes, Febrero, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Norte America, Orquesta

Décimo Festival de la Salsa en Cuba: Un aniversario entre el brillo del escenario y la sombra de la crisis

28 enero, 2026 by Augusto Felibertt

El evento fundado por Maykel Blanco celebra una década de trayectoria en medio de apagones y una inflación que dificulta el acceso al público nacional.

La Habana. Lo que comenzó en 2016 como un sueño personal del músico Maykel Blanco se ha consolidado hoy como el evento turístico-cultural más importante del género en Cuba.

El Festival de la Salsa llega a su décima edición, logrando unificar a las orquestas de primera línea bajo un mismo proyecto y facilitando un intercambio orgánico entre los bailadores locales y el público extranjero que viaja exclusivamente para la cita.

Festival de la Salsa Cuba

Sin embargo, el anuncio de esta celebración programada del 26 de febrero al 1 de marzo en el Club 500 llega en un momento de extrema fragilidad para el país.

Mientras el régimen promueve el festival como una vitrina de «credibilidad y crecimiento», la población cubana enfrenta una profunda crisis económica, marcada por apagones diarios, escasez de insumos básicos y un deterioro sostenido de la calidad de vida.

Homenaje y cartelera de lujo

Esta edición especial rendirá tributo a los 70 años de la orquesta Elito Revé y su Charangón, una institución icónica de la música popular bailable. Según informaron los organizadores en conferencia de prensa, el evento contará con una fuerte presencia internacional, incluyendo instructores de baile y DJs extranjeros.

A partir del viernes 27 de febrero, cuatro orquestas de alto calibre se presentarán cada noche. Entre los nombres confirmados destacan:

  • Los Van Van
  • Alexander Abreu y Havana D’Primera
  • Adalberto Álvarez y su Son
  • Alain Pérez
  • Willy García (Invitado especial desde Colombia, exvocalista del Grupo Niche).
Cartel Oficial de los Artistas que estarán en la 10ma edición de el festival de la salsa en Cuba
Cartel Oficial de los Artistas que estarán en la 10ma edición de el festival de la salsa en Cuba

La brecha económica del acceso

A pesar de la relevancia cultural, el costo de las entradas ha generado debate. La preventa en el Cine Yara se estableció en 800 pesos cubanos (CUP), precio que ascenderá a 1,000 CUP por noche en la sede del evento.

En un contexto de salarios deprimidos e inflación descontrolada, estas cifras resultan inalcanzables para gran parte de los cubanos de a pie, subrayando la distancia entre la propaganda oficial y la realidad cotidiana.

Programación de Conciertos (Cartelera Principal)

Fecha Artistas Destacados
Jueves 26 Feb Gala de Apertura: Issac Delgado, Los Muñequitos de Matanzas y Eduardo Sandoval.
Viernes 27 Feb Los Van Van, Manolito Simonet y su Trabuco, Papucho y Manana Club.
Sábado 28 Feb Maykel Blanco y su Salsa Mayor, Adalberto Álvarez y su Son, Alain Pérez y Willy García.
Domingo 1 Mar Alexander Abreu y Havana D’Primera, Haila Mompié, Elito Revé y su Charangón.

Festival de la Salsa Cuba

Más allá de la música: Una experiencia inmersiva

El festival, impulsado por MB Producciones, ARTEX y la Agencia Paradiso, no se limita a las presentaciones nocturnas (que inician a las 9:00 p.m.). La agenda incluye:

  • Talleres de Baile: Clases de casino, rumba, son y el popular género «reparto», impartidas por prestigiosos profesores.
  • Pool Parties: Encuentros con DJs nacionales e internacionales en el Hotel Memories Miramar.
  • Espacios Teóricos: Conferencias sobre la evolución de la música popular y el legado de figuras como Elio Revé Matos.
Presentadores Oficiales de la 10ma edición del Festival de Salsa en Cuba
Presentadores Oficiales de la 10ma edición del Festival de Salsa en Cuba

Una vez más, el Festival de la Salsa se presenta como un oasis sonoro en una isla sumida en la incertidumbre, dejando en el aire la pregunta de si el arte puede, efectivamente, tender puentes en medio de una crisis tan estructural.

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Publicado en: 2026, Artistas, Eventos, Febrero, Latin Jazz, Latino America, Musica Latina, Orquesta, Radio

Víctor Cuica “El Soplo Eterno del Jazz Latino y la Identidad Venezolana

25 enero, 2026 by Augusto Felibertt

El legado de un visionario que unió el saxofón con la esencia del Caribe y el cine nacional.

Víctor Cuica no fue solo un músico; fue un puente entre dos mundos. Nacido el 19 de abril de 1949 en la emblemática parroquia de La Pastora, en Caracas, Cuica se consolidó como un destacado saxofonista y actor, reconocido mundialmente por su innovación al fusionar el Jazz con las raíces afro-caribeñas.

Su presencia marcó una época dorada en la cultura venezolana, compartiendo escenarios con leyendas de la talla de Tito Puente, Paquito D’Rivera, Porfi Jiménez y Gerry Weil.

Víctor Cuica “El Soplo Eterno del Jazz Latino y la Identidad Venezolana“
Víctor Cuica “El Soplo Eterno del Jazz Latino y la Identidad Venezolana“

Formación y los Primeros Pasos: El Nacimiento de un Estilo

La trayectoria de este virtuoso del saxofón tenor, soprano y la flauta comenzó en 1963, en la Escuela de Música Militar de La Victoria. Su paso por la banda de la marina venezolana fue el catalizador de su amor por el Jazz, lo que lo llevó a profundizar sus conocimientos en flauta, armonía y composición en la Escuela Superior de Música «José Ángel Lamas».

Su carrera profesional despegó en la orquesta de Chucho Sanoja. Poco después, se integró a la agrupación de Oscar D’León. Fue precisamente Cuica quien propuso el nombre «Dimensión Latina» para reemplazar al entonces «Oscar y sus Estrellas», bautizando así a la que se convertiría en la orquesta de salsa más icónica de Venezuela.

Victor Cuica en concierto realizado el dia 22 de agosto 2011 en la plaza Juan Pedro Lopez en Caracas
Victor Cuica en concierto realizado el dia 22 de agosto 2011 en la plaza Juan Pedro Lopez en Caracas

El Jazz Latino: Entre el Cine y los Escenarios Internacionales

A finales de los años 70, Cuica expandió su horizonte hacia el séptimo arte. En 1978, compuso e interpretó la banda sonora de «El Mar del Tiempo Perdido», basada en el relato de Gabriel García Márquez. Un año después, consolidó su propia agrupación, «Víctor Cuica y su Jazz Latino», debutando con éxito rotundo en el Teatro Alcázar de Caracas y proyectándose internacionalmente en Costa Rica.

Durante la década de los 80, la crítica lo encumbró como el innovador más importante de la fusión jazzística en la región. Su talento lo llevó a escenarios históricos:

  • 1981: Triunfó en el festival «Memphis in May», en Tennessee.
  • 1982: Se presentó en el prestigioso club «Domicile» en Múnich, Alemania.
  • 1985: Marcó un hito al ser la primera formación venezolana invitada al Festival Internacional de Jazz de Montreal, donde compartió aplausos con el legendario vibrafonista Lionel Hampton.

Madurez Artística y Reconocimientos

En los años 90, su música alcanzó nuevas dimensiones académicas cuando el maestro Eduardo Marturet compuso para él la obra «Música para seis y saxo», estrenada con la Sinfonietta Caracas. Esta pieza representó a Venezuela en la Exposición Universal de Sevilla en 1992.

Víctor Cuica no fue solo un músico; fue un puente entre dos mundos. Fotografia en Juan Sebastian Bar
Víctor Cuica no fue solo un músico; fue un puente entre dos mundos. Fotografia en Juan Sebastian Bar

Su discografía, que incluye joyas como “Que sea para siempre” (1948), “Noctámbulo” (1993), “Just Friends” (1998) y “Los Locos de Caracas” (1999), es un testimonio de su versatilidad. En 1995, la Casa del Artista de Venezuela lo condecoró como el Mejor Músico del Año.

Un Adiós con Sabor a Callejón y Bohemia

Víctor Cuica falleció el sábado 26 de diciembre de 2020, a los 71 años, a causa de un infarto. Su partida dejó un vacío en el cine, donde protagonizó cintas memorables como «Santera» (cuya banda sonora también compuso y premió en 1997), y en las noches bohemias de Caracas, donde su saxofón solía ser el protagonista.

El Homenaje de los Pares

El multipercursionista José Hidalgo, «El Tokun Mayor», describe a Cuica con palabras que resumen su esencia:

“Víctor Cuica es el mejor ejemplo de un artista íntimamente vinculado a su realidad cotidiana y a su origen cultural, sin perder de vista el carácter cosmopolita y universal de su mensaje musical. Cuica es la expresión del genuino jazz interpretado con la sencillez de la calle.

Y es que Víctor es tan auténtico en su trato personal como en su condición de artista. Esta virtud ha sido su compañera de tránsito por numerosos escenarios internacionales, abarcando ámbitos musicales, cinematográficos, teatrales y operísticos; siempre con la trascendencia del juglar bohemio, sencillo y audaz.

Víctor Cuica jamás deja de sorprendernos, bien sea a través de su voz o con el sonido del saxofón, instrumento que, con su ingenio habitual, lo convierte en un gran exponente del espectáculo por su creatividad y versatilidad.

Dj. Augusto Felibertt con el único y virtuoso Víctor Cuica
Dj. Augusto Felibertt con el único y virtuoso Víctor Cuica

Su talento ha recorrido diversos escenarios en Europa y América. Su propuesta se proyecta más allá de lo comercialmente difundido y, hoy, se nos presenta con una genial improvisación musical que no tiene comparación. “

Hoy, el nombre de Víctor Cuica permanece grabado en la historia como el hombre que le dio un color caribeño al Jazz y una voz propia al saxofón venezolano.

Victor Cuica y su Jazz Latino 23 de marzo 1980 en el Teatro Cantv
Victor Cuica y su Jazz Latino 23 de marzo 1980 en el Teatro Cantv

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El Carnaval del Callao un Estallido de Oro, Ritmo y Tradición

25 enero, 2026 by Augusto Felibertt

El latido cultural del estado Bolívar

En el corazón minero de Venezuela, donde el oro dicta el pulso de la tierra, surge cada año una celebración que trasciende el simple festejo: el Carnaval del Callao.

No es solo una fiesta de disfraces, es una crónica viva de resistencia, mestizaje y alegría que ha resonado en el estado Bolívar por más de un siglo. Esta festividad, declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO en 2016, es el resultado de una fascinante mezcla de culturas antillanas, africanas y europeas.

El Carnaval de El Callao de Venezuela, Patrimonio Inmaterial de la Humanidad
El Carnaval de El Callao de Venezuela, Patrimonio Inmaterial de la Humanidad

Un viaje a las raíces: El origen del Calipso

La historia de este carnaval está intrínsecamente ligada a la fiebre del oro del siglo XIX. Inmigrantes de las Antillas británicas y francesas (Trinidad, Granada, Santa Lucía) trajeron consigo sus lenguas (patois), su gastronomía y, sobre todo, su música: el calipso.

A diferencia del calipso trinitario, el Calipso del Callao desarrolló una identidad propia. Se canta en inglés y castellano, acompañado por el bumbac, el rallo, la campana y el cuatro venezolano, creando un ritmo contagioso que narra las penurias y esperanzas de los mineros de la época.

Personajes emblemáticos: Los guardianes de la herencia

El Carnaval del Callao. Un Estallido de Oro, Ritmo y Tradición
El Carnaval del Callao. Un Estallido de Oro, Ritmo y Tradición

Lo que hace único al Carnaval del Callao es su colorida e inamovible jerarquía de personajes, cada uno con un significado profundo:

  • Las Madamas: Son las figuras centrales y pilares de la tradición. Representan a las matronas de las Antillas, vestidas con trajes señoriales de colores vivos, pañoletas atadas a la cabeza (turbantes) y abundantes collares. La figura de Isidora Agnes, la mítica «Negra Isidora», es recordada como la gran defensora de esta cultura.
  • Los Diablos Danzantes: Vestidos de rojo y negro, portan máscaras impresionantes con múltiples cuernos. Su función original era abrir paso a la comparsa y mantener el orden con sus látigos, simbolizando la protección de la festividad.
  • Los Mediopintas: Personajes que deambulan por las calles untados de una mezcla de carbón y melaza. Con humor, amenazan con «pintar» a los transeúntes a menos que estos les den una moneda (medio punto).
  • Los Mineros: Ataviados con sus cascos y herramientas, rinden homenaje a la principal actividad económica de la región y a los trabajadores que dieron origen al pueblo.

Más que una fiesta, una identidad

En el corazón minero de Venezuela
En el corazón minero de Venezuela

El Carnaval del Callao es un ejemplo de resiliencia cultural. Durante los días de fiesta, las barreras sociales se disuelven bajo el sonido del bumbac. Las familias se preparan durante todo el año para confeccionar los trajes y ensayar las canciones, transmitiendo este legado de generación en generación.

Visitar El Callao durante estas fechas es sumergirse en un torbellino de energía, historia y hospitalidad, donde cada comparsa cuenta una historia y cada ritmo celebra la libertad.

Isidora Agnes: La Reina Eterna que convirtió el Calipso en Patrimonio de la Humanidad.

Hablar de Isidora Agnes, universalmente conocida como «La Negra Isidora», no es solo recordar a una figura del pasado; es invocar el alma misma del Carnaval de El Callao. Ella fue la fuerza vital que rescató, protegió y proyectó esta tradición hasta elevarla a su estatus actual: Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.

Isidora Agnes La Reina del Calipso de El Calla
Isidora Agnes La Reina del Calipso de El Calla

A continuación, exploramos la vida y el impacto de la mujer que puso el ritmo del bumbac en el mapa del mundo.

Una líder forjada en El Callao

Nacida el 17 de agosto de 1923, Isidora fue mucho más que una figura festiva. De carácter firme y convicciones claras, se destacó como líder social y sindicalista. Su labor como la primera telefonista de la zona no fue casualidad: ese puesto le permitió ser el centro de conexión de su pueblo, escuchando de primera mano las necesidades y carencias de su gente.

Con raíces profundamente antillanas (hija de inmigrantes de Santa Lucía y Martinica), Isidora creció con el calipso en la sangre, lo que la llevó a defender su identidad con ferocidad en una época donde la tradición comenzaba a desvanecerse.

El rescate de una tradición en declive

A mediados del siglo XX, el Carnaval de El Callao atravesaba una crisis de identidad y perdía fuerza frente a otras influencias. Isidora, decidida a no dejar morir su herencia, emprendió una cruzada cultural:

  • Institucionalización: En 1954 fundó la «Asociación Amigos del Calipso», dándole una estructura formal a la festividad.
  • Disciplina y Estética: Organizó las comparsas bajo estándares de autenticidad, exigiendo rigor en la confección de los trajes y respeto por la música tradicional.
  • Proyección Nacional: Llevó el calipso fuera de las fronteras del estado Bolívar. Gracias a ella, Caracas y el resto de Venezuela conocieron el retumbar del bumbac y los coros en patois.

La «Madama» por excelencia

Si bien el Carnaval de El Callao cuenta con múltiples «Madamas» personajes que rinden honor a las matronas afroantillanas, Isidora se convirtió en el referente máximo. Ella no solo vestía el traje; personificaba la elegancia, el respeto y la alegría señorial de la figura. Su presencia en las calles dictaba el ritmo de la fiesta.

Más allá del baile: Su legado social

El compromiso de «La Negra» Isidora no terminaba cuando se guardaban los tambores. Fue una defensora incansable de El Callao. Se cuenta que «no le temblaba el pulso» para viajar hasta el Palacio de Miraflores y exigir a los presidentes de turno las mejoras que su pueblo merecía, logrando hitos como la instalación de la red de cloacas y la construcción del hospital local.

Isidora Agnes
Isidora Agnes

Datos que perpetúan su mito

  • El Himno del Carnaval: La famosa pieza «Isidora, Isidora, Isidora Callao Calipso Queen», compuesta por su entrañable amiga Lulú Basanta, es considerada hoy el himno no oficial de estas fiestas.
  • Una despedida poética: Falleció el 5 de marzo de 1986. Irónicamente, fue un Miércoles de Ceniza, el día en que termina el carnaval. Fue despedida con honores de Estado y, como fue su última voluntad, al ritmo del calipso.
  • Honor en el calendario: En conmemoración a su nacimiento, cada 17 de agosto se celebra el Día Municipal del Calipso en El Callao.

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